ENTREVISTA A ANDRÉ BRETON (1961), EN EL 59 ANIVERSARIO DE SU MUERTE

El 27 de febrero de 1961 se retransmitió el programa Premier Plan (‘Primer Plano’) de la televisión canadiense (Radio-Canada) dedicado a André Breton (1896-1966), principal representante del surrealismo. La entrevista, efectuada en el taller de Breton (en la calle Fontaine, número 42, de París), fue realizada por Judith Jasmin, célebre reportera quebequense, cuyo nombre se usaría, posteriormente, para denominar un importante premio periodístico. Gérard Chapdelaine estuvo a cargo de la cámara. El programa Premier Plan fue todo un referente por su afán de narrar la historia cultural a través de entrevistas y reportajes. Estuvo en antena entre 1959 y 1963.

Este documento –producido a cinco años de su muerte– tiene un gran valor histórico por ser una de las pocas imágenes en movimiento que se poseen del teórico y artista francés, un hombre de carácter y con las ideas muy claras. Breton describe en la entrevista la evolución del surrealismo en sus casi cuarenta años de existencia y desglosa la aportación de figuras destacadas como Philippe Soupault, Louis Aragon, Max Ernst o Joan Miró.

En la primera pregunta formulada por Jasmin, «¿Qué es el surrealismo?», se advierte el tono y el hilo conductor de toda la entrevista: ir desgranando las claves de esta corriente literaria, artística e incluso social, tan importante del siglo XX. “El papa del surrealismo”, tal y como lo nombraban sus detractores, define al movimiento como una reacción contra el racionalismo y el positivismo. Un movimiento que se alimenta del inconsciente, de la libertad y del amor, sin tener, en principio, un interés estético o moral en sus producciones.

El mismo año de la entrevista, Breton publicó su última obra, El La, un libro de anotaciones oníricas, fiel a los preceptos surrealistas que otorgan especial relevancia al mundo de los sueños y de la imaginación, presentes, desde el primer Manifiesto surrealista (1924).

Laeticia Rovecchio 

"¡TRABAJADORES, UNÍOS! LA INTERNACIONAL 150 AÑOS DESPUÉS", DE MARCELO MUSTO, DESCARGABLE EN PDF EN EL 161 ANIVERSARIO DE LA FUNDACIÓN DE LA AIT

¡Trabajadores, uníos! La Internacional 150 años después

Marcello Musto (ed.)

Caracas: Monte Ávila Editores Latinoamericana

2024

428 pag

 

Saint Martin’s Hall (Londres) sería testigo, en 1864, del nacimiento de la Asociación Internacional de Trabajadores. Conocida como la Primera Internacional, la organización sigue siendo al día de hoy, un símbolo de la lucha social contra la explotación del sistema capitalista. Publicado por primera vez en el año 2014, esta edición recoge ochenta documentos (minutas y resoluciones) tanto del Consejo General como de los respectivos congresos, algunos de ellos inéditos en español, que dan testimonio –a pesar de la fugacidad de su etapa primigenia (1864-1876)- del valor histórico y político de la Internacional.

Descarga: TRABAJADORES-UNIOS (PDF)

Fuente original: https://marcellomusto.org/book/trabajadores-unios

 

"EL TECHO", DE VITTORIO DE SICA

Título original: Il tetto

País: Italia

Año: 1956

Dirección: Vittorio De Sica

Duración: 91' 

Guión: Cesare Zavattini

Reparto: Gabriella Pallotta, Gastone Renzelli, Luciano Pigozzi

Fotografía: Carlo Montuori

Música: Alessandro Cicognini 

Cuando se habla de Vittorio De Sica, la conversación suele detenerse –casi automáticamente– en El ladrón de bicicletas (1948), pero el verdadero corazón, la obra cumbre, el punto de inflexión emocional y estético del cineasta, personalmente pienso que es El techo (1956). Es allí donde se conjugan el humanismo, la sencillez narrativa, y una ternura que golpea más que cualquier drama.

Esta película, escrita junto a Cesare Zavattini –compañero de batallas neorrealistas–, sigue a una joven pareja que, al casarse, no tiene más remedio que construir su propio hogar en una Roma hostil, en un barrio donde la ley es clara: si el techo está terminado antes del amanecer, no pueden echarlos. Esta historia retrata la dignidad humana cuando se encuentra en su forma más vulnerable.

La pasión de De Sica por esta película fue tal que durante la filmación insistió en que todo fuera auténtico: desde los ladrillos hasta el polvo de las calles. El director quería que el sudor fuera real, que el cansancio no fuera actuación. Y se nota. Cada plano huele a cemento fresco y desesperación.

El techo en comparación con El ladrón de bicicletas ofrece una mirada más matizada, más madura, sin renunciar al dolor. Es un retrato de la esperanza que no se grita, se susurra. Y en ese susurro, hay más verdad que en muchos discursos sociales.

Vittorio De Sica fue actor antes que director, y quizás por eso comprendía tan bien la expresión humana. Nació en 1901 en Sora, y aunque gozó de la fama gracias a filmes como Milagro en Milán o Umberto D., jamás se olvidó de los que vivían en los márgenes. Él mismo decía: “He sido un privilegiado, pero siempre filmé como si no lo fuera”.

