lunes, 24 de abril de 2017

LOS BÚNKERES QUE PROTEGÍAN A LA REPÚBLICA EN VALENCIA


Refugio antiáreo levantado en la plaza del Patriarca de Valencia.
Refugio antiáreo levantado en la plaza del Patriarca de Valencia.




Una doble exposición rescata los refugios y las políticas para resguardar a la población de los bombardeos fascistas en la Guerra Civil

La construcción de refugios contra los bombardeos aéreos en Valencia se aceleró antes de la llegada del presidente de la Segunda República española, Manuel Azaña, y de su Gobierno a la ciudad, convertida en capital del país durante la primera mitad de la Guerra Civil, entre noviembre de 1936 y octubre de 1937. El Ayuntamiento valenciano rescata ahora, coincidiendo con el 80 aniversario de aquella capitalidad, el recuerdo de los 300 búnkeres subterráneos y en superficie construidos por el Ejecutivo republicano para proteger a la población de los temidos aviones italianos Savoia S79 y S81, así como de los hidroaviones nazis Heinkel He59, que bombardearon la ciudad en 440 ocasiones.

La doble exposición sobre la materia inaugurada este miércoles incluye una impactante inmersión física: la que produce adentrarse en el refugio que se abrió en el patio del Ayuntamiento, con capacidad para guarecer a los 700 escolares que estudiaban en el mismo edificio donde se alojaban las dependencias municipales.

El refugio sufrió modificaciones y fue transformado en las últimas décadas en almacén de papeles y viejas publicaciones municipales. Pero gracias a su diseño, obra del arquitecto José Luis Testor, conserva un sorprendente sistema de ventilación. "Hemos intentado recuperar al máximo su situación original. Los primeros metros de la entrada, hasta el codo que forma el pasillo, están pintados de rojo como se hizo originalmente para advertir de que la metralla podía llegar hasta ellos y que no debían pararse en ese tramo formando un tapón", explica la concejal de Patrimonio Cultural, Glòria Tello.
Interior del refugio recuperado en el subsuelo del Ayuntamiento de Valencia.
Interior del refugio recuperado en el subsuelo del Ayuntamiento de Valencia. efe


El antiguo búnker ha sido transformado en museo mediante la colocación de paneles explicativos, imágenes de gran formato de la época y una pantalla que muestra contenidos audiovisuales, pero mantiene la atmósfera oscura propia de una cripta.

La segunda exposición, titulada Tempestad de hierro y abierta hasta julio en la sala de exposiciones municipal, abarca un exhaustivo análisis de los refugios de la ciudad: desde su construcción en edificios públicos, fábricas y fincas de viviendas hasta su uso como morada tras la guerra por parte de vecinos que habían perdido su hogar. Solo en los poblados marítimos, el distrito de Valencia donde se integra el barrio de El Cabanyal, 218 personas vivían en estas construcciones defensivas, según un censo de 1942.
Efectos de un bombardeo en los poblados marítmos de Valencia.
Efectos de un bombardeo en los poblados marítmos de Valencia.


Las fotografías, recortes de prensa, documentos y carteles de la época reunidos por los comisarios José María Azkárraga, Alejandro Calpe, Miguel Mezquida y José Pinado con la coordinación de Pepa Pascual y Carmen Palacios, muestran el mortífero efecto que las bombas explosivas (de hasta 250 kilos) e incendiarias tuvieron para la población, que había aumentado con la llegada de miles de personas, en buena parte niños, procedentes de zonas republicanas cercanas al frente.

Inicialmente, las víctimas de los bombardeos se publicaban en la prensa. "Pero a medida que avanzaba la guerra dejó de informarse con detalle para evitar la desmoralización", indica el catálogo de la muestra. Un recuento publicado en enero de 1939, a dos meses del final de la guerra, contabilizó 825 muertos y 2.831 heridos causados por las bombas en Valencia.

La mayor parte de los ataques corrieron a cargo de la aviación italiana con base en Palma de Mallorca, pero Valencia fue también bombardeada desde el mar. El primer gran cañoneo fue ejecutado por el crucero fascista Duca d'Aosta, el 14 de febrero de 1937.

La muestra reúne fondos del Archivo Histórico Municipal, el Centro de Historia y Cultura Militar, el Archivo General y Fotográfico de la Diputación, la Hemeroteca Municipal, la Biblioteca Histórica de la Universitat de València, el Centro Documental de la Memoria Histórica de Salamanca, la Biblioteca Nacional, el Archivo General Militar de Ávila, el Archivo de la Administración General de Alcalá de Henares, la Biblioteca Valenciana, el archivo de la Cruz Roja y el del Partido Comunista de España, así como el Levante-EMV y la Fundació per Amor a l'Art.

Una parte de los mismos examina la defensa desplegada para intentar frenar los bombardeos, incluido un enorme cañón antiaéreo de la época, instalado ahora en medio de la sala de exposiciones municipal. Para advertir de la llegada de los aviones se colocaron 25 sirenas por toda la ciudad que se activaban desde el Micalet, la torre de la catedral de casi 59 metros de altura utilizada como punto de observación.

Fuente: El País

domingo, 23 de abril de 2017

"RETRATO DE NARCISO JULIÁN", DE ANTONIO BUERO VALLEJO



Retrato de Narciso Julián Sanz
Antonio Buero Vallejo
1941
Dibujo sobre papel grueso amarillento: lápiz de grafito
285 x 208 mm
Biblioteca Nacional de España


La Biblioteca Nacional de España recibió en 2014 la donación de un retrato de Narciso Julián Sanz, realizado por Antonio Buero Vallejo a plumilla en la cárcel de El Dueso (Santoña, Santander), en 1941.

Los dos coincidieron en ese presidio y entablaron una gran amistad. Sanz era un antiguo comandante de Milicias Ferroviarias que acabó convirtiéndose en una leyenda viviente del Partido Comunista. José Antonio González Núñez, yerno de Narciso Julián Sanz, ha sido quien, cumpliendo una última voluntad de su esposa, María del Carmen Julián, donó la obra a la BNE.

La obra es un dibujo sobre papel grueso amarillento: lápiz de grafito; 285 x 208 mm. A lápiz en el ángulo derecho: «Buero_XLI».

Buero fue detenido en junio de 1939 y condenado a muerte con otros compañeros, por adhesión a la rebelión. Tras conmutársele la pena por otra de treinta años, pasó por diversas cárceles: en la de Conde de Toreno permaneció año y medio, allí dibujó un famoso retrato de Miguel Hernández ampliamente reproducido y ayudó en un intento de fuga que le inspiró más tarde ciertos aspectos de su obra La Fundación. En la de Yeserías apenas estuvo mes y medio, unos tres años en El Dueso, y otro más en la prisión de Santa Rita. Escribió sobre pintura e hizo cientos de retratos de sus compañeros presos, entablando muy buenas amistades con algunos de ellos, como es el caso de Narciso Julián. Salió del penal de Ocaña en libertad condicional en 1946. Publicó dibujos en revistas, pero acabó derivando su trabajo hacia la escritura narrativa y, finalmente, la dramática.

