lunes, 15 de septiembre de 2014

CROWDFUNDING DOCUMENTAL DE LA RED DE SOLIDARIDAD POPULAR



Crowdfunding para una red en cada barrio y en cada pueblo

Esta campaña de crowdfunding (micromecenazgo o financiación masiva) tiene como objetivo principal sufragar los gastos de filmación de un documental. La RSP pretende hacer un documental de calidad que haga justicia al trabajo que va a reflejar de las distintas Redes de Solidaridad Popular.

La campaña de crowdfunding es una oportunidad para dar a conocer a la RSP y que más gente se implique. Aquí se pueden hacer las aportaciones  http://bit.ly/1xDOVY

Tras más de un año en marcha, la Red de Solidaridad Popular (RSP) cuenta con nodos en más de 40 barrios y pueblos por todo el estado español. Pasado este tiempo con esta iniciativa pretendemos con servir como una ventana por la cual más gente se asome y conozca este proyecto. El documental mostrará como las personas que más sufren la crisis pueden pasar de ser víctimas a protagonistas del cambio, satisfaciendo colectivamente el rumbo de sus vidas y organizándose para defender y reivindicar sus derechos.

La RSP quiere mostrar lo que hace, como funciona, cuánto ha logrado y cuanto más se puede lograr y por supuesto dar voz a todas esas personas que sufren la crisis y que están luchando por su presente y su futuro. Este documental al igual que todos los materiales metodológicos elaborados por la RSP www.reddesolidaridadpopular.org y disponible en su página web y será de uso y distribución libre siempre que no se utilice con fines comerciales.

Su objetivo es filmar un documental en las Comunidades Autónomas de Madrid, Andalucía, Comunidad Valenciana, Cataluña, Extremadura y Canarias. Visitarán distintas experiencias e iniciativas que se están llevando a cabo y que están relacionadas con las líneas de trabajo de la RSP. El documental se centrará principalmente en dar voz a aquellas personas que más sufren la crisis y que se están organizando para pasar de víctimas a protagonistas del cambio.

Este documental debe servir de inspiración para todas aquellas personas que sufren la crisis pero no ven una salida, que sirva para convencerlas que la lucha es el único camino, que hay herramientas para organizar la solidaridad, y motivarlas para poder crear una red en cada barrio y cada pueblo. Y aquí se puede ver un spot con la promoción de la campaña: http://youtu.be/Jv2gq4RtpEk


domingo, 14 de septiembre de 2014

"ROSAS Y ESTRELLAS", DE RAÚL MARTÍNEZ


Raúl Martínez
Rosas y estrellas
1972
120 x 90 cm
Oleo sobre tela
Colección Farber


El lienzo es un retrato colectivo de los héroes, que reúne a siete líderes de la independencia latinoamericana. En la última fila aparecen Simón Bolívar, Camilo Cienfuegos, el general dominicano Máximo Gómez y Antonio Maceo; en la primera fila, Fidel Castro, José Martí y Ernesto "Che" Guevara. Hay una familiaridad entre ellos que los une más allá de los amigos del tiempo y el espacio, como si se reunieran para una fotografía, reforzada por la mano del Che descansando fácilmente sobre el hombro de Martí, y por lo que parecen ser las correas de una mochila guerrillera que llevara Martí en los tiempos actuales.

En Rosas y estrellas Martí es la figura central, como se indica con las rosas en su regazo y su colocación en la composición de la pintura. Su identificación visual con líderes que nunca se conocieron entre sí en la vida real fue una respuesta a un lema oficial de la época: " Cien Años de Lucha", que expresa la continuidad de la lucha por la independencia de 1868 a la de hoy, unidos en un propósito común, basado en la vocación latinoamericana de sus esfuerzos nacionalistas.

La pintura debería haber sido considerada como un trabajo ejemplar en su completa identificación con los preceptos de la Revolución. En su lugar, fue recibida con un cierto grado de reserva. Fue exhibida en la Casa de las Américas en el marco de la Conferencia de Arte Latinoamericano en 1972, y en Chile, como parte de una importante muestra de arte cubano que viajó allí durante la presidencia de Salvador Allende. Sin embargo, la pintura fue percibida como un retrato de héroes en una intimidad demasiado casual, sin la actitud marcial de los guerreros, y por si fuera poco, entre rosas y estrellas. Dado el contexto de la época, no es de extrañar que la obra no mostrara en muchos círculos, ya pesar de su belleza y fuertes cualidades visuales fue excluida de muchas exposiciones itinerantes durante esos años.

sábado, 13 de septiembre de 2014

"EL DON APACIBLE", DE SERGEI GERASIMOV

Título original: Tikhiy Don
Año: 1957
Duración: 340 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Director: Sergei Gerasimov
Guión: Sergei Gerasimov (Novela: Mikhail Sholokhov)
Música: Yuri Levitin
Fotografía Vladimir Rapoport
Reparto: Pyotr Glebov, Elina Bystritskaya, Zinaida Kiriyenko, Daniil Ilchenko, A. Filippova, Nikolai Smirnov

El Don apacible es el título de los cuatro libros que componen la tetralogía sobre la vida de los cosacos a principios del siglo XX que escribió entre 1928 y 1940, el luego Premio Nobel, Mijail Sholojov. Los otros tres libros se titulan La guerra continúa, Rojos y blancos y El color de la paz.

Argumento:

En el jutor de Tatarski los cosacos se reúnen para marchar al campamento de mayo. Entre ellos el mayor de los hermanos Melejov, Pyotr. El hermano menor, Grigori, aún es joven para ir al servicio militar, pero no para flirtear con Aksinya, cuyo marido también parte al campamento. En la aldea, mientras tanto, se dedican a la cosecha, momento en el que Aksinya empieza su relación adúltera con Grigori Melejov.

En el aldea se propagan los rumores de esa relación, y el patriarca de los Melejov, Pantelei, toma la determinación de casar a su hijo con una hija de la familia Korshunov, Natalya. Aksinya pide a Grigori que se marchen juntos de la aldea, pero Grigori se niega. A la vuelta del campamento, Stepan, esposo de Aksinya, le da una paliza a ésta, aunque los hermanos Melejov consiguen detenerlo. Todo ello no impide que se celebre la boda entre Grigori y Natalya.

