miércoles, 20 de noviembre de 2019

LA BELLEZA BRUTALISTA DE LA EX-YUGOSLAVIA: UN ENSAYO FOTOGRÁFICO

Después de la segunda guerra mundial, la Yugoslavia socialista se dispuso a reconstruir una tierra destruida por los combates. Bloques residenciales de hormigón, hoteles, centros cívicos y monumentos se dispararon en todo el país en una muestra de poder de un estado entre dos mundos, la democracia occidental y el este comunista.

Fotografías de Marko Đurica / Reuters. Escrito por Ivana Sekularac.

Genex Tower es imperdible en la carretera desde el aeropuerto de Belgrado hasta el centro de la ciudad. Sus dos bloques elevados, conectados por un puente aéreo y coronados por un restaurante giratorio cerrado desde hace mucho tiempo que se asemeja a una cápsula espacial, son una vista tan inusual que la torre de construcción de 1977 se ha convertido en un imán para los turistas a pesar de años de abandono. La torre es uno de los ejemplos más significativos de brutalismo : un estilo arquitectónico popular en las décadas de 1950 y 1960, basado en formas toscas, en forma de bloques, hechas de hormigón.

Torre Genex, también conocida como la puerta de la ciudad occidental, en Belgrado, Serbia .

El brutalismo fue popular en todo el bloque oriental, pero la ex Yugoslavia lo hizo propio, aprovechándolo como una forma de forjar una identidad visual equilibrada entre el este y el oeste. El interés por el estilo está aumentando, particularmente desde una exposición de 2018 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) llamada Concrete Utopia: Architecture in Yugoslavia, 1948-1980 .

Karaburma Housing Tower, también conocido como el edificio "Toblerone"

El complejo de edificios de apartamentos Eastern City Gate se encuentra en el barrio de Konjarnik

"Tenemos docenas de personas cada semana interesadas en hacer nuestro recorrido en Yugo por los lugares de interés de la ciudad construidos entre los años 1950 y 1980", dice Vojin Muncin, gerente de la agencia de turismo Yugotour, que guía a los turistas por la capital serbia en Yugos, el coche que fue una vez omnipresente en la ex Yugoslavia. “Genex Tower es una de las vistas más interesantes. La gente lo ve camino del aeropuerto e inmediatamente llama su atención ”. Hoy uno de los pilares está vacío, mientras que el otro es residencial. El restaurante rotativo fue abierto por última vez en la década de 1990.

La ropa se cuelga para secarse dentro del Bloque 23

Ventanas que dan al edificio, conocido como el "edificio de TV", una fachada en el Bloque 28.

Después de la segunda guerra mundial, la Yugoslavia socialista dirigida por Josip Broz Tito se dispuso a reconstruir una tierra destruida por los combates. Inicialmente aliado con la Unión Soviética, Tito rompió con el líder soviético Joseph Stalin en 1948. Bloques residenciales, hoteles, centros cívicos y monumentos, todos hechos de concreto, se dispararon en todo el país. Se suponía que la arquitectura mostraría el poder de un estado entre dos mundos: la democracia occidental y el este comunista, buscando forjar su propio camino y crear una utopía socialista.

Pero después de que Tito murió en 1980, y la crisis económica se apoderó, las nuevas élites trataron de distanciarse del régimen socialista, incluida su arquitectura. En 1991 comenzó la serie de guerras que condujeron al colapso de Yugoslavia.

 Un avión de pasajeros yugoslavo usado formalmente se sienta frente al Museo Aeronáutico en Belgrado, Serbia
 
Un trabajador de seguridad entra al pabellón 1 de la Feria de Belgrado en Belgrado

"Ahora ha pasado suficiente tiempo (desde que Yugoslavia se desmoronó) y la gente ha comenzado a apreciar la arquitectura de Yugoslavia", dice Alan Braun, profesor de la facultad de arquitectura de la Universidad de Zagreb. Explica que el estilo era único debido a su influencia visible desde el oeste, lo que refleja la posición única de Yugoslavia. Se planificó que las áreas residenciales tuvieran suficientes parques, cines, piscinas e incluso espacios de estacionamiento.

