EL MUSEO THYSSEN INAUGURA LA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA "GAZA A TRAVÉS DE SUS OJOS"

 

Gaza a través de sus ojos

Del 23 de septiembre al 19 de octubre de 2025

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina (UNRWA) y el Departamento de Protección Civil y Ayuda Humanitaria de la Comisión Europea (ECHO)  presentan Gaza a través de sus ojos, una exposición que reúne veintisiete fotografías tomadas por fotoperiodistas que, desde octubre de 2023, documentan la vida en la franja bajo el asedio. 

Durante casi dos años, la franja de Gaza, un área de solo 365 kilómetros cuadrados, ha sido devastada. Hogar de más de 2,1 millones de personas, este enclave sitiado ha soportado bombardeos casi constantes, desplazamientos forzados, destrucción y el colapso de los servicios básicos. Las familias se enfrentan al miedo, el hambre, la deshidratación y la pérdida, sin apenas acceso a alimentos, agua potable, medicinas y refugio. 

La destrucción de Gaza es apocalíptica. Barrios y ciudades enteras han sido arrasados. Las operaciones militares israelíes han golpeado de manera generalizada edificios civiles, incluidos hogares, hospitales, escuelas e instalaciones de Naciones Unidas. Todos ellos están protegidos por el derecho internacional humanitario. También lo están los trabajadores humanitarios, cuya labor es fundamental para proporcionar ayuda vital a la población civil durante las crisis. Más de 360 miembros del equipo de UNRWA han sido asesinados en Gaza, algunos de ellos mientras desempeñaban su trabajo. Muchos fueron asesinados junto con sus familiares: familias enteras han sido aniquiladas. 

La Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina (UNRWA) ha estado al servicio del pueblo de Gaza durante décadas, proporcionando educación, atención médica, protección, formación profesional, apoyo psicosocial y ayuda humanitaria. Desde octubre de 2023, UNRWA ha centrado su labor en responder a la emergencia: las escuelas se han convertido en refugios y más de 12.000 trabajadores y trabajadoras —muchos de ellos también desplazados— continúan ofreciendo asistencia vital. El apoyo de la Unión Europea y de su ciudadanía ha sido fundamental: facilitando agua, saneamiento e higiene; ayuda psicológica y actividades educativas para la infancia; logística, almacenamiento de suministros humanitarios o artículos esenciales de refugio para familias desplazadas; y colaborando con fotoperiodistas para documentar la situación. 

Mientras tanto, las autoridades israelíes siguen prohibiendo la entrada de medios internacionales en Gaza, y más de 200 periodistas palestinos han sido asesinados. A pesar de ello, y a menudo asumiendo un gran riesgo personal, los fotoperiodistas de UNRWA documentan la vida bajo el asedio. Son personas que arriesgan sus vidas para dar testimonio de lo que ocurre en Gaza. Sin embargo, no verán sus nombres en estas fotografías, ya que supondría un riesgo para su seguridad. 

Esta exposición es su mirada. Es la voz de Gaza. Es un llamamiento a no mirar hacia otro lado.

Durante el alto el fuego de finales de enero de 2025, decenas de miles de palestinos regresaron al norte de Gaza por primera vez en casi año y medio.

Personas esperan para recibir pan en el centro de Gaza, octubre de 2024. El bloqueo israelí afecta a todos los suministros, incluidos los alimentos.

UNRWA gestiona la recogida de residuos para frenar la propagación de enfermedades en medio del hacinamiento, el calor y la escasez de suministros médicos.

 

Con el inicio de la incursión militar israelí en Rafah, alrededor de 1,4 millones de personas fueron desplazadas de la noche a la mañana, obligadas a huir de nuevo con lo poco que podían llevar consigo, mayo de 2024.

Colas del hambre en Gaza, febrero de 2024. La hambruna ha sido confirmada en la ciudad de Gaza, una crisis provocada deliberadamente por decisiones del Gobierno israelí.

 

Un trabajador humanitario de UNRWA carga a un niño herido en el patio de una escuela convertida en refugio en el centro de Gaza, uno de los hasta 150 refugios de emergencia gestionados por UNRWA, enero de 2024.

 

En octubre de 2023, la franja de Gaza y su población comenzaron una cruel lucha por la supervivencia. Gaza es un

FUNDACIÓN MEDITERRÁNEO DE VALENCIA ACOGE LA EXPOSICIÓN "EL LARGO CAMINO", UN RECORRIDO DEL FOTÓGRAFO JÜRGEN SCHADEBERG POR LOS AÑOS DEL APARTHEID SUDAFRICANO

 

Hasta el 8 de noviembre de 2025  

La edición de ValenciaPhoto, bajo el lema "Expandir los Límites", propone la fotografía como una herramienta de cuestionamiento, en donde la fotografia problematiza la noción de sujeto, no solo en su identidad individual, sino en su relación con el entorno. Se interroga el lugar del individuo en la sociedad y su papel en los espacios urbanos.