Grigori confiesa a Natalya que no le ama, que le da lástima, y la compara con la luna, ni enfría ni calienta. Grigori abandona su casa y se marcha con Aksinya para trabajar como jornalero en la hacienda del general Listnitski. Para entonces Aksinia ya está embarazada. Allí Grigori recibe una carta de Natalya pidiéndole que regrese con ella. Grigori le responde con un escueto “Has de vivir sola”, y Natalya se intenta suicidar cortándose el cuello con la hoja de una guadaña. Tiempo después Grigori parte para hacer el servicio militar, mientras Aksinya, que ya ha sido madre de una hija se queda en la hacienda.

Estalla la Primera Guerra Mundial y los cosacos, entre ellos los hermanos Melejov, parten al frente. Allí Grigori da muerte a varios soldados y descubre el sinsentido de la guerra. Aksinya que ha perdido a su hija sufre después el acoso de Listnitski, que ha regresado del frente. Mientras Grigori, que ha sido herido y está hospitalizado, es informado de los ideales revolucionarios. Una vez sano regresa a la hacienda y se entera de los amores de Aksinya con Listnitski. Grigori decide entonces regresar a su casa, con Natalya.

Grigori es padre de dos hijos con Natalya. Mientras la guerra continúa, y entre muchos soldados nace la convicción de que al fin de la guerra seguirá una revolución. Poco después, el zar Nicolás II es derrocado. Surge entonces la disputa entre los revolucionarios, que no quieren continuar la guerra, y los fieles al antiguo régimen zarista. En octubre estalla la revolución en Petrogrado.

Los cosacos regresan del frente a sus aldeas del Don, y se suceden los combates entre los revolucionarios y los fieles. Grigori que ha luchado contra el ejército rojo para intentar lograr un estado cosaco independiente, en el fondo comprende los principios revolucionarios. Se une al ejército rojo.

El director:

Sergei Gerasimov nació en 1906 en Kundravi y falleció en 1985 en Moscú. Director, guionista y actor, entre las muchas distinciones con fue premiado por parte del estado soviético, destacan tres premios Stalin de los años 1941, 1949 y 1951, el premio Lenin otorgado en 1984, y el de Héroe Socialista del Trabajo en 1974. Inició su carrera en el cine trabajando como actor en la comedia Мишки против Юденича (Osos contra Yudenich) dirigida por Grigori Kozinstev y Leonid Trauberg. En los años siguientes continúa trabajando regularmente como actor para estos directores, en cintas como Шинель (El capote), de 1926, o el célebre drama Новый Вавилон (La nueva Babilonia). A partir de ese momento, aún sin abandonar su faceta de actor, orienta su carrera a la dirección. Debuta en 1929 con el film Двадцать два несчастья (Las 22 desgracias). Su primera película sonora llega en 1936, Семеро смелых (Los siete valientes). En 1941 dirige el drama Маскарад (Mascarada) a partir de la obra de Mijail Lermontov. En 1948 dirige el drama bélico Молодая гвардия (La joven guardia). En 1951 realiza el drama Сельский врач (Médico de aldea). En 1958 realiza la obra fundamental de su carrera, El Don apacible, a partir de la novela de Mijail Sholojov, rodada en tres partes. En 1961 dirige la comedia Карьера Димы Горина (La carrera de Dima Gorin). Al año siguiente realiza Люди и звери (Personas y fieras). En 1876 dirige la adaptación de la novela de Stendhal Красное и чёрное (Rojo y negro). En 1980 realiza la adaptación de la obra de Tolstoi Юность Петра (La juventud de Pedro. A este mismo escritor dedicó su última cinta Лев Толстой (Leon Tolstoi), protagonizada por él mismo.

Fuente: Casa Rusia

VER PELICULA (6 PARTES):


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viernes, 12 de septiembre de 2014

LOS POEMAS CAMPESINOS DE GARCÍA LORCA

Poemas de la Vega
Federico García Lorca
Selección de textos: Javier Alonso Magaz, Luis García Montero y Andrea Villarrubia
Galaxia Gutenberg
144 páginas
9,90 euros

'Poemas de la Vega' (Galaxia Gutenberg). Federico García Lorca nunca se olvidó del campo en el que pasó buena parte de su infancia. Del paisaje de la Vega granadina, origen y destino del libro antológico que recoge, además de poemas, prosas, cartas y fragmentos literarios de distinto signo y formato. Un libro que prologa Luis García Montero y en cuya presentación participó Laura García Lorca, sobrina y presidenta de la Fundación que lleva el nombre del poeta.

“La imagen de Lorca como creador del significado poético de la metrópoli y su crítica a sus formas de vida ha dejado a la sombra su origen campesino, que tiene mucho que ver con el desarrollo de su obra”, explicó en la Casa del Lector de Madrid el poeta Luis García Montero, quien, además de la introducción del volumen, ha participado en la selección de textos. «Cuando yo era niño vivía en un pueblecito muy callado y oloroso de la vega de Granada. Todo lo que en él ocurría y todos sus sentires pasan hoy por mí. [...] En ese pueblo tuve mi primer ensueño de lejanías. En ese pueblo yo seré tierra y flores…», escribió el poeta.

La antología reúne prosas, poemas, fragmentos teatrales, cartas y la famosa Alocución al pueblo de Fuente Vaqueros, donde nació el 5 de junio de 1898 el escritor, hijo de un labrador rico que vivió largas temporadas en la localidad de Asquerosa (hoy Valderrubio), también en la comarca de la Vega.

Paisaje fundamental

Por su parte, Laura García Lorca, presidenta de la Fundación, insistió en que el paisaje de la Vega fue fundamental en la vida y obra del escritor, con “ramificaciones variadas y profundas que se inician en una lírica adolescente más intensa, hasta llegar a un trasfondo abstracto en dramas como Yerma”.

Poemas de la Vega se ilustra con un dibujo del propio García Lorca de 1925, en el que puede verse una casa sobre cuya fachada está escrita la palabra “Amor”.

