"26 DE JULIO", DEL ARTISTA CUBANO RAÚL MARTÍNEZ, EN EL 73 ANIVERSARIO DEL ASALTO AL CUARTEL MONCADA POR FIDEL CASTRO

 

26 de julio

Raúl Martínez González 

Óleo y collage sobre masonite

119 X 159 cm

1968 

Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana 

En 1959 Raúl Martínez es considerado por la crítica nacional y extranjera como uno de los más importantes expresionistas abstractos de Cuba.  

Con este óleo, homenaje al asalto al Cuartel Moncada del 26 de julio de 1953 liderado por Fidel Castro contra la dictadura de Fulgencio Batista, el pintor logra la feliz conjunción entre el expresionismo abstracto y el pop art. Es evidente lo explícito del mensaje, cuya profunda carga emotiva permite penetrar, a través de un despliegue de elementos visuales de una notable riqueza, en una conciencia histórica de la época, tan importante para comprender la plástica cubana de los 60.

26 de julio concentra lo mejor de la fuerza revolucionaria de un período histórico. El artista realiza una personal interpretación del ambiente popular que lo rodea. Asimila el “estilo” compositivo de los murales de los Comités de Defensa de la Revolución, los letreros pintados por manos inexpertas en los muros de las calles, las pancartas con las que participa el pueblo en las grandes concentraciones. Capta con perspicacia estas manifestaciones, nacidas espontáneamente del seno del pueblo, por su propia naturaleza signadas por lo efímero, y le otorga, por la magia de su arte, el don de la perdurabilidad. 

Martínez pegó sobre la tela la hoja de un almanaque donde se enumeraban los días de aquel mes. La puso dentro del rectángulo que formaban las maderas de una silla infantil rota (correspondientes al espaldar y las patas traseras), puesta de cabeza. En otra parte del lienzo, dentro del círculo de la vocal O, ubicó la portada de un folleto sobre la Segunda Declaración de La Habana.

El folleto estaba ilustrado con un mapa de América Latina, transformado en un rostro que lanzaba la consigna "Cuba sí, Yankis no". Entre los brochazos del fondo puede leerse la palabra "Urgente". A la izquierda, una fotografía de Fidel Castro ante un micrófono.

El número 26 aparece varias veces en el lienzo, trazado con espontaneidad, como si fuesen gestos libertarios.  Martínez, según afirmó en una entrevista, se propuso crear, mediante las pinceladas y los pigmentos, "una situación plástica más rica en expresión y en asociaciones, ya sean estas conscientes o inconscientes".

Fuente: EcuRed y otros

"LAMENTO POR LORCA", LITOGRAFÍA DE ROBERT MOTHERWELL, EN EL 89 ANIVERSARIO DEL FUSILAMIENTO DEL POETA GRANADINO

Lamento por Lorca

ROBERT MOTHERWELL

1981

Litografía sobre papel

142 x 183,2 cm.

Colección CAAC

Motherwell es uno de los representantes más acreditados del expresionismo abstrac- to norteamericano de primera generación. Persona de amplia cultura, desde el principio influido por los surrealistas y el auto- matismo, se esfuerza por evocar sus experiencias morales y políticas en su pintura, reflejar su compromiso mental y físico con el lienzo.

Esta obraa, realizada después de la exposición en la fundación Juan March de Madrid en 1980, está emparentada con las grandes formas negras de las Elegías a la República Española, su serie más conocida. Esta serie fue originada por un dibujo seminal destinado a ilustrar el poema de Lorca sobre la muerte de Ignacio Sánchez Mejías. La aparición recurrente en el poema del tema de las cinco de la tarde, la hora del cocktail en Manhattan, le hizo cambiar esa referencia taurina por la de la también trágica desaparición de la República Española.