En este contexto, la obra de Jürgen Schadeberg, (Berlín, 1931-La Drova, Valencia, España, 2020) es un ejemplo de cómo sus fotografías ayudaron a romper los límites que separaban el mundo de blancos y de negros en Sudáfrica.

Descubrió la fotografía a los 15 años, como aprendiz del fotógrafo Eric Kruger, y se formó en la Escuela de Óptica y Fotografía de Berlín. Tras una breve experiencia como fotógrafo voluntario para una agencia de prensa en Hamburgo, decidió, con apenas 19 años, abandonar la Alemania de posguerra y trasladarse a Sudáfrica, donde residía su madre.

"Cuando llegué a Sudáfrica en 1950 encontré dos sociedades que evolucionaba en paralelo sin comunicación entre ellas. Había un muro invisible entre sus dos mundos. El mundo negro o mundo no europeo como lo describía la sociedad blanca".

En 1951 se incorpora a la joven revista Drum Magazine, revista cultural destinada a la comunidad negra y también trabaja como freelance para Time, Life, Black Star y Stern.

Durante esos años, Schadeberg fotografió a figuras clave de la lucha contra el apartheid, como Nelson Mandela, a quien siguió con su cámara durante casi medio siglo. Fue testigo directo de los acontecimientos que marcaron la historia del país, como la destrucción de Sophiatown en 1955 -un barrio cosmopolita con intensa vida cultural, donde coexistían cabarets, clubes de jazz, músicos y escritores-. La presión policial fue en aumento, hasta sofocar cualquier expresión cultural de la comunidad negra. En 1964, Mandela fue condenado a cadena perpetua y Drum Magazine fue prohibida.

Obligado a exiliarse, Schadeberg pasó las dos décadas siguientes entre Europa y Estados Unidos, manteniendo su labor como fotoperiodista independiente. En 1985 regresó a Sudáfrica, ya en un contexto de mayor libertad de expresión y con signos de distensión racial. En ese marco, realizó un reportaje por encargo de la Unesco.

Conocido como "el padre de la fotografía sudafricana", Schadeberg es considerado una figura clave tanto en la historia de la fotografía de su pais como en el ámbito internacional. Algunas de sus imágenes, como el retrato de Miriam Makeba o sus célebres retratos de Nelson Mandela, forman parte hoy del patrimonio nacional sudafricano.

Su legado abarca más de 65 años de trabajo, más de 100.000 negativos y una dimensión histórica, social y política incontestable.

La retrospectiva que ValenciaPhoto presenta reúne más de un centenar de fotografías seleccionadas por su esposa, Claudia Schadeberg, y constituye una oportunidad única para descubrir la trayectoria de este gran fotógrafo, a través de originales que, en algunos casos, fueron positivados por él mismo.

Comisarios: Claudia Schadeberg, Vilma Dobilaitė y Nicolás Llorens

 

 

 

"LA NIÑA OBRERA", DE JOAN PLANELLA

 

La niña obrera

Joan Planella Rodríguez

1889

Óleo sobre lienzo

182 x 142 cm 

Museo de Historia de Cataluña 

La nena obrera (La niña obrera) de Joan Planella Rodríguez es una obra que se ha convertido en emblemática dentro de la corriente artística del realismo social del siglo XIX. La pintura presenta con  todo detalle a una niña que trabaja en un telar; es la «imagen» del trabajo infantil femenino en la industria textil, sector predominante en la primera industrialización catalana.

En 1840 Cataluña inició el tránsito hacia una sociedad plenamente industrial y moderna. El país conoce, poco a poco, los progresos, los problemas y los conflictos derivados de una incipiente sociedad capitalista e industrial. La aparición de una nueva burguesía y la extensión de nuevas industrias tienen su contrapunto en la formación y expansión de una nueva clase obrera industrial, cada vez más numerosa.

Deficiencias de higiene y seguridad de las empresas, salarios insuficientes e inestabilidad en la ocupación constituyen el panorama del mundo obrero de mediados del siglo XIX. Las jornadas son largas y duras; la entrada en el ámbito laboral se produce durante la infancia, a los diez años o incluso antes; los chicos y las chicas ya trabajan en el taller o en la fábrica, y los obreros infantiles son educados profesionalmente en la propia fábrica y hacen los trabajos más ingratos o las tareas que no requieren ningún tipo de cualificación profesional.

Esta obra es una segunda versión que, sobre el mismo tema, hizo Joan Planella. La niña obrera fue premiada con la tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1884 y se exhibió en la Exposición Universal de Barcelona de 1888 con gran éxito. En diciembre de 2012 fue subastada por la casa barcelonesa Balclis y el Museu d'Historia de Catalunya la adquirió para su colección.

"VIDA Y MUERTE EN UN ALMACÉN", PELICULA SOBRE EL ACTUAL SISTEMA LABORAL OPRESIVO

Título original Life and Death in the Warehouse

Año 2022

Duración 61 min.