También en el pueblo de La Huerta de San Vicente vivió el “dolor lírico de cabeza” que le producían a Lorca la fragancia y los jazmines y las damas de noche, y fue lugar también de sus primeros contactos con la literatura romántica a través de su abuela Isabel, lectora de Víctor Hugo, Zorilla, Bécquer y Dumas, ha recordado el también granadino García Montero.

La “cultura rural” de García Lorca se observa en primera instancia, añadió García Montero, en su forma de mostrar la inocencia de ese entorno frente a las tensiones de la vida urbana y después en dejar claro que las conexiones entre la poesía culta y popular “tenían mucho que ver con las canciones que oyó en su infancia, las que cantaba con su familia”.

En la yema de los dedos

La iniciativa de Poemas de la Vega partió de un grupo de profesores de secundaria de la asociación Vega Educa, que trabaja para proteger el entorno cultural de la zona, dos de cuyos asociados, Javier Alonso Magaz y Andrea Villarrubia, han participado también en la selección de los textos.

“Lorca confesaba que todo lo aprendió de la tierra, que escribía con la tierra en la yema de los dedos”, concluyó García Montero. “Una acequia, con el agua libre corriendo por los campos de la Vega. Esa es la imagen con la que le recuerdo”, apostilló su sobrina Laura.

LEER PRÓLOGO DE LUIS GARCÍA MONTERO: http://www.galaxiagutenberg.com/media/101471/poemas_de_la_vega_rus_web.pdf

Fuente: hoyesarte

jueves, 11 de septiembre de 2014

"MIMBRE", DOCUMENTAL DE SERGIO BRAVO Y MÚSICA DE VIOLETA PARRA



En el aniversario del golpe de Estado en Chile nos trasladamos a las zonas rurales del país para presentarles un inspirador documental de 1957, que muestra -con la música de Violeta Parra de fondo- las manos de un artesano popular fabricando sus propios diseños en mimbre. El documental fue filmado por Sergio Bravo Ramos, reconocido documentalista, productor, director de fotografía y camarógrafo que, además, es arquitecto.

Sergio Bravo Ramos (Los Andes,1927) se acercó al cine espontáneamente motivado por sus propios estudios estéticos y sus intereses sociales, que a mediados de los cincuenta estaban anunciando la maduración de la década siguiente. Para canalizar sus inquietudes tomó algunos cursos en el Instituto Fílmico de la Universidad Católica, que había sido recién fundado por Rafael Sánchez, a la sazón un jesuita que había estudiado en EE.UU. y Canadá y que posteriormente sería el más importante profesor de cine que haya tenido el país. Duró poco en esos estudios y da la sensación que nunca los extrañó mucho. Ya el año 1957 debuta con Mimbre, un documental de sólo 9 minutos, que sigue siendo un impresionante ejemplo de lo que nuestro cine sería capaz de dar de ahí en adelante. Obra íntima, lírica y al mismo tiempo sencilla y transparente, Mimbre no se parece a nada de lo que se había filmado antes en Chile, ni en el documental ni en la ficción. La realidad cotidiana y popular captada como gesto cotidiano en su más auténtica belleza. Lejos de la objetividad funcional y de la mistificación enfática, propias del documental chileno, lo que aquí aparece por primera vez es una perspectiva autóctona en la mirada y en lo que se mira. La mejor prueba de la blancura de sus intenciones la otorga el hecho que Violeta Parra al ver el material sin sonido irrumpiera en él componiendo un acompañamiento para guitarra que, como dijo un especialista del Museo del Cine de París: “Es una de las mejores composiciones de música incidental que he escuchado nunca en toda la historia de este género cinematográfico”.

miércoles, 10 de septiembre de 2014

FATIH AKIN ANTE EL GENOCIDIO ARMENIO

El director turcoalemán presenta ‘The cut’, que aborda una herida abierta en la I Guerra Mundial

Llueve en Venecia. La noche anterior, una tormenta ha descargado su furia sobre las islas.

El cielo encapotado no invita al buen humor. Si a eso se le suma las innumerables críticas negativas que ha tenido tras sus primeras proyecciones The cut, la última película del turcoalemán Fatih Akin, el director podría permitirse un mal gesto ayer lunes, un mal humor que otras veces ha mostrado en público.

"Me han jodido un poco esta mañana al leerlas, pero ha sido un segundo. Ahora tengo que luchar por la película, hacer promoción y entrevistas, defenderla", dice entre carcajadas Akin (Hamburgo, 1973), que con The cut —una mezcla de western y drama épico— ha metido el dedo en una llaga dolorosa para cualquier turco, el genocidio que cometieron con los armenios durante la I Guerra Mundial.

El filme arranca en Mardin, una ciudad al noreste de Mesopotamia, en límite del imperio Otomano, una población que a los ojos de Akin parece el jardín del Edén, con unos vecinos felices aunque con cierta preocupación ante las noticias que llegan del conflicto bélico.

Allí vive un cerrajero, Nazaret (encarnado por el francés Tahar Rahim), al que un día la policía turca separa de su familia. Junto al resto de los hombres armenios, son enviados a trabajos forzosos. Lo que sigue es una epopeya en la que Nazaret esquiva por los pelos varias veces a la muerte, y en la que a la búsqueda de sus hijas gemelas, cruzará Oriente Próximo —a los armenios no les dejaron moverse libremente hasta 1921, tres años después de acabar la guerra—, llegará a La Habana, y tras entrar en Estados Unidos por la Florida acabará en las desoladas praderas de Dakota del Norte en 1922.

The cut es una superproducción rodada en Canadá, Jordania, Malta, Florida y Alemania, en la que Akin ha invertido cuatro años de vida. "En realidad más, porque con el guion llevo mucho más tiempo. Te diría que una década". Y que cierra una trilogía sobre el amor (Contra la pared), la muerte (Al otro lado) y el demonio (The cut). 

"Ha sido un esfuerzo… no sé cómo explicártelo salvo que no haré una película de este tamaño de producción en por los menos diez años. Por otro lado, centrándome en su espíritu, siento que en realidad lo que yo llamo trilogía no ha acabado. Mis películas —estas y el resto— hablan de la humanidad, y nunca me voy a alejar de ese tema. En The cut defiendo la esperanza como motor vital. En un mundo asolado por el Ébola, con gravísimos problemas en lugares como Siria, Gaza o Israel no podemos rendirnos ante la tragedia. Debemos seguir adelante, yo creo en la esperanza. Formo parte en Turquía de un movimiento de transparencia".