El círculo temporal de la presencia de Motherwell en España en estos años se cierra con la publicación de algunos textos y la ilustración de la cubierta de la revista sevillana Separata en 1981, el mismo año de la obra expuesta

"MONUMENTO A LOS PRESOS DEL CANAL DEL BAJO GUADALQUIVIR", DE EVARISTO BELLOTTI

 

Monumento a los presos del Canal del Bajo Guadalquivir

Evaristo Bellotti

Escultura tallada en piedra

1988

Plaza del Retiro, Belleavista (Sevilla) 

 

Descripción

 

Las esculturas se localizan en la Plaza del Retiro del barrio de Bellavista (Sevilla) y se distribuyen espacialmente distanciadas estas tres esculturas que componen el monumento en memoria y homenaje a los presos constructores del Canal del Bajo Guadalquivir. Se trata de la representación de tres figuras humanas a escala ciclópea, de potente anatomía, desnudas y portadoras de grandes bloques de piedra. Las tres esculturas carecen de cabeza y de pedestal. El esfuerzo realizado por estos presos políticos es evidenciado por el artista en forma de un expresionismo abstracto, con un tratamiento superficial de las monolíticas figuras en las que pueden apreciarse las fases de la devastación.

 

Historia de la pieza

 

El canal del bajo Guadalquivir es un canal de riego, infraestructura hidráulica destinada originalmente a poner en riego una superficie de 56.000 hectáreas de las provincias de Sevilla y Cádiz. Parte del embalse de Peñaflor, en Sevilla y recorre 158 km. hasta el Embalse de Don Melendo, en el término municipal de Lebrija (Sevilla). En el año 2006 al tramo comprendido entre La Rinconada y Dos Hermanas se le cambió la denominación por "Canal de los Presos". Ya en el siglo XIX se pensaba en su construcción, pero por ser una obra de tal magnitud, no fue hasta 1940 cuando se inició su construcción, que se concluyó en 1962. La obra se llevó a cabo por presos políticos de la dictadura franquista, a "pico y pala", siguiendo la política de Redención de Penas por el Trabajo, llegando a contar con 2.000 presos. A lo largo de su recorrido se jalonaban campos de trabajo como en Los Merinales, El Arenoso y La Corchuela en Dos Hermanas, asimismo los familiares también crearon los poblados de Bellavista, Torreblanca y Valdezorras, en Sevilla, Quintillo en Dos Hermanas o El Palmar de Troya, en Utrera.

 

Esta escultura fue realizada por el escultor algecireño Bellotti por encargo del Ayuntamiento y a instancias de la Asociación de Vecinos "Unidad" de Bellavista.

 

Fuente: Guía digital del IAPH 

 

 

"IBERIA", DE ROBERT MOTHERWELL

Robert Motherwell

Iberia

1958

Óleo sobre lienzo

178,8 x 226,6 cm

Museo Guggenheim Bilbao

Motherwell tenía sólo 21 años cuando en 1936 estalló la Guerra Civil española, pero marcó una huella indeleble en él y, a partir de 1948, dedicó la que quizá es su serie más conocida, Elegías a la República Española (Elegies to the Spanish Republic), a este tema. Las Elegías no fueron su única evocación a España. Entre las múltiples obras de esta temática destaca la serie Iberia de 1958, que inició durante su primera visita a España ese mismo año. Conocía perfectamente de antemano los estragos causados por el régimen de Franco, pero no cabe duda de que sus dotes de observación le permitieron percibir en profundidad la sombría situación que predominaba en España. Esa lobreguez se plasma en un talante negro, en un ambiente negro que amenaza con arrasarlo todo. En esta obra de grandes dimensiones —una de las más duras de la serie— la oscuridad de la superficie se ve aliviada tan sólo por una pequeña apertura en la parte inferior izquierda. Se ha creado en la superficie una atmósfera sofocante que, de lejos, parece impenetrable. Sin embargo, Motherwell trabajó a fondo la superficie, consiguiendo el peso de la oscuridad mediante numerosas pinceladas que se fusionan y se separan, y que incluso sugieren una especie de caos infernal. El atrevido planteamiento que hace Motherwell de un tema sumamente cargado de emoción se pone de manifiesto en esta importante obra de la serie Iberia.

