miércoles, 29 de julio de 2015

MUSEO DE BERLÍN EXHIBIRÁ LA CABEZA DE LENIN QUE FUE PARTE DEL MONUMENTO AL LÍDER COMUNISTA DESMANTELADO EN 1991

 Cabeza de Lenin desmontada del monumento en 1991

La cabeza de granito de Lenin de 3,5 toneladas formará parte de la exposición “Redescubiertos. Berlín y sus monumentos”, que se abrirá en el Museo Zitadelle Spandau de Berlín. Los comisarios de la exposición han conseguido el permiso de las autoridades de la ciudad para llevar a cabo excavaciones en la antigua cantera de arena en el sur-este de Berlín para sacar una parte del monumento.

Durante el periodo de la República Democrática Alemana, una enorme estatua de Lenin de granito de color rosa, obra del escultor soviético Nikolai Tomski, se situaba en la plaza que llevaba su nombre en el este de Berlín, que actualmente se llama Plaza de las Naciones Unidas. En 1991, por decisión de las autoridades de la ciudad, el monumento fue cortado en 129 fragmentos y enterrado en la cantera del distrito administrativo de Berlín Köpenick, situado en la parte suroriental de la ciudad dentro del distrito administrativo de Treptow-Köpenick.

La exposición “Redescubiertos. Berlín y sus monumentos” operará de forma permanente. Las primeras piezas llagaron al museo en 2009, entre ellas estatuas y esculturas creadas en diferentes períodos de la historia de Alemania – durante el reinado de Káiser, la República de Weimar, los nacionalsocialistas y la República Democrática Alemana. Muchas de ellas se guardaron en los almacenes o fueron enterradas después de cada cambio de régimen político.

“En este sentido, la cabeza de Lenin encaja perfectamente en el concepto de la exposición. Es un símbolo importante de la historia política. Afortunadamente, el problema se ha resuelto, así que en otoño ya podremos colocar la cabeza en la exposición”, – comentaron a RIA Novosti los comisarios de la exposición.

Fuente: RIA Novosti

El monumento, de 19 m de alto, en la antigua Leninplatz de Berlín Este

martes, 28 de julio de 2015

VALENCIA, CULTURA VISUAL FRENTE AL FRANQUISMO

Rafael Calduch, El dictador, 1975

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) acoge hasta enero de 2016 la exposición ‘Colectivos Artísticos en Valencia bajo el Franquismo, 1964-1976’. Comisariada por Román de la Calle y Joan Ramon Escrivà, la muestra plantea, a través de más de doscientas obras, una innovadora disección de la cultura visual en una etapa de especial ebullición cultural y combativa en Valencia.

El 64 es el año en el que el régimen franquista celebró con gran pompa lo que el aparato de propaganda llamó XXV años de Paz, un macroevento con el que la dictadura trató de difundir al mundo una imagen de modernidad y pacificación. Como respuesta a esa operación de manipulación informativa, entre 1964 y 1976 la ciudad de Valencia vio surgir un conjunto de iniciativas artísticas asociativas sin precedentes en España.

A la creación en 1964 del trío conformado por Manuel Boix, Artur Heras y Rafael Armengol, se unió la gestación, ese mismo año, del colectivo antifranquista Estampa Popular de Valencia y el Equipo Crónica. A su causa renovadora se unieron otros colectivos de artistas no menos importantes, como Equipo Realidad (1966), el grupo Antes del Arte (1968), el grupo Ara (1970), el Grupo Bulto (1972), el equipo Escapulari-0 (1972) o el Col·lectiu de Pintors del País Valencià (1976).
Aires renovadores

Por primera vez desde la Segunda República, una ciudad periférica, pero con indudables signos de transformación social y cultural, iba a liderar la aparición de una nueva vanguardia pictórica que se sintió alineada, con plena sintonía, con los nuevos aires renovadores procedentes de países como Estados Unidos, Francia, Italia o Gran Bretaña.

Colectivos artísticos en Valencia bajo el franquismo, 1964-1976 está acompañada de un catálogo que reproduce todas las obras expuestas y que cuenta con ensayos de los comisarios, así como de Paula Barreiro.

Con motivo de esta muestra, el IVAM celebrará durante los días 20 y 21 de noviembre de 2015 un congreso que contará con la participación de destacados especialistas en el estudio de la época, como Antonio Ariño, Tomàs Llorens, Manuel García, Teresa Marín, Albert Forment, Manuel Martínez Torán, Áurea Ortiz o Rosalía Torrent. Asimismo durante el mes de diciembre esta institución presentará un ciclo de cine independiente valenciano de los años 60 y 70 del siglo XX.

Arte y pensamientos críticos

A través de más de 200 obras, entre pinturas, grabados, esculturas, dibujos, revistas, libros, cómics y películas documentales, la exposición, dividida en 11 capítulos temáticos, dibuja una panorámica por estos 12 años en el arte valenciano.

El primer apartado, Franco celebra los XXV Años de Paz, recoge los carteles, sellos, tarjetas postales, publicaciones y material documental que se realizaron para esta efeméride y que trataban de difundir una imagen de modernidad y pacificación que la muestra va a abordar, de una manera inédita, como capítulo introductorio.

El visitante se va a encontrar en la segunda sección, Usted puede vivir bien, con los trabajos de los colectivos de artistas valencianos que protagonizaron la contestación y la nueva vanguardia figurativa durante los años 60. Reina por un día fue un programa de televisión estrenado en 1964 por RTVE y el título de este capítulo de la muestra en el que se analiza la manipulación de la imagen de la mujer. Knok! Riiing! Bang! analiza el fenómeno de deconstrucción y de apropiación de los códigos del mundo del cómic por parte de la vanguardia figurativa valenciana.

Por otro lado, Cuadros de Historia muestra cómo la vanguardia figurativa valenciana incorporó a su repertorio desmitificador las imágenes de las obras clásicas de la historia del arte con el fin de subvertir sus códigos y desvelar los usos y rituales de la pintura al servicio del poder. Cuadros de Guerra es el quinto apartado, dedicado a la iconografía de guerra y seguido de La apuesta de los eruditos. Libros, editoriales y libreros, en la que se analizan estos lugares como espacios de encuentro del pensamiento crítico.

El apartado ocho, Studio S.A, está dedicado a analizar el conjunto de actividades multidisciplinares de la sociedad cultural valenciana. La sección nueve recupera la obra de Grupo Ara, Grupo Bulto, Escapulari-o, la diez, Els altres 75 anys de pintura valenciana, está dedicada al surgimiento del Col·lectiu de Pintors del País Valencià y, finalmente, la muestra concluye con Antes del arte que se centra en este grupo de artistas valencianos vinculados a la abstracción geométrica promovido por el crítico de arte Vicente Aguilera Cerni.

Fuente: hoyesarte

 Equipo Crónica, Aquelarre 71, Una noche en el museo, 1971

Estampa Popular, Calendario de 1968, 1967
 

Población reclusa en España. Tarjeta postal conmemorativa de los XXV Años de Paz, 1964

Artur Heras, Sueño, temor y realidad del Mono azul, 1974

lunes, 27 de julio de 2015

CANCIÓN KURDA: "MI QUERIDA"


Albúm: Şahiya Stranan. Cantante: Rojda

Delalê (Mi querida) 

Mi querido viene del otro lado del pueblo
Lleva el fúsil sobre su hombro
Adoro a este hombre por lo que está luchando
Su amor por el Kurdistán no tiene límite
Mi querida, mi querida…
Le pregunté en tono amigable que está pasando al otro lado
Él tan fuerte como se fuera un león, pero lleno de dolor y rabia, me dijo:
Mi querida, mi querida…
Qué quieres que te cuente hermana, nuestra vida es luchar y vivir en las montañas
El enemigo invadió nuestra tierra y nos ataca con todas sus armas
Mi querida, mi querida…

Fuente: Actualidad Kurda



domingo, 26 de julio de 2015

"EL BOLCHEVIQUE", DE BORIS KUSTODIEV


El bolchevique
Boris Kustodiev
1920
Óleo sobre lienzo
101 x 141 cm
Galeria Tetriakov, Moscú

El 26 de octubre de 1917 (según el calendario ruso) los soldados revolucionarios y las milicias obreras ocuparon el palacio de Invierno de San Petesburgo , antigua residencia del zar y sede del gobierno provisional presidido por Alexander Kerenski. Era el principio de la Revolución bolchevique dirigida por Lenin y Troski, que ponía fin , con un golpe de mano a la transición del poder zarista iniciada en febrero-marzo de 1917, cuando una primera revolución había obligado a Nicolas II a abdicar. Después del asalto de San Petesburgo la revolución se extendió a Moscú y al resto del país.