Deseoso de capitalizar el interés, las autoridades de Belgrado ahora están considerando abrir partes de otra obra maestra del brutalismo yugoslavo: el edificio del gobierno Palata Srbija (Palacio de Serbia), que actualmente solo está abierto una vez al año.

 El Gran Salón dentro del edificio Palata Srbija en Belgrado

 Una araña de cristal cuelga debajo de una cúpula de diecinueve metros del Palata

El edificio Palata Srbija albergó a ex líderes mundiales como los presidentes estadounidenses Richard Nixon y Gerald Ford y los líderes rusos Nikita Khrushchev y Leonid Brezhnev. Cada una de las antiguas repúblicas yugoslavas tenía su propio salón con una sala central llamada sala de Yugoslavia.


Un candelabro dentro del salón de Croacia en el edificio Palata Srbija
 
Una alfombra dentro del salón de Serbia en el edificio Palata Srbija

Dentro del salón de Yugoslavia en el edificio Palata Srbija

Muebles y alfombras fueron hechos a medida y destacados artistas produjeron pinturas y mosaicos. El exterior del edificio es de hormigón, pero el interior es de mármol. Su pieza central es una lámpara de araña de cristal debajo de una cúpula de 19 metros que pesa más de nueve toneladas. "Es una pena mantener una obra maestra fuera del alcance del público", dijo Sandra Vesic Tesla, curadora del edificio.

El monumento al levantamiento de la gente de Kordun y Banija en Petrova Gora, Croacia

Otros ejemplos de brutalismo yugoslavo incluyen los enormes monumentos conmemorativos que conmemoran la lucha contra el fascismo por parte de los partidarios de Tito, a menudo ubicados en entornos rurales dramáticos. Muchas de esas obras de arte permanecen en mal estado, como el monumento al levantamiento contra el fascismo en Petrova Gora en Croacia.

Sin embargo, el monumento conmemorativo de Tjentiste, que conmemora el asesinato de 7,000 personas por los nazis, fue renovado el año pasado. Miodrag Zivkovic, el escultor de 91 años del monumento Tjentiste de hormigón de 19 metros de altura, fue uno de los primeros artistas en la ex Yugoslavia en utilizar el hormigón.

"Es un material estable, parecido a la piedra, pero es más fácil trabajar con él", dijo. "Para cada proyecto en aquellos días había un concurso nacional, y los artistas de todo el país tenían la oportunidad de postularse, y esa competencia produjo calidad".

 Una pareja visita el memorial de guerra de la Batalla de Sutjeska en Tjentiste, Bosnia y Herzegovina

Fuente: The Guardian

martes, 19 de noviembre de 2019

"NEGOCIACIONES CON FRANCO", DE PIER PAOLO PASOLINI

Pier Paolo Pasolini, José Agustín Goytisolo y Salvador Clotas recorren el cementerio de Montjuïc, sobre las barracas de Can Tunis

En 1965 tuvo lugar un encuentro entre Pier Paolo Pasolini y José Agustín Goytisolo en Barcelona. Visitaron Can Tunis, La Barceloneta y el Barrio Chino, de manera simétrica a los paseos que dos años antes dieron en Roma por las calles cercanas a Termini y por borguettos y arrabales de inmigrantes del sur. En su visita romana, Goytisolo también fue llevado por Pasolini al cementerio Campo Verano, y en Barcelona el primero correspondió al segundo con una visita a los cementerios de Poble Nou y Montjuïc. En este último, Pasolini se detuvo ante las tumbas de Durruti y otros anarquistas, depositando flores frescas.