Fuene: ABC

sábado, 22 de abril de 2017

DOCUMENTAL "LA NUEVE: LOS OLVIDADOS DE LA VICTORIA"



Documental que narra la historia de los republicanos españoles de “La Nueve”, 9ª Compañía de la 2ª División Blindada de la Francia Libre, conocida como división Leclerc, cuyas tropas fueron las primeras que liberaron París, el 24 de agosto de 1944.

La Nueve -cuyos tanques y vehículos de combate habían sido bautizados con nombres procedentes de la Guerra Civil española, como 'Madrid', 'Guernica' o 'Guadalajara'- había participado en la campaña de África contra Rommel y no sólo liberaron París, sino que participaron en la ofensiva en Alsacia y en el definitivo asalto en Alemania contra el 'Nido de Águilas' de Hitler. Perecieron más de mil hombres. La historia de 'La Nueve' era hasta hoy prácticamente desconocida, pues la historia oficial en Francia ha echado una cortina de silencio y de olvido sobre esa participación española y extranjera en la liberación de París y en la resistencia contra el nazismo.

viernes, 21 de abril de 2017

ICARIA PUBLICA "LLAMAMIENTO A UN PROCESO CONSTITUYENTE", CON PRÓLOGO DE ALBERTO GARZÓN Y EPÍLOGO DE JOSÉ ANTONIO PÉREZ TAPIAS

Llamamiento a un proceso constituyente
Prólogo de Alberto Garzón. Epílogo de José Antonio Pérez Tapias
José Ramon González Parada (coord.)
Editorial Icaria
ISBN: 9788498887716
Año Publicación: 2017
páginas: 88
PVP: 8.5 €


El momento político actual en España parece no acabar de definirse. Las élites se encuentran entre el inmovilismo y una «segunda transición» con reformas cosméticas de la Constitución actual, perpetuando la esencia de un texto constitucional que no han votado las nuevas generaciones. Ante esta situación urge iniciar una nueva etapa, acumulando para ello la fuerza democrática suficiente para hacer el recorrido de un verdadero proceso constituyente.

Con la irrupción del 15M se inició el camino hacia una cultura política participativa que impugna los grandes dogmas que, desde el poder, se proyectaban a las generaciones jóvenes. La respuesta social a la crisis sistémica abre un nuevo tiempo político que demanda también un genuino proceso constituyente.

Este «llamamiento» subraya la necesidad de elaborar colectivamente otro proyecto de país; un proyecto que no puede esperar a que tengamos la fuerza y la capacidad suficiente para llevarlo a cabo, sino que se construye desde ahora mismo, pues solo la confluencia de muchos creará la fuerza suficiente para que un nuevo país vea la luz, a la vez que una nueva Constitución.

AUTORES

José Ramón González Parada (coord.)

Adolfo Rodríguez, Andrés Piqueras, Ángeles Diez, Carlos Gómez, Carlos Pereda, Emmanuel Rodríguez, Evaristo Villar, Ignacio Duque, Juan Álvarez-Cienfuegos, Liliana Pineda, Luisa Cabrera, María Eugenia Rodríguez y Pedro Ibarra.

INDICE Y PRÓLOGO DE ALBERTO GARZÓN: http://www.icariaeditorial.com/pdf_libros/Llamamiento.pdf

EPÍLOGO DE JOSÉ ANTONIO PÉREZ TAPIAS (PARTE 1): https://www.facebook.com/joseantonio.pereztapias/posts/1346806672062228

EPÍLOGO DE JOSÉ ANTONIO PÉREZ TAPIAS (PARTE 2): https://www.facebook.com/joseantonio.pereztapias/posts/1347189888690573


EPÍLOGO DE JOSÉ ANTONIO PÉREZ TAPIAS (PARTE 3): https://www.facebook.com/joseantonio.pereztapias/posts/1347408332002062

jueves, 20 de abril de 2017

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA "UNA MIRADA A LA VULNERACIÓN DE LOS DERECHOS SINDICALES"


La gran mayoría de la población mundial está constituida por trabajadores y trabajadoras que contribuyen al bienestar de sus familias y a la riqueza de sus comunidades y países. Pese a ello, el mundo del trabajo se está volviendo cada vez más inseguro con un alarmante aumento del desempleo, la marginación y la falta de oportunidades para jóvenes y minorías y, en definitiva, el ataque y la vulneración de los derechos laborales.

Ante esta situación, CCOO de Sevilla ha decidido poner el foco durante 2017 en la vulneración de los derechos sindicales. Por ello, y con la cofinanciación del Ayuntamiento de Sevilla, el Sindicato va a desarrollar durante el próximo año el proyecto “Una mirada a la vulneración de los derechos sindicales”, con el que pretende sensibilizar, formar e informar a las ciudadanas y ciudadanos en materias relacionadas con los derechos laborales, sociales y sindicales, así como en las consecuencias negativas de su vulneración a nivel global. De esta forma, el Sindicato va a contribuir a que los diferentes colectivos de la ciudad de Sevilla conozcan la situación laboral y social de otros trabajadores y trabajadoras en las luchas y reivindicaciones de sus derechos laborales, sociales y sindicales a nivel internacional.

Así, la primera charla-coloquio dedicada a Colommbia ha servido también para inaugurar la Exposición en el Palacio Marqueses de la Algaba de Sevilla con el título “Colombia. Proceso de Paz, retos para los derechos civiles y laborales”.

La exposición estará presente en el Palacio Marqueses de la Algaba desde el 18 hasta el 28 de abril de 2017.







miércoles, 19 de abril de 2017

EXPOSICIÓN EN MOSCÚ DE EVGUENI JALDÉI, CRONISTA FOTÓGRAFICO DE LA URSS Y LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

La bandera de la Victoria sobre el Reichstag. Berlín, 1945 Fuente: Multimedia Art Museum MoscowLa bandera de la Victoria sobre el Reichstag. Berlín, 1945 Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

En 200 fotografías se muestra prácticamente toda la historia de la URSS, desde los primeros días de la Segunda Guerra Mundial hasta imágenes de la vida cotidiana en los 70 y los 80. La retrospectiva del famoso reportero fotográfico Evgueni Jaldéi se inauguró el 5 de abril en el Museo de Arte Multimedia de Moscú.

Las obras del fotógrafo ruso que más títulos ostentaba- como el de “Caballero de la orden de las artes y la literatura”, obtenido en el festival de fotoperiodismo de Perpiñán en 1995- han aparecido en todos los periódicos y en todas las revistas del mundo, con especial frecuencia en el año 1995, cuando se celebró el 50 aniversario de la victoria de los aliados sobre la Alemania nazi.