MOTHERWELL Y LOS POETAS (OCTAVIO PAZ Y RAFAEL ALBERTI)

Litografía de Robert Motherwell perteneciente al grupo de litografías que ilustran el poema Piel/Sonido del mundo de Octavio Paz (1981–82)

EXPOSICIÓN EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH DE MADRID

20 de julio – 1 de septiembre 2012

Como en años anteriores, la Fundación Juan March presenta durante el verano una nueva exposición de gabinete: una pequeña muestra en torno a la relación que Robert Motherwell (1915-1991), gran admirador de la literatura española y latinoamericana, mantuvo con el poeta español Rafael Alberti y con el poeta y ensayista mexicano Octavio Paz.

Constituida por fondos propios de la colección, archivo histórico y biblioteca de la Fundación Juan March, así como por algunos préstamos de colecciones particulares, esta muestra es la última de una serie de relaciones y exposiciones con obra de Robert Motherwell, desde que en 1980 la Fundación Juan March le dedicara una retrospectiva, primera en España del artista norteamericano, que marcó el inicio de una fructífera relación entre él y esta institución. De ella son ejemplo dos exposiciones sobre Motherwell ofrecidas por la Fundación en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, sin contar otras grandes exposiciones colectivas en las que figuraron obras del pintor.

La interrelación entre las obras del artista y los escritos de los poetas de esta muestra no solo responde a las circunstancias y las coincidencias reales entre los tres protagonistas durante las décadas de los años setenta y ochenta: esa relación se presenta también como un ejemplo muy característico –y muy ligada a la historia del arte contemporáneo y de la poesía en español del siglo XX– de la literatura y la pintura como universos de imágenes que remiten a otras imágenes y de textos que remiten a otros textos. En este sentido, mientras Motherwell "escribe" una suerte de textos, con una grafía abstracta, pero íntima, y visualmente significativa, de los textos de Octavio Paz y Rafael Alberti, éstos se acercan al oficio del pintor queriendo pintar las palabras del poema y del libro, que se convierten a su vez en formas artísticas, en objetos visualmente significativos. Las obras del pintor y de los poetas encarnan también, pues, la secular relación entre la poesía y la pintura.

Robert Motherwell

Robert Motherwell fue una figura decisiva del expresionismo abstracto norteamericano y de la así llamada "Escuela de Nueva York". Escritor y editor, además de pintor, Motherwell sintió siempre una gran atracción por la cultura europea, y en especial por España. Mantuvo siempre un estrecho vínculo con la tragedia de la Guerra Civil española, tema al que rindió homenaje en sus conocidas Elegías a la República española y, como puede verse en la muestra, ilustró con sus grabados poemas de Rafael Alberti, como El Negro Motherwell y A la pintura. Fecundo ensayista y poeta, además de profesor, traductor y diplomático, Octavio Paz (1914-1998), colaboró activamente en el impulso de la cultura a través de la fundación y participación en numerosas revistas, como Taller, Plural y Vuelta. El Premio Nobel que recibió en 1990 supuso el reconocimiento universal a su obra. Y el poeta, escritor y dramaturgo español Rafael Alberti (1902-1999), miembro de la Generación del 27, está considerado como uno de los mayores escritores españoles de la llamada Edad de Plata de la literatura española.

La exposición se presenta en tres bloques narrativos:

Vrindaban, 1965
Octavio Paz

Robert Motherwell: tres poemas de Octavio Paz presenta 27 litografías del artista norteamericano, que ilustran parcialmente tres poemas del poeta, editados entre 1981 y 1982. Paz publicó los tres poemas –"Nocturno de San Ildefonso", "Vuelta" y "Piel/Sonido del mundo"– en 1976, aunque.el último de ellos había surgido en 1971 a partir del conocimiento de la obra de Motherwell. Los textos, en castellano e inglés, fueron impresos en bicolor sobre papel Arches. Las 27 litografías –cuatro de ellas en color– se editaron en Trestle Editions (Nueva York).

Rafael Alberti y Robert Motherwell en la exposición "Robert Motherwell" celebrada en
la Fundación Juan March en 1980.