De Sica murió en 1974, pero su legado se niega a marcharse. En tiempos donde las historias parecen hechas en serie, El techo nos recuerda que el cine puede ser pequeño en presupuesto y gigante en emoción.

Fuente: Lima Gris 

VER PELICULA:

"FUSILADOS ESTA MAÑANA", DE LA ARTISTA CONCHA JEREZ, EN EL 50 ANIVERSARIO DE LOS ÚLTIMOS FUSILAMIENTOS DEL FRANQUISMO

 

FUSILADOS ESTA MAÑANA (Recuperación de una noticia)

CONCHA JEREZ

Rotulador sobre fotocopias de papel de periódico

1975

30 x 21 cm c/u

Archivo Lafuente

Fusilados esta mañana (recuperación de una noticia), de Concha Jerez (Las Palmas, 1941), se incluye dentro de la serie de trabajos conceptuales sobre papel, centrados en las diferentes formas de represión presentes en nuestra sociedad, que la artista canaria comenzó a realizar en 1973, de forma autodidacta.

En palabras de la artista, sobre esas obras iniciales: «(…) En un principio me interesé por la información de los periódicos. Te hablo de la época franquista, en la que todo el lenguaje estaba perturbado. Empecé a usar sus textos para hacer una contrarreflexión de lo que leía. Pero eso podía llevarme a la cárcel, por lo que mi solución fue la autocensura. Es el origen de mis "escritos ilegibles autocensurados": extractaba las noticias y, lo que no quería que se leyera, lo ocultaba con mis propios escritos, ilegibles y autocensurados» (ABC Cultural, 21-07-2014).

Esta pieza se centra en el tratamiento de una noticia por parte de la prensa del fusilamiento de los últimos presos políticos de la dictadura franquista, acaecido en Madrid en septiembre de 1975 antes de la muerte del dictador. La pieza quedaba integrada por 4 fotocopias en papel blanco de las correspondientes hojas de periódico intervenidas con escritos ilegibles autocensurados con tinta Rotring y metidas en sendas fundas de plástico transparente. Dichas fotocopias están sujetas dentro de una carpeta azul estándar de la época

En 2020-2021 se presenta en la exposición individual de Concha Jerez QUE NOS ROBAN LA MEMORIA, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). 

COMUNICADO DEL FPLP SOBRE EL RECONOCIMIENTO DEL ESTADO DE PALESTINA POR VARIOS PAÍSES OCCIDENTALES

 

El ritmo acelerado del reconocimiento del Estado de Palestina por parte de varios países occidentales es fruto de la constancia y los enormes sacrificios de nuestro pueblo, y el resultado de haber desenmascarado la imagen de la ocupación y sus crímenes de guerra genocidas ante el mundo entero.

Este paso simbólico debe traducirse en medidas prácticas que le den verdadero sentido, especialmente en un momento en que la ocupación sigue desplegando sus planes coloniales, incluyendo la expansión de los asentamientos, la judaización y el socavamiento sistemático de todos los componentes de un Estado palestino. Incumple las resoluciones de la legalidad internacional, e intensifica y expande su guerra de exterminio destinada a eliminar a nuestro pueblo de su tierra.

Estos pasos deben traducirse en un cambio real de política, mediante un esfuerzo integral para detener de forma inmediata la guerra de exterminio que se libra contra nuestro pueblo en Gaza y Cisjordania, afrontar la complicidad de EE. UU. en los crímenes sionistas, boicotear y castigar a la ocupación, y obligarla a retirarse, hechos imprescindibles para el establecimiento de un Estado palestino y el retorno de los refugiados a sus hogares.

Estos reconocimientos no eximen a ninguno de los gobiernos coloniales de su responsabilidad por su continua complicidad con la ocupación sionista, su vergonzosa implicación en el apoyo militar a la ocupación —aún más con la actual guerra de exterminio—, y su suministro de armas y encubrimiento político de sus crímenes continuados.

El Reino Unido, en particular, tiene un largo camino por recorrer, con medidas y pasos concretos para expiar su grave crimen de implantar la entidad sionista en nuestra tierra palestina ocupada.

Saludamos la firmeza de nuestro pueblo, que está imponiendo estas transformaciones, y celebramos el amplio movimiento internacional de solidaridad con Palestina. El reconocimiento integral del Estado de Palestina requiere traducirse en transformaciones serias en las políticas de esos estados. Esto exige apoyar la lucha de nuestro pueblo contra el genocidio y la ocupación, abriendo el camino para la expulsión de esta entidad colonial de nuestra patria ocupada, desmantelando el sistema genocida y haciendo responsables a sus líderes y partidarios.

22 de septiembre de 2025

Frente Popular para la Liberación de Palestina

Fuente: kaos en la red 

SINFONÍA Nº 2 DE VADIM SALMANOV, DEDICADA A DIMITRI SHOSTAKOVICH, EN EL 119 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DEL COMPOSITOR SOVIÉTICO

Vadmir Salmanov (1912-1978) fue nombrado como Artista del Pueblo de la Federación Rusa en 1972. Profesor del Conservatorio de Leningrado desde 1965 ocupando la cátedra de composición hasta el final de su vida. También fue secretario de la Unión de Compositores Soviéticos.

