viernes, 8 de agosto de 2025

"MEMORIAS DE DMITRI SHOSTAKÓVICH", DE RNE, EN EL 50 ANIVERSARIO DE SU MUERTE


Memorias de Dmitri Shostakóvich. (1ª entrega)

“Uno puede decir la verdad sobre el pasado o no. Es muy duro recordar el pasado y aún más, hacerlo en nombre de la verdad. Si miro atrás no veo más que ruinas, sólo montañas de cuerpos. Y no deseo construir nuevos Potemkin sobre esas ruinas”.

La vida y la obra de Dmitri Shostakóvich (Petrogrado, 25 de septiembre de 1906- Moscú, 9 de agosto de 1975) reflejan que muy pocos artistas han estado tan enraizados como él en las circunstancias sociales, políticas y culturales de su tiempo. Sinfonías, cuartetos de cuerda, óperas, música de cámara, piano, música para cine y teatro… Escribió las bandas sonoras de 35 películas, aunque son incontables las partituras de cine que le deben más que simple inspiración.

“Intentaré decir la verdad. No es fácil. He sido testigo de muchas cosas. De cosas muy importantes. He conocido a gente muy destacada. Intentaré contar lo que sé sobre esa gente sin maquillar ni falsificar nada. Podría ser el testimonio de un testigo ocular…”

Shostakóvich, un hijo de la Revolución, demostró en su conflicto con Stalin que la teoría política no es aplicable a la creación musical, y que el choque entre ambas puede estimular aún más el talento de un músico genial…

https://www.rtve.es/play/audios/videodrome/videodrome-memorias-dmitri-shostakovich-1a-entrega-07-07-19/5304906/ 

Memorias de Dmitri Shostakóvich. (2ª entrega)

“Lady Macbeth” puede definirse como una ópera trágico-satírica. Aunque Katerina Lvovna acaba asesinando a su esposo y a su suegro, yo siento una gran simpatía por ella.

La lectura de Lady Macbeth del distrito de Mtsensk (Mesensk) de Nikolái Leskov, publicada por primera vez en 1865, le proporcionó a Dimitri Shostakóvich nuevos y muchos motivos de inspiración. La novela se había reeditado a finales de los años 20 con ilustraciones de Borís Kustódiev. La obra narra el drama de Katerina Lvovna (Lovovna), una mujer joven que ha sido vendida como esposa a un marido del que se ve despreciada. Pronto se siente atraída por Serguéi, un simple obrero. Durante un viaje de negocios de su marido, su suegro se enfrenta a ella por su adulterio y le mata. Matará después al marido, cuyo cadáver aparecerá el día de su boda con Serguéí…

Me he esforzado en dar un carácter siniestro satírico a todas las circunstancias que la rodean. Por supuesto, no entiendo la palabra “satírico” en el sentido de “ridículo burlesco”. Todo lo contrario, lo que he intentado en “Lady Macbeth” es crear una ópera que sea una sátira desenmascaradora, que obligue a odiar todo ese horrible egoísmo del insultante mundo de los comerciantes…

https://www.rtve.es/play/audios/videodrome/videodrome-memorias-dmitri-shostakovich-2a-entrega-14-07-19/5304905/ 

Memorias de Dmitri Shostakóvich. (3ª entrega)

Después de la gira en Turquía, que tuvo gran repercusión en los periódicos, inicie una gira por el país ya que había sido invitado a dar conciertos a lo largo y ancho del territorio. En uno de estos viajes, estuve varios días en Moscú donde asistí a una representación de Lady Macbeth en el Bolshoi. A esa representación asistió el camarada Stalin. A la mañana siguiente dejé Moscú y emprendí viaje a Arcángel, donde tenía que ir a interpretar la Sonata para chelo y piano con el dedicatario de la obra, Viktor Kubatsky. Al llegar a la estación para iniciar el viaje compré el periódico. Era el 28 de enero de 1936. En la tercera página había un artículo titulado “Caos en lugar de música”. Nunca olvidaré ese día.

La ópera desapareció de los teatros. Se organizaron actos para repetir machaconamente la palabra “caos”. La gente se fue apartando de mí. Había una frase en el artículo que decía que “esto podía terminar mal”. Todo el mundo pensó en que el mal estaba por llegar. Desde ese momento yo era considerado “un enemigo del pueblo”, y no creo que sea necesario agregar lo que significaba algo así en aquellos días…

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Memorias de Dmitri Shostakóvich. (4ª entrega)

El 18 de abril de 1937, Shostakóvich empezó a escribir en Crimea una nueva sinfonía, la quinta.

Gaspra era un lugar maravilloso. Me traía recuerdos… los días felices que en mi juventud pasé allí con Kustódiev; mi primer amor, Tatiana. Allí, en primavera, a orillas del mar, mientras en Leningrado llueve sin parar, brilla el sol y hace una temperatura muy agradable. En aquella casa trabajé bien. El tercer movimiento lo escribí en sólo tres días… Algunos temas surgieron del sueño; por la mañana sólo tenía que transcribirlos.

Cuando el 2 de junio partió rumbo a Leningrado ya tenía escritos los tres primeros movimientos de su nueva obra.

Cuando llegué a Leningrado me encontré con que mi cuñado acababa de ser detenido, y mi hermana deportada a Siberia.

Los ensayos duraron cinco días. El 21 de noviembre de 1937 se estrenó la Quinta Sinfonía en re menor de Shostakóvich…

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Memorias de Dimitri Shostakóvic. (5ª entrega)

Al amanecer del día 22 de junio de 1941 las tropas alemanas comenzaban la invasión de la Unión Soviética.