En este cuadro Boris Kustodiev une la representación tradicional del pueblo ruso, heredada del populismo decimonómico, con el entusiasmo despertado por la Revolución bolchevique. Desde 1916 el artista está confinado en una silla a causa de una parálisis, pero sigue trabajando con energía, reconstruyendo la realidad que hay fuera de su habitación . Este cuadro también revela una porción de mundo como si la observase a través de una ventana, pero potenciado por el elemento surrealista del revolucionario gigante.

El gigante: Símbolo del avance imparable de la revolución, un gigante de mirada intrépida empuña la bandera roja. De todos modos , aún estamos lejos de las figuras escultóricas de inundarán el arte y la propaganda del realismo soviético a partir del año 1930

Los palacios del poder: La bandera roja rodea los palacios mientras la muchedumbre baja por una escalinata para unirse a las masas que pululan por las calles de abajo y forman un solo cortejo en el ángulo inferior derecho del cuadro.

Fuente: Pinturas de Vanguardia

sábado, 25 de julio de 2015

"MOSCÚ CONTRAATACA", DOCUMENTAL SOVIÉTICO DE 1942

Título original: Razgrom nemetskikh voysk pod Moskvoy (Moscow Strikes Back)
Año: 1942
Duración: 65 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Director: Leonid Varlamov, Ilya Kopalin
Música: V. Smirnov
Premios: 1942: Oscar: Mejor documental (ex aequo)
Sinopsis: Documental sobre el primer contraataque exitoso del Ejército Rojo frente a Moscú en el invierno de 1941.

Documental sobre el primer contraataque exitoso del Ejercito Rojo frente a Moscú en el invierno de 1941. Fue especialmente importante porque fue la primera vez en la II Guerra Mundial que se obligó a retroceder a la Wehrmacht. La orden del Führer de mantener a toda costa el terreno ocupado, permitió esta vez evitar el desmoronamiento general del frente, pero estableció una estrategia que acabaría siendo fatal para el ejercito alemán. Este interesante documental se exhibió también en EE.UU., donde obtuvo un Oscar

DOCUMENTAL CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO:




viernes, 24 de julio de 2015

EXPOSICIÓN SOBRE ARQUITECTURA BERLINESA DE LOS 60 A AMBOS LADOS DEL MURO


RADICALMENTE MODERNO
Urbanismo y arquitectura en la década de 1960 de Berlín
29.05.-26.10.2015

Arquitectura y diseño urbano de los años sesenta todavía ponen su sello en el paisaje urbano de Berlín. Muchas de las decisiones clave de planificación se hicieron en los años sesenta y algunos edificios notables fueron construidos durante ese período. La Berlinische Galerie presenta la primera visión general integral de este patrimonio arquitectónico, tanto en Berlín Oriental y Occidental. Los documentos históricos, algunos conocidos y otros de origen más reciente, muestran las diferentes visiones políticas, sociales y técnicas para el desarrollo de una ciudad que había sufrido la destrucción severa en décadas anteriores y luego fue dividida por el Muro. Junto a temas como los objetivos, los denominadores comunes y factores distintivos que definen una selección de estos desarrollos, como Stalinallee, Alexanderplatz, Breitscheidplatz y el Märkisches Viertel, la exposición explora las características de estos diseños arquitectónicos que revelan las redes internacionales entre los implicados o bien ilustran cómo se refleja el conocimiento de las tendencias internacionales en diseños concretos. Alrededor de 300 obras de unos 30 arquitectos, fotógrafos y artistas están en exhibición.

VER REPORTAJE SOBRE LA EXPOSICIÓN "RADICALMENTE MODERNO", EN DEUTSCHE WELLE (EN CASTELLANO): http://www.dw.com/es/arquitectura-berlinesa-de-los-60/av-18579449


jueves, 23 de julio de 2015

10 AÑOS DE TELESUR


1
Cinco megamonopolios privados de la comunicación deciden lo que se ve y se escucha en los medios. En cada país un puñado de magnates actúa como sus agentes y replica sus decisiones y políticas. Para contrapesar esta dictadura mediática, recomendamos insistentemente: 1) La sanción de normas que obliguen a transmitir información veraz, oportuna e imparcial 2) La creación de organismos que las apliquen 3) La educación y organización de las audiencias, para que decodifiquen los mensajes de los monopolios y hagan valer sus derechos ante ellos 4) La creación de medios libres, alternativos y comunitarios 5) La instalación de emisoras de servicio público.

2
A ello corresponde la creación de La Nueva Televisora del Sur (Telesur) a mediados de 2005. La situación de Venezuela lo exigía. En el país funcionaban un centenar de periódicos, otro centenar de televisoras y más del millar de radiodifusoras privadas, todas voceros del empresariado que frenéticamente instaban al derrocamiento del gobierno electo. El de abril de 2002 fue un golpe mediático: las emisoras privadas con su tecnología superior incomunicaron al gobierno, difundieron la falsa noticia de la renuncia del Presidente y ocultaron con un apagón comunicacional la marejada popular que lo restituyó en su cargo. Un lavado de cerebro mediático acompañó al cierre patronal y al sabotaje petrolero que arrancó en diciembre de ese año: durante dos meses y medio, día tras día, semana tras semana, mes tras mes, todas las radios y televisoras privadas cambiaron sus programas ordinarios por un continuo llamado a derrocar al gobierno legítimo. Éste contaba sólo con una televisora y una radio, sin alcance nacional. Con el apoyo del pueblo resistió hasta que el paro patronal se disolvió por si mismo. El bolivarianismo no podía esperar otro asalto desarmado. Repotenció Radio Nacional y Venezolana de Televisión, inició una política de creación de emisoras de servicio público y también alternativas, libre y comunitarias, e inauguró Telesur.

3
En la actualidad operan en Venezuela 2.896 medios, de los cuales sólo 3,22% son de servicio público 20,76% son comunitarios, y el 65,18%, unos 2.332, privados y casi unánimemente opositores. Los medios comunitarios son de limitado alcance y efímeros, pero el porcentaje revela la aparición de un importante sector comunicacional popular de medios, como ellos mismos gustan llamarse, comunitarios, libres y alternativos. Los canales de servicio público pertenecen en buena medida a la Iglesia, tal como sucede con la Televisora Andina de Mérida, el Canal de los Niños Cantores en Maracaibo, Vale TV en Caracas, o a asociaciones privadas. Unos seis divulgan mensajes de organismos públicos. En cuanto a los canales de difusión, la derecha opositora detenta una brutal hegemonía. ¿Por qué, en tal situación de inferioridad mediática, el bolivarianismo ha ganado 18 de 19 consultas electorales? Gracias a su mensaje, que postula democracia contra dictadura patronal, fraternidad contra racismo, solidaridad contra discriminación, patriotismo contra entreguismo, paz contra violencia golpista y terrorista, y educación, salud y asistencia social para todos y gratuitas.

4
En el Primer Encuentro Internacional de Intelectuales con la Revolución Bolivariana propusimos una Televisora con alcance latinoamericano. Evité que el proyecto se desviara hacia un ente absolutamente autónomo, independiente y por encima de los gobiernos. El 24 de julio de 2005, en el 244 aniversario del nacimiento de Bolívar, Hugo Chávez Frías lo hizo realidad, y convocó un Consejo de Asesores del cual formaban parte Ignacio Ramonet, Danny Glover, Eduardo Galeano, Adolfo Pérez Esquivel, Tarek Alí, Chiqui Vicioso, el promotor del software libre Richard Stallman, Aram Aharonian y quien suscribe. Así arrancó Telesur con cuatro horas diarias de programación, para fortalecer el proyecto de integración latinoamericana del Libertador.

5
Posteriormente Telesur es difundida por cuatro canales UHF en Venezuela, cinco en Ecuador, 13 canales de satélite y una docena de cable. A veces llega a través de operadoras transnacionales por suscripción. El alcance es mayor de lo que uno pudiera imaginarse: por Telesur me enteré en un modesto hotelito de Viena de la partida de Eduardo Galeano, y de inmediato transmitieron un magnífico programa de homenaje. Contribuyen al financiamiento de Telesur Argentina , con un 20%; Bolivia con 5%; Cuba con 19%; Ecuador con 10%; Nicaragua con 10%; Uruguay con 10% y Venezuela con un decisivo 51%.