La “Sinfonía Nº 2 en sol mayor" compuesta en 1959 estando dedicada a Dimitri Shostakovich. La estreno la Orquesta Filarmónica de Leningrado dirigida por Evgeny Mravinsky, en la Gran Sala de la Filarmónica de Leningrado el 30 de septiembre de 1960.

El primer movimiento, allegro moderato, quasi allegretto, lleva el título Canción del bosque. Sirve como introducción, presentándonos el paisaje sombrío del bosque, el cuadro donde se desarrollará el trágico relato de los movimientos centrales. La música muestra inquietud con un grupo temático agitado y un segundo con el carácter misterioso.

El segundo movimiento, andante con estro poetico, lleva el título Llamada de la Naturaleza. La música adquiere un sentido dramático. Reflexivos solos de la madera quieren mostrarnos el drama de la vida humana. La expresión aumenta en la parte final del movimiento, terminando con la recapitulación del solo de la madera inicial, que nos conduce a la coda.

El tercer movimiento, allegro molto e feroce, lleva el título Al atardecer. Turbulentos movimientos de la cuerda resaltadas por la percusión nos presentan una dramática situación. Un segundo motivo más tranquilo pero denotando cierta angustia ocupa la parte central. Solos del violín acompañados por los sonidos del arpa nos conducen a la sección final más agitada recapitulando la parte inicial.

El último movimiento, moderato con moto se titula ...y el bosque canta. Las imágenes de la naturaleza que ocultan el drama de la existencia humana cierran la sinfonía. Este movimiento puede compararse estilísticamente con el primero. En la parte central se encuentra un motivo lírico interpretado por el viento, que contrasta con las líneas más duras expresadas por la cuerda.

Fuente: Historia de la Sinfonía

LA FUNDACIÓN DE INVESTIGACIONES MARXISTAS PUBLICA EL Nº 19 DE LA REVISTA "NUESTRA HISTORIA"

Recientemente se ha publicado el número 19 de la revista Nuestra Historia. En esta ocasión acoge un dossier titulado "Dimensiones transnacionales del comunismo italiano durante la Guerra Fría", que ha sido coordinado por los compañeros Xavier M. Ramos Diez-Astrain, Emanuele Treglia y Eduardo Abad y que cuenta con aportaciones de Fabio Calè, Mauro B. Milano, Alexander Höbel, Andrea Della Polla y Daniel Sierra Suárez, quienes nos acercan a distintas realidades del comunismo italiano y de sus relaciones transnacionales. Le siguen la sección de Estudios, con el texto "Lenin y Kairós", de Roland Anrup y la Entrevista, en esta ocasión David Ginard conversa Pere Gabriel, pionero en la investigación sobre el movimiento obrero en España. En la sección Nuestros clásicos, Joan Tafalla presenta el texto "Aspectos políticos de la democracia popular en el año II", de Albert Soboul. Completan el número las secciones de Lecturas y de Memoria, esta última incorpora la habitual biografía, dedicada en esta ocasión a Casto García Roza.

DESCARGAR LA REVISTA EN PDF: https://revistanuestrahistoria.com/numero-19/

Dimensiones transnacionales del comunismo italiano durante la Guerra Fría

Primer semestre de 2025

Índice

• Portada, página de derechos e índice 

Editorial

• Número 19, Consejo de Redacción de Nuestra Historia 

Dossier: Dimensiones transnacionales del comunismo italiano durante la Guerra Fría

• Introducción, Xavier María Ramos Diez-Astrain, Emanuele Treglia y Eduardo Abad García 
• Dimitrov 1982: identidad, memoria y estrategia en la cultura política de los comunistas españoles, italianos y portugueses, Fabio Calè 
• «Sí, sí, sí… ¡Dolores a Roma!» El PCI y el PCE en la Transición y el mito global de Pasionaria, Mauro B. Milano 
• El eurocomunismo, las transformaciones del Estado, la cuestión de la democracia, Alexander Höbel 
• Respuestas de los comunistas italianos y franceses al Informe Brandt, Andrea Della Polla 
• De lo nacional a lo vecinal: las fiestas de l’Unità y su impacto territorial (1945-1991), Daniel Sierra Suárez 

Estudios

• Lenin y Kairós, Roland Anrup 

Entrevista

• Pere Gabriel, pionero en la investigación sobre el movimiento obrero, David Ginard Féron

Nuestros clásicos

• «El historiador y su tiempo. Albert Soboul y los sans-culottes, Joan Tafalla 
• Aspectos políticos de la democracia popular en el año II, Albert Soboul 

Lecturas

• Hacia una historia integral del dinero y la moneda en la Alta Edad Media, Daniel Justo Sánchez [pdf].
• La revolución y nosotros que necesitamos pensarla tanto, Fernando Broncano Rodríguez 
• Un clásico del siglo XXI para entender la reforma agraria, Sergio Riesco Roche 
• La cárcel de Segovia como espacio referente de memoria, Laura Bolaños Giner 
• Guerra de posiciones en la universidad: el PSUC y los estudiantes, Pablo Gil Valero 

Memoria

• Cartografía de la Memoria Obrera en Madrid: recuperando lugares de memoria de las clases trabajadoras, Mayka Muñoz Ruiz y Susana Alba Monteserín 
• Del antifranquismo al Ayuntamiento: relaciones entre comunistas y cristianos en Córdoba, Miguel Á. Peña Muñoz 
• Casto García Roza, pasado (¿y futuro?) héroe de España, Pablo Alcántara 

Autores (Dossier, Estudios y Nuestros Clásicos) 

EL MUSEO THYSSEN INAUGURA LA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA "GAZA A TRAVÉS DE SUS OJOS"

 

Gaza a través de sus ojos

Del 23 de septiembre al 19 de octubre de 2025

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina (UNRWA) y el Departamento de Protección Civil y Ayuda Humanitaria de la Comisión Europea (ECHO)  presentan Gaza a través de sus ojos, una exposición que reúne veintisiete fotografías tomadas por fotoperiodistas que, desde octubre de 2023, documentan la vida en la franja bajo el asedio. 