La noticia le llegó a Shostakóvich durante los exámenes de piano del Conservatorio de Leningrado. No se interrumpieron las pruebas a los alumnos, aunque junto a otros profesores, el compositor participó en la construcción de las defensas de la ciudad. El 8 de agosto sufrieron los primeros bombardeos de la aviación. Durante 900 días, con sus noches, la ciudad sufriría el asedio del enemigo.

Al comenzar la guerra, el 22 o 23 de junio, me apunté como voluntario en el Ejército. Me contestaron: le admitiremos, pero ahora vuelva, por favor a su puesto y continúe su trabajo. Volví a solicitar el ingreso en el ejército. Habló un comisario conmigo. Me dijo que lo que tenía que hacer era escribir música.

Shostakóvich siguió insistiendo hasta que fue incorporado a la sección de incendios del grupo de defensa aérea. Su misión consistía en la lucha contra los incendios provocados por los bombardeos y en colaborar en la defensa de la ciudad.

El 19 de julio, Dimitri Shostakovich empezó a trabajar en una nueva sinfonía, la Séptima.

Me propuse escribir una obra sobre nuestras gentes, que durante la lucha contra el enemigo se convirtieron en héroes. Mientras trabajaba en la nueva sinfonía pensaba en la grandeza de nuestro pueblo, en su heroísmo, en las maravillosas ideas humanistas, en los valores humanos, en nuestra espléndida naturaleza, en la humanidad, en la belleza. 

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Memorias de Dimitri Shostakóvich. (6ª entrega)

En julio de 1943, Dimitri Shostakóvich comienza a componer su Sinfonía nº8 que terminaría en septiembre. Es una obra escrita en Moscú e Ivánovo, en los meses que siguieron a la batalla de Stalingrado.

Esta obra refleja las ideas y los sentimientos que me inspiran las buenas noticias relativas a las primeras victorias del Ejército Rojo. Intento en ella anticipar el futuro inmediato, la época de posguerra. La concepción filosófica de esta sinfonía se resume en pocas palabras: desaparecerá lo oscuro y lo indigno; triunfará lo bello.

La Sinfonía nº8 se estrenó en Moscú el 8 de noviembre de 1943 y tuvo y no tuvo el éxito de la “Leningrado”. Era una obra difícil para el público general. Los dirigentes culturales no mostraron oficialmente ningún interés por la partitura. De hecho, no se imprimiría hasta 1946. En occidente se escuchó por primera vez el 2 de abril de 1944. Fue en Nueva York por la Orquesta Filarmónica de la CBS bajo la dirección de Artur Rodzinski en un concierto transmitido por la radio y con una audiencia de 25 millones de personas. La Sinfonía nº8 molestó a los burócratas de la cultura, pero la fama mundial del compositor, y, sobre todo, las ramificaciones políticas de la Séptima, evitaron los ataques frontales. Aunque en 1948, casi toda la obra de Shostakóvich sería censurada oficialmente hasta la muerte de Stalin.

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Memorias de Dmitri Shostakóvich. (7ª entrega)

En los primeros años de la posguerra comenzó de nuevo la ofensiva por parte de los dirigentes del partido contra la vida artística y cultural soviética. Al frente de esta ofensiva estaba Andrei Shdanov, Secretario del Comité Central del PCUS hasta su muerte en 1948. En enero de ese año, Shdanov ordenó la convocatoria de una sesión de la sección de Moscú con el fin de confeccionar una lista de los compositores representantes de la orientación formalista. La lista negra.

Ninguna de las obras con influencia musical judía de esa época, la que comprende el final de la II GM y la muerte de Stalin, el Concierto para violín, los Cantos judíos y el cuarteto nº4, pudieron ser interpretados entonces, sólo se pudieron escuchar tras la muerte de Stalin.

El 5 de marzo de 1953 murió Stalin.

“Tras la muerte del líder y maestro, compuse mi Décima Sinfonía. Yo no podía escribir una despedida apoteósica de Stalin. Imposible. La sinfonía es sobre Stalin y sus años en el poder. El segundo movimiento es un retrato del difunto “líder y maestro”.

El 5 de diciembre de 1954, Nina Vasilievna, que acababa de cumplir 45 años, murió repentinamente. Fue enterrada en el cementerio moscovita de Novodévichi…

“En Komárovo todo recuerda a Nina Vasilievna. Le gustaba este lugar e hizo muchos esfuerzos para que nos instaláramos aquí. En definitiva, el verano transcurre entre la esterilidad y la tristeza”.

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Memorias de Dimitri Shostakóvich (8ª entrega)

Los tiempos en la Unión Soviética parecían estar cambiando. En 1957 tuvo lugar el II Congreso de la Unión de Compositores Soviéticos. “En muchos casos el juicio emitido en el anterior congreso sobre las obras de determinados compositores era, con frecuencia, infundado y erróneo… Expresaban la opinión subjetiva del camarada Stalin acerca de determinadas obras de arte y de la actividad creadora de algunos artistas…”

El llamado “deshielo” era un hecho. Pero, en 1958, a raíz de la concesión del Premio Nobel a Boris Pasternak, la política cultural soviética volvió a enfriarse. “En mi caso el “deshielo” fue una realidad…hasta la Sinfonía nº13, Babi Yar, en 1962. A partir de ese momento, y más con la llegada de Brézhnev, mi música volvió a estar bajo sospecha”.

En el verano de 1960, Shostakovich viajó a Dresde para finalizar la música de la película "Cinco días, cinco noches".

“¿Realmente se ha aprendido la lección para que no vuelva a repetirse jamás otra guerra, tras esta tan cruenta y absurda?”

En sólo tres días, entre el 12 y el 14 de Julio, escribió su octavo cuarteto. Este cuarteto es puramente autobiográfico, una obra de increíble fuerza expresiva. Aunque en la partitura pueda leerse: “Dedicado a las víctimas del fascismo y de la guerra”, según Galina, la hija del compositor, su padre dijo al terminarlo: “Me lo dedico a mí mismo”.