Jaldéi era un fotógrafo autodidacta nacido en 1917. A los 14 años comenzó a trabajar en una fábrica y a interesarse por la fotografía. A los 16 le ofrecieron trabajo en el periódico “El trabajador del acero”. En verano de 1937, el joven fotógrafo fue aceptado en TASS, la principal agencia soviética de información. Allí publicó reportajes de toda la URSS hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra trabajó para varios periódicos y se dedicó a la enseñanza. Ha presentado exposiciones personales en Europa y en EE UU, y la actual retrospectiva en Moscú está dedicada al centenario de su nacimiento.

Mujeres en la construcción del canal Dneprosvsko-Bugski, 1940. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowMujeres en la construcción del canal Dneprosvsko-Bugski, 1940. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Partido de fútbol amistoso entre pilotos soviéticos e ingleses. Región subártica, 1942. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowPartido de fútbol amistoso entre pilotos soviéticos e ingleses. Región subártica, 1942. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Marineros tomando el sol en la cubierta del crucero 'Mólotov'. Sebastopol, 1944. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowMarineros tomando el sol en la cubierta del crucero 'Mólotov'. Sebastopol, 1944. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Comida en una guardería a la orilla del mar. Sebastopol, 1944. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowComida en una guardería a la orilla del mar. Sebastopol, 1944. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Bailes en la Casa de la Cultura. Leningrado, 1945. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowBailes en la Casa de la Cultura. Leningrado, 1945. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

El sacerdote Lomakin con la Catedral de San Isaac de fondo. Leningrado, 1945. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowEl sacerdote Lomakin con la Catedral de San Isaac de fondo. Leningrado, 1945. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

“¿Por qué la guerra?” ciego con lazarillo. Berlín, 1945. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow“¿Por qué la guerra?” ciego con lazarillo. Berlín, 1945. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Los soldados se deshacen de los estandartes nazis. Desfile de la Victoria.Moscú, el 24 de junio de 1945. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowLos soldados se deshacen de los estandartes nazis. Desfile de la Victoria.Moscú, el 24 de junio de 1945. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Conferencia de Potsdam, junio de 1945. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowConferencia de Potsdam, junio de 1945. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Criminales de guerra durante los Juicios de Núremberg. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowCriminales de guerra durante los Juicios de Núremberg. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

El vecino Vovka. La mañana de Moscú, 1956. Fuente: Multimedia Art Museum MoscowEl vecino Vovka. La mañana de Moscú, 1956. Fuente: Multimedia Art Museum Moscow

Fuente: Rusia Hoy

martes, 18 de abril de 2017

"EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA", OBRA MAESTRA, DESPEDIDA Y CIERRE DE KAURISMAKI


Lo que más me gusta del cine que el finlandés Aki Kaurismaki ha hecho sobre los refugiados es que sus protagonistas son la gente buena, que existe, que haberla hayla aunque solo muy raramente suele aparece en las historias filmadas.

Existen todos esos voluntarios que salen al Mediterráneo en barcos, desde Italia y Grecia, para recoger a quienes se juegan la vida, y a veces la pierden, cruzándolo en malísimas condiciones; existe el médico de Lampedusa, que lleva 26 años ocupándose de los migrantes que llegan a su isla; existen los habitantes de esos pueblos del sur del sur, incluidos los de las costas andaluzas y canarias, que proporcionan alimento y abrigo a los desesperados que arriban a sus playas; y existen los vecinos de El Havre, la localidad francesa donde migrantes y refugiados llegaron a establecer un auténtico pueblo de carpas, tiendas y barracas de latón, que los políticos y la prensa llamaban “la Jungla”, donde esperaban meses, e incluso años, la oportunidad de colarse en un camión que les llevara al otro lado del canal de la Mancha. Unos vecinos que lo primero que hacían era poner su teléfono móvil en manos del recién llegado para que pudiera avisar a la familia, normalmente en la otra esquina del globo. En El Havre, Kaurismaki nos contaba de un joven migrante del África negra acogido en esa ciudad por un escritor fracasado.

En su última película, El otro lado de la esperanza, también se trata de dos destinos que se cruzan: el de Wikhström, propietario, recién divorciado, de una restaurante popular, y el de Khaled, joven migrante sirio apenas desembarcado de un carguero, donde ha viajado escondido en una montaña de carbón, en el Helsinki nocturno del que Kaurismaki dice que hay que estar realmente en las últimas para elegirlo como destino. La policía finlandesa rechaza la demanda de asilo de Khaled quien, sin embargo, decide quedarse en el país de “ilegal”. Una noche, Wikhström le encuentra en el patio de su restaurante y decide protegerle.

Hace años Kaurismaki anunció que pensaba hacer una trilogía sobre el tema migratorio; pero hace muy pocos meses, al presentar El otro lado de la esperanza en la Berlinale –donde consiguió el Oso de Plata al mejor realizador- comunicó que no solo la trilogía quedaba sin conclusión sino que además ponía punto final a su carrera de realizador para, a partir de ahora (tiene 59 años) dedicarse “a vivir” su vida. Lo que, sin duda, será excelente para él pero una gran pérdida para el cine.

El otro lado de la esperanza es una fábula con discurso humanista que predica la solidaridad, sin pontificar ni pretender dar lecciones. Una llamada al sentido común a partir de las cosas fundamentales, con personajes emblemáticos inmersos en un problema contemporáneo –el de los refugiados y migrantes económicos- que, en ocasiones, lleva a situaciones desesperantes.

Con la dosis de humor subversivo necesaria para contar de forma digerible la desesperación, pero también con una cierta especie de realismo poético, denuncia el cinismo de los poderosos frente a quienes carecen de todo, en este caso la gente que abandona sus países huyendo del hambre, la opresión o la guerra, y las políticas de los países occidentales que sobre el papel se reparten los refugiados como si fueran bollos para merendar, y después ni siquiera cumplen los compromisos; y mientras, los afectados esperan una improbable “liberación” recluidos en campamentos infectos, helados y húmedos en inviernos, insoportables y poblados de insectos en verano, donde se contagian enfermedades y crecen epidemias.

Sin sentimentalismos innecesarios, con tranquilidad y ternura, Kaurismaki aborda un tema espinoso y, en cierto modo, absurdo, porque la realidad es que los países occidentales y desarrollados necesitan la mano de obra de esos emigrantes que llegan de zonas geográficas menos opulentas, o devastadas por guerra, catástrofes y plagas, para pagar los salarios y las pensiones de los ciudadanos de la “sociedad del bienestar” (términos más que discutibles, aunque aceptados universalmente para hablar de “nosotros”). Sociedad que Kaurismaki retrata a la perfección, en un país superdesarrollado y ejemplo mundial en materias como la educación o la sanidad, medio velado por el “humo de las colillas, perfumado con vapores de alcohol y rayado por riffs de guitarras (con un retrato de Jimmi Hendrix en segundo plano). Un mundo singular que hace al nuestro más diveido, más cálido y más humano, porque todo es cuestión de puntos de vista” (Pascal Mérigeau, L’Obs).