A continuación, y a propósito de la tardía exhumación de los restos del dictador, se reproduce en traducción propia la evocación de Pasolini de su visita a Montjuïc en el poema «Trattative con Franco» (Appendici a Poesia in forma di rosa, en P. P. Pasolini, Tutte le poesie, Mondadori, tomo I, 20153, pp. 1419-1420).

A. Giménez Merino



NEGOCIACIONES CON FRANCO



¿Qué hay en el sol

que cubre el cementerio

de Barcelona?



Nada, pero entre el andaluz,

entre el andaluz y el sol,

sí hay un vínculo antiguo.



Su alma se separó de él

y vino a instalarse

bajo el Cementerio de Barcelona.



¡Un alma puede hacerse castellana

y un cuerpo permanecer andaluz

bajo el mismo sol!



Se dice que almas africanas

han llegado a convertirse en blancas,

y no por voluntad del Señor.



(Cuando a ningún señor de Barcelona

marchado a Andalucía

se le ha vuelto negra el alma.)



Antes de hacerse castellana

el alma debe aprender el catalán

dentro de un cuerpo andaluz.



Dichoso pues quien aprende el valón,

porque su cuerpo está en el sol,

en el gran sol del mundo.



Pero aquí se pasa de un sol a otro,

y entre el catalán y el andaluz

solo está el ojo del castellano.



Sí, entre el andaluz y el francés

está el sol de los soles,

no el sol de un cementerio.



Cuando él habla castellano,

mientras aprende el catalán,

da el alma a cambio de unas pocas pesetas.



No a cambio de la razón,

como el árabe o el negro

bajo el sol de Lille o Pigalle.



Una barraca a cambio de un alma,

un montón de tugurios a cambio de un montón de almas,

una lumbre prendida bajo el sol.



¡Sol de Cataluña!

¡Lumbre de Andalucía!

¡Garrote de Castilla!



Tierra de España,

¿a qué esperas bajo el sol

que no es nada más que sol?



Un viaje de mil horas

para encontrar un cementerio

y un puñado de barracas.



Es necesario venir a España

para ver el silencio

de un hombre que no es un hombre.


Fuente: Mientras Tanto

lunes, 18 de noviembre de 2019

ESTRENADO EN EL FESTIVAL DE CINE DE SEVILLA EL DOCUMENTAL "HELIOS GÓMEZ: TINTA Y MUNICIÓN", DE PILAR TÁVORA

HELIOS GÓMEZ: TINTA Y MUNICIÓN
Dirección: Pilar Távora
Guion: Pilar Távora
Fotografía: Marc Cuxart
Montaje: Pilar Távora
Sonido: Daniel de Sayas
Intérpretes: Juan Carlos Cabra
2019
60 min.

Sevillano, gitano e internacionalmente conocido y valorado como uno de los más importantes vanguardistas del arte político en los años treinta. Considerado el mejor dibujante revolucionario del Estado Español. Republicano, anarquista, poeta, soldado. Revolucionario, pintor, intelectual, fundador de la casa de Andalucía en Barcelona, perseguido y detenido continuamente a lo largo de su vida, coherente a sus ideas sociales y políticas hasta su muerte, con 51 años. Cartelista de la guerra, apasionado y persona singular. Esta es la fascinante historia de Helios Gómez.

domingo, 17 de noviembre de 2019

"EL CAMINO DE LA BANDERA ROJA", MURAL DE GERHARD BONDZIN EN EL PALACIO DE CULTURA DE DRESDEN


El camino de la bandera roja
Gerhard Bondzin
1969
Mural
Kulturpalast de Dresden

Trabajo de estilo soviético sobre derechos laborales del pintor y artista gráfico alemán Gerhard Bondzin.

Este increíble mural fue creado por el artista en 1969 y se puede encontrar en Dresde en la pared del Palacio de la Cultura, un teatro construido por el gobierno socialista.