“Pensé que, una vez muerto, nadie dedicaría una obra a mi memoria. Así que decidí escribir yo mismo esa obra”.

Dimitri Shostakóvich murió de insuficiencia respiratoria, consecuencia de un cáncer de pulmón, el 9 de agosto de 1975. 

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jueves, 7 de agosto de 2025

"EL AMIGO DEL PUEBLO A LOS PATRIOTAS FRANCESES", TEXTO DE JEAN PAUL MARAT PUBLICADO EN AGOSTO DE 1792

                                    Retrato de Jean-Paul Marat de Joseph Boze (1793)

EL AMIGO DEL PUEBLO A LOS PATRIOTAS FRANCESES

Marat, perseguido durante muchos años y obligado a cambiar de domicilio diariamente, pasando la mayor parte del tiempo en un sótano húmedo, fue finalmente elegido para el Consejo Comunal de París. A continuación, reproducimos un documento de campaña que publicó a principios de agosto de 1792, al menos antes del 10 de agosto, fecha de la toma de las Tullerías y la Proclamación de la República.  

Un hombre que ha vivido oculto durante mucho tiempo para preservar su vida y serviros, hoy abandona su refugio subterráneo e intenta consolidar la victoria en vuestras manos.

Desea demostraros que no es indigno de vuestra confianza y pediros permiso para recordaros que ya en los días en que la tiranía reinaba, os reveló las viles maquinaciones de nuestros crueles enemigos.

Él os predijo que vuestros aliados serían llevados a la masacre por sus generales traidores, y el comienzo de la campaña fue anunciado por tres derrotas vergonzosas; él os predijo que las fronteras de vuestro reino serían entregadas al enemigo, y ya el enemigo ha tomado posesión por segunda vez de la ciudad de Bavay; él os predijo que la mayoría contaminada de la Asamblea Nacional continuaría para siempre traicionando a su país, y sus últimas leyes, que elevaron la indignación del público a su pináculo, fue la provocación de los crueles –pero, ¡ay!– demasiado necesarios acontecimientos de este día.

Él os predijo que seguiríais vendidos para siempre por vuestros infieles administradores, los funcionarios, hasta que no fuerais capaces de decidiros a hacer correr la sangre de vuestros enemigos, para salvar a vuestro país.

Queridos conciudadanos, crean estas palabras de los labios de un hombre que conoce todas las intrigas y conspiraciones, y que no ha cesado sus denuncias durante tres años aún por sobre su propia seguridad.

El glorioso día del 10 de agosto de 1792 puede ser decisivo para el triunfo de la libertad, si demuestran inteligencia al aprovechar las ventajas obtenidas. Muchos de los partidarios del déspota ya han mordido el polvo; sus enemigos irreconciliables parecen atónitos, pero pronto se habrán recuperado del terror y volverán al campo de batalla, más formidables que nunca. Piensen en el juicio de Châtelet, resultado de los sucesos de la noche del 5 al 6 de octubre. Estremeceos, no sea que prestéis oídos a la voz de una compasión mal dirigida. Después de haber derramado su sangre para salvar a su país del abismo, tiemblen, no sea que se conviertan en víctimas de sus tratados secretos. Temblad, no sea que seáis arrancados de vuestras camas por soldados sedientos de sangre en la oscuridad de la noche y seáis arrojados a prisiones subterráneas donde seréis abandonados a vuestra desespe- ración hasta que os arrastren al cadalso.

Repito, deben temer la reacción. Sus enemigos no los perdonarán cuando llegue su hora. ¡Por lo tanto, no tengan piedad ahora! Están perdidos para siempre si no se apresuran a eliminar a todos los miembros corruptos de la administración municipal, de los Departamentos, a todos los jueces de paz antipatriotas y a los miembros más contaminados de la Asamblea Nacional. Digo, de la Asamblea Nacional; ¿por qué un prejuicio fatal, una excepción ruinosa de respeto hacia ellos, debería perdonar a los miembros de ese cuerpo? No se cansan de decirles que, por muy mala que sea la Asamblea, es necesario obedecerla una vez más. Esto equivaldría a pedirles que se reúnan sobre la bomba que yace oculta bajo sus pies y que confíen la salvaguardia de su destino a sinvergüenzas decididos a destruirlos. No olviden que la Asamblea Nacional es su enemigo más peligroso; una vez que se consolide firmemente, hará todo lo posible por destruiros; y mientras tengan armas en sus manos, los adulará y tratará de acallarlos con falsas promesas. Iniciará maquinaciones secretas para anular vuestros esfuerzos; y si alguna vez logra hacerlo, os entregará a la merced de la soldadesca a sueldo del campamento. ¡No olvidéis el baño de sangre en Champs de Mars!

Nadie aborrece el derramamiento de sangre más que yo. Pero, para evitar la necesidad de derramar una onza de sangre, les suplico encarecidamente que derramen unas gotas, para conciliar los deberes de humanidad con su solicitud por el bienestar público; propongo que ejecuten a uno de cada diez hombres entre los miembros contrarrevolucionarios de la Administración Municipal, los Jueces de Paz, el Departamento y la Asamblea Nacional. Si se resisten a esto, no olviden que la sangre derramada hoy será una pérdida neta y que nada se habrá logrado en favor de la libertad.

Pero, sobre todas las cosas, tomen al Rey, a su esposa y a su hijo como rehenes, y dejen que sea presentado al pueblo cuatro veces al día hasta que se dicte su sentencia final. Y, ya que a él le corresponde liberarnos para siempre de nuestros enemigos, explíquenle que si los austriacos y los prusianos no se retiran en dos semanas a una línea a veinte millas más allá de las fronteras, para no regresar jamás, entonces su propia cabeza rodará bajo sus pies. Déjenlo redactar de su puño y letra esta condena aterradora, y enviarla a sus cómplices coronados; a él le corresponderá liberarlos a ustedes de la necesidad de ejecutarlo.