País Reino Unido

Dirección Aysha Rafaele, Joseph Bullman

Guion Helen Black, Joseph Bullman

Reparto Aimee-Ffion Edwards, Poppy Lee Friar, Craig Parkinson, Aled ap Steffan, Sion Daniel Young, Alexandria Riley, Kimberley Nixon, Natalia Kostrzewa, Maja Laskowska

 ‘Vida y muerte en un almacén’: Un grito contra la explotación laboral en la era del comercio electrónico

En un mundo donde la comodidad de las compras en línea se ha convertido en un pilar de la vida moderna, la película Vida y muerte en un almacén (2022), codirigida por Aysha Rafaele y Joseph Bullman, nos invita a mirar detrás del telón de las entregas rápidas y los clics instantáneos. Este impactante drama televisivo británico, producido por la BBC, expone con crudeza las condiciones laborales extremas que enfrentan los trabajadores en los macro almacenes de distribución de grandes corporaciones, con claros guiños a empresas como Amazon, aunque sin mencionarla directamente.

Con un guion basado en testimonios reales de trabajadores, la cinta combina un estilo casi documental con una narrativa emocionalmente desgarradora, logrando un retrato devastador de la deshumanización en el entorno laboral.

Una historia basada en hechos reales

Vida y muerte en un almacén nos sumerge en un centro de distribución en Gales, donde la protagonista, Megan (interpretada por Aimee-Ffion Edwards), una joven de 29 años, asume un puesto como gerente en un intento desesperado por mantener su empleo. Su amiga de la infancia, Alys (Poppy Lee Friar), una trabajadora embarazada, se convierte en el eje de un conflicto moral cuando Megan, presionada por las demandas de productividad de la empresa, la empuja a aumentar su «tasa de recogida», poniendo en riesgo su salud y la de su futuro hijo.

A través de esta narrativa, la película expone un sistema laboral opresivo donde los empleados son reducidos a números, vigilados constantemente por sistemas tecnológicos que cronometran hasta el tiempo que pasan en el baño. El guion, escrito por Helen Black y Joseph Bullman, se inspira en cientos de historias reales recopiladas tras cuatro años de investigación.

La génesis de la película surge de conversaciones con trabajadores en un pueblo galés donde el cierre de minas dejó pocas opciones laborales, obligando a muchos a aceptar empleos precarios en almacenes. La cinta refleja esta realidad con una atmósfera claustrofóbica: pasillos interminables, luz artificial y un sistema informático que presiona a los trabajadores con recordatorios constantes de su «ineficiencia». Este escenario, descrito como un «campo de concentración moderno» por algunos críticos, pone en evidencia la vigilancia extrema y la falta de derechos laborales bajo el capitalismo.

Una denuncia de la explotación laboral

La película no solo narra una historia personal, sino que actúa como una crítica estructural al capitalismo y al modelo de negocio de las grandes corporaciones de comercio electrónico. Aunque no nombra explícitamente a Amazon, las alusiones son claras: desde los chalecos naranjas de los trabajadores temporales hasta las prácticas de control exhaustivo de la productividad, la cinta refleja denuncias reales sobre las condiciones en los almacenes de la compañía, como los despidos de trabajadores sindicados o la represión de huelgas, como ocurrió en el centro de San Fernando de Henares en Madrid.

En Vida y muerte en un almacén, los trabajadores enfrentan inseguridad laboral, contratos temporales y una presión constante por cumplir metas inalcanzables. Personajes como Nadia (Natalia Kostrzewa), una inmigrante que toma pastillas para rendir más y trabaja incluso enferma, encarnan la lucha desesperada por un empleo estable en un sistema que explota sin piedad a la clase trabajadora. La película también critica la «neolengua» empresarial, con frases como “vamos a ayudarte a ser el mejor colaborador” que esconden un control absoluto sobre cada segundo del día laboral.

Con una duración de apenas 60 minutos, el filme logra condensar su mensaje sin caer en la redundancia. Su estilo cercano al falso documental, combinado con actuaciones sólidas y una banda sonora inquietante de Roger Goula Sarda, crea una experiencia inmersiva que obliga al espectador a reflexionar. Un gancho directo hacia empresas tiránicas que tratan a sus trabajadores como auténticos esclavos.

Vida y muerte en un almacén ha sido aclamada por su valentía y realismo, obteniendo una nominación al BAFTA a Mejor Película para Televisión y ganando un Emmy Internacional en la misma categoría. La película no solo denuncia la explotación laboral, sino que plantea preguntas incómodas. La cinta deja un pequeño resquicio de esperanza al mostrar que la acción colectiva puede ser una vía para la transformación social, pero también subraya la urgencia de movimientos políticos que desafíen el statu quo capitalista.