El mural presenta el escudo estatal de la RDA y una estrella roja, junto con muchos temas socialistas comunes como los maestros, el poder de la clase trabajadora, los campesinos y el proletariado con hoces y martillos para simbolizar la fuerza y ​​la unidad.

Este mural es un patrimonio cultural estatal protegido desde 2001. Esto se debe al hecho de que Die Linke (partido sucesor del SED de la RDA) es bastante fuerte en Sachsen, lo que impide el vandalismo cultural e intelectual antiizquierdista cometido por la derecha en algunas partes de la sociedad alemana.

sábado, 16 de noviembre de 2019

"LA MEMORIA", DOCUMENTAL DE RT DEDICADO A RECUPERAR EL PAPEL HISTÓRICO DEL EJÉRCITO ROJO EN LA LIBERACIÓN DE EUROPA




‘Remembrance’ está dedicado a que el mundo conozca el gran sacrificio que hizo la URSS durante la Segunda Guerra Mundial y acusa a Europa de no tener en cuenta la importancia del legado soviético en la derrota de los nazis.

“La historia de cómo el Ejército Rojo salvó a Europa del nazismo se está borrando en los libros de historia occidentales y cada vez es más habitual retratar a los soldados rusos como opresores y ocupantes, en vez de mostrarlos como salvadores”, se dice en el nuevo documental de RT, titulado Remembrance (Recuerdo). Para respaldar esta afirmación el canal con financiación estatal destaca el caso de Polonia, donde la cámara baja del parlamento ha aprobado una ley para demoler las estatuas de la época soviética, lo que incluye los monumentos dedicados a los soldados del Ejército Rojo. La ley fue propuesta por el Instituto Polaco de Memoria Nacional y uno de sus profesores afirmó: “Puedo afirmar con seguridad que aquí el Ejército Rojo está considerado como un invasor que ocupó nuestras tierras”. En la misma línea, los guías polacos en el campo de concentración de Auschwitz no cuentan que los soldados rusos ayudaron a liberarlo, mientras afirman que la Segunda Guerra Mundial no solo empezó por Hitler sino también por Iósif Stalin.

Aunque no todo el mundo en Polonia está contento con esta nueva ley. “El pueblo polaco obtuvo su independencia y libertad del fascismo alemán gracias a la ayuda del Ejército soviético. Nosotros, la generación posterior a la guerra, no habríamos nacido... si Hitler hubiera ganado a Stalin”, afirma en el documental Tadeusz Kowalczyk, coronel en la reserva polaco.

“La gente olvida o no quiere recordar lo que Hitler tenía en mente para los eslavos. Se olvida sobre el Plan General del Este, según el cual solo iban a quedar tres millones de polacos vivos e iban a ser esclavizados por los nazis, mientras que los rusos iban a ser exterminados junto con los judíos”, explica Jerzy Tyc, director de la sociedad polaca KURSK, dedicada a la memoria histórica.

Peter Sixl, investigador de la sociedad Cruz Negra Austríaca, que se dedica a cuidar las tumbas de los soldados soviéticos, señala la dimensión humana de lo ocurrido hace 70 años. “Los soldados caídos, o aquellos que vivían en cautividad, también tenían madres y familias. No importa la nacionalidad o la religión, el sufrimiento de una madre siempre es igual”.

Estas cuestiones no se destacan en la mayoría de los libros de texto europeos. Del mismo modo que tampoco se suele mencionar el hecho de que en 1934 Polonia fuera el primer país europeo en firmar un pacto de no agresión con Hitler, el conocido como Pacto Pilsudski-Hitler.

Es más, también suele obviarse el hecho de que el Reino Unido y Francia firmaran el Acuerdo de Múnich con Hitler. Esta pacto permitió que Alemania, ayudada por Hungría y Polonia, se anexionara parte de Checoslovaquia en 1939, una agresión militar que puso en marcha la Segunda Guerra Mundial.