En un país, Finlandia, donde son escasos los realizadores cinematográficos, Kaurismaki destaca desde hace casi treinta años, eligiendo para sus películas temas siempre sociales “calientes”, como este de los migrantes considerados “ilegales” por los gobiernos europeos, que amenaza con no acabar nunca, y convirtiéndolos en obras maestras.

Mercedes Arancibia (Fuente: Crónica Popular)

Entrevista a Aki Kaurismäki: “Hay que exterminar a los ricos y a los políticos que les lamen el culo”: http://www.redroja.net/index.php/noticias-red-roja/noticias-externas/4426-aki-kaurismaeki-hay-que-exterminar-a-los-ricos-y-a-los-politicos-que-les-lamen-el-culo

lunes, 17 de abril de 2017

EXPOSICIÓN "JOSEP RENAU Y LA SEGUNDA REPÚBLICA"


LA REPÚBLICA DE JOSEP RENAU

El IVAM revisa la obra del artista y director de Bellas Artes que protegió El Prado durante la Guerra Civil y encargó el ‘Guernica’

Siendo director general de Bellas Artes durante la Guerra Civil española, fue una persona clave en la protección de las obras del Museo del Prado, que primero se trasladaron a Valencia y luego a Ginebra para evitar los bombardeos, y en el encargo a Picasso del Guernica, de cuya creación se cumplen ahora 80 años. Además, Josep Renau (Valencia, 1907-Berlín Este, 1982) fue un cartelista afamado y un fotomontador pionero en España.

Ahora, el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), donde está depositado el grueso de su obra, le dedica la exposición Josep Renau y la Segunda República, que repasa los años creativos del artista y militante comunista, su combate social y político durante el periodo republicano de los años treinta y su compromiso y decisiva actuación al frente de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Instrucción Pública, que incluyó la puesta en marcha del Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París de 1937. “Es un homenaje a uno de los intelectuales españoles más importantes del siglo XX”, afirmó ayer el director del museo, José Miguel G. Cortés.

La exposición, que reúne fotografías, libros, manuscritos y revistas que pueden verse hasta el mes de julio, pone de relieve la pluralidad creativa de Renau como cartelista, ilustrador, muralista, escritor o editor de revistas como Nueva Cultura o codirector —junto al escritor Max Aub— del periódico Verdad, órgano de unificación de los partidos comunista y socialista.

“Su papel”, destacó Cortés, “fue muy importante para entender la España de la primera mitad del siglo XX, pero también para comprender lo que hoy día somos”. En la exposición, junto a trabajos populares como sus carteles para la productora valenciana de cine Cifesa, se pueden ver sus primeros fotomontajes, una técnica que desarrollará ampliamente en el futuro, en su exilio primero en México y después en la antigua República Democrática Alemana (RDA), publicados en la revista anarco-sindicalista Orto.

“La investigación sobre esta etapa nos ha permitido descubrir que Renau fue autor de parte de los fotomontajes de la planta superior de aquel Pabellón de España”, indicó la comisaria Irene Bonilla.

La exposición permite ver el proceso de realización del Guernica, a través del trabajo de la compañera del artista entonces, Dora Maar, cuyas fotografías aparecieron publicadas en la revista valenciana Nueva Cultura. El Museo Reina Sofía exhibe en la actualidad una amplia exposición a propósito del Guernica.

En la muestra de Valencia, una de las piezas es la resultante de la unión del Guernica con imágenes de la localidad vasca tras los bombardeos, que elaboró Renau cuatro décadas después.

La obra del valenciano no es solo ilustrativa, también desarrolló trabajos teóricos con artículos en revistas y textos autobiográficos que se han recogido en la muestra.

Según la conservadora Irene Bonilla, uno de los aspectos que más orgulloso hacía sentirse a Renau es haber ayudado “con esfuerzo” a preservar de la “destrucción segura” muchos “signos de nuestra identidad” de la historia de España.

El último cargo político que desempeñó, antes de partir al exilio en 1939, previo paso por el campo francés de concentración de Argelès-sur-Mer, fue el de director de Propaganda Gráfica del Estado Mayor del Ejército. En la exposición se ha plasmado esta etapa mediante la exhibición del material de promoción de la República, una responsabilidad en la que Renau recuperó su faceta como artista y la pudo compaginar con su acción política.

Fuente: El País
 



domingo, 16 de abril de 2017

"TALADRO NEUMÁTICO", DE DIEGO RIVERA


Taladro neumático
Diego Rivera
1931-32
Fresco sobre cemento reforzado en una estructura de acero galvanizado
239 x 188 cm
Ubicación desconocida desde 1977. Reproducido de una fotografía de Peter A. Juley & Son, 1932. Smithsonian Museum of American Art


Un día después de la llegada de Rivera a la Ciudad de Nueva York, el New York Herald Tribune informó sobre sus planes de "pintar el ritmo de los trabajadores estadounidenses". La ciudad experimentaba uno de los mayores impulsos constructores de los tiempos debido, en gran medida, a los ejércitos de mano de obra excedente disponible durante la Depresión. Las figuras en primer plano usan un taladro neumático y un martillo para penetrar el subsuelo de granito de Manhattan. Más tarde, Rivera explicó que esta escena se refería al sitio donde se realizaban los preparativos para la construcción del Rockefeller Center, que aún se encontraba en sus primeras etapas cuando el pintor arribó a Nueva York.

Rivera promovió una imagen de sí mismo como obrero común; a menudo vestía overoles de mezclilla y se jactaba de que al iniciar su carrera ganaba el salario de un pintor de brocha gorda. Asimismo, con frecuencia incluía imágenes disimuladas de sí mismo en sus murales. Con lo anterior en mente es posible considerar la figura rotunda al fondo de Taladro neumático como un autorretrato disfrazado que identifica al artista como trabajador manual.

Las herramientas que sostienen los trabajadores en Taladro neumático funcionan como extensiones prostáticas de sus cuerpos. Rivera consideraba esta alianza entre el hombre y la máquina como una suerte de fuerza natural, y decía "Somos los catalizadores que transformamos la materia prima de la tierra en energía. Somos una continuación del proceso geológico".