Ana Redondo

Fuente: Periodismo alternativo 

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"EL TRIUNFO DE LA REPÚBLICA", BALLET DE FRANÇOIS-JOSEPH GOSSEC, EN EL ANIVERSARIO DE LA VICTORIA EN LA BATALLA DE VALMY

El Triunfo de la República o el Campo del Grand Pré de François-Joseph Gossec
Género	Ballet: entretenimiento lírico
Libretista	José María Chénier
Idioma del folleto	Francés
Composición	en 1793 en París (la obra incluye fragmentos de piezas anteriores)
Creación	27 de enero, Año II de la República (1793) en la Ópera de París, con coreografía de Pierre-Gabriel Gardel
Forma	Un acto en una obertura y seis escenas con ballet final.
Instrumentación	Voz  : solistas y coro. Viento madera  : 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes. Metales  : 2 trompas, 2 trompetas. Percusión  : timbales, canon. Cuerdas  : violines 1 y 2, violas, violonchelos, contrabajos.

 

Contexto de composición y creación

Agosto de 1792. Las fuerzas armadas austriacas y prusianas, reunidas bajo el mando del duque de Brunswick, desembarcaron en Francia con el objetivo de contrarrestar la Revolución y restaurar el orden monárquico. Ante la amenaza de una invasión extranjera en París, las tropas francesas, lideradas por Dumouriez y Kellermann, se reunieron en Valmy, donde obtuvieron una victoria decisiva el 20 de septiembre de 1792. Aunque esta batalla parece haber sido poco más que un gran cañoneo sin enfrentamiento directo entre tropas, fortaleció el ardor de los revolucionarios, ya que representó la primera victoria de la Francia republicana. Al ver así reforzada su legitimidad, la Convención Nacional proclamó la abolición de la realeza en favor de la República al día siguiente. Se dice que Goethe, presente en el momento de la batalla, notó la importancia del evento, declarando: Desde hoy y desde este lugar data una nueva era en la historia del mundo

Fue tras la victoria en Valmy que Gossec compuso su divertimento lírico Le Triomphe de la République ou le Camp de Grand Pré. El libreto, como señala Marie-Joseph Chénier en una advertencia en el prefacio de la obra, incluye varios textos antiguos. El autor ha insertado en este folleto varios fragmentos de sus himnos compuestos para diversas festividades nacionales desde 1789. De manera similar, la partitura de Gossec compila varias piezas compuestas para ocasiones anteriores: el Chant du 14 juillet en la escena 1 es un coro a cuatro partes escrito para el 14 de julio de 1792, y el Chœur de la Liberté en la escena 5 es una repetición, con un texto diferente, del coro compuesto para la Fête des Suisses de Châteauvieux (15 de abril de 1792).

Inauguración del Triunfo de la República , manuscrito autógrafo de Gossec. Gallica-BnF

El argumento

Una obertura al son de timbales y cañonazos introduce la obra, que se presenta como una sucesión de escenas. Mientras los ciudadanos de Grand Pré cantan himnos dedicados al Eterno y festejan al son de las danzas del pueblo, se da la llamada a las armas. Ansiosos por combatir al enemigo, los jóvenes van a la guerra mientras los ancianos, que se han mantenido al margen, recuerdan sus hazañas pasadas. A lo lejos, el fuego de cañones y mosquetes representa la batalla que se libra entre bastidores. El ejército francés regresa triunfante y todos celebran la victoria, honrando a la diosa de la Libertad, descendida del cielo. Un ballet final involucra a diferentes naciones (inglesa, suiza, etc.) a través de una serie de danzas que evocan los diversos países.

Centrarse en la apertura

Como suele ocurrir en las obras líricas de la época, la Obertura ofrece una idea del contenido de la obra: en dos partes contrastantes, sumerge al oyente a veces en el tumulto de la batalla, a veces en el regocijo de las festividades del pueblo.

La primera parte, allegro molto, comienza con una majestuosa introducción. Las cuerdas, al unísono, enuncian un tema solemne tocado con fuerza, cuyo ritmo con puntillo evoca el estilo francés de las oberturas barrocas. Las trompas lanzan entonces un llamado, como llamadas militares en el campo de batalla. La música parece querer atraer la atención del público y advertirles de la inminencia del conflicto. Entonces comienza el enfrentamiento: al principio suavemente, en un matiz de pianissimo, el estruendo crece cada vez más en un gran crescendo hasta el fortissimo que representa el choque de ejércitos. La agitación y la fiebre de la batalla son representadas por las rápidas corcheas de las cuerdas, mientras que el ritmo con puntillo, tocado repetidamente en un tempo enérgico, evoca la carga de la caballería al galope. Los grandes acordes, reforzados por los golpes de los timbales y el cañón, representan los ataques de artillería. Esta primera parte termina "muriendo" ( smorzando ), el sonido disminuye gradualmente a medida que la música se apaga mientras la lucha termina.