También detened a las personas del antiguo ministerio y engrilladlos. Todos los miembros contrarrevolucionarios del Estado Mayor de París deben ser ejecutados; todos los oficiales antipatriotas deben ser separados de sus batallones; desarmad a los infestos batallones de Saint-Roche, de las Filles-Saint-Thomas, de Notre-Dame, de Saint-Jean- en-Grève y de los Enfants Rouges. Todos los ciudadanos patriotas deben ser armados y pertrechados de abundante munición.

Demandad la convocatoria de una Convención Nacional con el fin de condenar al Rey y reformar la Constitución; sobre todo, sus miembros no deben ser elegidos por un cuerpo independiente de electores, sino por el voto directo del pueblo. 

Que se decrete el retorno inmediato de todos los regimientos extranjeros y suizos, pues han demostrado ser enemigos de la Revolución. ¡Temblad, estremeceos, no sea que dejéis pasar ni una sola de las oportunidades que os ha puesto en las manos el genio protector de Francia para escapar de este abismo y consolidar vuestra libertad para siempre! 

“L’Ami du Peuple”, Agosto de 1792.

Fuente: El Sudamericano 

miércoles, 6 de agosto de 2025

"MARÍA DE LA PAZ", OBRA SINFÓNICA DEL COMPOSITOR COMUNISTA JOSÉ FLORES EN RECUERDO A LAS VÍCTIMAS DE HIROSHIMA, EN EL 80 ANIVERSARIO DEL LANZAMIENTO DE LA BOMBA ATÓMICA POR PARTE DE EE.UU.

"María de la paz" para coro y orquesta. es una de las obras sinfónicas de mayor significación en la historia de la música del Paraguay y forma parte de la trilogía, junto a Pyhare Pyte y Ñanderuvusu, que elevó la música sinfónica a niveles nunca antes alcanzado, a través de las memorables interpretaciones en Moscú por la Orquesta Sinfónica y el Coro Unido de Radio Moscú en la década del 60. Compuesta en 1953 en homenaje a la paz mundial y en recuerdo a las víctimas de Hiroshima.

La obra tuvo su estreno mundial en 1961 en la ciudad de Rosario, Argentina. Don Oscar Mendoza cantó Guyrau, dirigido por la Orquesta del Maestro José Asunción Flores. En 1991 después de la caída de la dictadura, la pudo conocer el público paraguayo por medio de las interpretaciones de la OSCA bajo la dirección de Luis Szaran.

La histórica primera audición contó con la presencia del poeta Elvio Romero, autor de los textos, quien recibió la mayor ovación en la historia de los conciertos de la capital. De pie el público, aplaudió a Romero y la OSCA por más de 12 minutos.

Durante esa presentación Elvio Romero señaló acerca de la obra: Letra y música conjugan una melodía de amor, un intenso afán de acercamiento entre los hombres. Al fin y al cabo, nuestra paloma también estaba herida, pues salía de un nido maltratado por la prepotencia, la altanería, por la grotesca felonía de un mandón que ensuciaría, por más de treinta años la atmósfera de la patria. Tenía ya el ala quebrada por los años sombríos.

José Flores fue miembro del Comité Central del Partido Comunista Paraguayo, siendo galardonado con la Orden Nacional al Mérito en 1949. Sin embargo, rechazó la distinción en protesta por el asesinato del estudiante Mariano Roque Alonso en una manifestación contra el gobierno. Debido a ello, fue tratado como traidor a la Patria por el gobierno de Alfredo Stroessner  presidente de Paraguay que lo envió al exilio, impidiéndole a pesar de estar enfermo, víctima del mal de Chagas, el deseo de ver su país y su gente antes de morir. Lo único que se permitió fue seguir pasando por radio las Guaranias.

José Agustín Volta Flores murió en Buenos Aires el 16 de mayo de 1972. Tras el derrocamiento de  Stroessner, en 1991 habiendo sido designado miembro del Consejo Mundial de la Paz, sus restos fueron trasladados a Asunción y depositados en la plaza dedicada a él y a Ortiz Guerrero.

Fuente: Historia de la Sinfonía 

martes, 5 de agosto de 2025

ESTRENADA EN ESPAÑA "LA GRAN AMBICIÓN", PELÍCULA SOBRE EL DIRIGENTE COMUNISTA ITALIANO ENRICO BERLINGUER

Título: La gran ambición
Dirección: Andrea Segre
Intérpretes: Elio Germano, Paolo Pierobon, Roberto Citran, Stefano Abbati, Francesco Acquaroli
País: Italia, Bélgica, Bulgaria
Año: 2024
Fecha de estreno: 1-08-2025  
Guion: Andrea Segre, Marco Pettenello
Duración: 95 min.
 
Nostalgia de la historia que pudo haber sido

La gran ambición reconstruye los años decisivos de Enrico Berlinguer, secretario general del Partido Comunista Italiano entre 1973 y 1978. La película sigue los pasos del llamado “compromiso histórico”, aquella apuesta arriesgada por un acuerdo entre el PCI y la Democracia Cristiana que pudo haber cambiado no solo la historia de Italia, sino también la de Europa. Ese futuro truncado por el asesinato de Aldo Moro sirve aquí como eje de una reflexión serena y profunda sobre cómo una política basada en ideales y convicciones pudo derrumbarse en el centro mismo de un sistema que se creía democrático.