6
En diez años Telesur acumula aciertos, como la diversa extracción regional de sus presentadores y anclas, que nos acostumbra a la maravillosa variedad de acentos y de rasgos latinoamericana y caribeña. Se anota goles como el desmontaje de la acusación de que Kadafi habría bombardeado manifestantes. Resiente persecuciones, como la detención de sus comunicadores en Colombia o en Honduras. Incurre en fallas, como la de imitar a CNN con pantallas abigarradas de logos, cintillos e inserciones que impiden percibir lo que se transmite. Sirve de punto de referencia para desmentir, matizar o revertir las brutales campañas difamatorias de las transnacionales de la información. Y sigue siendo por encima de todo la vocería del gran proyecto de integración de Nuestra América, que paso tras paso vamos viendo realizado.

Luis Britto García

miércoles, 22 de julio de 2015

VDNJ: EL RENACIMIENTO DE UN TEMPLO SOVIÉTICO

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Historia
En 1935 se empezó a perfilar un potente proyecto de una envergadura inédita: la Exposición Agrícola de Toda la Unión Soviética, que posteriormente se rebautizó como Exposición de los Logros de la Economía Nacional (VDNJ, por sus siglas en ruso).

Estaba previsto inaugurarla para el 20.º Aniversario de la llegada del poder soviético, en 1937, y que estuviera en funcionamiento durante solo cien días. Pero no se pudo acabar de construir a tiempo para la efeméride, y las obras se tuvieron que prolongar dos años más, aunque se decidió que los pabellones estuvieran en activo durante cinco años (más adelante se reconstruyeron todos los pabellones para que funcionaran de forma permanente).

En 1939 se celebró la inauguración de la Exposición Agrícola de Toda la URSS. Principalmente se exhibieron la abundancia y los éxitos que había cosechado la colectivización de la agricultura en todo el país. Los pabellones de las exposiciones se organizaron en torno a las distintas regiones de la Unión y presentaban al público los alcances de la economía nacional de las distintas repúblicas del país de los Sóviets: Ucrania, Bielorrusia, Armenia, etc.



Hasta el mes de junio de 1941, fecha del ataque de Alemania a la URSS, la exposición acogió a visitantes venidos de toda la Unión, y para entonces ya se había convertido en uno de los lugares más populares de Moscú.

Al empezar la guerra la Exposición Agrícola tuvo que interrumpir su actividad, y una parte de los pabellones se destinaron a fines militares. Durante la Segunda Guerra Mundial en el recinto se instalaron los talleres de una fábrica de reparación de material bélico e incluso una escuela de espionaje.

Después de la guerra, se empezó a reconstruir por completo. Las labores finalizaron en 1954. Al cabo de cuatro años el Consejo de Ministros de la URSS aprobó una disposición para “unificar las exposiciones industriales, agrícolas y de la construcción en una sola exposición: la Exposición de los Logros de la Economía Nacional de la URSS”.

Aquella unificación era necesaria para poder acoger la primera exposición norteamericana que se iba a celebrar en la Unión Soviética, “Producción Industrial de los EE UU”, que estaba programada para 1959 (aunque la exposición se celebró en el parque Sokólniki, todo Moscú exhibió una apariencia de abundancia).

El mismo año, los soviéticos organizaron una exposición análoga en Nueva York. En 1963 el Consejo de Ministros aprobó una disposición para “renovar la actividad de la VDNJ de la URSS”.



A partir de entonces la Exposición empezó a funcionar durante todo el año y en el recinto se levantaron nuevos edificios como los pabellones de la URSS, el pabellón de la Exposición Internacional de Maquinaria Agrícola (que más adelante pasó a llamarse “Industria Química”) y “Bienes de consumo común”.

A finales de la década de los 80 la mayoría de los pabellones se destinaron al comercio y algunos de los edificios pasaron a usarse como almacenes porque, debido a la ausencia de financiación estatal, la VDNJ se había convertido en un gran mercado abandonado. En 1992 la Exposición pasó a llamarse Sociedad Anónima Pública “Centro Panruso de Exposiciones” (VVTs, por sus siglas en ruso), aunque no fue hasta 2014 cuando en la VDNJ empezaron a atisbarse auténticos cambios.

Arquitectura



La VDNJ es uno de los monumentos más importantes de la arquitectura soviética. Aúna elementos de vanguardia con el estilo imperio estalinista y el modernismo. “La VDNJ vendría a ser como la enciclopedia de la arquitectura soviética del siglo XX”, dice el arquitecto Oleg Raspópov.

El arquitecto Viacheslav Oltarzhevski diseñó el plan general de la Exposición Agrícola de Toda la URSS. A finales de la década de los 20 fue arrestado. Fue él quien proyectó la entrada principal de la Exposición, inspirándose en el estilo de las edificaciones vanguardistas de los años 20 y 30.

Pero el proyecto modernista no encajaba con la moda del momento, que tendía a la monumentalidad (sus puertas recordaban más a una valla que a una majestuosa portalada), y se encargó un nuevo diseño a Leonid Poliakov, que proyectó el gran arco de tres puertas que actualmente adorna la Entrada Norte.



Sin embargo, a la larga este proyecto también se acabó considerando poco fastuoso, y de cara a la siguiente inauguración, la de la Exposición de 1954, para la Entrada Principal Innokenti Melchakov proyectó un arco de triunfo de cinco puertas coronado por el conjunto escultórico “El tractorista y la koljosiana”.

En 1939, en el mismo lugar, se había erigido otro monumento que se convirtió en uno de los símbolos de la VDNJ. Fue la obra de la escultora Vera Mújina y el arquitecto Borís Iofán “El obrero y la koljosiana”, que se había exhibido dos años antes durante la Exposición Internacional de París y había sido declarada el conjunto escultórico más monumental del siglo XX.



Uno de los pabellones más emblemáticos es el “Armenia” (anteriormente llamado “Siberia” y “Agricultura de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia”), que merece ser considerado uno de los edificios más monumentales de la VDNJ. Se construyó en 1954 y fue un proyecto de los arquitectos Clics y Taúshkanov. Debía simbolizar la grandeza de Siberia: sus enormes columnas están decoradas con esculturas naturalistas que representan trabajadores siberianos, y las fachadas laterales del edificio están ornamentadas con motivos de la flora y la fauna, que simbolizan la riqueza natural de la región. La planta del edificio es hexagonal.

La estructura de la sala de exposiciones central se desarrolla en torno a un gran patio interior cubierto por una cúpula gigante.

A mediados de la década de los 50 la VDNJ se hizo con otros símbolos reconocibles: las famosas fuentes “La amistad de los pueblos” (que es a su vez la “Fuente Principal”), “La espiga de oro” y “La flor de piedra”.

El autor de estos tres proyectos fue el arquitecto Konstantín Topuridze. Más tarde, en 1955, la profusión de molduras y elementos decorativos, así como la monumentalidad que caracterizaba la mayoría de los edificios de la VDNJ, fueron calificadas de “exceso arquitectónico” que se oponía al progreso y las necesidades del pueblo soviético. Por suerte, toda esta exuberancia arquitectónica no se destruyó, y ha llegado prácticamente intacta a nuestros días.

Mitos y leyendas



En 75 años de historia la VDNJ ha acumulado innumerables mitos y leyendas urbanas, muchas de las cuales, sin embargo, son ciertas. Así, por ejemplo, a los moscovitas de edad avanzada les gusta explicar que bajo el Pabellón Principal se había construido el así llamado “búnker de Stalin”, un lugar equipado como despacho del líder soviético.

“En realidad, en todo eso no hay nada de insólito, ni muchos menos misterioso –explica Anna Bronovítskaya–. Lo que sí había bajo la VDNJ era un refugio antiaéreo, igual que ocurría en cualquier lugar que pudiera acoger a una gran concentración de gente. Pero que lo construyeran especialmente para el líder solo es un rumor, como mínimo, infundado”.

Otra leyenda dice que en un principio se había previsto decorar con piedras preciosas las 16 figuras de mujer que hay en la famosa fuente de “La amistad de los pueblos”. Pero el cruel Lavrenti Beria, que supervisaba la construcción, asumió que se necesitaría mucho tiempo para tal cometido, y, dado que quería simplificar el proceso al máximo, ordenó que las esculturas tan solo se cubrieran de oro.

El futuro de la VDNJ



En 2014 la VDNJ, que antes era de titularidad estatal, pasó a ser propiedad de la ciudad de Moscú. En menos de un año ya se habían restaurado las fachadas de una veintena de pabellones, así como la Entrada Principal y la Entrada Sur.

Durante las labores de reconstrucción del Pabellón Principal, los restauradores descubrieron un alto relieve que se consideraba perdido, “¡Gloria al pueblo soviético, el abanderado del mundo!”, obra del escultor Yevgueni Vuchétich. Durante más de medio siglo, aquel monumento había quedado oculto bajo una pared falsa.