Tras una breve transición liderada por los redobles de timbales, comienza la segunda parte, el allegretto moderato, en una atmósfera completamente diferente. Con un ritmo ternario, la música crea una melodía de baile alegre y animada. En la forma ABA', característica de las danzas de la época, su ritmo punteado evoca la siciliana. El dúo formado por la flauta pequeña y el oboe refuerza el carácter pastoral y nos sumerge en la fiesta del pueblo de Grand Pré.

Autora: Floriane Goubault

Fuente: Philarmonie de París 

EXPOSICIÓN "HACIENDO CRECER LA VIDA" EN EL MUSEO DEL NEORREALISMO DE PORTUGAL, EN HOMENAJE AL PINTOR COMUNISTA ROGÉRIO RIBEIRO

 

El 31 de mayo, el Museo del Neorrealismo inauguró una exposición sobre la obra de Rogério Ribeiro durante el período en que el movimiento neorrealista marcó las tendencias artísticas en Portugal. La exposición "Haciendo Crecer la Vida – Rogério Ribeiro y el Neorrealismo", comisariada por David Santos, evoca la diversidad técnica y estética del artista a través de una vasta colección de obras creadas durante este período. Esto fue posible gracias a la colaboración de prácticamente todas las entidades y particulares que poseen obras de Rogério Ribeiro, mediante el préstamo de obras. 

Rogério Ribeiro fue uno de los dos principales protagonistas de la experiencia lírica identificada como neorrealismo. El despertar de los sentidos y una profunda conciencia de la condición humana constituyen el propósito de su obra artística, ya que se centra en la fuerza social y la poesía que el pueblo también puede significar. Muchos años después, el artista recordaría el neorrealismo como «un momento excepcional en nuestra historia contemporánea, un momento en el que una invasión de esperanza surgió de nuestros hogares, no de nuestros corazones». 

Rogério Ribeiro nos legó una práctica artística inseparable de las formas narrativas y simbólicas del neorrealismo, reinterpretando en sus últimas etapas muchos de los elementos temáticos, ideológicos y contemplativos del realismo original. Lo que lo guió a lo largo de este recorrido fue, en esencia, un compromiso con la vida, no con su valor supremo ni con el humanismo, revelando su expresión social y política en una interacción sensible con la manifestación de la creatividad que siempre asociamos con la práctica del diseño y la pintura.

Rogério Ribeiro (Estremoz, 31 de marzo de 1930-Lisboa, 10 de marzo de 2008) hizo su formación académica en pintura, en la Escuela Superior de Bellas-Artes de Lisboa, actual Facultad de Bellos-Artes de la Universidad de Lisboa.

Fue socio-fundador de la Gravura – Sociedad Cooperativa de Gravadores Portugueses (1956), donde desarrolló intensa actividad como grabador. Trabajó en cerámica y en tapicería por encomienda de particulares, empresas y organismos oficiales. En 1961 inició su actividad de profesor de Pintura y Tecnología en la Escuela de Artes Decorativas António Arroyo (Lisboa). Primeros trabajos en el ámbito del Design de Equipamiento y Gráfico (1964) y colaboración con varios arquitectos en los estudios de memoria e integración de materiales y trabajos artísticos^.

Fue profesor de la ESBAL desde 1970, institución donde, en 1974, coordinó el grupo de trabajo de reestructuración del currículo escolar en el área del Design. En 1983 fue coautor del proyecto de la Galería de Dibujo del Museo Municipal de Estremoz, con Joaquim Rojo, Armando Alves y José Aurélio, entre otros.

Militó en el Partido Comunista Portugués desde 1975 y de su Comité Céntrico entre 1983 y 1992, fue fundador de la primera Galería Municipal de Arte en Almada y también responsable por el proyecto Casa de la Cerca – Centro de Arte Contemporáneo, uno de los principales polos culturales del municipio de Almada.

Falleció en Lisboa el 10 de marzo de 2008.

 

"LA PEQUEÑA MOSCÚ" DE LEGNICA (POLONIA), EN EL 32 ANIVERSARIO DE SU ABANDONO

La Pequeña Moscú en Legnica…

Legnica siempre se ha llamado la "Pequeña Moscú". La región de Legnica fue el cuartel general del Grupo Norte de Fuerzas Soviéticas. Para muchos rusos, Legnica era su verdadero hogar. La despedida oficial de los últimos soldados rusos tuvo lugar en el Palacio Belweder el 17 de septiembre de 1993. Los rusos quedaron profundamente afectados por su partida de Polonia. Varios se suicidaron. No tenían adónde regresar y no entendían por qué la actitud hacia ellos había cambiado de la noche a la mañana. Creían que era injusto.

Presentamos varias fotografías de lo que queda de la "Pequeña Moscú", que tenía su sede en Legnica.

Cementerio municipal de Legnica, historia de los soldados soviéticos…

En el Cementerio Municipal se pueden admirar los restos de la época en que los soldados soviéticos estuvieron estacionados, y se ha reservado una gran hectárea. Se puede afirmar que sirve como lugar de enterramiento para los rusos enterrados aquí.