Fuente: MoMA

sábado, 15 de abril de 2017

DOCUMENTAL "POETAS EN LAS CÁRCELES DE FRANCO"



Documental que recoge los ultimos días de la guerra civil en España y la posterior represión franquista hacia los republicanos que quedaron atrapados en Alicante, dando una visión desde el punto de vista de Marcos Ana, uno de los poetas republicanos presos en las carceles de Franco, que nos narra en primera persona la experiencia vivida, su largo calvario como preso en las carceles de la dictadura franquista, y su paralelismo con otro gran poeta, Miguel Hernandez.

El documental esta producido y editado por Jose Ramon Samper (Artegalia Films), con guion y dirección de Jose Antonio Fernandez Cabello (Fundación Esquerra Unida Comunidad Valenciana).

viernes, 14 de abril de 2017

81 ANIVERSARIO DE LA II REPÚBLICA ESPAÑOLA



"LA REPUBLICANA", DE REINCIDENTES

Hey tú, que tal? Yo mal porque?
Donde vamos a llegar
Pp, Rajoy, Acebes, Heil Hitler
No se cuando vamos a parar
Pisando el derecho de nuestros viejos
Que su historia nos quiere ocultar
No juguéis con nuestro sentimiento, oh no
Cubrir, huir, tapar, negar
Lo que fue nuestra realidad
Morir, morir, en pie, en pie
Que menos les podemos brindar
Gente que lucho por otra convivencia
Dialogando sin imposición
Todo para conseguir conciencias libres
Allá va la republicana, ondeando libertad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad
Allá va la republicana, ondeando libertad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad
El Rey, el rey, la ley, la ley
Otra cosa más que tragar
Yo pago, tú pagas, el paga, ¿el paga?
Conservando su divinidad
Son naipes de la desesperanza
Iglesia, monarquía y honor militar
Fruto de la nuestra nacional vergüenza
No hay mas, no hay mas, que hacer, que hacer
Solo un grito de reflexión
Crear, pensar, decir, sentir
Que la herida sea nuestro bastión
Hay que desempolvar el silencio
Enterrando el miedo y el horror
Llegar a poner fin con dignidad al odio
Allá va la republicana, ondeando libertad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad
Allá va la republicana, ondeando libertad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad
Allá va la republicana, ondeando libertad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad
Allá va la republicana, ondeando libertad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad
Allá va la republicana, ondeando libertad
Libre libre libertad, libre libre libertad
Igualdad y solidaridad

Autores de la canción: Carlos Dominguez / Fernando Ignacio Madina / Jose Luis Nieto / Juan Manuel Rodriguez / Manuel Jose Pizarro

jueves, 13 de abril de 2017

CARTELES DE PROPAGANDA DE LA URSS, EN EL 56 ANIVERSARIO DEL PRIMER VUELO AL ESPACIO DE YURI GAGARIN

EL COSMOS DE GAGARIN EN LAS ARTES GRÁFICAS“12 de abril de 1961”

Carteles de homenaje a los cosmonautas pioneros Yuri Gagarin y Valentina Tereshkova, primer hombre y primera mujer en el espacio.
¡Gloria a los cosmonautas soviéticos! • Autor: V. Valinkov (abril de 1961)
“¡Gloria a los conquistadores soviéticos del espacio!” • Autor: A. Krúchina (abril de 1961)
“URSS” / “¡Gloria a los hijos del Partido!” • Autor: Boris Berezovsky (abril de 1961)
“12 de abril de 1961” / “URSS” • Autor: Vladimir Dobrovolsky (abril de 1961)
“¡Los comunistas allanan el camino a las estrellas!” (Yuri Gagarin y Nikita Jruschov, secretario general del PCUS, en la tribuna del Mausoleo de Lenin. Plaza Roja de Moscú, 14 de abril de 1961) • Autor: V. Smetanin (abril de 1961)
“URSS” / “Hijos de [la Revolución de] Octubre – ¡Pioneros del Universo!” / “¡Por el poder de los soviets!” (en la bandera pequeña)  • Autor: E. Solovyov (julio de 1961)
“¡El espacio está abierto para la navegación!” (bandera de la URSS junto a las de las 15 repúblicas socialistas soviéticas de la Unión) / Misiones Vostok 1 (Yuri Gagarin) / Vostok 2 (Gherman Titov) • Autor: N. Pilshchikov (agosto de 1961)
“¡Gloria a los soviéticos pioneros del Cosmos!” (misiones Vostok 1 a Vostok 4)  • Autor: V. Valinkov (agosto de 1962)
“¡Gloria al PCUS!” [“KPSS” en cirílico, siglas del Partido Comunista de la Unión Soviética]. Misiones Vostok 1 (Gagarin), Vostok 2 (Titov), Vostok 3 (Nikolayev) y Vostok 4 (Popóvich) • Autor: Boris Berezovsky (agosto de 1962)
“Mientras sobrevolaba la Tierra en mi nave espacial, pude ver lo hermoso que es nuestro planeta. ¡Debemos conservar y proteger esta belleza, no destruirla! –Gagarin”
Izquierda: “¡Gloria al valor, esfuerzo e inteligencia del pueblo soviético!”
Derecha: “12 de abril, Día de la Cosmonáutica”
“El espacio servirá al pueblo. –Gagarin”
“A través de los mundos y de los siglos”
“12 de abril de 1961”
Izquierda: “¡Gloria al primer cosmonauta, Yuri A. Gagarin!”
Derecha: “URSS. ¡Gloria al pionero del espacio!”
“12 de abril, Día de la Cosmonáutica. URSS”

Fuente: La Yuriesfera

miércoles, 12 de abril de 2017

132 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DEL FILÓSOFO COMUNISTA GEORG LUKÁCS

 Anna Seghers y Georg Lukács en un cncuentro en Berlín en 1952.

TESTIMONIOS DE LOS ESCRITORES ALEMANES THOMAS MANN Y ANNA SEGHERS EN ANTERIORES ANIVERSARIOS DE GEORG LUKÁCS


Thomas Mann

Mi felicitación por el ochenta aniversario de Georg Lukács tiene que ser breve: es la felicitación de un anciano agotado. Pero quiero expresar que siento un profundo respeto por la persona de Lukács por el sacrificio que ha realizado a favor de sus convicciones, por la severa vida que se ha impuesto. Y quiero también expresar que siento el mismo respecto hacia su trabajo intelectual, con el que entré en contacto por primera vez a través de la lectura de su ensayo temprano El alma y las formas, obra de extraordinaria sensibilidad artística. Desde entonces he venido siguiendo su quehacer crítico con atención, respeto y gran provecho por mi parte. Lo que más simpatías me ha despertado en ella es ese sentido de la tradición y la continuidad que preside su obra y a la que ésta debe, en gran parte, su existencia. Pues precisamente su análisis del acervo cultural literario más antiguo, en el que está más versado como el historiador más conservador y con el que intenta poner en contacto el nuevo mundo de sus convicciones, despertando un afán científico y de estudios, es válido de pleno derecho. El hecho de que en esta tarea seleccione y subraye particularmente los elementos sociocríticos de los logros de la cultura burguesa es correcto y razonable y no merma en absoluto mi apreciación de una obra mediadora entres esferas y épocas, que me parece inspirada por una idea que hoy en día ha perdido lamentablemente en dignidad: la idea de la cultura.