Como alemán de ascendentes turcos, Akin conoce absolutamente bien el silencio impuesto en Turquía sobre el genocidio armenio en el que fueron asesinados hasta casi dos millones de personas. "Formo parte en Turquía de un movimiento de transparencia. Y lo estamos logrando. Está saliendo a la luz y la opinión pública empieza a conocer lo que ocurrió desde 1915". ¿Ya no es un tabú? "Creo que no, que desde hace unos años se ha impuesto la realidad. Y espero que The cut aporte algo a este cambio".

Como cineasta, Akin era conocido por sus personajes y ambientes sofocantes. De repente apuesta por otra opresión, la creada por los grandes paisajes: "Es la primera vez que ruedo en Cinemascope". "Sí, mis ídolos son Elia Kazan con América, América, David Lean y Lawrence de Arabia o Sergio Leone con Érase una vez en América. Bueno, unos creen en Batman o Spiderman y yo tengo esos superhéroes. Esta película está influida por todos ellos, es filme sobre otros filmes, es mi viaje al corazón del cine. Cada fotograma del filme homenajea a los clásicos, como la primera vez que Nazaret ve una película, y es El chico de Chaplin". Esa secuencia parece calcada a la del descubrimiento del cine de Ana Torrent en El espíritu de la colmena, de Víctor Erice. "Conozco la película pero no estoy seguro de haberla visto ni por tanto de su influencia".

Lo ocurrido con los armenios forma parte de alguna manera del pasado de Europa. "Obviamente no ocurrió en nuestro continente, aunque Mesopotamia fue la cuna de la humanidad, nuestro origen. Y todas las fronteras artificiales de Oriente han sido impuestas por nuestros ancestros. No hay más que recordar la época de Lawrence de Arabia. Yo me siento más alemán que turco. Mis hijos han nacido en Alemania, y allí sé dónde vive el médico o qué restaurante recomendaría. En Turquía no sería capaz. Sí, me siento cómodo en mis país natal sin olvidar mis raíces".

En este viaje, Akin ha tenido algunos guías de lujo. Con Roman Polanski, con el que ha compartido bastante equipo técnico, charlo sobre los idiomas y decidió que sus armenios hablaran en inglés y el resto de las etnias sus respectivos idiomas como hizo el francopolaco en El pianista, en el que los polacos se comunicaban en inglés. "No tengo con él la confianza que sí me ha dado Martin Scorsese, pero hemos hablado algunas veces". En cambio, Scorsese se ha convertido para Akin en alguien muy importante: "Lo considero mi tío. Leyó el guion, me recomendó que contratara a Mardik Martin [veterano coguionista de los primeros títulos del neoyorquino como Toro salvaje o Malas calles], ha visto dos veces la película y me dio consejos sobre el montaje. Y yo he aplicado todo lo que me dijo".

Fuente: EFE/La Voz Armenia

martes, 9 de septiembre de 2014

"MARCHA DE LA ENTRADA DEL EJÉRCITO ROJO EN BUCAREST", DE SEMEON TCHERNETSKY, EN EL 70 ANIVERSARIO DE LA LIBERACIÓN DE LA CAPITAL RUMANA

Extraído de Un Vallekano en Rumanía
(http://imbratisare.blogspot.com.es/)

Director de orquesta y compositor, Semeon Tchernetsky fue el creador de gran parte de las marchas militares del ejército de la URSS. Nacido en Odessa en 1888, Tchernetsky trabajó como inspector de bandas militares hasta 1932, cuando fundó la Banda del Ejército Soviético. Fue el compositor de las principales marchas militares del Ejercito Rojo, incluyendo las compuestas para conmemorar la liberación de diferentes ciudades europeas durante la Segunda Guerra Mundial, como la "Marcha de la entrada del Ejercito Rojo en Budapest", la "Marcha Ucraniana", o la "Marcha de la victoria", compuesta esta última para conmemorar la victoria del pueblo soviético contra el fascismo.

También compuso la "Marcha de la Entrada del Ejercito Rojo en Bucarest", creada tras la liberación de esta ciudad de manos de la dictadura del Mariscal Antonescu el 31 de agosto de 1944, después del golpe de mano del Partido Comunista Rumano que provocó que Rumania pasará, el día 23 de ese mismo mes, a luchar del lado de la URSS contra Alemania y sus aliados.

Tchernetsky tuvo el honor de dirigir la banda militar el dia de la conmemoración de la victoria contra el fascismo en la Plaza Roja de Moscu, el 9 de mayo de 1945.

Cuando el Ejército Rojo libertador entró en Bucarest, con él marchaban las famosas divisiones formadas por comunistas rumanos como la "Tudor Vladimirescu", dirigidas por dirigentes del PCR como Ana Pauker, "Ana la Roja", o Walter Roman.

El video que compartimos a continuación da muestras de la euforia con la que fueron recibidos los soldados soviéticos, mientras suena la "Marcha de la entrada del Ejercito Rojo en Bucarest" de Tchernetsky:

lunes, 8 de septiembre de 2014

"EL FUTURO DEL PASADO, HOY: ¿CÓMO ES SER ARQUITECTO EN COREA DEL NORTE?"


Originalmente publicado en Metropolis Magazine como "El futuro de arquitectura, según un arquitecto norcoreano"," en esta entrevista con Nick Bonner -curador de la sección de Corea del Norte en el Pabellón coreano de la Bienal de Venecia 2014- ahonda en la realidad del trabajo arquitectónico en uno de los países más secretos del mundo.

Hay altas posibilidades de que nunca visites Corea del Norte, que no es lo mismo decir que no puedas. El interés en este Estado socialista/juche está creciendo, un hecho reflejado por el aumento en turistas occidentales ansiosos por descubrir los lugares y espectáculos de Pyongyang. Nick Bonner, fundador de Koryo Tours, lleva visitantes a la República Democrática Popular de Corea (el nombre oficial de Corea del Norte) por más de dos décadas y recientemente curó una pequeña exhibición en el Pabellón de la península coreana en la Bienal de Arquitectura de Venecia.