La película se mueve entre el retrato íntimo y la evocación política. Elio Germano, galardonado por su papel, encarna a Berlinguer con una mezcla de gravedad, contención y humanidad. No estamos ante un líder carismático al estilo actual, magnético y mediático, sino ante un hombre cuya fuerza estaba en la claridad de sus ideas y en su forma de vida. Germano, como Berlinguer, transmite timidez, sobriedad y una firmeza interior que se traduce en presencia política. Berlinguer aparece como una figura completamente ajena al espectáculo, cuya autoridad se construye en la honestidad y la valentía (su discurso en Moscú revela a un hombre valeroso en extremo) y cuya fragilidad personal lo hace aún más creíble.

El enfoque de Segre en La gran ambición es dejar que la cámara observe con tranquilidad y distancia, con una cierta sobriedad de puesta en escena, y dejando el protagonismo al contenido: el retrato de una forma de hacer política que no se construye sobre los efectos, sino sobre la coherencia. Inspirado por el pensamiento de Gramsci, Berlinguer se nos presenta como alguien impregnado de honestidad, lo que lleva inevitablemente a la reflexión sobre el presente: qué hemos hecho con aquella política que pensaba antes de actuar, que dudaba, que dialogaba, que buscaba transformar sin destruir.

Drama político con mensaje

La gran ambición se muestra como un drama político en el que no se trata todo de un juego de poder. Nos habla de una izquierda con mensaje, con entrega, con debate interno, y este retrato se enfrenta, en la mente del espectador, al paisaje contemporáneo, dominado por la búsqueda de adhesiones inmediatas, por la acumulación de seguidores, por la puesta en escena constante. Esta película pareciera una reivindicación de la política como proyecto común. Berlinguer es un líder con un objetivo para el país y guiado por sus principios, y el espectador no puede dejar de preguntarse si otro rumbo para Italia hubiese sido posible. La película deja entrever una nostalgia contenida por aquella Italia que no fue: menos convulsa, más constructiva, más lúcida.

La película opta claramente por centrarse en su protagonista. En ese sentido, se trata de un estudio de personaje más que de un fresco histórico. Las complejidades del contexto político quedan relegadas o suavizadas, y otras figuras clave de aquel momento —como Moro— aparecen apenas delineadas. Se trata de una biografía en la que se privilegia la fidelidad emocional por encima de la contextualización histórica, y tiene el efecto indirecto de despertar la curiosidad del espectador por ese momento en el tiempo.

Pese a ello, La gran ambición conmueve. Su poder reside en el contraste entre su tono contenido y la fuerza de lo que cuenta. En tiempos en que la política parece haber perdido densidad y horizonte, La gran ambición recupera la figura de un político honesto, reflexivo y comprometido, que busca transmitir el mensaje de que, en algún momento no tan lejano, hubo quienes quisieron y pudieron cambiar para bien el cariz de la historia.

Laura Zurita

Fuente: No es cine todo lo que reluce

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lunes, 4 de agosto de 2025

EDITORIAL SATORI PUBLICA "KANIKOSEN, EL CANGREJERO Y OTROS RELATOS PROLETARIOS", DEL ESCRITOR COMUNISTA JAPONÉS TAKIJI KOBAYASHI

Kanikosen, El cangrejero y otros relatos proletarios
KOBAYASHI TAKIJI
Traducción de Enrique Mora y Alejandro Sánchez 
Editorial Satori
ISBN: 978-84-10404-11-3
PVP: 25,00€
Páginas: 280
Año: 2025 

Sinopsis

En un mundo dominado por la explotación voraz y la injusticia sistemática, la literatura se convierte en un arma arrojadiza. Takiji Kobayashi, el gran exponente de la narrativa proletaria japonesa, empuñó su pluma sin miedo para denunciar las condiciones inhumanas de los trabajadores y pagó con su vida el precio de su valentía.

Esta antología reúne sus relatos más emblemáticos, encabezados por su obra maestra, El cangrejero (Kanikosen), un feroz retrato de la brutalidad capitalista a bordo de un barco factoría, donde los tripulantes son reducidos a meras piezas de una maquinaria despiadada.

Con un estilo directo y una fuerza arrolladora, Kobayashi plasma la agónica desesperación de los explotados, pero también su determinación por luchar, en historias cargadas de realismo y emoción que son un testimonio conmovedor de la dignidad humana.

KOBAYASHI TAKIJI (1903-1933) nació en el seno de una humilde familia de granjeros y asistió al Instituto Superior de Comercio de Otaru, donde destacó como promesa literaria. Tras graduarse en 1924, comenzó a trabajar en un banco de Sapporo. Al año siguiente acudió a Tokio para presentarse, sin éxito, al examen de acceso de la Universidad de Comercio. Impresionado e inspirado por el realismo y el humanitarismo de la obra de Shiga Naoya y el grupo Shirakaba, Kobayashi desarrolla en sus primeros relatos una sincera preocupación idealista por los problemas sociales, al tiempo que comienza a profundizar en sus estudios sobre marxismo. En 1926, Kobayashi entró en contacto con los movimientos obreros de Otaru y participó en varias huelgas. Sufrió en su propia carne la brutalidad policial y la represión política, vivencias que plasmó en «15 de marzo de 1928», «Vida de un militante» o Kanikosen, que lo encumbraron como escritor insignia del movimiento proletario. Tras ser despedido del banco, se trasladó a Tokio en 1930 para entregarse en cuerpo y alma a la literatura y al movimiento. Sujeto al acoso policial, Kobayashi pasó a la clandestinidad en 1932, pero continuó publicando bajo seudónimo. Traicionado por un policía infiltrado, fue apresado el 20 de febrero de 1933 y murió en la cárcel al día siguiente como resultado de la brutalidad del interrogatorio al que fue sometido.