En “Obras completas”, tomo X, “Discursos y artículos, 2”. Frankfurt a.M. 1960.

Anna Seghers

La fuerza de la atracción que emanaba de los artículos y libros de Lukács procedía de otra fuente, aunque la leyéramos esforzada y lentamente, sin formación o sin capacidad para la reflexión filosófica, a pesar también de sus propios errores. Pues sentíamos lo que este hombre pretendía mostrarnos, esto es, la realidad en su proceso revolucionario.

Desde que conozco personalmente a Lukács, al leerle deseo encontrarle para poder discutir con él. De lo que he oído contar de él ha nacido mi amistad y afecto, pues apenas conozco a ningún escritor que me resulte tan actual y comprensible, precisamente por ese violento  deseo que siento al leerle de polemizar con él.

En “A Georg Lukács en su setenta aniversario”. Berlín. 1955.

martes, 11 de abril de 2017

DOCUMENTAL "I AM NOT YOUR NEGRO", LA HISTORIA ES EL PRESENTE

I am not your negro
Director: Raoul Peck
Guion: James Baldwin
Voz en off: Samuel L. Jackson
Fotografía: Henry Adebono, Bill Ross
Música: Alexei Aigui
Montaje: Alexandra Strauss
Estados Unidos, Francia, Bélgica, Suiza
2016
93 minutos

Punza y mueve a la reflexión 'I am not your negro', el documental firmado por el haitiano Raoul Peck. A través de los textos del escritor y activista en la lucha de los derechos de la población negra James Baldwin (1924-1987) aporta una visión descarnada sobre el racismo en Estados Unidos contada a través de las vidas –y terribles asesinatos– de tres figuras clave y amigos del autor: Martin Luther King, Medgar Evers y Malcolm X.

Basada fundamentalmente en la obra inacabada de Baldwin Remember this house, el documental rescata fragmentos de otros ensayos, entrevistas, discursos y películas en las que el escritor cuenta la historia del movimiento negro en la América moderna en primera persona y con una prosa directa, envolvente y violenta.

El actor Samuel L. Jackson presta la voz al escritor para transmitir frustración, reclamar justicia y advertir, en palabras del propio Baldwin, que “la historia no es el pasado, es el presente”, por lo que hay que estar muy atentos en la lucha activa frente a comportamientos y actitudes racistas todavía vigentes.

La conclusión es, como apunta Raoul Peck, que aunque una persona negra ha sido presidente, Estados Unidos continúa siendo un país marcadamente racista: “El racismo forma parte de sus raíces y tardará mucho en desaparecer”.

Como recuerda el realizador al referirse al hilo conductor de la película: “Yo me encontré con estos tres hombres –Evers, Malcolm X y Luther King– y sus asesinatos mucho más tarde que Baldwin, pero estos tres hechos, estos elementos de la historia, desde el comienzo formaron una reflexión íntima y profunda de mi propia mitología cultural y política, de mis experiencias personales sobre el racismo y la violencia intelectual. Este era exactamente el punto en el que verdaderamente necesitaba a James Baldwin. Él sabía cómo deconstruir las historias. Me ayudó a conectar la historia sobre la libertad de los esclavos en Haití con la historia de la moderna sociedad de los Estados Unidos de América y su doloroso y sangriento legado de esclavitud. Baldwin me dio voz, me dio palabras y me dio retórica. Todo lo que sabía por instinto o por la experiencia, Baldwin le puso nombre y forma. Su clarividencia fue increíble, porque giró el espejo y nos lo puso delante. Nos dijo: tú eres el problema, el peor de tus monstruos, no hay inocentes”.

Cinta en la que palabra, imagen y música se funden, I am not your negro tira de archivo para utilizar clips cinematográficos, clásicos de Hollywood, documentales, entrevistas de cine y de televisión, debates televisivos e imágenes contemporáneas. El resultado es una especie de caleidoscopio que a lo largo de 2016 ha concitado nominaciones y premios, entre ellos el de mejor documental en los festivales de Berlín y Toronto y el de la Asociación de Críticos de Los Ángeles.

Como apostilla Peck al ratificar su compromiso: “Seguro que a pesar de la buena acogida tendremos vientos soplando en contra nuestra. Los tiempos actuales de discordia y confusión son un elemento inevitable. No soy tan ingenuo como para creer que el camino que tenemos por delante será fácil. Mi compromiso es asegurarme que esta película no se entierra o se deja de lado. Estamos en esto para largo. No importa cuánto tiempo o esfuerzo nos lleve.

Peck y Baldwin

Nacido en Puerto Príncipe en 1953, Peck estudió y vivió en medio mundo antes de dedicarse al cine. Su The man by the shore (1993) fue la primera película caribeña en competir en Cannes. En 1996 fue nombrado ministro de Cultura de su país, cargo que dejó en 1997 para proseguir su carrera cinematográfica.

Por su parte, James Baldwin (1924-1987) es uno de los grandes intelectuales afroamericanos de la segunda mitad del siglo XX. Nació en Nueva York, creció en Harlem y con 24 años, frustrado por el estado de las relaciones raciales en América y las habituales situaciones de acoso, se marchó de Estados Unidos a Francia. En París, donde un tiempo compartió casa con Marlon Brando, vivió gran parte del resto de su vida. Su obras más conocidas son Ve y dilo en la montaña y La habitación de Giovanni.

Escritor prolífico, cinéfilo confeso y brillante crítico social, denunció las tendencias destructivas de occidente, al tiempo que conservó siempre un sentido de esperanza humanística y de dignidad. También exploró las diferencias raciales, sexuales y de clases en las sociedades occidentales y las inevitables tensiones que conllevan.

Murió a los 63 años en Saint-Paul de Vence, Francia, el 1 de diciembre de 1987.

Fuente: hoyesarte

lunes, 10 de abril de 2017

MUERE ARMAND GATTI, REVOLUCIONARIO DEL TEATRO, A LOS 93 AÑOS


El dramaturgo se enfrentó a la censura por su obra ‘La pasión del general Franco’, prohibida en la Francia de 1968 a petición de la dictadura española

El dramaturgo Armand Gatti falleció este jueves a los 93 años en Saint-Mandé, localidad adosada a París, tras una vida dedicada a un teatro de fuerte orientación política, que aspiraba a ofrecer un altavoz a quienes no tenían manera de expresarse. Nacido en Mónaco en 1924, descendía de inmigrantes italianos de extracción humilde. Su padre fue obrero anarquista y su madre, mujer de la limpieza. Esos orígenes influyeron en sus escritos, siempre marcados por la cuestión proletaria y la ambición libertaria.