Para la conmemoración del 75.º Aniversario de la Inauguración de la Exposición se recuperó su denominación histórica, y fue entonces cuando se iniciaron las labores de acondicionamiento del recinto, que se apropió del Jardín Botánico y el Parque de Ostánkino duplicando así su superficie y alcanzando las 520 ha.

Se prevé que las labores de acondicionamiento de la VDNJ duren diez años. El proyecto, al que se destinarán 163.000 millones de rublos (unos 2.580 millones de euros), contempla la construcción de seis parques temáticos orientados a distintos tipos de público.

En un futuro la Avenida Central se convertirá en el principal emplazamiento para celebrar fiestas y festivales, y en la parcela que queda al oeste de la avenida se creará el “Parque del Futuro”, que contará con atracciones interactivas y una noria nueva. Además, en la VDNJ se construirán el Parque de los Oficios (un centro educativo para niños y adultos), el recinto ferial “Expo”, un acuario y un jardín de árboles fruteros.

Fuente: Rusia Hoy

martes, 21 de julio de 2015

"TEORÍA ESTÉTICA", DEL FILÓSOFO MARXISTA Th. W. ADORNO, DESCARGABLE EN PDF

Teoría estética (Ästhetische Theorie en el alemán original) es el título de una obra del filósofo alemán Theodor Adorno, publicada póstumamente (en 1970) y que se compuso con una recopilación de escritos, datados entre 1961 y 1969. Además de la estética filosófica tradicional (reflexiones sobre el arte y la belleza), Adorno plantea una metodología innovadora para un estudio interdisciplinar de la materia, que incorpora elementos de la filosofía política, la sociología, la metafísica y otros campos. Realiza una revisión de la evolución histórica del arte2 hasta su paradójico estado actual, "semi-autónomo", dentro de la modernidad capitalista, considerando las implicaciones sociopolíticas de tal evolución. Ha sido descrita como el magnum opus de Adorno, y como uno de los más importantes textos de estética del siglo XX.

Adorno no sólo se preocupa del habitual concernimiento estético por la función de la belleza y lo sublime en el arte, sino de las relaciones entre arte y sociedad. Considera que la liberación que el arte moderno ha obtenido frente a las restricciones propias de periodos anteriores (que provenían de la naturaleza de sus funciones -glorificar a la divinidad o al poder-), le ha llevado a expandir su capacidad crítica e incrementar su autonomía formal. Junto a esta expandida autonomía le llega al arte una mayor responsabilidad en el uso de su capacidad de crítica social. No obstante, Adorno no considera que los contenidos abiertamente politizados sean la mayor fuerza crítica del arte: sino, más bien, propugna un tipo más abstracto de "contenido de verdad" (Wahrheitsgehalt). Al contrario que la estética idealista kantiana, la estética de Adorno localiza el "contenido de verdad" en el objeto artístico, en vez de en la percepción del sujeto. No obstante, tal contenido se ve afectado por la autoconciencia del arte de su necesaria distancia de la sociedad, perceptible en las disonancias inherentes al arte moderno. El "contenido de verdad" se encuentra en último término en la relación entre las múltiples interacciones dialécticas que emergen de la posición relativa de la obra de arte entre el sujeto y la tradición, así como en la dialéctica interna dentro de la obra misma. De forma reiterada, a lo largo del texto, se cita elogiosamente a Samuel Beckett, a quien la obra está dedicada.

Ästhetische Theorie fue editada por Gretel Adorno (viuda del autor) y Rolf Tiedemann. Se recopilaron escritos inacabados que Adorno había realizado entre el 4 de mayo de 1961 y el 16 de julio de 1969, correspondiendo la parte más importante al periodo entre el 25 de octubre de 1966 y el 24 de enero de 1968, al que siguió una serie de revisiones llevadas a cabo entre septiembre de 1968 y julio de 1969, semanas antes de su muerte (agosto de 1969).


DESCARGAR "TEORÍA ESTÉTICA" DE ADORNO EN PDF: http://monoskop.org/images/0/0a/Adorno_Theodor_W_Teoria_estetica_ES.pdf

lunes, 20 de julio de 2015

18 DE JULIO, DÍA DE CONDENA DEL FRANQUISMO



La guerra (1936), de Pablo Neruda

España, envuelta en sueño, despertando
como una cabellera con espigas,
te vi nacer, tal vez, entre las breñas
y las tinieblas, labradora,
levantarte entre las encinas y los montes
y recorrer el aire con las venas abiertas.
Pero te vi atacada en las esquinas
por los antiguos bandoleros. Iban
enmascarados, con sus cruces hechas
de víboras, con los pies metidos
en el glacial pantano de los muertos.
Entonces vi tu cuerpo desprendido
de matorrales, roto
sobre la arena encarnizada, abierto,
sin mundo, aguijoneado en la agonía.
Hasta hoy corre el agua de tus peñas
entre los calabozos, y sostienes
tu corona de púas en silencio,
a ver quién puede más, si tus dolores
o los rostros que cruzan sin mirarte.
Yo viví con tu aurora de fusiles,
y quiero que de nuevo pueblo y pólvora
sacudan los ramajes deshonrados
hasta que tiemble el sueño y se reúnan
los frutos divididos en la tierra.

domingo, 19 de julio de 2015

"MONUMENTO A FÉLIX DZERZHINSKI", DE YEVGUENI VUCHETICH


Monumento a Félix Dzerzhinski
Yevgueni Vuchetich
1958
Moscú

El pasado 24 de junio, el Consejo Municipal de Moscú (Mosgorduma) aprobó la convocatoria, para el próximo 13 de septiembre, de un referendo para restaurar la estatua de Félix Dzerzhinski en su emplazamiento original, frente a la sede de los servicios secretos en la plaza Lubianka. La iniciativa, que para llevarse a cabo necesita recoger 146.000 firmas, parte del grupo comunista, que también presentó propuestas para otros dos referendos sobre los problemas del sistema educativo y de salud de la capital que, sin embargo, no fueron aprobados. Según declaró al periódico Gazeta el presidente del grupo parlamentario del Partido Comunista de la Federación Rusa (KPRF), la celebración del referendo es incluso más importante que su resultado final, pues abre la vía a nuevas formas de participación ciudadana.

“¿Considera necesario restaurar la estatua de Félix Dzerzhinski en la plaza Lubianka?”. A esta pregunta deberán probablemente responder los moscovitas dentro de un par meses. El KPRF ya ha comenzado la campaña en su página web con el lema “¡Una voluntad de hierro, una Rusia más fuerte!”. A pesar de que los politólogos dudan de que el KPRF sea capaz de recoger, con el verano de por medio, las firmas necesarias para la convocatoria de la consulta, la luz verde de la Mosgorduma ha desatado un nuevo debate sobre el siempre espinoso asunto de la memoria histórica en Rusia.
La figura de Félix Dzerzhinski (1877-1926) siempre ha estado rodeada de polémica en Rusia. De origen polaco y aristocrático, estuvo vinculado a varias organizaciones y partidos socialistas hasta que en 1917 se afilió al Partido Obrero Socialdemócrata de Rusia-bolchevique (POSDR-b) tras su liberación de la prisión de Butyrka, a la que llegó tras pasar por varias cárceles zaristas en las que cumplió una dura condena impuesta en 1912. Su capacidad organizativa durante los años de clandestinidad hizo que el Consejo de Comisarios del Pueblo eligiese en 1917 a Dzerzhinski para organizar el Comité de Emergencia —más conocido por su acrónimo, Cheka—, posteriormente objeto de sucesivas restructuraciones a lo largo de su historia.

Cheka —cuyo nombre completo era Comité de Emergencia de toda Rusia para la Lucha contra la Contrarrevolución y el Sabotaje— se inspiraba en los principios del Comité de Salud Pública de la I República francesa, cuyo cometido era proteger las conquistas sociales de la revolución de cualquier intento de restauración conservadora, recurriendo a métodos expeditivos si así lo consideraba necesario. No se trataba de un organismo independiente: su actividad estaba supeditada al Consejo de Comisarios y particularmente a los Comisariados de Justicia y Asuntos internos. Para formar parte de él había que cumplir la divisa acuñada por el propio Dzerzhinski: “Un chequista debe tener el corazón ardiente, la cabeza fría y las manos limpias”.