 

domingo, 3 de agosto de 2025

"LA MASACRE DE RUE TRANSNONAIN, EL 15 DE ABRIL DE 1834", DE HONORÉ DAUMIER


Honoré Daumier
Rue Transnonain, le 15 Avril 1834
Litografía
33.9 x 46.5 cm
Galería de Arte de la Universidad de Yale 
Publicado en La Association Mensuelle”, núm. 24, agosto-septiembre de 1834

La masacre

Todos en París sabían lo que había sucedido en el edificio de departamentos. Fue en la esquina de dos calles: rue Transnonain y rue de Montmorency. La noche del 13 de abril de 1834, soldados de la guardia civil ingresaron al edificio yendo de departamento en departamento. Los trabajadores del barrio habían protestado contra la represión de una revuelta de los trabajadores de la seda en la ciudad de Lyon. Posteriormente, los soldados ingresaron al edificio de departamentos en respuesta a los disparos realizados desde el último piso durante la toma de protesta. Años después, los sobrevivientes recordaron haber escuchado golpes en las puertas de los departamentos mientras los soldados se abrieron paso en disparos, bayoneteo y discotecas a los desventurados residentes.

Monsieur Thierry fue asesinado mientras aún estaba en su ropa de cama, Monsieur Guettard y Monsieur Robichet tuvieron la misma suerte. Receptor de la Legión de Honor francesa, Monsieur Bon fue asesinado mientras intentaba esconderse debajo de una mesa. Mataron a Monsieur Daubigny, un hombre paralizado, en su cama y dejaron por muerto a su esposa e hijo. Monsieur Bréfort fue asesinado en cuanto abrió la puerta y Monsieur Hue y su hijo de cuatro años se encontraron con la misma suerte. En los periódicos conservadores se hablaba de un nido de asesinos disparando contra soldados, los periódicos más liberales ofrecían relatos detallados de las víctimas.

Los parisinos habían vivido con la represión política impuesta por la policía y la guardia civil durante años y las batallas callejeras no eran nada nuevo. La Revolución de 1830, inspiración para la pintura de Delacroix La libertad liderando al pueblo, había derrocado a la monarquía represiva que seguía el gobierno de Napoleón. El nuevo gobernante, Luis Felipe se llamaba a sí mismo el Rey de los franceses y se suponía que era más liberal. En cambio, reprimió la disidencia pública y la prensa al igual que sus predecesores. Quienes querían las libertades prometidas por la Revolución Francesa de 1789 intentaron otra rebelión en junio de 1832. El escritor, Víctor Hugo, conmemoró esa insurrección que dejó más de 100 muertos en las calles del centro de París, en su libro Los Miserables. De alguna manera, lo que pasó en la rue Transnonain fue diferente.

Artista de clase obrera

Honoré Daumier llegó a París cuando era niño cuando su padre, vidriero y fabricante de marcos, trasladó a su familia para perseguir sus ambiciones literarias. La familia nunca estuvo acomodada y Daumier trabajó desde los doce años para libreros y como chico de recados para un bufete de abogados para ayudarles a apoyarlos. Un amigo de la familia, el anticuario y arqueólogo Alexandre Lenoir, dio clases informales de dibujo al joven Daumier porque la familia no podía permitirse ninguna formación formal para el joven artista talentoso.

Daumier continuó dibujando y estudiando por su cuenta, visitando el Louvre para dibujar escultura y la Académie Suisse, un estudio económico sin instructor, donde podía dibujar del desnudo. A pesar de que se convirtió en un artista ampliamente respetado en París, Daumier nunca se alejó de sus orígenes obreros, y tal vez esto le dio la inmensa empatía que encontró en su interpretación de los que perecieron en la rue Transnonain.

La impresión es una litografía, utiliza tintas a base de piedra caliza y aceite para crear luces y sombras similares al dibujo o la pintura. Daumier experimentó con esta técnica cuando era un joven adolescente y posteriormente realizó un trabajo trabajando para un grabador. Para 1834, se había establecido como caricaturista y caricaturista político, trabajando para el editor Charles Philipon creando litografías para sus revistas satíricas e ilustradas La Caricature y, después de 1835, Le Charivari. A lo largo de su carrera, Daumier publicó más de 3 mil litografías.

Cómo mostrar una masacre

Entre estas muchas litografías, Rue Transnonain destaca por su tono brutal y su inquebrantable comentario sobre lo que había ocurrido hace poco. Daumier reúne a un grupo de cuatro cuerpos en un solo espacio, y zonas extremas de luz y oscuridad, para darle al espectador una imagen que resumiera la violencia de esa noche.

Un hombre muerto con su camisón ensangrentado, recién levantado de la cama arrugada, yace boca abajo a través de la composición con su cuerpo descansando sobre un niño azotado. La cabeza y las manos gorditas del niño simplemente emergen de debajo del hombre. Quizás estos cuerpos, escorzados y moviéndose hacia el espectador, aluden al señor Hue y a su hijo. A la izquierda del hombre y del niño, la cabeza de un hombre mayor entra en escena desde el borde del papel, frente a una silla derribada. Estos cuerpos, iluminados con una luz dramática, complementan la porción más oscura de la composición al otro lado de la sábana donde el cadáver de una mujer se aleja del espectador hacia la oscuridad en la parte trasera del departamento. Marcas oscuras, probables manchas de sangre, ensucian el piso. El grabado no es una imagen documental sino una diseñada para evocar la brutalidad del evento en los términos más cruzados. Aquí no hay acción ni drama; en cambio, Daumier deja al espectador solo con la quietud y el silencio de la muerte.