Durante casi dos años, la franja de Gaza, un área de solo 365 kilómetros cuadrados, ha sido devastada. Hogar de más de 2,1 millones de personas, este enclave sitiado ha soportado bombardeos casi constantes, desplazamientos forzados, destrucción y el colapso de los servicios básicos. Las familias se enfrentan al miedo, el hambre, la deshidratación y la pérdida, sin apenas acceso a alimentos, agua potable, medicinas y refugio. 

La destrucción de Gaza es apocalíptica. Barrios y ciudades enteras han sido arrasados. Las operaciones militares israelíes han golpeado de manera generalizada edificios civiles, incluidos hogares, hospitales, escuelas e instalaciones de Naciones Unidas. Todos ellos están protegidos por el derecho internacional humanitario. También lo están los trabajadores humanitarios, cuya labor es fundamental para proporcionar ayuda vital a la población civil durante las crisis. Más de 360 miembros del equipo de UNRWA han sido asesinados en Gaza, algunos de ellos mientras desempeñaban su trabajo. Muchos fueron asesinados junto con sus familiares: familias enteras han sido aniquiladas. 

La Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina (UNRWA) ha estado al servicio del pueblo de Gaza durante décadas, proporcionando educación, atención médica, protección, formación profesional, apoyo psicosocial y ayuda humanitaria. Desde octubre de 2023, UNRWA ha centrado su labor en responder a la emergencia: las escuelas se han convertido en refugios y más de 12.000 trabajadores y trabajadoras —muchos de ellos también desplazados— continúan ofreciendo asistencia vital. El apoyo de la Unión Europea y de su ciudadanía ha sido fundamental: facilitando agua, saneamiento e higiene; ayuda psicológica y actividades educativas para la infancia; logística, almacenamiento de suministros humanitarios o artículos esenciales de refugio para familias desplazadas; y colaborando con fotoperiodistas para documentar la situación. 

Mientras tanto, las autoridades israelíes siguen prohibiendo la entrada de medios internacionales en Gaza, y más de 200 periodistas palestinos han sido asesinados. A pesar de ello, y a menudo asumiendo un gran riesgo personal, los fotoperiodistas de UNRWA documentan la vida bajo el asedio. Son personas que arriesgan sus vidas para dar testimonio de lo que ocurre en Gaza. Sin embargo, no verán sus nombres en estas fotografías, ya que supondría un riesgo para su seguridad. 

Esta exposición es su mirada. Es la voz de Gaza. Es un llamamiento a no mirar hacia otro lado.

Durante el alto el fuego de finales de enero de 2025, decenas de miles de palestinos regresaron al norte de Gaza por primera vez en casi año y medio.

Personas esperan para recibir pan en el centro de Gaza, octubre de 2024. El bloqueo israelí afecta a todos los suministros, incluidos los alimentos.

UNRWA gestiona la recogida de residuos para frenar la propagación de enfermedades en medio del hacinamiento, el calor y la escasez de suministros médicos.

 

Con el inicio de la incursión militar israelí en Rafah, alrededor de 1,4 millones de personas fueron desplazadas de la noche a la mañana, obligadas a huir de nuevo con lo poco que podían llevar consigo, mayo de 2024.

Colas del hambre en Gaza, febrero de 2024. La hambruna ha sido confirmada en la ciudad de Gaza, una crisis provocada deliberadamente por decisiones del Gobierno israelí.

 

Un trabajador humanitario de UNRWA carga a un niño herido en el patio de una escuela convertida en refugio en el centro de Gaza, uno de los hasta 150 refugios de emergencia gestionados por UNRWA, enero de 2024.

 

En octubre de 2023, la franja de Gaza y su población comenzaron una cruel lucha por la supervivencia. Gaza es un

FUNDACIÓN MEDITERRÁNEO DE VALENCIA ACOGE LA EXPOSICIÓN "EL LARGO CAMINO", UN RECORRIDO DEL FOTÓGRAFO JÜRGEN SCHADEBERG POR LOS AÑOS DEL APARTHEID SUDAFRICANO

 

Hasta el 8 de noviembre de 2025  

La edición de ValenciaPhoto, bajo el lema "Expandir los Límites", propone la fotografía como una herramienta de cuestionamiento, en donde la fotografia problematiza la noción de sujeto, no solo en su identidad individual, sino en su relación con el entorno. Se interroga el lugar del individuo en la sociedad y su papel en los espacios urbanos.