No obstante, el fracaso de la revolución en Europa, la guerra civil en Rusia y la intervención aliada contra el Gobierno soviético condujeron a la decisión de ampliar el poder de este organismo y, con él, alimentar buena parte de sus defectos posteriores. En sus memorias, Victor Serge ofrece un buen resumen de este cambio cuando escribe que “el Partido se esforzó por que la encabezasen hombres incorruptibles como el antiguo preso Dzerzhinski, un idealista sincero, despiadado pero caballeroso, con el perfil demacrado de un inquisidor: frente alta, nariz huesuda, perilla despeinada y una expresión de cansancio y austeridad. Pero el partido tenía pocos hombres de esta madera y muchas Chekas. Creo que la formación de las Chekas fue uno de los peores y más impermisibles errores que los líderes bolcheviques cometieron en 1918, cuando las conspiraciones, los bloqueos y las intervenciones les hicieron perder la cabeza”.

El problema para los rusos hoy es que por una parte está Felix Dzerzhinski, el personaje histórico, y Félix Dzerzhinski, el símbolo de los extensos servicios secretos, por la otra. En condición de tal, su estatua —una obra de Yevgueni Vuchetich, instalada en la plaza Lubianka en 1958— fue derribada por un grupo de manifestantes el 22 de agosto de 1991, un día después de que finalizase el fracasado golpe de Estado contra Mijaíl Gorbachov. Posteriormente, el monumento fue trasladado al llamado Muzeon, en Park Kultury, donde se formó un improvisado cementerio de desmanteladas estatuas soviéticas. En el año 2014 la estatua fue renovada y se retiraron las pintadas que los manifestantes escribieron en el pedestal veintitrés años atrás.

El resultado de un referendo como el que podría celebrarse en septiembre es impredecible. Según un sondeo del Centro de investigación de la opinión pública (VTsIOM) en diciembre de 2013, el 45% de los encuestados se mostraba a favor del retorno del monumento a la plaza Lubianka, mientras que el 25% se oponía. Pero Moscú Rojo, el órgano del Partido Comunista en la capital, elevaba recientemente ese porcentaje hasta un 58% de los residentes en Moscú y un 45% de los rusos en todo el país a favor de que el monumento a Dzerzhinski vuelva a su emplazamiento original. Los costes de la restauración de la estatua no están contemplados en el presupuesto municipal para 2016-2017.

Fuente: Angel Ferrero (Público)

Banner de la campaña del Partido Comunista de la Federación Rusa.

sábado, 18 de julio de 2015

"¿PUEDE LA DIALÉCTICA ROMPER LADRILLOS?", DE RENÉ VIÉNET

Título original: La dialectique peut-elle casser des briques?
Director: Kuang-chi Tu, René Viénet
Guionista: Kuang Ni
Fecha de estreno: 8 de marzo de 1973
Duración: 90 minutos
Détournement por su doblaje de la película china Crush, de Kuang-chi Tu, originalmente estrenada en 1972.


El nombre de René Viénet es poco conocido, pero si se dice que fue miembro de la Internacional Situacionista durante varios años muchos ya podrán situarle. Después de abandonar la I.S. Viénet realizó varias películas utilizando la técnica del desvío, esto es, cogiendo imágenes de otras películas o, como en el caso de ¿Puede la dialéctica romper ladrillos? (La dialectique peut-elle casser des briques?), tomando una película entera y cambiándole totalmente los diálogos y con ello el sentido (algo que curiosamente ya había hecho el tontolaba de Woody Allen casi 10 años antes con What’s Up, Tiger Lily?, aunque con un objetivo totalmente distinto) para darle un contenido y un sentido radicales y dialécticos.

Sobre la base de una mala película de artes marciales de serie B de Hong Kong Viénet construye una historia de la lucha de clases y del enfrentamiento entre los proletarios y los burócratas que quieren controlarles y conducirles al rebaño por medio del trabajo, el urbanismo, la psiquiatría y demás mecanismos de control policial. Un héroe consciente de su subjetividad radical (las armas de la crítica) encarna la irreductibilidad revolucionaria y se enfrenta a base de patadas de kung-fu (la crítica de las armas) a los burócratas samurais que quieren reducir a la aldea y a sus habitantes a la sumisión más abyecta, mientras dan vivas a Moscú y a Stalin. El proletario consciente de sí mismo y de su poder le da miedo a los burócratas, que tratan de comprarle con “promoción social, vino y mujeres”, pero no lo consiguen. Con su ejemplo, que no es sino el ejemplo de lo que ellos quieren realizar y llegar a ser, los obreros comprenden que su liberación no vendrá desde fuera, sino que sólo llegará por medio de la radicalización de su subjetividad radical y la realización de una vida no alienada en todos sus niveles, siendo obra exclusivamente suya. La lucha final entre samurais-burócratas y aldeanos-revolucionarios es la misma que se ha repetido a lo largo de la historia: en París en 1871, en Alemania en 1919, en Cataluña en 1936, en Hungría en 1956 o en París en 1968. Pero en esta lucha los proletarios triunfan al ser realmente conscientes de que mediante su práctica revolucionaria a todos los niveles y su negación radical del viejo mundo la contrarrevolución acabará por ser derrotada. La lucha ha sido costosa, pero los obreros han ganado y una nueva perspectiva se abre ante ellos. Queda todo un mundo por ganar. El viejo mundo alienado lleva en sí, según el punto de vista dialéctico, su propia crítica que al ser desarrollada terminará por acabar con él. Todas las revoluciones han sido derrotadas, pero algún día una triunfará y defenderá y extenderá su victoria. Viénet participa de la confianza dialéctica en un curso de la historia que ha de conducir necesariamente a la destrucción del capitalismo y su superación dialéctica que instaurará el reino de la abundancia y la libertad. Hoy ya no creemos en esa visión de la historia (después de verla tantas veces desmentida), sólo cabe romper el curso de la historia, sin confiar en leyes de ningún tipo. Quebrar la historia sin confiar para nada en que el futuro será nuestro, sólo así puede que alcancemos ese paraíso.

Con numerosas alusiones y citas de la I.S., pero también de Lautréamont, Sade, Reich, Marx o los anarquistas españoles del 36 Viénet construye una peculiar película-panfleto, pero sin desdeñar el sentido del humor y la mala hostia típicamente situacionista, que suele acertar bastante en sus objetivos, entre los que incluyen no sólo a los estalinistas sino también a otros gusanos al servicio de la contrarrevolución y la perpetuación de lo existente como los estructuralistas, los urbanistas y los sociólogos. Es tanto un canto a la posibilidad de alcanzar un mundo nuevo como un poderoso puñetazo en la cara de todos los que impiden que llegue a ser posible. Por eso muchos despreciaron tanto en su tiempo a la I.S. y por eso otros se empeñan ahora en reducirlos a un simpático grupillo de téoricos, de artistas o de filósofos, tratando de igualarlos a los que ellos tanto despreciaron y a los que éstos ahora tanto celebran (a los Godard, Lacan, Deleuze o Socialisme ou Barbarie, tanto da).

El tono panfletario (en gran medida nostálgico de lo que pudo ser y no fue) hace de ¿Puede la dialéctica romper ladrillos? un homenaje (con mucho de panegírico y poco de autocrítica) a la I.S., no en vano puede verse al héroe proletario como un trasunto de la aventura situacionista, de aquella empresa cuyo objetivo último no fue dictar a las masas lo que debían hacer (al contrario de lo que hacen los burócratas de toda calaña), sinodecir lo que ellas hacían, expresar teóricamente su verdad práctica. El teórico no puede nada contra el enemigo si su teoría no refleja lo que desean los proletarios, y ese deseo de una vida libre y no alienada es lo que le da todo su poder al proletario, que debe radicalizar su práctica cotidiana de acuerdo a ese deseo para poder realmente realizarlo. Ahí es donde jugaron sus bazas los situacionistas, denunciando sin pelos en la lengua a todos los miserables apagafuegos prestos a vender a su madre por unas migajas de poder. Sin embargo fracasaron y el deseo de otra vida distinta chocó y choca hoy más que nunca con una realidad miserable que gana terreno día a día por medio de todas las técnicas de acondicionamiento (publicidad, escuela, participación ciudadana, etc.), tratando de destripar cualquier aspiración a algo más y radicalmente distinto de lo existente y sustituyéndolo por el conformismo más mezquino, por la incapacidad para soñar siquiera con algo distinto. Y en el momento en el que ya ni podamos soñar con la utopía, la alienación habrá llegado a su máxima expresión y la vida humana habrá desaparecido sustituida por un triste sucedáneo. Estamos muy cerca de eso, pero, pese a muchos, aún no se ha cumplido la profecía de Orwell. Aún estamos a tiempo de pararles los pies. Aún podemos soñar con colgar al último burócrata de las tripas del último capitalista y poder llegar a ser felices. Aunque habrá que aprender de tantos y tantos errores. Y el tiempo corre en nuestra contra. Tenemos que ser más rápidos y más listos.