El Negro Motherwell: Rafael Alberti presenta el libro de artista El Negro Motherwell, con litografías del pintor y el poema "El Negro Motherwell" de Rafael Alberti, que el poeta escribió y recitó en el acto de inauguración, en 1980, de la citada exposición monográfica dedicada a Motherwell en España. La sección incluye material documental y fotográfico de aquella ocasión, así como una instalación audiovisual con el recitado del poema por Alberti e imágenes del libro El Negro Motherwell, con el poema de Alberti ilustrado por Motherwell.

Octavio Paz y el libro creador reúne ejemplares de libros de Octavio Paz procedentes de la "Biblioteca Julio Cortázar". Se trata de la biblioteca que el escritor tenía en su domicilio de París y que fue donada a la Fundación Juan March por su viuda, Aurora Bernárdez, en 1993. La integran 3.894 títulos, entre libros, revistas y recortes de prensa. Se han seleccionado para esta muestra algunos de los libros de Paz presentes en la colección de Cortázar –de la íntima amistad entre ambos dan fe las dedicatorias del escritor mexicano en su libros a su colega argentino-, bien por su tema (algunos están directamente relacionados con el arte contemporáneo) como por su carácter de poemas visuales o ingeniosos experimentos a medias entre el texto y las imágenes.

http://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/motherwell/

"ROJO", EN LA GALERÍA CONCHA PEDROSA DE SEVILLA

Caníbales, de José Manuel Pérez Tapias (2011)

Un total de 13 artistas, en su mayoría sevillanos o afincados en la ciudad, se reúnen a partir del pasado jueves 15 de diciembre para brindar homenaje a Miguel Ángel Campano, premio Nacional de Artes Plásticas 1996, en una exposición colectiva titulada 'Rojo', que comisariada por Clara Zamora, podrá visitarse hasta el próximo 31 de enero. Campano, de la mano de Juan Manuel Bonet, Ángel González y Kiko Rivas, dio vida a 'Madrid Distrito Federal' en 1980.

Según ha explicado la directora de la Galería, Concha Pedrosa, a Europa Press, el motivo de esta exposición "es el de reconocer la trayectoria y el trabajo de Campano como padre del expresionismo abstracto", después de que el artista "se quedase en una silla de ruedas tras sufrir un accidente, lo que le imposibilita a ejercer su actividad", explica. Así, la muestra "tiene como objetivo poner de manifiesto una forma de creación y de entender el arte y la vida, con el tema del expresionismo abstracto llevado a su último extremo, de ahí el título de 'Rojo", destaca la galerista.

Y lo hará, continúa Pedrosa, a través de tres generaciones de artistas, y a través de distintas disciplinas como pintura, escultura, instalación, fotomontaje, y una performance a cargo de Noemí Martínez Chico, que se grabará con el objetivo de crear un videarte. Además, la obras que la conforman "restituyeron el derecho a la vuelta a la fantasía, al mundo individual de los sentimientos, al inconsciente, a lo secreto y al poder de la seducción de los sentidos".

La primera generación, que aparecen como padres creativos, estaría formada por dos grandes artistas de reconocido prestigio, Miguel Ángel Campano, y Manuel Salinas, quienes representan los referentes de otros coetáneos y, sobre todo, de una nueva hornada de artistas que se definen bajo estos parámetros. Estarán también Pedro Simón, José Manuel Pérez Tapias, Rafael Agredano, Rafael Guerrero, Cristina Aymerich, Marcos Bontempo, María Cañas, Matías Sánchez, Manuel Léon, y Rorro Borjano.

La obra de este grupo de artistas no se somete a dictados de las corrientes estilísticas ni a presupuestos estéticos, sino a una forma de crear pasional y salvaje. Así lo ha explicado, según se indica en una nota, Clara Zamora: "Estos artistas caníbales comparten el convencimiento de que el hombre empieza a "enfermar" cuando abandona el artista que lleva dentro, esa visceralidad les lleva a meter el alma dentro de sus obras, dejarse llevar por la emoción desatada, incluso regocijarse en el dolor de la pasión creativa. Se trata de poner la estética al servicio del artista, no utilizándola sino como instrumento para afirmar espontáneamente en la obra el sentimiento del autor, de cada autor".