En este contexto, la obra de Jürgen Schadeberg, (Berlín, 1931-La Drova, Valencia, España, 2020) es un ejemplo de cómo sus fotografías ayudaron a romper los límites que separaban el mundo de blancos y de negros en Sudáfrica.

Descubrió la fotografía a los 15 años, como aprendiz del fotógrafo Eric Kruger, y se formó en la Escuela de Óptica y Fotografía de Berlín. Tras una breve experiencia como fotógrafo voluntario para una agencia de prensa en Hamburgo, decidió, con apenas 19 años, abandonar la Alemania de posguerra y trasladarse a Sudáfrica, donde residía su madre.

"Cuando llegué a Sudáfrica en 1950 encontré dos sociedades que evolucionaba en paralelo sin comunicación entre ellas. Había un muro invisible entre sus dos mundos. El mundo negro o mundo no europeo como lo describía la sociedad blanca".

En 1951 se incorpora a la joven revista Drum Magazine, revista cultural destinada a la comunidad negra y también trabaja como freelance para Time, Life, Black Star y Stern.

Durante esos años, Schadeberg fotografió a figuras clave de la lucha contra el apartheid, como Nelson Mandela, a quien siguió con su cámara durante casi medio siglo. Fue testigo directo de los acontecimientos que marcaron la historia del país, como la destrucción de Sophiatown en 1955 -un barrio cosmopolita con intensa vida cultural, donde coexistían cabarets, clubes de jazz, músicos y escritores-. La presión policial fue en aumento, hasta sofocar cualquier expresión cultural de la comunidad negra. En 1964, Mandela fue condenado a cadena perpetua y Drum Magazine fue prohibida.

Obligado a exiliarse, Schadeberg pasó las dos décadas siguientes entre Europa y Estados Unidos, manteniendo su labor como fotoperiodista independiente. En 1985 regresó a Sudáfrica, ya en un contexto de mayor libertad de expresión y con signos de distensión racial. En ese marco, realizó un reportaje por encargo de la Unesco.

Conocido como "el padre de la fotografía sudafricana", Schadeberg es considerado una figura clave tanto en la historia de la fotografía de su pais como en el ámbito internacional. Algunas de sus imágenes, como el retrato de Miriam Makeba o sus célebres retratos de Nelson Mandela, forman parte hoy del patrimonio nacional sudafricano.

Su legado abarca más de 65 años de trabajo, más de 100.000 negativos y una dimensión histórica, social y política incontestable.

La retrospectiva que ValenciaPhoto presenta reúne más de un centenar de fotografías seleccionadas por su esposa, Claudia Schadeberg, y constituye una oportunidad única para descubrir la trayectoria de este gran fotógrafo, a través de originales que, en algunos casos, fueron positivados por él mismo.

Comisarios: Claudia Schadeberg, Vilma Dobilaitė y Nicolás Llorens

 

 

 

"LA NIÑA OBRERA", DE JOAN PLANELLA

 

La niña obrera

Joan Planella Rodríguez

1889

Óleo sobre lienzo

182 x 142 cm 

Museo de Historia de Cataluña 

La nena obrera (La niña obrera) de Joan Planella Rodríguez es una obra que se ha convertido en emblemática dentro de la corriente artística del realismo social del siglo XIX. La pintura presenta con  todo detalle a una niña que trabaja en un telar; es la «imagen» del trabajo infantil femenino en la industria textil, sector predominante en la primera industrialización catalana.

En 1840 Cataluña inició el tránsito hacia una sociedad plenamente industrial y moderna. El país conoce, poco a poco, los progresos, los problemas y los conflictos derivados de una incipiente sociedad capitalista e industrial. La aparición de una nueva burguesía y la extensión de nuevas industrias tienen su contrapunto en la formación y expansión de una nueva clase obrera industrial, cada vez más numerosa.

Deficiencias de higiene y seguridad de las empresas, salarios insuficientes e inestabilidad en la ocupación constituyen el panorama del mundo obrero de mediados del siglo XIX. Las jornadas son largas y duras; la entrada en el ámbito laboral se produce durante la infancia, a los diez años o incluso antes; los chicos y las chicas ya trabajan en el taller o en la fábrica, y los obreros infantiles son educados profesionalmente en la propia fábrica y hacen los trabajos más ingratos o las tareas que no requieren ningún tipo de cualificación profesional.

Esta obra es una segunda versión que, sobre el mismo tema, hizo Joan Planella. La niña obrera fue premiada con la tercera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1884 y se exhibió en la Exposición Universal de Barcelona de 1888 con gran éxito. En diciembre de 2012 fue subastada por la casa barcelonesa Balclis y el Museu d'Historia de Catalunya la adquirió para su colección.

"VIDA Y MUERTE EN UN ALMACÉN", PELICULA SOBRE EL ACTUAL SISTEMA LABORAL OPRESIVO

Título original Life and Death in the Warehouse

Año 2022

Duración 61 min.