Titulado "Utopian Tours", Bonner comisionó diseños de un arquitecto norcoreano no identificado, pidiéndole que imaginara una infraestructura completamente nueva para recibir a grupos turísticos cada día más grandes. Como resultado, las ilustraciones realizadas a mano son fascinantes: el futuro de la arquitectura -al menos en Corea del Norte- parece más el futuro del pasado, donde los turistas viajan en vehículos aerodeslizantes, y los trabajadores viven en hoteles inspirados en montañas y árboles, cuyas formas recuerdan a los zigurats.

Metropolis pidió a Nick Bonner que les diera un tour dentro de la escena arquitectónica contemporánea en uno de los países política, social y económicamente más aislados del mundo.


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El "Hotel Aéreo" otorga a los turistas sendas vistas a los montañas. Imagen cortesía de Koryo Tours

Justin Zhuang: ¿Puedes contarnos sobre el proyecto que curaste para la Bienal de Venecia? ¿Por qué te enfocaste específicamente en el turismo de Corea del Norte?

Nick Bonner: “Utopian Tours” fue la exhibición principal que entregamos al Pabellón de la península coreana, organizada por Corea del Sur [ganador del León de Oro]. El pabellón fue originalmente diseñado para proporcionar un espacio para que Corea del Norte y del Sur celebraran una exposición en conjunto. Koryo Tours ha estado trabajando en Corea del Norte desde 1993, y utilizamos al turismo para promover el compromiso humano en Corea del Norte.

El turismo nos ha permitido visitar mensualmente este país por 21 años, y durante este tiempo, hemos sido capaces de entender mejor aspectos importantes de la vida en Corea del Norte, tales como el uso del espacio urbano y el cómo la gente interactúa con el resto. Viajar al país de forma tan regular y durante un periodo tan largo de tiempo, nos ha permitido ver los cambios que han tomado lugar en el país. Nuestra parte de la exhibición es el resultado del tiempo vivido en Pyongyang [capital de Corea del Norte]; nos muestra no solo cómo Corea del Norte representa la arquitectura como perteneciente al pueblo, sino también cómo un arquitecto ve el futuro del turismo sustentable y la arquitectura norcoreana.

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"Hoteles montañas cónicas", conectados en varios puntos por pistas de ski. Imagen cortesía de Koryo Tours

JZ: Las ilustraciones son notables por su estilo pictórico. ¿Fue intencional ese estética?

NB: Los arquitectos norcoreanos ahora usan CAD, pero todavía están formados en ilustrar la visión de edificios completos pintando a mano, utilizando gouache. Yo me formé como arquitecto landscape a mediados de los años ochenta, y usábamos técnicas similares (aunque no tan eficientemente). En esa época, encargábamos a artistas y dibujantes profesionales para visualizar nuestros proyectos exactamente de la misma manera. Ahora, por supuesto, todo es digital.

JZ: La Bienal ofreció un vistazo a las preocupaciones y ambiciones de los arquitectos de Corea del Norte. ¿Dónde y cómo se forman esos arquitectos? ¿Cuáles son sus principales fuentes de referencia?

NB: La mayoría de los arquitectos se forman en la Universidad de Construcción y Materiales en Pyongyang, y todos trabajan para el gobierno. Como dije anteriormente, no hay proyectos privados. El arquitecto con quien trabajamos ha comenzado a trabajar para una compañía asiática por un periodo de cinco años.

Hay varios arquitectos norcoreanos que han estudiado en el extranjero, sobre todo en París, y esto ciertamente tendrá una influencia. Los arquitectos que conocemos siempre están interesados en conocer la arquitectura contemporánea, no sólo en la visualización de proyectos, sino también en la planimetría y los métodos constructivos.

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Desarrollo costero a los pies del Monte Kumgang. Imagen cortesía de Koryo Tours

JZ: ¿Cómo se ha desarrollado la arquitectura en Corea del Norte a lo largo de las últimas décadas?

NB: Los japoneses (quienes ocuparon la península de Corea entre 1910 y 1945) tuvieron una gran influencia en la arquitectura local. Durante la Guerra de Corea (1950-1953, y oficialmente jamás finalizada), el neoclasicismo soviético post-guerra se convirtió en el estilo dominante. En la década de 1960 y 1970, la dirección cambió nuevamente, comenzaron a aparecer edificios con una clara influencia coreana (tales como la Casa de Estudios del Gran Pueblo en la Plaza Kim Il Sung) o diseños que fueron mucho más modernistas y únicos, tales como la histórica Pista de Hielo.

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Un resort en Monte Kumgang. Imagen cortesía de Koryo Tours

JZ: ¿Cómo podrías describir el estado actual de la arquitectura en Corea del Norte?
NB: Todo proyecto en Corea del Norte es un proyecto gubernamental. Sin embargo, hay varios proyectos extranjeros para los que arquitectos norcoreanos han sido comisionados, principalmente museos y monumentos.

Los principales arquitectos trabajan en el Instituto Arquitectónico Paektusan y tiene un acceso muy limitado a la arquitectura contemporánea. Cuando se recorre en el tour el Instituto, verás una pequeña selección de obras desde la Casa en la Cascada de Frank Lloyd Wright al Pabellón alemán en Barcelona de Mies Van Der Rohe, así como un puñado de rascacielos contemporáneos. La exposición limitada (de arquitectura) no es necesariamente debido a la censura gubernamental; también hay una escasez de libros y revistas arquitectónicas que podrían (y que deberían) ser enviadas desde los institutos arquitectónicos y de diseño alrededor del mundo. Cuando realizamos tours arquitectónicos -el próximo será el 25 de octubre de 2014- siempre solicitamos traer un número de revistas y libros arquitectónicos.

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Hotel para la ciudad norcoreana de Nampo. Imagen cortesía de Koryo Tours

JZ: ¿El famoso tratado 'De Arquitectura' de Kim Jong-Il continúa prevaleciendo en la comunidad arquitectónica norcoreana?