Fuente: Europa Press

Happy Days, de Rorro Berjano (2007)

"ROJO SOBRE NEGRO"

José Guerrero
La brecha de Víznar
1966
196 x 238 cm
Colección Centro José Guerrero

Es opinión compartida que La brecha de Víznar quizás sea la imagen más poderosa creada por el pintor granadino José Guerrero. El dramatismo de su composición, con negra diagonal que vierte su contenido rojo al final del embudo formado por los blancos que destacan en el lienzo, conduce a la hendidura en cuyo fondo, entre la oscura luminosidad del negro sobre negro, vislumbramos el horror de la tragedia que arrastra al abismo.

¿Cómo dejar que el legado de un artista como Guerrero abandonara la Granada de la que manó la savia vivificadora de su expresionismo abstracto, el que maduró durante su fecunda estancia –¡ay, el recuerdo de Lorca!- como pintor en Nueva York? Hubiera sido imperdonable. De hecho, han sido muchas las voces que han advertido, desde los ámbitos artísticos, los medios de comunicación y el mundo académico, que, de ocurrir tal exilio, no sería perdonado. Afortunadamente, tan rotundo mensaje de la sociedad civil ha llegado a las instituciones públicas hasta hacer posible el entendimiento entre responsables políticos y herederos del pintor. El Centro Guerrero continuará en nuestra ciudad bajo la cobertura de la Fundación propuesta por la Junta de Andalucía.

Bien está lo que bien acaba, pero eso no quita reflexiones postreras sobre el debate en torno al destino de valiosísimos cuadros del más importante pintor granadino del siglo XX. Las dificultades de la Diputación provincial para seguir manteniendo el Centro –tras más de una década de cuidada gestión del mismo-, las exigencias de la familia para que los fondos conservados en dicho Centro siguieran aquí, las diferentes propuestas que se han hecho por el camino –a veces un tanto oportunistas-, y los obstáculos para llevar a término con discreción negociaciones imprescindibles para alcanzar un acuerdo aceptable por todos, explican el alargamiento de una polémica que encontró su punto de consenso al filo de la medianoche del 31 de diciembre del 2010 ya ido. Si habría que aprovechar para sacar conclusiones en cuanto a líneas maestras de política cultural, es ahora cierto que cabe formular algún agradecimiento aun hablando del feliz desencuentro que permitió esta solución. Y hasta parafrasear a Cohélet con que hay un tiempo para pleitear y otro para acordar.

Lo importante, como se ha dicho desde estas páginas, ha sido la victoria del Guerrero como Centro para saborear y difundir la obra de quien pensaba en un arte sin fronteras, mas sabiendo que tiene raíces. Recordando al maestro del color –del que decía que es “comunicación, energía, tránsito”- y del trazo vigoroso, podemos imaginarlo con sus manos volcadas sobre una obra que, teniendo como tema este logro de y para Granada, de nuevo hiciera cantar a Federico sentidos versos acerca de lo rojo sobre lo negro.

José Antonio Pérez Tapias

Publicado en el diario Granada Hoy el 6 de enero de 2011

"LA PEQUEÑA CÁRCEL ESPAÑOLA", DE ROBERT MOTHERWELL

La pequeña cárcel española
1941-1944
Oleo sobe tela
69,2 x 43,5 cm
The Museum of Modern Art, Nueva York

En 1932, Motherwell ingresa en la Universidad de Stanford para estudiar filosofía y literatura moderna francesa. En 1935, su contacto con la cultura europea se amplía en un viaje junto a su padre y su hermana por la mayor parte de los países de Europa occidental; el estallido de la Guerra Civil española al año siguiente -"el acontecimiento político más conmovedor de la época", según sus propias palabras- reforzará sus lazos con un país que se convertirá en protagonista simbólico de buena parte de su producción.

La influencia de Mondrian -tramas rectilíneas, reduccionismo cromático- es muy visible en algunas pinturas de los años cuarenta, aunque Motherwell reinterpreta a su manera la obra del pintor holandés, moderando su rigor rectilíneo y dotando a los colores de referencias simbólicas más precisas.