País Reino Unido

Dirección Aysha Rafaele, Joseph Bullman

Guion Helen Black, Joseph Bullman

Reparto Aimee-Ffion Edwards, Poppy Lee Friar, Craig Parkinson, Aled ap Steffan, Sion Daniel Young, Alexandria Riley, Kimberley Nixon, Natalia Kostrzewa, Maja Laskowska

 ‘Vida y muerte en un almacén’: Un grito contra la explotación laboral en la era del comercio electrónico

En un mundo donde la comodidad de las compras en línea se ha convertido en un pilar de la vida moderna, la película Vida y muerte en un almacén (2022), codirigida por Aysha Rafaele y Joseph Bullman, nos invita a mirar detrás del telón de las entregas rápidas y los clics instantáneos. Este impactante drama televisivo británico, producido por la BBC, expone con crudeza las condiciones laborales extremas que enfrentan los trabajadores en los macro almacenes de distribución de grandes corporaciones, con claros guiños a empresas como Amazon, aunque sin mencionarla directamente.

Con un guion basado en testimonios reales de trabajadores, la cinta combina un estilo casi documental con una narrativa emocionalmente desgarradora, logrando un retrato devastador de la deshumanización en el entorno laboral.

Una historia basada en hechos reales

Vida y muerte en un almacén nos sumerge en un centro de distribución en Gales, donde la protagonista, Megan (interpretada por Aimee-Ffion Edwards), una joven de 29 años, asume un puesto como gerente en un intento desesperado por mantener su empleo. Su amiga de la infancia, Alys (Poppy Lee Friar), una trabajadora embarazada, se convierte en el eje de un conflicto moral cuando Megan, presionada por las demandas de productividad de la empresa, la empuja a aumentar su «tasa de recogida», poniendo en riesgo su salud y la de su futuro hijo.

A través de esta narrativa, la película expone un sistema laboral opresivo donde los empleados son reducidos a números, vigilados constantemente por sistemas tecnológicos que cronometran hasta el tiempo que pasan en el baño. El guion, escrito por Helen Black y Joseph Bullman, se inspira en cientos de historias reales recopiladas tras cuatro años de investigación.

La génesis de la película surge de conversaciones con trabajadores en un pueblo galés donde el cierre de minas dejó pocas opciones laborales, obligando a muchos a aceptar empleos precarios en almacenes. La cinta refleja esta realidad con una atmósfera claustrofóbica: pasillos interminables, luz artificial y un sistema informático que presiona a los trabajadores con recordatorios constantes de su «ineficiencia». Este escenario, descrito como un «campo de concentración moderno» por algunos críticos, pone en evidencia la vigilancia extrema y la falta de derechos laborales bajo el capitalismo.

Una denuncia de la explotación laboral

La película no solo narra una historia personal, sino que actúa como una crítica estructural al capitalismo y al modelo de negocio de las grandes corporaciones de comercio electrónico. Aunque no nombra explícitamente a Amazon, las alusiones son claras: desde los chalecos naranjas de los trabajadores temporales hasta las prácticas de control exhaustivo de la productividad, la cinta refleja denuncias reales sobre las condiciones en los almacenes de la compañía, como los despidos de trabajadores sindicados o la represión de huelgas, como ocurrió en el centro de San Fernando de Henares en Madrid.

En Vida y muerte en un almacén, los trabajadores enfrentan inseguridad laboral, contratos temporales y una presión constante por cumplir metas inalcanzables. Personajes como Nadia (Natalia Kostrzewa), una inmigrante que toma pastillas para rendir más y trabaja incluso enferma, encarnan la lucha desesperada por un empleo estable en un sistema que explota sin piedad a la clase trabajadora. La película también critica la «neolengua» empresarial, con frases como “vamos a ayudarte a ser el mejor colaborador” que esconden un control absoluto sobre cada segundo del día laboral.

Con una duración de apenas 60 minutos, el filme logra condensar su mensaje sin caer en la redundancia. Su estilo cercano al falso documental, combinado con actuaciones sólidas y una banda sonora inquietante de Roger Goula Sarda, crea una experiencia inmersiva que obliga al espectador a reflexionar. Un gancho directo hacia empresas tiránicas que tratan a sus trabajadores como auténticos esclavos.

Vida y muerte en un almacén ha sido aclamada por su valentía y realismo, obteniendo una nominación al BAFTA a Mejor Película para Televisión y ganando un Emmy Internacional en la misma categoría. La película no solo denuncia la explotación laboral, sino que plantea preguntas incómodas. La cinta deja un pequeño resquicio de esperanza al mostrar que la acción colectiva puede ser una vía para la transformación social, pero también subraya la urgencia de movimientos políticos que desafíen el statu quo capitalista.

Ana Redondo

Fuente: Periodismo alternativo 

VER PELICULA 

"EL TRIUNFO DE LA REPÚBLICA", BALLET DE FRANÇOIS-JOSEPH GOSSEC, EN EL ANIVERSARIO DE LA VICTORIA EN LA BATALLA DE VALMY

El Triunfo de la República o el Campo del Grand Pré de François-Joseph Gossec
Género	Ballet: entretenimiento lírico
Libretista	José María Chénier
Idioma del folleto	Francés
Composición	en 1793 en París (la obra incluye fragmentos de piezas anteriores)
Creación	27 de enero, Año II de la República (1793) en la Ópera de París, con coreografía de Pierre-Gabriel Gardel
Forma	Un acto en una obertura y seis escenas con ballet final.
Instrumentación	Voz  : solistas y coro. Viento madera  : 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes. Metales  : 2 trompas, 2 trompetas. Percusión  : timbales, canon. Cuerdas  : violines 1 y 2, violas, violonchelos, contrabajos.