Daumier conocía el riesgo

En los años que rodearon la publicación de Rue Transnonain, periodistas, editores y grabadores podrían enfrentar cargos penales, multas e incluso encarcelamiento por sus publicaciones. En 1831, Daumier había creado una impresión titulada Gargantua que representa a Louis-Philippe, el rey de los franceses, como una gota corpulenta con una lengua de cinta transportadora de gran tamaño que consume dinero proporcionado por los trabajadores de Francia (Gargantua es también el nombre de un gigante en una serie de novelas escritas en del siglo XVI por Rabelais). Por esta obra, Daumier y su editor Philipon fueron acusados, juzgados y sentenciados a seis meses de prisión. Al comenzar a trabajar en la huella, Rue Transnonain, Daumier entendió el riesgo que estaba tomando.

Honoré Daumier, Gargantua, 1831, litografía, 23/5 x 30.6 cm (Galería de Arte de la Universidad de Yale)

Daumier creó Rue Transnonain para la suscripción impresa, L'Association Mensuelle Lithographique y la publicó en agosto de 1834. Fundada por Philipon, mientras cumplía condena en prisión por la publicación de Gargantua, L'Association Mensuelle distribuyó caricaturas a los suscriptores mensualmente y los fondos recaudados apoyaron la libertad de prensa y ayudaron a pagar la multas gubernamentales.

Rue Transnonain fue la última litografía publicada en esa serie. Si bien los censores gubernamentales habían aprobado la impresión, cuando se exhibió en la ventana de un vendedor de impresiones, la policía tomó nota y rápidamente intentó localizar tantas copias como pudieron. La policía también confiscaron la piedra litográfica para que no se pudieran hacer más huellas. El resto de las impresiones originales de la Rue Transnonain de Daumier se encuentran entre las obras más valoradas de Daumier. Después de que publicaron Rue Transnonain, Daumier y Philipon evitaron la persecución pero el costo final fue alto. El gobierno aprobó una nueva ley que restringe la libertad de prensa y proscribió la caricatura política. En consecuencia, Daumier cambió su tema, apartando la mirada de la crítica política directa y hacia el comentario social.

Fuente: LibreTexts

sábado, 2 de agosto de 2025

"PIROSMANI". PELÍCULA SOVIÉTICA SOBRE EL PINTOR GEORGIANO NIKO PIROSMANASHVILI

Título: Pirosmani
País: URSS
Año: 1969
Duración: 81 min.
Dirección: GIORGI SHENGELAIA
Guión: Erlom Akhvlediani, Giorgi Shengelaia.
Música: Nodar Gabunia, Vakhtang Kukhianidze.
Fotografía: Konstantin Apryatin, Dudar Margievi, Aleqsandre Rekhviashvili.
Intérpretes: Avtandil Varazi, Dodo Abashidze, Givi Aleqsandria, Spartak Bagashvili, Teimuraz Beridze, Kote Daushvili

«Tengo otras películas que amo mucho, pero la que es más importante para mí es ‘Pirosmani’. Cuando tocas a ‘Pirosmani’, me tocas a mí.
Expresa la vieja Georgia, no la Georgia de hoy»

(Giorgi Shengelaia)


El director moscovita de origen georgiano Giorgi Shengelaia (1937-2020) vio a algunos de sus contemporáneos sucumbir jóvenes bajo el yugo del sistema del cine soviético en tiempos de Iósif Stalin, cuya política cultural, denominada realismo socialista, marcó un rechazo a las vanguardias y a la libertad creativa en pos de un proyecto artístico unívoco de formas decimonónicas y carácter propagandístico. Pero Giorgi Shengelaia, próximo en espíritu a otros autores como Andrei Tarkovsky y Serguéi Paradzhánov (quien, igual que Shengelaia en 1961, dedicaría un documental a Niko Pirosmani), incluso después de la caída del dictador y su muro censor en 1953, y hasta de la llegada de la Perestroika en 1987, siempre se sintió fuera de sincronía con el mundo del arte moderno que él mismo había ayudado a crear.

La cineasta georgiana Russudan Glurjidze (House of Others, 2016), que durante su etapa estudiantil recibió clases de dirección de cine y guión impartidas por el también profesor Giorgi Shengelaia en la Universidad de Cine y Teatro Shota Rustaveli de Tbilisi, una de las universidades más importantes y antiguas del Cáucaso, recuerda con cariño sus enseñanzas. «En su opinión, los sueños siempre prevalecían sobre la rutina», dice Glurjidze. Aunque conservador con respecto a la tradición y la familia, Shengelaia fue un «rebelde e innovador» que alentó a sus alumnos a experimentar con valentía: «Lo primero que nos enseñó fue pensar sin autocensura, límites y dogmas. En nuestro primer año, apagó el sonido y nos dijo que si no entendía nuestras películas sin diálogo, no eran cine».



El mejor y más conocido filme de los catorce que dirigió (desde 1961 a 2005) el ocasionalmente actor Giorgi Shengelaia es, sin lugar a dudas, Pirosmani (1969). La pieza maestra de su arte, ganadora del premio Hugo de Oro en el Festival de Cine de Chicago del año 1974, es una representación serena, poética e idiosincrática de la vida adulta del gran pintor primitivista de Georgia, Niko Pirosmanashvili, más conocido como Niko Pirosmani, el cual sólo se hizo famoso tras su muerte, pese a que antes ya gozaba de cierta popularidad local (en la película encarnado por el bressoniano actor no profesional Avtandil Varazi, casualmente también pintor en la vida real). Nacido en 1862 en el seno de una familia campesina y de origen humilde en el pueblo de Mirzaani, en la región montañosa de Kakheti, y pronto huérfano, Niko fue un hombre solitario cuya desoladora existencia estuvo marcada por la pobreza, la incomprensión, el talento innato para pintar y una triste historia de amor.