A los 18 años, Gatti se alistó en la Resistencia francesa, hasta que fue detenido por una unidad paramilitar del gobierno colaboracionista de Clichy. Sería condenado a muerte tras su detención, pero finalmente perdonado a causa de su edad y deportado a un campo alemán, según su versión. Pero su testimonio fue contestado en 2011, cuando se demostró que nunca había estado en Neuen gamme, como él aseguraba. Gatti explicó entonces haber estado recluso en un campo de trabajo del norte de Alemania. Tras escapar del lugar en 1943, huyó a Londres y se alistó en el Special Air Service, una fuerza de operaciones especiales del ejército británico.

Tras el final de la guerra, Gatti se convirtió en un reputado periodista para varios medios. Entre ellos, fue reportero para la revista Paris Match. Cubrió la situación en los países de América central, como Guatemala, Costa Rica, Nicaragua y Cuba, donde conoció a Che Guevara y Fidel Castro. Después viajó a China, donde entrevistó a Mao Zedong. A finales de los cincuenta, tras una serie de vivencias traumáticas, abandonó el periodismo para consagrarse al teatro, considerándolo una disciplina más útil para transformar la sociedad.

Su encuentro con Jean Vilar, gran renovador de la escena francesa y fundador del Festival de Aviñón, le reportaría la fama como dramaturgo. Seducido por su espíritu antiburgués, Vilar decidió montar una de sus obras, Le crapaud bougle, en 1959. También probó suerte en el cine, con películas como L’enclos, que fue premiada en el Festival de Cannes de 1961.
El dramaturgo también se enfrentó a la censura a causa de La pasión del general Franco, obra protagonizada por emigrantes españoles subidos en distintos trenes que fue prohibida en 1968 a petición del Gobierno español. Gatti recibió el apoyo del ministro de Cultura francés, André Malraux, pero no del presidente, el general De Gaulle, que no quería irritar al caudillo. Cuando finalmente fue representada en Francia, después de la muerte de Franco, Gatti dio distintas instrucciones. La obra debía ser puesta en escena con tres colores: rojo, gualda y violeta, los colores de la bandera republicana. Además, los espectadores tenían que ver la obra obligatoriamente de pie. “Me parecía muy difícil hablar de España, de la España que combatía, sentado en una butaca”, diría años más tarde. Erguido, el espectador dejaba de ser “un consumidor” para convertirse en “alguien que actúa”.

Gatti abogó por un teatro revolucionario y opuesto a la noción de espectáculo comercial. Para el dramaturgo, lo importante no era el resultado, sino el proceso. Concebía una obra de teatro como un work in progress y nunca como una representación de cara al público. En 1986 fundó un grupo teatral en Montreuil, en la periferia comunista de París, donde trabajó con anónimos en proceso de reinserción social, como exconvictos, delincuentes y drogadictos. Para Gatti, el teatro debía ser “la universidad de los pobres” y una manera de que “los excluidos” encontraran un lenguaje propio. Esa retórica, muy potente durante los sesenta y setenta, había terminado provocando un relativo arrinconamiento de Gatti en las últimas décadas. Sin embargo, su influencia en la escena francesa resulta innegable. El Théâtre du Soleil de Ariane Mnouchkine o la gramática cinematográfica de los hermanos Dardenne, que fueron discípulos de Gatti durante sus inicios, comparten numerosos rasgos con el teatro de Gatti.

Fuente: El País

domingo, 9 de abril de 2017

"LA FAMILIA DEL ANARQUISTA EL DÍA DE SU EJECUCIÓN"


Julio Romero de Torres, “Conciencia tranquila”

¿Tantos anarquistas se ejecutaron en 1899? Pues no, no se ejecutaron muchos, pero el tema fue propuesto a los pintores por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando para optar a la beca de estudios en Roma en el año 1899. Este año, el concurso de la beca estuvo especialmente reñido porque se presentaron a ella muy buenos pintores, todos con el mismo título del cuadro, el del tema propuesto, salvo precisamente Romero de Torres, que al llamar a su obra ‘Con la conciencia tranquila’ es el único que demuestra poner sus simpatías del lado del obrero.

Esta primera obra que vemos, de Julio Romero de Torres, se inscribe dentro de la línea del realismo social. Es un lienzo desgarrador con influencia de autores de ese movimiento como Jean-François Millet  o de Honoré Daumier. En la escena un juez practica un registro en la habitación de un obrero anarquista, que se ve con los brazos atados. La mujer llora previendo la desgracia y tres guardias civiles aguardan las órdenes del juez mientras el anarquista soporta con dignidad el registro. Puede que sea el más importante cuadro social de la obra de Julio Romero de Torres, junto al de ‘Trata de Blancas’. Pese a la incontestable calidad del cuadro, cuya composición es magistral, su atmósfera es parecida a la de Las meninas y la tensión provocada está contenida a duras penas, la beca no le fue concedida. Sí consiguió con esta obra el Tercer Premio en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1899. Tremendo Don Julio Romero de Torres, a quien veremos más despacio pues su obra merece una revisión lejos de los tópicos que le aplicaron los críticos franquistas, y una atención que en la actualidad no le presta ni siquiera su ciudad natal, Córdoba, que tiene su Museo cerrado.


Ventura Álvarez Sala, La familia del anarquista el dia de la ejecución

Ya vemos que también se presentó a la beca de la Academia de Roma el gijonés Ventura Álvarez Sala, un autodidacta de origen humilde y excelentes hechuras en su oficio, que en aquel momento tenía sus treinta añitos bien cumplidos, con su cuadro que lleva por título exactamente el mismo tema propuesto por la Academia. Ventura había tenido pocos, pero buenos maestros: Primero había estudiado en la Escuela Municipal de Dibujo de Gijón, luego fue al taller de Dionisio Canal, un pintor decorador, y más tarde al de su hermano Ramón, tres años mayor que él. Su cuadro tampoco fue el que consiguió la beca, aunque ya vemos una acentuada perspectiva paralela, excelentes retratos de los protagonistas y uso del claroscuro para los guardias del pasillo, además de una buena influencia en los espacios profundos de nuestros grandes maestros del barroco. Ventura se fue a Roma el año siguiente, y becado, pero por el Casino de Gijón.