Maese Huvi, para Kaos en la Red

VER PELÍCULA CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO (ACTIVAR SUBTÍTULOS EN YOUTUBE):

viernes, 17 de julio de 2015

70 AÑOS DE LA SINFONÍA Nº 9 DE DIMITRI SHOSTAKOVICH



FUE COMPUESTA PARA CELEBRAR LA VICTORIA SOVIÉTICA SOBRE EL FASCISMO

La “Sinfonía Nº 9 en mi bemol mayor”  Op.70 fue empezada en el mes de abril de 1945, pensando escribir una gran sinfonía para solistas y coros celebrando la victoria, como había declarado en sus intenciones de 1943. Pero el compositor cambió su idea inicial, deteniendo durante tres meses la composición. Volvió a su trabajo, con un planteamiento totalmente distinto el 26 de julio, escribiéndola rápidamente, terminando la partitura el 30 de agosto de 1945. Se estrenó en Leningrado el 3 de noviembre del mismo año, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Leningrado dirigida por Yevgeny Mravinsky.

Es la tercera sinfonía de su ciclo de sinfonías de guerra. Cuando se estrenó, las autoridades soviéticas pensaban en una gran obra para la celebración de la victoria rusa sobre la Alemania Nazi. Pensaban que Shostakovich se inspiraría en la sinfonía de Beethoven de idéntico número, construyendo una obra para gran orquesta, solistas y coro, que terminaría con un gran himno de alabanza en honor a Stalin. Pero Shostakovich tenía una idea completamente diferente de la victoria.

El primer movimiento, allegro, está escrito en forma sonata. El primer tema es presentado por la cuerda. Un tema juguetón e irónico. El segundo tema tiene algo de música de circo. Los intentos del trombón para cambiar de tonalidad proporcionan efectos divertidos. La exposición es repetida. Continúa con un desarrollo de forma clásica. Durante esta época el compositor solía tocar todas las tardes las sinfonías de Haydn, adaptadas para dúo de piano, con el compositor Dimitri Kabalevsky. Una también clásica recapitulación cierra el movimiento.

El segundo movimiento, moderato, posee un melancólico lirismo. Los temas son presentados por la madera con una orquestación austera. Empieza con un solo del clarinete acompañado por los violoncelos y contrabajos en pizzicato. La melodía gana expresividad cuando es interpretada conjuntamente con la flauta y el fagot. La música se vuelve más amenazadora con un misterioso ritmo de las cuerdas acompañando al corno inglés. En la parte final las flautas interpretan nuevamente el tema inicial.

El tercer movimiento, presto, constituye el scherzo. Empieza mediante una dinámica melodía del clarinete, pronto acompañado por el piccolo y las flautas. En la sección correspondiente al trio, una trompeta triunfal toma el protagonismo acompañada por ecos del trombón, otro de los momentos de influencia de Mahler. Después del retorno del scherzo, la música se va diluyendo uniéndose sin transición al siguiente movimiento.

El cuarto movimiento, largo, empieza con el sonido de los trombones y la tuba. Un solo para fagot presenta una siniestra melodía, contestada por los trombones de modo contundente. Pero el fagot continúa con su triste melodía, que enlaza sin interrupción con el movimiento final.

El último movimiento, allegretto, empieza con la melodía del fagot que se transforma lentamente en una marcha alegre, sin que termine de ocultarse cierta amenaza. Un crescendo nos conduce a la parte final, en la cual la trompeta nos lleva en un modo aparentemente más feliz, en forma de un galop desenfrenado, hacia una coda triunfal.

Fuente: Historia de la Sinfonía

jueves, 16 de julio de 2015

"EL FINAL DE LA GUERRA, LA ÚLTIMA PUÑALADA A LA REPÚBLICA", DE PAUL PRESTON

Reseña de María Rosa de Madariaga (Historiadora. Consejo de Redacción de Crónica Popular)


Más que una reseña al uso sobre la obra El final de la guerra. La última puñalada a la República ((Debate, 2014), del historiador británico Paul Preston, lo que damos en las páginas que siguen es un artículo en el que, por su elevado interés y el desconocimiento que todavía hoy se tiene sobre el tema, tratamos de reflejar los elementos esenciales que conformaron el golpe de Estado del coronel Segismundo Casado contra el Gobierno de la II República y la entrega de Madrid al general golpista Francisco Franco, el 5 de marzo de 1939. El libro de Paul Preston lo merece. Compuesto de doce capítulos y un Epílogo, se inicia con el capítulo titulado “Una tragedia innecesaria”, del que vale la pena transcribir el primer párrafo:


Esta es la historia de una tragedia humanitaria evitable que costó muchos miles de vidas y arruinó decenas de miles más. Tiene numerosos protagonistas, pero se centra en tres individuos. El primero, el doctor Juan Negrín, víctima de lo que se podría llamar una conjura de necios, trató de impedirla. Los otros dos fueron responsables de lo acontecido. Uno, Julián Besteiro, actuó con ingenuidad culposa. El otro, Segismundo Casado, con una sorprendente combinación de cinismo, arrogancia y egoísmo”.

En efecto, la historia se centra sobre todo en estos tres hombres, de los que Preston traza un fino análisis psicológico. Pero hay otros muchos personajes que, como en las tragedias griegas, forman parte del coro. El relato empieza con el coronel Casado, al que Preston presenta como a un “eterno insatisfecho”, calificativos a los que habría que añadir los de “obseso anticomunista”, dos características que bastan quizá para explicar su comportamiento casi al final de la guerra, cuando lanzó el 5 de marzo de 1939 un golpe militar contra el gobierno de Juan Negrín, con el argumento de que éste era una marioneta del Partido Comunista, y de que se preparaba un golpe de Estado para imponer una dictadura comunista sometida a la Unión Soviética. Así se producía al final de la guerra civil un escenario parecido al del comienzo, en el que los militares facciosos, como Franco y Mola, se alzaron contra el gobierno legítimamente constituido con el pretexto de que los comunistas preparaban un asalto al poder. Naturalmente, tanto en un caso como en el otro, estas acusaciones eran totalmente falsas. Como Preston demuestra a lo largo de las páginas de su libro, Negrín no era ni mucho menos una marioneta de los comunistas y la acusación de que se proponía encabezar personalmente un golpe comunista carecía totalmente de fundamento. Los testimonios del corresponsal de guerra estadounidense Herbert Matthews, que conocía bien a Negrín, y de Marcelino Pascua, gran amigo personal suyo desde siempre, expresaban una opinión sobre el líder socialista que contradecía totalmente esas acusaciones.

Según Matthews, Negrín veía que Rusia era la única nación que ayudaba a la España republicana y que los comunistas eran los mejores soldados y los más disciplinados, sin que eso significase ni mucho menos que estuviera a sus órdenes. Para Marcelino Pascua, el personaje político al que más admiraba Negrín era Clemenceau, jefe del gobierno francés durante la Primera Guerra Mundial, y el eslogan preferido de Negrín era el comentario de Clemenceau: “En la guerra como en la paz, los que tienen la última palabra son los que no se rinden jamás”.

Cuando Casado, que era desde mayo de 1938 comandante del Ejército Republicano del Centro, lanzó su golpe, afirmaba que lo hacía para poner fin a una matanza cada vez más insensata, y porque estaba convencido de que podría obtener la clemencia de Franco para todos, excepto para los comunistas. Cuando adoptó en sus negociaciones con Franco la postura de que el conflicto estaba ya perdido para la República, mostró que no tenía nada que ofrecer a cambio. Totalmente ajeno a la realidad, e imbuido de una asombrosa fatuidad pensaba que podría convencer a Franco de que, por encima de las diferencias ideológicas, ambos pertenecían a la “gran familia militar”. Pretender ponerse en el mismo plano que Franco, que contaba con el apoyo de la Alemania nazi y la Italia fascista, era un completo despropósito. Aunque la derrota de la República parecía estar próxima, era todavía posible pensar en un desenlace que permitiera la evacuación de los políticos y soldados que corrían mayor riesgo y ofreciese garantías a la población civil que dejaban a sus espaldas.

Preston cita las palabras que Negrín había comentado a Juan Simeón-Vidarte, miembro del Comité Ejecutivo del Partido Socialista: “La paz negociada, siempre; la rendición sin condiciones para que fusilen a medio millón de españoles, eso nunca”. Y Ernst Hemingway resumía la postura de Negrín con que en una guerra nunca se puede reconocer, ni siquiera a uno mismo, que todo está perdido, ya que, si lo reconoces, te machacan. El que está siendo machacado, se niega a reconocerlo y sigue luchando, gana todas las batallas definitivas, a menos que lo maten, se muera de hambre o se vea privado de armas o traicionado. “Todas estas cosas le sucedieron al pueblo español. Muchos murieron, sucumbieron al hambre o fueron privados de armas o traicionados”. Esta situación fue consecuencia de las acciones de Casado, que ocasionaron miles de muertos.