 

Contexto de composición y creación

Agosto de 1792. Las fuerzas armadas austriacas y prusianas, reunidas bajo el mando del duque de Brunswick, desembarcaron en Francia con el objetivo de contrarrestar la Revolución y restaurar el orden monárquico. Ante la amenaza de una invasión extranjera en París, las tropas francesas, lideradas por Dumouriez y Kellermann, se reunieron en Valmy, donde obtuvieron una victoria decisiva el 20 de septiembre de 1792. Aunque esta batalla parece haber sido poco más que un gran cañoneo sin enfrentamiento directo entre tropas, fortaleció el ardor de los revolucionarios, ya que representó la primera victoria de la Francia republicana. Al ver así reforzada su legitimidad, la Convención Nacional proclamó la abolición de la realeza en favor de la República al día siguiente. Se dice que Goethe, presente en el momento de la batalla, notó la importancia del evento, declarando: Desde hoy y desde este lugar data una nueva era en la historia del mundo

Fue tras la victoria en Valmy que Gossec compuso su divertimento lírico Le Triomphe de la République ou le Camp de Grand Pré. El libreto, como señala Marie-Joseph Chénier en una advertencia en el prefacio de la obra, incluye varios textos antiguos. El autor ha insertado en este folleto varios fragmentos de sus himnos compuestos para diversas festividades nacionales desde 1789. De manera similar, la partitura de Gossec compila varias piezas compuestas para ocasiones anteriores: el Chant du 14 juillet en la escena 1 es un coro a cuatro partes escrito para el 14 de julio de 1792, y el Chœur de la Liberté en la escena 5 es una repetición, con un texto diferente, del coro compuesto para la Fête des Suisses de Châteauvieux (15 de abril de 1792).

Inauguración del Triunfo de la República , manuscrito autógrafo de Gossec. Gallica-BnF

El argumento

Una obertura al son de timbales y cañonazos introduce la obra, que se presenta como una sucesión de escenas. Mientras los ciudadanos de Grand Pré cantan himnos dedicados al Eterno y festejan al son de las danzas del pueblo, se da la llamada a las armas. Ansiosos por combatir al enemigo, los jóvenes van a la guerra mientras los ancianos, que se han mantenido al margen, recuerdan sus hazañas pasadas. A lo lejos, el fuego de cañones y mosquetes representa la batalla que se libra entre bastidores. El ejército francés regresa triunfante y todos celebran la victoria, honrando a la diosa de la Libertad, descendida del cielo. Un ballet final involucra a diferentes naciones (inglesa, suiza, etc.) a través de una serie de danzas que evocan los diversos países.

Centrarse en la apertura

Como suele ocurrir en las obras líricas de la época, la Obertura ofrece una idea del contenido de la obra: en dos partes contrastantes, sumerge al oyente a veces en el tumulto de la batalla, a veces en el regocijo de las festividades del pueblo.

La primera parte, allegro molto, comienza con una majestuosa introducción. Las cuerdas, al unísono, enuncian un tema solemne tocado con fuerza, cuyo ritmo con puntillo evoca el estilo francés de las oberturas barrocas. Las trompas lanzan entonces un llamado, como llamadas militares en el campo de batalla. La música parece querer atraer la atención del público y advertirles de la inminencia del conflicto. Entonces comienza el enfrentamiento: al principio suavemente, en un matiz de pianissimo, el estruendo crece cada vez más en un gran crescendo hasta el fortissimo que representa el choque de ejércitos. La agitación y la fiebre de la batalla son representadas por las rápidas corcheas de las cuerdas, mientras que el ritmo con puntillo, tocado repetidamente en un tempo enérgico, evoca la carga de la caballería al galope. Los grandes acordes, reforzados por los golpes de los timbales y el cañón, representan los ataques de artillería. Esta primera parte termina "muriendo" ( smorzando ), el sonido disminuye gradualmente a medida que la música se apaga mientras la lucha termina.

Tras una breve transición liderada por los redobles de timbales, comienza la segunda parte, el allegretto moderato, en una atmósfera completamente diferente. Con un ritmo ternario, la música crea una melodía de baile alegre y animada. En la forma ABA', característica de las danzas de la época, su ritmo punteado evoca la siciliana. El dúo formado por la flauta pequeña y el oboe refuerza el carácter pastoral y nos sumerge en la fiesta del pueblo de Grand Pré.

Autora: Floriane Goubault

Fuente: Philarmonie de París 

EXPOSICIÓN "HACIENDO CRECER LA VIDA" EN EL MUSEO DEL NEORREALISMO DE PORTUGAL, EN HOMENAJE AL PINTOR COMUNISTA ROGÉRIO RIBEIRO

 

El 31 de mayo, el Museo del Neorrealismo inauguró una exposición sobre la obra de Rogério Ribeiro durante el período en que el movimiento neorrealista marcó las tendencias artísticas en Portugal. La exposición "Haciendo Crecer la Vida – Rogério Ribeiro y el Neorrealismo", comisariada por David Santos, evoca la diversidad técnica y estética del artista a través de una vasta colección de obras creadas durante este período. Esto fue posible gracias a la colaboración de prácticamente todas las entidades y particulares que poseen obras de Rogério Ribeiro, mediante el préstamo de obras. 