Cárcel española (ventana)
1943-1944
Oleo sobre tela
137,2 x 101,6 cm
Colección Mr. y Mrs. Meredith Long
Houston, Texas

Como en la composición anterior, el entramado rectilíneo de barrotes convierte la pintura-ventana en una superficie infranqueable de color. La alusión del título a la represión desatada por el franquismo tras la derrota republicana en la Guerra Civil española es una metáfora de la "derrota" de la pintura como ventana de acceso a los grandes ideales.

Robert Motherwell (1915-1991)

Pintor americano nacido en Aberdeen, Washington, uno de los fundadores del expresionismo abstracto y uno de sus miembros más prolíficos e influyentes. En 1941, abandonó sus estudios de literatura y psicología para comenzar a pintar en un primer momento bajo la influencia de los surrealistas, sobre todo del pintor chileno Roberto Matta, con quien viajó a México. Su primera exposición individual fue en 1944 en la galería Art of this Century en Nueva York. A partir de aquí se sucedieron las exposiciones en Estados Unidos y en Europa. Representó a su país en la Bienal de Venecia de 1950 y en la de Sao Paulo en 1961. Entre sus obras más conocidas destaca The crossing (1948, Colección Rockefeller, Nueva York), y series de grandes lienzos en blanco y negro que se engloban bajo el título Elegía a la República española, más de cien obras inspiradas en la Guerra Civil española pintadas entre 1949 y 1976. El uso de grandes áreas de color caracteriza la última producción del artista, a menudo denominada Window-and-Wall series (Series de ventana y pared).

"ELEGÍAS A LA REPÚBLICA ESPAÑOLA"

Elegía a la República Española, nº 34 (1953-54).

LA FAMOSA SERIE PICTÓRICA DE ROBERT MOTHERWELL EN HONOR A LA II REPÚBLICA CUMPLE 60 AÑOS

Desde 1949 hasta 1976 Motherwell dedicó cerca de ciento cincuenta cuadros a España, la serie de Elegías a la República Española, enfrentándose a un tema político de forma abstracta, aunque su aire nostálgico ha llevado a compararle con poetas americanos contemporáneos, como Ginsberg y Duncan. Con un predominio evidente del color negro, ocupa grandes superficies en forma de manchas ovales, entre las cuales aparecen gruesos trazos verticales. A pesar de que se ha señalado la relación de estas imágenes con las corridas de toros, la idea no parece tener mucho fundamento.

La pequeña prisión española, 1944

Biografía

Aunque nacido en Aberdeen (Washington), Robert Motherwell disfrutará en su infancia y juventud de la luz, los intensos colores y el clima mediterráneo de la costa californiana, adonde su acomodada familia se traslada en 1918. Tras unos años en el sur del estado, en 1927 el matrimonio fija su residencia en San Francisco, ciudad en la que el padre del futuro pintor se convertirá en un eminente banquero. Dos años más tarde, Robert enferma, de asma y, para preservarle del clima húmedo de la ciudad, le envían a cursar sus estudios a la localidad califomiana de Atascadero, en cuya Moran Preparatory School se gradúa en 1932. Los ataques de asma solían sobrevenirle entre las dos y las tres de la madrugada, y, para evitarlos, el muchacho adquiere una costumbre que le acompañará el resto de su vida: acostarse muy tarde y trabajar de noche.

En 1932 ingresa en la Universidad de Stanford para estudiar filosofía y literatura moderna francesa; muestra especial interés por la obra de filósofos pragmatistas americanos como John Dewey y Alfred North Whitehead; al mismo tiempo, estudia pintura en la California School of Fine Arts de San Francisco. En 1935, su contacto con la cultura europea se amplía en un viaje junto a su padre y su hermana por la mayor parte de los países de Europa occidental; el estallido de la Guerra Civil española al año siguiente -"el acontecimiento político más conmovedor de la época", según sus propias palabras- reforzará sus lazos con un país que se convertirá en protagonista simbólico de buena parte de su producción.