Eduardo Chicharro, La familia del anarquista el dia de la ejecución
En el cuadro que presentó para la ocasión Eduardo Chicharro no sale el anarquista, claro que no tiene por qué salir ya que el tema propuesto no habla de él sino de su familia. La escena narra lo sucedido en el interior de un buhardilla de aspecto humilde, aunque limpia y laboriosa: las ropas tendidas y las herramientas y libros esparcidos dan buena razón de ello. La hija mayor se ha asomado por la ventana y se encuentra con expresión sufriente. La madre, en primer término, está destrozada y quizá el abuelo, o los compañeros del marido ejecutado, intentan consolarla, pero ella, con la mirada perdida solo se apoya en la abuela y en la hija menor. Quizá la expresión desencajada de la madre sea una de las mejor logradas de esta época de realismo social trágico en el que se enmarcó entonces la pintura española, y ya vemos que en ocasiones como la presente, promovida y auspiciada por la misma Academia. El excelente colorido y el estudio de luz que posee esta obra son muy destacables, pero tampoco ganó la beca este pintor discípulo de Sorrolla y de Manuel Domínguez en la Real Academia de San Fernando y que terminó siendo director de la Academia de Roma en 1912, tras Valle Inclán.


José Bermejo Sobera, “La familia del anarquista…”

Con veinte años, presentó el dibujante José Bermejo Sobera su cuadro del ya conocido título a la beca. Estudiaba entonces el pintor madrileño en la Escuela de San Fernando, aunque luego terminaría saliendo de España para formarse en París y Roma, pero no becado, pues tampoco su cuadro ganó la beca, aunque me parece una preciosidad: La mirada que el abuelo dirige al cura, cruzando el cuadro desde el otro extremo de la escena, solo es comparable a la que le dirige el niño: ambos desconfían de la presencia del sacerdote y demuestran suspicacia en sus ojos, mientras la madre oculta su rostro en actitud de llanto con el bebé en brazos. La parquedad de la escena se adorna con un escueto conjunto de elementos que describen una situación más que creíble, pues ni se acentúa la pobreza extrema de la familia del anarquista, ni se incide en su carácter obrero o revolucionario, ni tan siquiera se le considera excluído del grupo social de su entorno pues es aceptado por el cura que atiende a la familia en el momento de la ejecución del padre. Aunque en España José Bermejo no es muy conocido (no saben los españoles lo que se pierden), en realidad fue un magnífico pintor que cosechó cuatro o cinco grandes galardones de pintura, tanto en las Exposiciones Nacionales como en otras internacionales de Italia y Alemania.


Manuel Benedito Vives “La Familia del Anarquista el día de su ejecución”

Otro discípulo de Sorolla, uno de sus favoritos aunque no le siguió el rollo, Manuel Benedito, presentó esta escalofriante obra con sus veinticuatro años cuando estudiaba en el taller del maestro de la luz, y la obra destaca por el dramatismo conseguido con las expresiones de los rostros de los personajes. Aquí sí, el anarquista aparece en la obra tomando un papel importante, ya saliendo de su celda camino del cadalso. En ese momento su padre se le aproxima a abrazarle, con el nieto en brazos, mientras la mujer permanece rodeada por su madre, su hija y el cura. Otros compañeros del anarquista hacen acto de presencia junto a la familia, y los guardias y funcionarios de justicia aparecen junto al reo. Una composición de este calibre hubiera merecido sin duda la concesión de la beca, pero tampoco fue el caso, aunque este pintor sería luego uno de los más reconocidos por la Academia, que terminó dirigiendo con el tiempo, pero en su obra siguió un estilo más realista y próximo a Zuloaga y Guatierrez Solana que a la iluminación de la Escuela Valenciana o del maestro Sorolla de donde provenía. Como tampoco fue el ganador de la beca, al año siguiente se pegó un viajecito de bigotes por Francia, Holanda y Bélgica, donde no aprendió nada de pintura pero conoció a muy buenos pintores.


Fernando Álvarez de Sotomayor. La Familia del Anarquista el dia de su ejecución”

¡And the winner is…!, pues sí, en efecto, esta es la obra ganadora de la beca, aunque no lo hubiera sido de haber dependido de mi criterio (razón por la cual yo no debo estar en estos jurados académicos). En realidad creo que algo más que criterios artísticos se manejaron en este premio. Aunque de familia rica, la infancia del coruñés Fernando Álvarez de Sotomayor no fue sencilla, a los diez años ingresó como interno al Real Colegio Agustino de San Lorenzo de El Escorial, época de la que se tiene una triste anécdota de él, pues a pesar de delatar a sus compañeros terminó siendo expulsado del colegio, y no parece que terminara de asentarse en ninguna de las carreras que intentó estudiar y que comenzó sin mucho ahinco. Al final terminó dedicándose a la pintura y llegó a ser pintor de cámara de Alfonso XIII y luego subdirector del Museo del Prado desde 1919 y director en 1922, cargo que desempeñó hasta el advenimiento de la República en 1931, en que fue cesado y que recobró en 1939 gracias a gestiones de Franco al concluir la guerra civil, desempeñándolo hasta su muerte. En 1953 fue elegido director de la Real Academia de San Fernando. Se trataba de un activista del Movimiento Nacional encabezado por el General Franco. La obra fue comentada en “La Revista” (publicación artística de la época) con la siguiente reseña: “pone también en la capilla la escena; pero el anarquista, rodeado de su familia atribulada, ocúpase en inculcar sus fanáticos ideales á su hijo, en cuyo rostro se revelan las mismas energías que al padre llevaron á tan funesto trance”. Un comentario tendencioso y falso pues es más interpretable el hecho de que el padre esté despidiéndose de su hijo o intentando explicarle por qué sus ideas le llevan a ser ajusticiado. Sí es notable que la escena se desarrolle en una capilla, tratándose de un anarquista, con un cura lector a la derecha del cuadro y sin la presencia de ningún miembro de cuerpos policiales presente, sino dos funcionarios que desde el fondo murmuran como queriendo meterse en la escena con sus propios comentarios.

Otros pintores concurrieron a esta competición artística, y si alguno de ellos no ha sido incluido es porque nos ha sido imposible encontrar imágenes en buena calidad de sus cuadros. Este es el caso del trabajo de Don Ramón Parada Justel, cuyo cuadro se expone actualmente en el Museo de Bellas Artes de la Diputación de Pontevedra:

Ramón Parada Justel. "La Familia del Anarquista el Día de su Ejecución" Museo de Bellas Artes de Pontevedra.
Ramón Parada Justel. “La Familia del Anarquista el Día de su Ejecución” Museo de Bellas Artes de Pontevedra.

Si algo debemos aprender de este enojoso asunto, es que los maestros pintores no han sido siempre libres para elegir sus motivos pictóricos, sino que han debido someterse al dictado de terceros, que en ocasiones estaba lejos de sus propios deseos o ideales. Pero también que por mejor ilustrador o pintor que se sea, el arte no es competitivo y cualquier competición que se establezca entre diferentes maestros, será injusta intrínsecamente, ello si no está desvirtuada de antemano por interesas que nada tienen que ver con el mundo del dibujo, la ilustración y la pintura.

Fuente: El Dibujante