La puerta principal del cementerio es de arquitectura estrictamente soviética.

Monumento de gratitud al ejército soviético…

El monumento representa a un soldado soviético estrechando la mano de un soldado polaco, entregándole la independencia del Estado polaco. El soldado polaco, que luchó codo con codo con el soldado soviético desde Lenin hasta Berlín, le ofrece su gratitud y amistad. El autor del monumento, Józef Gazy, también incluyó a una niña entre los soldados de primera línea.

El Monumento de Gratitud al Ejército Soviético se erigió en el centro de Legnica el 11 de febrero de 1951. El molde del monumento se elaboró en la Escuela de Cantería de Jawor. Este magnífico monumento desapareció el 24 de marzo de 2018, desapareciendo así todo rastro de la "Pequeña Moscú".

"El niño que el soldado polaco sostiene en su brazo y que apoya su mano en el brazo firme del soldado soviético es un símbolo de la joven generación que se salvó del exterminio."

En memoria y para gloria eterna…

Bajorrelieves realistas socialistas y una piedra en honor a los soldados soviéticos que, entrando en Legnica, devolvieron la ciudad a su patria.

"Gloria eterna a los soldados". Aquí sobran las ideologías políticas...

No podemos olvidarnos de la ciudad de Jawor…

El monumento, o mejor dicho, la tumba, de un soldado del 2.º Ejército Polaco que murió en 1945 durante la liberación de Jawor. Cabe recordar que el molde del Monumento de Gratitud al Ejército Soviético de Legnica se fabricó en Jawor.

PABELLÓN DE UZBEKISTÁN EN LA BIENAL DE ARQUITECTURA DE VENECIA 2025, INSPIRADO EN UN MONUMENTO DEL MODERNISMO SOVIÉTICO

Traduciendo un monumento sobresaliente del modernismo soviético, conocido por su singular tipología funcional y arquitectónica en un espacio expositivo en la Bienal de Venecia de 2025, el equipo detrás del pabellón de Uzbekistán demuestra cómo la arquitectura, el arte y el progreso científico están interconectados. También refleja una reevaluación global del valor del modernismo.

Heliocomplex Sun, Concentrador, Tashkent, Uzbekistan, 2021. Foto de Armin Linke, Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de Arte y Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Cuando Ekaterina Golovatyuk visitó por primera vez el Instituto Sun de Ciencias Materiales, una monumental estructura modernista a 40 kilómetros al este de Tashkent, sintió que había entrado en una novela de Arkady y Boris Strugatsky. Frente a ella había un campo de heliostatos y paneles espejo que continuamente rastrean el movimiento del Sol y un concentrador parabólico gigante. El primero reflejó la luz del sol hacia los segundos, redirigiendo los rayos del Sol a un punto de enfoque en una torre tecnológica.

Con ella estaba el fotógrafo italiano Armin Linke, que había sido encargado de documentar visualmente el instituto, originalmente conocido como el Sun Heliocomplex y una de las destacadas estructuras modernistas de la era soviética de Uzbekistán. Recuerdo que el concentrador era increíblemente espectacular, dice Golovatyuk, la hija de un científico soviético. "Los propios heliostatos también fueron impresionantes y el hecho de que operan juntos en este tipo de acción coral, me pareció llamativo. Y porque vengo de Dubna, una ciudad cerca de Moscú con un importante instituto de investigación nuclear, encontrarme con un lugar así me tenía una especie de dimensión personal".

Heliocomplex Sun, Horno solar y torre de proceso, Tashkent, Uzbekistan, 2021. Foto de Armin Linke, Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de Arte y Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Situado en Parkent, en las estribaciones de las montañas de Tian Shan, el telón de fondo era espectacular, un paisaje arrasador de picos y vastos cielos abiertos que parecía reflejar la escala y la ambición del complejo en sí. Los orígenes del instituto como una instalación construida para atender las necesidades del complejo militar-industrial soviético añadieron una capa extra de intriga, al igual que la inclusión de una serie de esculturas decorativas abstractas de Irena Lipene.