Se sabe que Pirosmani se enamoró instantáneamente de la bailarina francesa Margarita al verla actuar en un restaurante con motivo de su visita a Tbilisi (momento que aparece retratado brevemente en la cinta). Niko vendió inmediatamente todas sus pertenencias, incluida su casa, para comprar todas las flores de la ciudad y enviarlas a Margarita como muestra de su amor. La gente decía que Margarita le dio al artista su primer y último beso. Desafortunadamente, varios días después la bailarina abandonó Georgia acompañada de un admirador rico. A partir de entonces, Pirosmani vivió en una pequeña habitación bajo las escaleras de un edificio ruinoso de Tbilisi. Su única fuente de ingresos, que apenas le alcanzaba para comprar pintura, eran sus cuadros que vendía muy baratos (Niko no creía en su obra pictórica) y los trabajos que realizaba como albañil o pintando las paredes de las tabernas, que a cambio le daban comida y bebida. El georgiano al que nadie enseñó a pintar y nunca supo de su grandeza, acabó muriendo en la más absoluta miseria aquejado de alcoholismo y desnutrición en al año 1918. Actualmente su obra es costosa y conocida en todo el mundo.



Pirosmani no es un biopic convencional ni un encadenamiento lineal o cronológico de acontecimientos, sino que está compuesto por retazos vitales del legendario pintor, momentos éstos que se alternan con otros en los que dos expertos en arte admiran sus cuadros y, en cierto sentido, tratan de recomponer las piezas de su biografía. Shengelaia presenta a Pirosmani como el artista inadaptado y torturado por excelencia de antaño, como un monje llamado a crear y condenado a sufrir a manos de una sociedad banal y pragmática que se burla de él y no es capaz de entender su estilo de vida bohemio, su forma de pintar ajena a los cánones y su nulo interés por el negocio del arte. Fiel a sus principios, el pintor decía: «Seguiré haciendo como hasta ahora: arar y sembrar. Nunca he tenido ni tendré amos. Cuando sentía deseos de pintar, pintaba». Además de enseñar muchas de las pinturas del artista, la película se impregna de su esencia y parece encarnarlas, lo que tiene sentido conociendo que en Georgia el arte es un asunto familiar y que Shengelaia, que no era una excepción, pasó su infancia escudriñando los cuadros de Pirosmani que veía cada vez que visitaba con sus padres la casa de sus amigos intelectuales. Más tarde, estudiando en la escuela de cine VGIK de Moscú con el pionero del montaje Dovzhenko, Shengelaia decidió «encontrar un modo de dar forma a estos recuerdos de la infancia».

La cinta de Shengelaia, pues, se construye a partir de una sucesión de cuadros similares a los que pintaba Pirosmani, cuyo estilo, cercano al arte naif e incardinado en el primitivismo, privilegia las formas sencillas, los motivos folclóricos georgianos y el retrato de gente común y animales. Muchos planos son aquí una reproducción fiel y elaborada de la obra de Pirosmani, y los que no lo son mantienen su composición y tratamiento cromático. Esta puesta en escena marcadamente pictórica y teatralizada destaca por la atención al detalle y la disposición muy pensada de personajes y elementos dentro del marco, los cuales permanecen quietos o se mueven, como la cámara, muy lentamente. Por su parte, la excepcional y apagada fotografía en tonos pastel, unida al magnífico uso de las localizaciones interiores y al aire libre y del vestuario y atuendos típicos, ayudan a reflejar de manera muy hermosa y realista la vida rural y el carácter del pueblo georgiano de principios del siglo XX, dejando traslucir el amor que sentía el director por la tierra de sus orígenes y sus tradiciones, además de por su legado artístico.



Pirosmani muestra sensiblemente un modo diferente de entender el arte, la vida y el mundo a través de la figura del enigmático pintor Niko Pirosmanashvili, un modo de entender que en algunos aspectos se asemeja al pensamiento del propio Giorgi Shengelaia. Una película melancólica y de belleza primitiva, realizada con óptica de autor y en las antípodas de la pretenciosidad, que se vanagloria de ser uno de los tesoros mejor guardados del cine soviético de raíz caucásica y, a la vez, uno de los biopics más extraños y fabulosos del cine universal.


«No puedo entender cómo reaccionarían Sócrates o Platón ante las computadoras»

(Giorgi Shengelaia)

Fuente: El Hombre Martillo 

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:

viernes, 1 de agosto de 2025

OBRAS SOBRE EL ÉXODO Y EL EXILIO, DE JOSEP FRANCH-CLAPERS, EN EL MUSEO DE HISTORIA DE CATALUÑA

 

Josep Franch-Clapers. El éxodo. El exilio

En 1989, el artista hizo una donación generosa y desinteresada de una parte muy considerable de su obra a la Generalitat de Catalunya. Una obra plástica que, además de ser un importante legado artístico, se ha convertido en un excepcional y singular documento para conocer mejor uno de los episodios más dramáticos de nuestro país: la retirada de miles de personas hacia la frontera con Francia, huyendo de la cruel represión de los vencedores de la Guerra Civil, así como su posterior internamiento en campos de refugiados en el Estado francés.

Josep Franch-Clapers, exiliado e internado en estos campos de refugiados, captó a través del dibujo y la pintura, con gran realismo, intensidad y emotividad, la dureza y el dramatismo de un pueblo que había perdido la guerra y las libertades. Un pueblo que intentaba sobrevivir en unas circunstancias indignas.

Su obra, y toda su trayectoria vital, supone un testimonio de la labor de tantos y tantos catalanes anónimos que, desde la lejanía, con un espíritu irreductible, vencido pero nunca derrotados, lucharon por su país. Franch-Clapers amó la tierra que le acogió y donde formó su familia, pero nunca olvidó su patria, lo que atestigua su voluntad de legar su obra.