NB: Ese trabajo es el texto guía para todos los arquitectos norcoreanos de la misma forma que su tratado sobre "El Arte del Cine" es el texto principal para los cineastas del país. Estas obras son un conjunto de claras e incuestionables instrucciones que apoyan la enseñanza y formación de arquitectos y cineastas norcoreanos. Esto no implica que todos los proyectos y edificios arquitectónicos sean idénticos: existe una considerable variedad en el estilo de los edificios públicos del país, aunque todos están dentro de los límites de lo que es oficialmente patrocinado y visto como "arquitectura contemporánea norcoreana".

JZ: ¿Cuáles son algunos de los principales desafíos que enfrentan hoy en día los arquitectos norcoreanos?

NB: La mayor limitación enfrentada por los arquitectos es la falta de calidad de materiales y conocimiento de técnicas modernas de construcción. Los arquitectos norcoreanos están limitados a trabajar con hormigón y barras de acero reforzado (no hay posibilidad de muros cortina), así que existe el desafío de ser creativo con los materiales que estén disponibles.

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Villa Nido de Pájaro. Imagen cortesía de Koryo Tours

JZ: ¿Cuáles son algunas obras destacadas de la arquitectura norcoreana que merecen mayor reconocimiento?

NB: Pyongyang fue totalmente reconstruida después de la Guerra de Corea -sólo tres edificios se mantenían en la ciudad al final del conflicto-. Son, por lo tanto, no sólo ejemplos individuales de arquitectura que son de interés, sino también el plan maestro de reconstrucción de la ciudad como una moderna "utopía socialista", que consta de monumentales edificios gubernamentales -influenciados por los soviéticos-; los edificios residenciales de estilo brutalista, parques y corredores fluviales y las avenidas arboladas.

Hay, sin embargo, ciertos edificios individuales de gran valor arquitectónico que deben, sin duda, ser vistos en cualquier viaje a Pyongyang:

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Pista de Hielo: "construida en 1981, una estructura cónica modernista de la que Le Corbusier se sentiría orgulloso". Imagen cortesía de Koryo Tours
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Museo del Metro de Pyongyang: "Una gran y majestuosa estructura en Pyongyanguseum dedicated to 'the Construction of the Pyongyang Metro'”. Image Courtesy of Koryo Tours
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Metro de Pyongyang: "Estatinas vestidas de mármol, mosaicos y lámparas de araña". Imagen cortesía de Koryo Tours
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Hotel Chongnyon: "un hotel construido en 1980 para el Festival Mundial". Imagen cortesía de Koryo Tours
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Hotel Ryugyong: "un rascacielos de 104 pisos que se asemeja a algo entre las pirámides y el Londres Shard". Imagen cortesía de Koryo Tours
Fuente: Zhuang, Justin . "El futuro del pasado, hoy: ¿cómo es ser arquitecto en Corea del Norte?" [Yesterday's Future, Today: What's it Like to Work as an Architect in North Korea?] 05 Sep 2014. ArchDaily. (Nicolás Valencia Trans.) Accessed 8 Sep 2014. (http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/626789/el-futuro-del-pasado-hoy-como-es-ser-arquitecto-en-corea-del-norte)

domingo, 7 de septiembre de 2014

"VIVA LA REVOLUCIÓN ", DE PAVEL KUSNEZOV


Pavel Kusnezov
Viva la Revolución
1967
Óleo sobre tela


La pintura muestra una multitud que lleva a Lenin como líder de la revolución. Su cabeza queda enmarcada por una bandera roja. Tiene el brazo alzado en un típico gesto de discurso y al mismo tiempo señala una dirección. La muchedumbre avanza hacia la izquierda, en sentido opuesto a nuestra dirección de lectura. De este modo se expresa que el pueblo tiene que luchar, pero que es imparable. Es un típico cuadro heroico en el estilo del realismo socialista. Se celebra y se glorifica a Lenin y, a su vez, la Revolución. Lenin es transportado por las masas como líder de la Revolución y a la vez indica la dirección a seguir.

Tras su muerte surgieron un gran número de cuadros de este tipo. Le servían a Stalin como instrumento de propaganda y a la vez proporcionaban un ídolo a las masas.

Fuente: Malevich (Editorial Könemann)

sábado, 6 de septiembre de 2014

"LA CHINOISE", DE JEAN-LUC GODARD

Título original: La chinoise
Año: 1967
Duración: 96 min.
País: Francia
Director: Jean-Luc Godard
Guión: Jean-Luc Godard
Fotografía: Raoul Coutard
Reparto: Anne Wiazemsky, Jean-Pierre Léaud, Juliet Berto, Michel Semeniako, Lex De Bruijn, Omar Diop, Francis Jeanson, Blandine Jeanson, Eliane Giovagnoli
Sinopsis: Godard y el maoismo. Estrenada un año antes del mayo del 68, "La Chinoise" relata las inquietudes por cambiar el mundo de un grupo de estudiantes franceses empapados del pensamiento de Mao Tse Tung. París, durante el verano de 1967, cuando pocos intentaban aplicar los principios que rompieron con la burguesía de la URSS y de los partidos comunistas occidentales en el nombre de Mao Tse Tung. Empapados del pensamiento de Mao y de literatura comunista, un grupo de estudiantes franceses se empieza a preguntar por su posición en el mundo y las posibilidades de cambiarlo, aunque eso signifique considerar el terrorismo como una posible vía...


La película de Godard, que juega con la ambigüedad entre el género documental, el teatro brechtiano y el filme tradicional picaresco, narra las profundas discusiones de un pequeño grupo de jóvenes maoístas residentes en un apartamento parisino. Haciendo uso constante de metáforas visuales (barricadas construidas con ejemplares del "libro rojo", radios que se convierten en fusiles, pizarras en los que los pensadores de la burguesía van siendo borrados, etcétera), Godard aborda varios de los elementos de discusión característicos de la izquierda de la década de los sesenta: la intervención norteamericana en Vietnam, las crecientes desavenencias entre la República Popular China y ”socialimperialismo” encarnado en la Unión Soviética, o la Revolución Cultural China, así como aspectos concretos de la obra teórica de Mao Tse-Tung, como la cuestión del carácter de la guerra, la contradicción o la lucha contra el revisionismo. Con estas discusiones Godard deja patente su nulo interés en hacer de la Chinoise una película para el gran público ”despolitizado”, sino para una minoría intelectual con conciencia fuertemente progresista.