Aunque la derrota de la República era previsible, la revuelta de Casado contra el Gobierno de Negrín la precipitó al desencadenar en el Madrid asediado por las fuerzas franquistas una “mini guerra civil”, en palabras de Preston, que costó la vida de dos mil personas y dio al traste con los planes de evacuación de miles de republicanos.

SEGUIR LEYENDO: http://www.cronicapopular.es/2015/07/el-final-de-la-guerra-la-ultima-punalada-a-la-republica-de-paul-preston/

miércoles, 15 de julio de 2015

"Z / Ζει!", ACCIÓN URBANA DE LAURA CAZZANIGA EN ATENAS (2015)



Z / Ζει!
5’ 00’’.
Atenas 2015
Texto-acción Atenas
Laura Cazzaniga (Italia)

Z / Ζει! Es la acción urbana que Laura Cazzaniga desarrolló en marzo, en Atenas, dentro del amplio programa de arte y activismo P.I.G.S.

La Z es una letra que en Grecia tiene un significado muy preciso. Z alude, de hecho, a la palabra "Ζει", que en griego antiguo significa "Vive / Está vivo".

Venía escrita, durante los desfiles de protesta, por los manifestantes que se oponían al Régimen de los Coroneles (1967-1974), después de los repetidos asesinatos políticos y de la matanza del diputado socialista griego Gregoris Lambrakis, en 1963.

Esta letra quedó proscrita hasta que vino retomada en la famosa novela política "Z" (1967) del escritor Vassilis Vassilikos y también en la celebre película "Z" (1969) de Costa-Gavras, galardonada con dos Premios Oscar.

La Z es, desde entonces, un símbolo de resistencia y de disenso; un afilado simulacro de denuncia que Laura Cazzaniga ha decidido retomar, después de muchos años, otorgándole un nuevo sentido en la actual crisis económica griega.

La artista ha pegado centenares de Z por toda Atenas, pasando por la sede del Parlamento griego a plaza Syntagma, el Politécnico, lugar histórico de revuelta estudiantil, y el barrio anárquico de Exarchia.

P.I.G.S. es el acrónimo de Portugal, Italia, Grecia, España, cuatro países del área mediterránea. Cada país interpretó la crisis actual y las resistencias sociales y artísticas en los encuentros anteriores de Atenas (A.R.T.H.E.S.I.S., Nosotros Social Centre), Roma (AuditoriumArte, MAAM–Museo dell’altro e dell’altrove de Metropoliz), Barcelona, con La Ravala, (Arts Santa Mònica, Ágora Juan Andrés, Casa de la Solidaritat, Llibreria Veusambveu, Reial Cercle Artístic), con una sesión video memorable, performances, charlas y debates. En Lisboa intervinieron Silva Manuela Branco Jorge, Mario Rui Gomes Pinto, Alessandro Zorzetto, Andrea Staid y Massimo Mazzone.

P.I.G.S. esta hecho por: Escuela Moderna/Ateneo Libertario, La Ravala, Andrea Staid, Andrea Aureli, Giorgio De Finis, Fabrizio Boni, Beltran Roca Martinez, Giorgio Byron Davos, Cuco Suarez, Pedro G. Romero, BPM, Juan Pablo Macias, Glac/Caracas, Nosotros, a.r.t.h.e.s.i.s. Atene, Mario Rui Pinto, a Ideia Lisboa, Particula/Oporto, Aladin, Paolo Palermo e Valerio Muscella, Paolo Di Vetta, Raquel Anton Panchòn, Bru Aguillo Vidal, Beatriz Guijarro Turègano, Luca Stasi, Gemma Saez Mazariegos, David Bravo Bordas, David Liver(Y Liver), Juan Domingo Sanchez Estop, Bifo, Mauro Folci, Iralinks/Framecutter, Domingo Mestre, Nùria Güell, Metropoliz Lab, Massimo Mazzone, Marios Tsagkaris, Paolo Martore, Nicoletta Braga, Laura Cazzaniga, Marco Rovelli, Akis Stamatiadis, Elisa Franzoi, Antonio Gomez Villar, Juan Domingo Estop, Juan Simo, Arianna Sorgentone, Anna Cestelli Guidi, Antonio Manuèl, Santiago Sierra, Democracia, Joan Abello, Ernest Morera Muñoz, Alain Urrutia, Venko, Alice Vercesi, Alessandro Zorzetto, Alberto Zanazzo.
Una producción de Escuela Moderna/Ateneo Libertario.

Fuente: Metalocus

martes, 14 de julio de 2015

ESTRENADO EN ESPAÑA "LA MIRADA DEL SILENCIO", 2ª PARTE DEL DOCUMENTAL DE JOSHUA OPPENHEIMER SOBRE EL GENOCIDIO DE COMUNISTAS EN INDONESIA

Título en V.O.: The Look of Silence
Dirección: Joshua Oppenheimer
Nacionalidades: Dinamarca, Finlandia, Francia, Gran Bretaña y Indonesia
Año: 2014 Fecha de estreno: 10-07-2015
Duración: 102 min.
Guión: Joshua Oppenheimer
Fotografía: Lars Skree

'La mirada del silencio': De nuevo con los verdugos


Perseverante y luchador, como corresponde al descendiente de una familia judía que sufrió en sus carnes la infamia del Holocausto, el documentalista Joshua Oppenheimer (Texas, 1974) cosechó una cincuentena de premios con The act of killing, durísima reconstrucción del genocidio que grupos paramilitares perpetraron contra personas acusadas de comunistas, en la Indonesia de 1967.

Dos años después, el cineasta completa aquella aterradora disección del terror disfrazado de presunto patriotismo con La mirada del silencio, asimismo ganadora de galardones en numerosos festivales. En realidad, ésta se rodó al mismo tiempo que The act of killing, aunque lo ocultara a fin de preservar la seguridad de algunos de quienes intervinieron.

La mentira sigue latente cuando se pretende ocultar las atrocidades de un ayer aún próximo. Oppenheimer ha declarado que los "asesinos se inventan fantasías para poder vivir con sus crímenes". En su nueva y soberbia incursión, el protagonista (Adi Runkun), hermano de una de las víctimas, vuelve a su lugar de origen para reencontrar a algunos de los verdugos o a sus familiares y amigos, sin que en ello le guíe el afán de represalia.

Como afirma el propio cineasta, Adi, nacido después del genocidio, "no busca venganza, sino reconciliación". ¿Es posible? Ante la cámara comparecen miembros de varias generaciones familiares. Pero no es un documental al uso: Oppenheimer combina imágenes cotidianas de enorme creatividad visual con paisajes tan amplios como el engaño o el cinismo de verdugos que se vanaglorian de sus crímenes.

Fuente: La Vanguardia

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lunes, 13 de julio de 2015

NUEVO MONUMENTO AL COMPOSITOR SOVIÉTICO DIMITRI SHOSTAKOVICH, DE GEORGI FRANGULIAN, EN LA CASA DE LA MÚSICA DE MOSCÚ

 
La inauguración del monumento al compositor Dmitri Shostakovich se ha celebrado en Moscú el pasado mes de junio como parte del Festival de las Artes “Jardín de los cerezos”; el monumento ha sido instalado en la entrada principal de la Casa Internacional de la Música de Moscú, informaron a RIA Novosti en la oficina de prensa del festival.

También se ha celebrado el concierto de la Orquesta Filarmónica Nacional de Rusia dirigida por Vladimir Spivakov “Dedicación a Shostakovich”. El concierto, en memoria al gran compositor, está incluido en el programa del “Jardín de los cerezos” por iniciativa de la Fundación Internacional de Caridad Chaikovski, y está dedicado al 70 aniversario de la Victoria en la Segunda Guerra Mundial y al 40 aniversario de la muerte de Shostakovich. El monumento fue creado por el escultor Georgi Frangulian.

“El monumento a Shostakovich, fundido en bronce, representa al compositor sentado y muy concentrado, como si estuviera recibiendo al público en la entrada de la Casa de la Música, – comentó el escultor. – Quería mostrar al creador tal como era, transmitir el cúmulo de su energía creativa, el momento del nacimiento de su música, la palpitación, la tensión y el genio… “

En el concierto “La dedicación a Shostakovich” de la Orquesta Filarmónica Nacional de Rusia se han interpretado famosas obras del compositor: la Sinfonía №9 en mi bemol mayor, el ciclo de canciones “De la poesía popular judía” con la participación de solistas Anna Aglatova, Svetlana Shilova y Mikhail Gubski. Al final de la velada ha sido interpretada la suite de jazz para orquesta sinfónica.