Sun Heliocomplex, la maqueta y sus autores (Fuente: Sun Research and Production Complex. Basic Architectural and Planning Solutions, PO Box A-1158, Moscow, 1981). Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Vista del concentrador y el horno solare, 1986. Del archivo privado de la familia Azimov. Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Sun Heliocomplex durante su construccióon. (Fuente: Republic of Uzbekistan Documentary Film and Photo Archive, 0-131457) Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Sharaf Rashidov's visita Heliocomplex durante su construcción. Del archivo privado de la familia Azimov, Cortesía de la Fundación de Desarrollo de Arte y Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Vista del campo heliostático, 1986. Del archivo privado de la familia Azimov, Cortesía de la Fundación de Desarrollo de Arte y Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Sharaf Rashidov y Sadyk Azimov discutiendo la construcción de Heliocomplex junto a la maqueta. Del archivo privado de la familia Azimov, Cortesía de la Fundación de Desarrollo de Arte y Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Esa primera visita dejó una impresión duradera. Ahora, años después, el Sol Heliocomplejo se ha convertido en el ancla conceptual del Pabellón Nacional de Uzbekistán en la Bienal de Arquitectura de Venecia. No sólo como un sitio para documentar, sino como una lente a través de la cual explorar ideas más amplias de arquitectura, sostenibilidad y cultura. Traducir la monumentalidad del Heliocomplejo Sol no era tarea fácil. Cómo se podría transmitir su inmensidad y el gran impacto visual del sitio dentro de las limitaciones de un espacio expositivo? Debería reproducirse su inmensidad de alguna manera, o tomar un enfoque más matizado y fragmentario?

Sección del campo heliostático y la tporre de proceso. (Fuente: Architecture of USSR, n. 3-4, 1988, pp. 40-41) Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Creo que, para mí, el mayor desafío o tal vez la pregunta más grande fue dejar ir la idea de mostrar la espectacularidad y la escala del lugar, admite Golovatyuk. "Cuando la primera visita, te llama la atención. El elemento más impresionante y asombroso es el concentrador este enorme espejo que se siente como algo de ciencia ficción. Naturalmente, su primer instinto es tratar de capturar eso. Pero en última instancia, renunciar a esa idea para explorar la complejidad del lugar, y sus diferentes capas de significado, fue a la vez un desafío y, creo, la decisión correcta".

Armin Linke. Serie de fotografías del Instituto Solar en un trípode para probar espejos en A Matter of Radiance , 2025. Uzbekistan Pavilion. Foto: Gerda Studio. Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF).

El resultado final es A Matter of Radiance. Encargado por Gayane Umerova, presidenta de la Fundación de Desarrollo de Arte y Cultura de Uzbekistán, y comisariada por Golovatyuk y Giacomo Cantoni del estudio GRACE, la exposición explora las narrativas duales del sitio - su significado arquitectónico y su función como un horno solar capaz de alcanzar temperaturas de hasta 3.000 oC. Tales temperaturas no sólo permiten estudiar cómo los materiales se comportan bajo las extremidades, sino investigar la conversión de energía solar.

GRACE studio: Giacomo Cantoni y Ekaterina Golovatyuk. Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF)

Su importancia arquitectónica radica en el hecho de que la ciencia ocupa un lugar muy prominente en la Unión Soviética, explica Golovatyuk. "Fue una fuente de orgullo y celebración. Debido a eso, hubo una inversión significativa en arquitectura y su calidad. También es importante entender que la propia Tashkent fue vista como una especie de escaparate, una vitrina de lo que podría ser el Oriente soviético, de cómo el socialismo podría adaptarse a culturas diferentes del modelo europeo".

Por eso el heliocomplejo incorpora elementos del diseño arquitectónico uzbeko, dice Golovatyuk. Aunque parece futurista, la pantalla solar, por ejemplo, hace referencia a la panjara y una celosía ornamental que ocupa un lugar destacado en la arquitectura de Uzbekistán. "O tome las obras de arte monumentales de Irena Lipene. Normalmente no encuentras este tipo de obras en instituciones científicas, sin embargo, hay cuatro y esto ni siquiera es el más impresionante", dice, señalando el desfile de Planetas, una instalación de araña de varios niveles. Es simplemente el que pudimos traer físicamente de Uzbekistán.

 

Pabellón Heliostático en A Matter of Radiance, 2025. Pabellón de Uzbekistán. Foto: Gerda Studio. Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF).

La monumental araña de cristal de Lipene y la pantalla solar, una característica definitoria de la fachada de Sun Heliocomplex, son sólo dos de los "fragmentos" que aparecen en A Matter of Radiance. Otros componentes incluyen un heliostato, una mesa de la sala de control, y dos bancos que hablan de la dimensión social del instituto, a pesar de sus orígenes como una instalación militar secreta. Los bancos han sido re-ingenieros utilizando cáscara de arroz, una alternativa sostenible y orgánica al hormigón.

En cierto modo, la idea de traer el edificio aquí era traer fragmentos de él cada fragmento que contaba una historia específica, dice Cantoni, cuyo primer encuentro con el complejo fue igualmente memorable. "El heliostato, por ejemplo, representa el aspecto científico del edificio. Pudimos desarrollar una versión en pleno funcionamiento aquí en Italia, con la guía de los científicos del instituto, y este volverá a Uzbekistán para ser instalado en el complejo".

Irena Lipene. Fragmento del candelabro Desfile de los Planteas, en A Matter of Radiance , 2025. Pabellón de Uzbekistán. Foto: Gerda Studio. Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF).