La Chinoise - Castellano - Completa from UHP on Vimeo.

viernes, 5 de septiembre de 2014

"CRÍTICA, TENDENCIA Y PROPAGANDA: TEXTOS SOBRE ARTE Y COMUNISMO, 1917-1954", DE LA EDITORIAL DOBLE J, DESCARGABLE EN PDF

Esta historia de la relación entre arte y comunismo a través de los escritos de sus principales exponentes abarca el periodo comprendido entre la Revolución de Octubre y el fin del estalinismo e incluye una amplia selección de escritos teóricos, directivas políticas, manifiestos, etc., muchos de ellos inéditos hasta ahora en castellano. El volumen comienza con ejemplos de la relación entre las vanguardias artísticas y el Partido Comunista; continúa con las diferentes formulaciones de la cultura socialista ante la estabilización del Estado Soviético, la extensión internacional del movimiento comunista y la consolidación comercial e institucional del arte moderno. Termina con escritos elaborados en el contexto de la muerte de Stalin que aún pretenden mantener fidelidad a los postulados anteriores, pero tan deliberadamente vagos, que indican importantes revisiones a la cultura socialista precedente.

INTRODUCCIÓN

De la Revolución de Octubre a colapso del «socialismo real», la política cultural comunista produjo criterios de valoración y paradigmas de comprensión histórica del conjunto de la historia del arte del siglo XX que en muchos casos determinaron significativamente su desarrollo. Más de tres lustros después de la caída del Muro de Berlín, parece necesario examinar el arte relacionado con el movimiento comunista internacional desde una perspectiva histórica, describir su dinámica y agrupar los materiales más relevantes para su comprensión.

El proyecto «Crítica tendencia y propaganda» presenta el discurso comunista sobre las artes en forma de debate entre diferentes sensibilidades y programas culturales, teniendo presente el contexto de la historia general del arte del siglo XX. Se han planeado dos volúmenes, el primero de ellos publicado en 2004 y el segundo en preparación, que tratan los periodos de la Revolución de Octubre a la muerte de Stalin y de la desestalinización a 1989.

El volumen dedicado al periodo 1917-1954 comienza con ejemplos de la relación entre la vanguardia ruso-soviética y el Partido Comunista; continúa con las diferentes formulaciones de cultura socialista en el contexto de la estabilización del estado soviético y termina con un texto de Bertolt Brecht y otro de Palmiro Togliatti que ya indican importantes revisiones de la cultura socialista precedente. Los textos se han ordenado cronológicamente porque se encuentran en relación directa con los acontecimientos históricos en sentido más amplio. Incluyen directivas políticas, manifiestos, decretos, ensayos, entrevistas, discursos y artículos en los que resulta imposible trazar claramente la línea entre lo político y lo cultural. La procedencia variada de estos materiales proporciona una perspectiva general del arte de inspiración comunista, no sólo desde la estética o la teoría de la cultura, sino también atendiendo a las estructuras de difusión y patronazgo y a las condiciones de recepción de los productos artísticos según los sectores sociales o las comunidades nacionales a las que iban dirigidos. Además ha influido en nuestro criterio de selección la preocupación por ofrecer una panorámica multinacional, incluyendo materiales escritos originariamente en español, ruso, inglés, francés y alemán.

DESCARGAR LIBRO: http://horadelsur.files.wordpress.com/2008/07/97884968752651.pdf
 

jueves, 4 de septiembre de 2014

MONUMENTO AL "GRUPO DE RESISTENCIA ANTIFASCISTA HERBERT BAUM" EN BERLIN


Herbert Baum (Mosina, Polonia, 10 de febrero de 1912 – 11 de junio de 1942) fue un miembro judío de la resistencia alemana frente al nazismo.

Nacido en Polonia, su familia se trasladó a Berlín cuando aún era niño. Tras graduarse en secundaria, se hizo aprendiz de electricista, actividad que terminó por convertirse en su profesión.

Hacia 1926, era ya un miembro activo de diferentes organizaciones juveniles izquierdistas y judías, y desde 1931 se convirtió en miembro de la Young Communist League of Germany (KJVD; «Liga comunista juvenil de Alemania»).

Tras la llegada al poder del Partido Nazi, comenzó, junto con su mujer Marianne Baum (9 de febrero de 1912 - 18 de agosto de 1942) y sus amigos Martin y Sala Kochmann, a organizar reuniones en las casas de Kochmann y de otros miembros para consensuar una línea de actuación contra la amenaza del nazismo. El grupo, que contaba con más de 100 miembros, la mayoría jóvenes judíos y muchos de ellos mujeres, nombró jefé a Herbert Baum.

Durante 1940, Baum fue enviado a trabajos forzados en la construcción de motores eléctricos para Siemens-Schuckertwerke (hoy en día Siemens AG). Desde 1941, lideró un grupo de trabajadores forzados judíos en la planta, quienes, para escapar de la deportación a los campos de concentración, huyeron a los subterráneos de Berlín.

El 18 de mayo 1942, el grupo de resistencia antifascista de Herbert Baum provocó un incendio en una exposición antisemita y anticomunista preparada por Joseph Goebbels en el Lustgarten de Berlín denominada "El Paraíso soviético". En los días siguientes muchos de los miembros del grupo fueron detenidos y 28 de ellos fueron sentenciados a muerte. Baum y su mujer Marianne fueron arrestados el 22 de mayo. Herbert Baum murió en prisión después de excesivas torturas, y su mujer fue ejecutada en la Prisión Plötzensee dos meses después.

En 1981, el Consjeo Municipal de Berlin (Este) levanta en el Lustgarten un monumento en forma de bloque de piedra diseñado por Jürgen Raue para el recuerdo del grupo de resistencia antifascista de Herbert-Baum.

El monumento presenta dos textos, uno de los cuales, relativo a la amistad con la Unión Soviética, presenta dos hojas de acrílico de vidrio adicionales que recoge 34 miembros individuales del grupo de resistencia y recuerdan las condiciones históricas del grupo.

Texto: Nunca se olvidarán los hechos valerosos y la firmeza del grupo de resistencia anti-fascista dirigido por el joven comunista Herbert Baum.