Rogério Ribeiro fue uno de los dos principales protagonistas de la experiencia lírica identificada como neorrealismo. El despertar de los sentidos y una profunda conciencia de la condición humana constituyen el propósito de su obra artística, ya que se centra en la fuerza social y la poesía que el pueblo también puede significar. Muchos años después, el artista recordaría el neorrealismo como «un momento excepcional en nuestra historia contemporánea, un momento en el que una invasión de esperanza surgió de nuestros hogares, no de nuestros corazones». 

Rogério Ribeiro nos legó una práctica artística inseparable de las formas narrativas y simbólicas del neorrealismo, reinterpretando en sus últimas etapas muchos de los elementos temáticos, ideológicos y contemplativos del realismo original. Lo que lo guió a lo largo de este recorrido fue, en esencia, un compromiso con la vida, no con su valor supremo ni con el humanismo, revelando su expresión social y política en una interacción sensible con la manifestación de la creatividad que siempre asociamos con la práctica del diseño y la pintura.

Rogério Ribeiro (Estremoz, 31 de marzo de 1930-Lisboa, 10 de marzo de 2008) hizo su formación académica en pintura, en la Escuela Superior de Bellas-Artes de Lisboa, actual Facultad de Bellos-Artes de la Universidad de Lisboa.

Fue socio-fundador de la Gravura – Sociedad Cooperativa de Gravadores Portugueses (1956), donde desarrolló intensa actividad como grabador. Trabajó en cerámica y en tapicería por encomienda de particulares, empresas y organismos oficiales. En 1961 inició su actividad de profesor de Pintura y Tecnología en la Escuela de Artes Decorativas António Arroyo (Lisboa). Primeros trabajos en el ámbito del Design de Equipamiento y Gráfico (1964) y colaboración con varios arquitectos en los estudios de memoria e integración de materiales y trabajos artísticos^.

Fue profesor de la ESBAL desde 1970, institución donde, en 1974, coordinó el grupo de trabajo de reestructuración del currículo escolar en el área del Design. En 1983 fue coautor del proyecto de la Galería de Dibujo del Museo Municipal de Estremoz, con Joaquim Rojo, Armando Alves y José Aurélio, entre otros.

Militó en el Partido Comunista Portugués desde 1975 y de su Comité Céntrico entre 1983 y 1992, fue fundador de la primera Galería Municipal de Arte en Almada y también responsable por el proyecto Casa de la Cerca – Centro de Arte Contemporáneo, uno de los principales polos culturales del municipio de Almada.

Falleció en Lisboa el 10 de marzo de 2008.

 

"LA PEQUEÑA MOSCÚ" DE LEGNICA (POLONIA), EN EL 32 ANIVERSARIO DE SU ABANDONO

La Pequeña Moscú en Legnica…

Legnica siempre se ha llamado la "Pequeña Moscú". La región de Legnica fue el cuartel general del Grupo Norte de Fuerzas Soviéticas. Para muchos rusos, Legnica era su verdadero hogar. La despedida oficial de los últimos soldados rusos tuvo lugar en el Palacio Belweder el 17 de septiembre de 1993. Los rusos quedaron profundamente afectados por su partida de Polonia. Varios se suicidaron. No tenían adónde regresar y no entendían por qué la actitud hacia ellos había cambiado de la noche a la mañana. Creían que era injusto.

Presentamos varias fotografías de lo que queda de la "Pequeña Moscú", que tenía su sede en Legnica.

Cementerio municipal de Legnica, historia de los soldados soviéticos…

En el Cementerio Municipal se pueden admirar los restos de la época en que los soldados soviéticos estuvieron estacionados, y se ha reservado una gran hectárea. Se puede afirmar que sirve como lugar de enterramiento para los rusos enterrados aquí.

La puerta principal del cementerio es de arquitectura estrictamente soviética.

Monumento de gratitud al ejército soviético…

El monumento representa a un soldado soviético estrechando la mano de un soldado polaco, entregándole la independencia del Estado polaco. El soldado polaco, que luchó codo con codo con el soldado soviético desde Lenin hasta Berlín, le ofrece su gratitud y amistad. El autor del monumento, Józef Gazy, también incluyó a una niña entre los soldados de primera línea.

El Monumento de Gratitud al Ejército Soviético se erigió en el centro de Legnica el 11 de febrero de 1951. El molde del monumento se elaboró en la Escuela de Cantería de Jawor. Este magnífico monumento desapareció el 24 de marzo de 2018, desapareciendo así todo rastro de la "Pequeña Moscú".

"El niño que el soldado polaco sostiene en su brazo y que apoya su mano en el brazo firme del soldado soviético es un símbolo de la joven generación que se salvó del exterminio."

En memoria y para gloria eterna…

Bajorrelieves realistas socialistas y una piedra en honor a los soldados soviéticos que, entrando en Legnica, devolvieron la ciudad a su patria.

"Gloria eterna a los soldados". Aquí sobran las ideologías políticas...

No podemos olvidarnos de la ciudad de Jawor…

El monumento, o mejor dicho, la tumba, de un soldado del 2.º Ejército Polaco que murió en 1945 durante la liberación de Jawor. Cabe recordar que el molde del Monumento de Gratitud al Ejército Soviético de Legnica se fabricó en Jawor.