En 1937, tras graduarse en Stanford, se traslada al este para proseguir sus estudios en Harvard. Interesado por el simbolismo y el romanticismo franceses, quiere escribir una tesis sobre los Diarios de Eugene Delacroix, así que viaja a Francia y, tras una breve temporada en Grenoble, alquila un estudio en París. En la capital francesa empieza a pintar, asiste a clases en la Academia Julian, traduce al inglés la obra de Signac De Eugene Delacroix au Néo Impressionisme, y celebra su primera exposición individual en la Galerie Duncan. Bien pertrechado intelectualmente, regresa a los EE.UU. Trabaja como profesor en las universidades de Oregón y Columbia (Nueva York); en esta última conoce al profesor Meyer Schapiro, quien le pone en contacto con surrealistas europeos como Kurt Seligmann y Max Ernst y le anima a dedicarse a la pintura. Con el pintor surrealista chileno Roberto Matta emprende en 1941 un crucial viaje a México; allí conoce a la actriz María Emilia Ferreira, con la que se casará meses más tarde; asimila el automatismo surrealista trabajando con Wolfgang Paalen y realiza susprimeras obras maduras. Sin acabar de definir un estilo propio, en esta primera etapa pueden rastrearse tres orientaciones paralelas: pinturas en las que funde diversas influencias (Picasso, Matisse, Mondrian) con una profunda asimilación del automatismo surrealista, una serie de dibujos automáticos conocida como Cuaderno mexicano y, a partir de 1943, sus primeros collages, que expone en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim en 1944.

A su regreso de México se establece en Nueva York, donde pronto se convierte en protagonista destacado del panorama artístico de la ciudad. En 1942 conoce a William Baziotes y a Jackson Pollock, con quienes visita asiduamente el estudio de Matta, y en 1945 a Mark Rothko.

Su formación intelectual y su conocimiento del medio universitario le convierten en portavoz oficial del expresionismo abstracto americano: imparte numerosas conferencias en centros docentes, colabora con distintas publicaciones (VVV; Partisan Re'View, Possibilities, Modern Artists in America) y en 1944 comienza a dirigir The Documents of Modern Art, una serie de monografías ilustradas que dan a conocer al público americano los principales textos de la vanguardia europea. En 1948 funda junto a Rothko, Baziotes y David Hare la efímera escuela de arte The Subjects of the Artist; ese mismo año realiza un pequeño dibujo a tinta para ilustrar un poema del crítico Harold Rosenberg, que posteriormente reutiliza para ilustrar el Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías de Lorca, y que acabará inspirando la primera de sus Elegías a la República Española. En esta y otras obras de finales de los cuarenta y principios de los cincuenta ensaya el tipo de composición abstracta basada en la yuxtaposición de grandes manchas circulares y rectilíneas y la preponderancia del blanco y el negro por el que será especialmente conocido.

Durante la década de 1950 proseguirá su labor docente en centros como el Hunter College de Nueva York o el Black Mountain College, al tiempo que participa en numerosas exposiciones, entre las que destacan "Four Abstract Expressionists" (1953) y "The New American Painting" (1958), ambas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1958 vuelve a contraer matrimonio, en esta ocasión con la también pintora Helen Frankenthaler. Los años sesenta suponen la consagración definitiva del artista. Se celebran retrospectivas de su obra en muchos museos y galerías de Europa y América (Nueva York, Amsterdam, Londres, Bruselas, Essen, Turín...), y comienza a ser considerado como uno de los principales protagonistas de la Escuela de Nueva York. Sigue pintando variaciones de la Elegía a la República Española, y culmina dos relevantes series de dibujos automáticos, A la orilla del mar (1962) y Suite Lírica (1965).

En 1967 comienza su serie de Abiertos, pinturas realizadas bajo la influencia de la Colour Field Painting y el minimalismo, en las que recurre a superficies homogéneas de color cortadas por trazos rectilíneos en forma de U. Las dos últimas décadas de su vida trascurren entre continuas muestras de reconocimiento; en 1983 una amplia retrospectiva de su obra recorre los Estados Unidos yen 1990 recibe la Medalla Nacional de las Artes en la Casa Blanca.

El 17 de julio de 1991 fallece en Provincetown (Massachusetts).

Fuente: Milko A. García Torres (Grandes pintores del siglo XX)