Texto: Para siempre vinculado en la amistad con la Unión Soviética.


miércoles, 3 de septiembre de 2014

"LA IDEA DE COMUNISMO", DE SLAVOJ ZIZEK

Título: La idea de comunismo
Autor: Zizek, Slavoj (ed.)
Editorial: Akal
Encuadernación: Tapa blanda o Bolsillo
Nº páginas: 272
ISBN: 978-84-460-3999-0
Dimensiones: 220 x 140 mm.
Fecha publicación: 4-6-2014
Precio: 20.00 €

Sinopsis


En 2011 fuimos testigos (y partícipes) de una serie de acontecimientos emancipadores que sorprendieron a todo el mundo, incluidos sus agentes: desde las primaveras árabes hasta los movimientos 15M (en España) y Occupy Wall Street (en EEUU), desde la revuelta griega hasta los disturbios en el Reino Unido. Ahora, pasado el tiempo, no pasa un día que no aporte nuevas pruebas sobre lo frágil e inconsistente que fue ese despertar, cuyas múltiples facetas muestran los mismos signos de agotamiento. ¿Qué debemos hacer en estos tiempos? Lo primero que hay que demostrar es que la insatisfacción sigue actuando soterradamente: la rabia se sigue acumulando y al final se desencadenará una nueva ola de revueltas. Por tanto, hay que dejar las cosas claras, situar estos acontecimientos en el contexto general del capitalismo global y mostrar cómo se relacionan con su antagonismo primordial. Este libro quiere ser una contribución a ese mapa cognitivo de nuestra constelación. Para ello, reúne las intervenciones que, bajo el título «El comunismo: un nuevo comienzo», se expusieron en el marco de un congreso dedicado al concepto de comunismo celebrado en la Universidad Cooper Union de Nueva York entre el 14 y el 16 de octubre de 2011.

Indice


Introducción (Slavoj Žižek)

I. La idea comunista y la cuestión del Terror (Alain Badiou)

II. El comunismo como compromiso, imaginación y política (Étienne Balibar)

III. Sobre la cuestión cristiana (Bruno Bosteels)

IV. Una ética de lo común(ista) (Susan Buck-Morss)

V. Deseo comunista (Jodi Dean)

VI. Del socialismo científico a la ciencia socialista: pasado y presente de la Naturdialektik (Adrian Johnston)

VII. Recordar lo imposible: para una anamnesis metacrítica del comunismo (Frank Ruda)

VIII. El comunismo en el presente (Emmanuel Terray)

IX. Respuestas sin preguntas (Slavoj Žižek)

Notas sobres los autores

martes, 2 de septiembre de 2014

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS DE LA CLASE TRABAJADORA ALEMANA EN EL MUSEO KÄTHE KOLLWITZ DE COLONIA



"DAS AUGE DES ARBEITERS"

La exposición permite una visión de la vida y la cultura cotidiana de la clase trabajadora de los años 1920 y 1930. Se muestran no sólo fotografías privadas, sino también fotografías utilizadas específicamente en la prensa. Además de las imágenes de aficionados proletarios con fines principalmente estéticos, se pueden ver fotografías artísticas de Walter Ballhause, Albert Hennig o fotomontajes políticos de John Heartfield. Las fotos nos cuentan, a través de su específica "vista desde abajo", las condiciones en la República de Weimar hasta los años de la guerra.

La exposición refleja los resultados del proyecto de investigación "El ojo del trabajador. Estudio sobre la fotografía aficionada proletaria de la República de Weimar en el ejemplo de Sajonia" desarrollado en el periodo 2009-2012 por el Instituto de Dresde para la Historia y el Folklore de Sajonia, donde se dispone de alrededor de 5.000 fotografías procedentes de archivos y museos. El origen del mismo radica en la tradición comunista de la República Democrática Alemana y en la Asociación de Fotógrafos de Trabajadores de Alemania fundada por Willi Münzenberg.


Fecha: Hasta el 12 de octubre de 2014








domingo, 31 de agosto de 2014

"EL PUEBLO A LA UNIVERSIDAD, LA UNIVERSIDAD AL PUEBLO", MURAL DE DAVID ALFARO SIQUEIROS




El pueblo a la universidad, la universidad al pueblo. Por una cultura nacional neohumanista de profundidad universal.
David Alfaro Siqueiros
1952‑1956
Escultopintura de relieve en estructuras de hierro revestidas de cemento cubiertas con mosaicos de vidrio
304,15 m2
Muro Sur del edificio de la Rectoría de la Ciudad Universitaria de México DF

David Alfaro Siqueiros, inició este mural en 1952, cuando se le encomendó crear un mural para la superficie del edificio de Rectoría en Ciudad Universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Siqueiros utilizo la geometría para representar diferentes ángulos y la escala humana.

La composición representa un grupo de universitarios que se desplazan de oriente a poniente, el relieve se proyecta hacia la parte superior de las figuras, logrando un efecto de doble movimiento que va de derecha a izquierda y de arriba hacia abajo.

Los universitarios llevan en las manos elementos alusivos a su actividad: un compás, un lápiz, la maqueta de una estructura, un libro y avanzan dirigiéndose hacia el pueblo brindándole los conocimientos adquiridos. Se representa en el estudiante que con un brazo señala a la universidad y en el otro porta un lápiz cuya dirección establece una línea de fuga que parece salirse del muro (hacia la calle) aludiendo la interacción del pueblo y la universidad.

En la parte superior del lado izquierdo, en segundo plano se ubica una manifestación estudiantil, las figuras portan banderas, simbolizan la inserción y la participación de los universitarios en la problemática social.

Está ubicado en el edificio de Rectoría de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Fue creado por David Alfaro Siqueiros en 1952. Este artista utilizó la geometría para representar diferentes ángulos y la escalera humana, ya que en este mural es fácil observar a la sociedad mexicanarepresentada por el pueblo; la clase media representada por la universidad y el estudiante; y la clase obrera representada por el obrero. El estudiante al finalizar sus estudios entrega su conocimiento al proceso de formación de la sociedad. También juegan papeles importantes el pueblo y el obrero en dicho proceso.

Fuente: BuenasTareas.com