Fuente: RIA Novosti

domingo, 12 de julio de 2015

"LA CANCIÓN DE LOS GRANDES RÍOS", DE PABLO PICASSO


La canción de los grandes ríos
Pablo Picasso
1955

Pablo Picasso colaboró con el consagrado cineasta holandés Joris Ivens (1898-1989), comprometido izquierdista y autor de míticos documentales como Komsomol (1932), Miseria al Borinage (1933) y Tierra de España (1937). Fue en La canción de los grandes ríos, largo-documental que conmemoraba el 10º aniversario de la WFTU (World Federation of Trade Union: Federación Mundial de Sindicatos Obreros).

El pretexto del documental (que en realidad llama a una lucha de clases contra el explotador enemigo capitalista) gira en torno a los seis grandes ríos de la Tierra: Amazonas, Mississippi, Nilo, Ganges, Yangtsé y Volga.

En este film de encargo innegablemente propagandístico, coinciden por primera y única vez dos genios de la escena del siglo XX: Shostakovich y Bertolt Brecht (que en los años previos al nazismo había alcanzado una simbiosis total palabra-música con el compositor Kurt Weill -1900-1950-), autor de los textos de la canción que acompaña los títulos de crédito de la película. Otros artistas comprometidos con la izquierda, participaron en este documental: Pablo Picasso se haría cargo del diseño del cartel de la película; la canción escrita por Brecht la interpretó el actor y cantante alemán Ernst Busch (1900-1980); y la narración del documental corrió a cargo del actor Paul Robeson (1898-1976). Los dos actores, firmes activistas políticos, militaron en las Brigadas Internacionales durante la Guerra Civil en España.

Fuente: El Tema 8


sábado, 11 de julio de 2015

"LA BANDA DE BONNOT", PELÍCULA SOBRE EL GRUPO ANARQUISTA FRANCÉS DE PRINCIPIOS DEL SIGLO XX

Título original: La bande à Bonnot
Año: 1968
Duración: 110 min.
País: Francia
Director: Philippe Fourastié
Guión: Jean-Pierre Beaurenaut, Marcel Jullian, Pierre Fabre, Rémo Forlani, Philippe Fourastié
Música: Jacques Brel, François Rauber
Fotografía: Alain Levent
Reparto: Jacques Brel, Bruno Cremer, Annie Girardot, Jean-Pierre Kalfon, François Dyrek, Dominique Maurin, Michel Vitold, Nella Bielski, Pascal Aubier, Anne Wiazemsky, Armand Mestral, François Moro-Giafferi, Léonce Corne, Jean Mauvais


Sinopsis

La Banda Bonnot fue uno de los tantos grupos anarquistas "expropiadores" que surgieron en Europa a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Su foco de lucha fue Francia, entre 1911 y 1912. Denominada de esta forma por la sociedad de ese país, ya que su “líder” era Jules Bonnot, practicaron numerosas acciones ilegales como forma de emanciparse de la esclavitud moderna, principalmente del trabajo asalariado. Este grupo usó el robo a mano armada, el asalto y asesinato con un doble fin: El no someterse a la esclavitud moderna y el agitar a la sociedad, tan dormida y conforme como es su característica. Para dicho fin usaron el automóvil, el máximo invento de la época, con lo cual pasaron a la historia como una de las bandas pioneras en usar este medio de transporte con fines subversivos. Esta es la historia de esta banda, que se sumerge en las vidas de sus integrantes, además de entregar una imagen muy detallada de la sociedad francesa de entonces.

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO (ACTIVAR SUBTITULOS EN YOUTUBE):

viernes, 10 de julio de 2015

LA SEMANA NEGRA DE GIJÓN HOMENAJEA AL FILÓSOFO MARXISTA ADOLFO SÁNCHEZ VÁZQUEZ


La XXVIII edición de la Semana negra se celebra en Gijón del 10 al 19 de julio

La próxima edición de la Semana Negra de Gijón homenajeará la figura del filósofo marxista Adolfo Sánchez Vázquez (Algeciras, 1915-México, 2011) que luchó en el bando republicano compartiendo trinchera con el poeta Miguel Hernández.

Sánchez Vázquez combatió en el bando republicano en el frente del Ebro, en el V Cuerpo de Ejército, bajo el mando del general Lister, informa la Semana Negra.

El algecireño se exilió en México a los 23 años y llegó en el mítico buque Sinaia al puerto de Veracruz en 1939, donde cursó el doctorado en filosofía y realizó toda su obra literaria y filosófica.
El edificio de la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) lleva su nombre y es considerado uno de los más eminentes filósofos marxistas del continente americano.

La Semana Negra organizará una mesa redonda con la presencia de Fritz Glockner, Paco I. Taibo II, Alejandro Gallo y Stefan Gandler, filósofo alemán de la Universidad de Fráncfort, actualmente en la UNAM, que ha analizado la teoría crítica en la obra de Adolfo Sánchez Vázquez.

Este foro de debate, con el que la Semana Negra quiere aproximarse al recuerdo de este importante pensador español, llevará por título "Marxismo crítico: cien años con Adolfo Sánchez Vázquez".

El trabajo y la cuestión social en la XXVIII Semana Negra

Un año más, diversas actividades recogerán múltiples visiones del mundo del trabajo y lo social en la Semana Negra. Quienes gustan de la historia y el compromiso social tendrán buenos motivos para acercarse al recinto de la Semana Negra.

Las dos exposiciones de Alejandro Zapico, Aprendiendo a mirar y Muyeres de carbón, serán reflejo e imagen de situaciones complejas e historias más o menos cercanas, pero que apelan a la conciencia y al compromiso de los ciudadanos y que no pudieron ser contadas anteriormente.

Se proyectarán tres documentales realizados en Asturias, Remine, de Marcos M. Merino (2014); El astillero, de Alejandro Zapico (2007), y Prejubilandia, de Jaime Santos y Vanessa Castaño (2009), cuyos contenidos están relacionados directamente con el mundo del trabajo y la lucha por la defensa de los derechos de los asalariados o los más desprotegidos.

Y tres largometrajes de realización latinoamericana, Mujeres de la mina, de Malena Bystrowicz y Loreley Unamuno (2014). ¿Quién mató a Mariano Ferreyra? De Alejandro Roth y Julián Morcillo (2013) y La experiencia Cecosesola de Ronan Kerneur y David Ferret (2014)
La presentación, a cargo de sus autores, del libro Ni frailes ni conquistadores, de Luis Argeo, y del documental Poca ropa, de Alberto Vázquez García, nos acercará a producciones con fuerte carga de compromiso colectivo hechas desde esta región, pero que trascienden las fronteras.

Uno de los momentos más emotivos que se vivirán este año en la Semana Negra será la mesa redonda en recuerdo de la lucha de las trabajadoras de la emblemática empresa textil gijonesa IKE, cuando se cumple el cuarto de siglo. La mesa, como el ciclo de cine, estará presentada y coordinada por el historiador Rubén Vega y contará con la presencia de Ana Carpintero y Charo López. Será el domingo 12 de julio, a las 18.00 h, en la carpa del Encuentro, y llevará por título IKE. Así que pasen veinticinco años.

Las movilizaciones sociales de los últimos tiempos estarán presentes con la presentación del libro 485,2 kilómetros en las Marchas de la Dignidad de Miguel Ángel Fernández. En la carpa Espacio A Quemarropa , el domingo 12 de julio.

Igualmente en la rama histórica y social se enmarca la mesa redonda de presentación del libro Francisco García Salve. Preso político, cura obrero y sindicalista de CC. OO., de Juan Antonio Delgado de la Rosa, que dará pie para hablar de los curas obreros durante el Franquismo. La mesa de debate contará con la presencia de Francisco Prado Alberdi y Ricardo Gayol, y con la colaboración de la Fundación Juan Muñiz Zapico
 
También el jueves 16 de julio, con la colaboración de la Sociedad Cultural Gijonesa, tendrá lugar una mesa redonda bajo el nombre ¿Cambio de ciclo?, ¿Cambio de régimen? en la que participarán Manolo Monereo, Beatriz Talegón, Mauricio Valiente y Emilio León. En ella la política de los partidos progresistas, ante la realidad más actual, se traerá a debate.

Y cierra la Semana Negra, en su vertiente más reivindicativa y de memoria histórica, el domingo 19 de julio, con la presentación del libro Luchadores del ocaso. Represión, guerrilla y violencia política en la Asturias de posguerra (1937-1952), de Ramón García Piñeiro.

http://www.semananegra.org/