También reconstruyeron la pantalla solar - el original fue desmantelado en 2021 debido a la decadencia y la obsolescencia - creando una maqueta que "podría ser desmantelada, enviada de vuelta a Uzbekistán, instalada en el sitio, y utilizada como referencia para restaurar la fachada original. Lo mismo ocurre con la lámpara de araña", añade Cantoni. El instituto estaba siendo restaurado, así que aprovechamos la oportunidad para desmantelarlo, restaurarlo, traerlo aquí y finalmente, será devuelto y reinstalado.

El enfoque en la restauración y reutilización es importante. La exposición se basa en el Modernismo XX/XXI de Tashkent, un proyecto de investigación iniciado en respuesta a la urgente necesidad de proteger los sitios arquitectónicos modernistas de la ciudad. Concebido por Umerova y coordinado por GRACE, el proyecto reunió a un equipo internacional de expertos para documentar, reinterpretar y preservar el legado de 24 sitios modernistas clave en toda la capital. Veintiuno de esos sitios han recibido desde entonces el estatus de patrimonio nacional, incluyendo la estación de metro de la Avenida Cosmonauts, el Palacio de la Amistad de los Pueblos y el Bazar Chorsu, una monumental cúpula modernista que mezcla la innovación estructural soviética con las formas tradicionales islámicas arquitectónicas islámicas.

La pantalla solar de la fachada del Heliocomplejo y el Resplandor del Eje del Tiempo, de Ester Sheynfeld en A Matter of Radiance , 2025. Pabellón de Uzbekistán. Foto: Gerda Studio. Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF).

El Heliocomplex, diseñado por Viktor Zakharov y inaugurado en 1987, está entre estos 21 sitios y fue el último complejo científico soviético a gran escala que se construyó en Uzbekistán. Uno de los dos grandes hornos solares del mundo, consta de cinco componentes estructurales: un campo de 62 heliostatos, el concentrador, una torre tecnológica, el edificio principal y diversos edificios de servicios. Es considerado por el equipo detrás del Modernismo de Tashkent XX/XXI como un monumento destacado del modernismo soviético, conocido por su singular tipología funcional y arquitectónica y su valiosa síntesis entre arquitectura y arte monumental. También refleja una reevaluación global del valor del modernismo.

Hay un cambio global que ocurre una especie de reevaluación del modernismo después de años de rechazo, cree Golovatyuk. "Con el auge de la economía de mercado a principios de los 90, creo que la arquitectura modernista dejó de reflejar las nuevas ideas o ambiciones de los políticos y la sociedad en general, incluyendo ideas de belleza. Pero ahora, después de cansarse del consumismo y otras tendencias exhibicionistas, hay un renovado aprecio por el modernismo. No es sólo el bombo, sino que realmente resuena con una nueva sensibilidad que aborda temas como la sostenibilidad. Y, por supuesto, la preservación de esta capa más reciente y humilde de arquitectura, una que trató de expresar los valores sociales, se está volviendo de nuevo relevante. En Tashkent, esto es especialmente importante, en parte por razones históricas: el terremoto que destruyó gran parte del patrimonio más antiguo hizo de la arquitectura modernista la más visible y la capa más emocionante.

Ester Sheynfeld. Resplandor del Eje del Tiempo , 2025. Pabellón de Uzbekistán. Foto: Gerda Studio. Cortesía de la Fundación para el Desarrollo de la Arte y la Cultura de Uzbekistán (ACDF).

Dentro del interior cavernoso del pabellón uzbeko, ubicado en el Quarta Tesa de Arsenale, se encuentran fotografías de Linke, una videoinstalación experimental de Azamat Ahhasov, y las dos instalaciones específicas de Ester Sheynfeld. Los líderes de la ciencia moderna de Vladimir Burmakin en Uzbekistán, un óleo sobre lienzo de 1984, también están allí. Cómo responde todo esto a la declaración curatorial de Carlo Ratti, que enfatiza la necesidad de que la arquitectura aproveche todas las formas de inteligencia, natural, artificial y colectiva para abordar los desafíos urgentes que plantea el cambio climático? En parte a través del potencial futuro del Sun Heliocomplex como centro científico internacional, contribuyendo al compromiso más amplio de Uzbekistán con la sostenibilidad. Pero también a través de la consistente reinvención del edificio.

En este caso, el tema de la sostenibilidad adquiere un significado ligeramente diferente, dice Cantoni. "No se trata sólo del vínculo obvio con el sol, como en, utiliza energía solar y por lo tanto no está quemando nada, por lo que es sostenible. Se trata más de la sostenibilidad con el tiempo. Se trata de una infraestructura que nunca ha dejado de funcionar, pero siempre se ha visto obligada por su propia naturaleza a adaptarse a las circunstancias cambiantes. Originalmente fue concebido con fines militares, que, tras el colapso de la Unión Soviética, quedó obsoleto. Así que tuvo que seguir reinventándose. Pensamos que ese era un aspecto interesante de la sostenibilidad para resaltar que la escala y la presencia del edificio invitan a una nueva forma de pensar sobre el tema.

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