Tadeusz Kowalczyk afirma en el documental que “en 50 años los niños polacos pensarán que no fue el Ejército Rojo sino el estadounidense quien liberó Polonia”. Tal y como subrayan los autores, “pocos occidentales saben que, mientras las muertes de estadounidenses en Europa ascendieron a 300.000, la URSS sufrió unas 25 veces ese número. Es más, el Ejército Rojo mató cuatro veces más soldados alemanes que EE UU y sus aliados en el frente occidental”.

Fuente: Rusia Beyond

VER DOCUMENTAL (PARTE 1):



VER DOCUMENTAL (PARTE 2):




viernes, 15 de noviembre de 2019

SE PRESENTA EN SEVILLA EL LIBRO "VENEZUELA. MÁS ALLÁ DE MENTIRAS Y MITOS", DE ARANTXA TIRADO


Venezuela. Más allá de mentiras y mitos
Arantxa Tirado
Editorial Akal
ISBN: 978-84-460-4804-6
Fecha publicación: 11-11-2019
Páginas: 272
Precio: 18 €


Todos los días, por todos los medios de supuesta comunicación, tenemos un bombardeo incesante de noticias sobre Venezuela que nos presentan un panorama apocalíptico del país suramericano: «En Venezuela no hay comida, no hay pan, no hay luz, los hospitales no funcionan, se están muriendo de hambre, el país es un desastre…», «En Venezuela no hay democracia sino dictadura, se persigue a la oposición, cierran medios de comunicación, se tortura y reprime, los periodistas se exilian…». A la labor de los medios se une la versión de miles de venezolanos que viven fuera de su país y que contribuyen a una matriz de opinión que parece, cuando menos, exagerada. En estos tiempos paradójicos en los que mayor acumulación de noticias no significa estar más informado, Venezuela ejemplifica como ningún otro caso la muerte del periodismo. Un país que detenta las principales reservas de petróleo del mundo y que pasó a primera línea mediática sólo cuando decidió emprender una revolución. Un proceso de transformación social y política que ha sido deformado hasta la saciedad y usado como arma arrojadiza contra la izquierda mundial, la misma que calla para no ser salpicada por la experiencia política más demonizada de este siglo XXI. Este libro es un grito que rompe con rigor y valentía ese silencio, desmontando las mentiras, mitos y manipulaciones construidas en torno a la Revolución Bolivariana. Contar la verdad de Venezuela, un ejercicio imprescindible para hacer justicia al ejemplo del pueblo venezolano, pero también para entender qué implica en el actual momento histórico tratar de hacer una revolución.

jueves, 14 de noviembre de 2019

NORUEGA SE MOVILIZA PARA SALVAR LOS MURALES DE PICASSO


El gobernador provincial de Oslo, última instancia en el proceso administrativo, da luz verde a la demolición, aunque pide al Gobierno que reconsidere su decisión

El 22 de julio de 2011, Anders Behring Breivik cometió un doble atentado: primero hizo estallar una bomba en el complejo de Oslo y luego en el campamento de las Juventudes Laboristas en la isla de Utøya, causando en total 77 muertes.

El artefacto explosivo dañó gravemente un complejo gubernamental con murales de Pablo Picasso. El edificio central y el «Bloque Y» contienen cinco murales fruto de la colaboración entre Picasso, autor de los diseños, y el noruego Carl Nesjar, hechos con la técnica de chorro de arena y considerados los primeros de carácter monumental ideados por el artista español.

El Gobierno quería derribar toda la edificación pero, tras fuertes críticas de varios organismos, anunció hace cinco años el proyecto definitivo, que incluye preservar el edificio central y demoler el «Bloque Y», que fue propuesto meses antes para la lista de patrimonio nacional.

El Ayuntamiento de Oslo dio luz verde al proyecto en julio, pero faltaban por resolver las reclamaciones presentadas por colegios de arquitectos y grupos de conservación del patrimonio al gobernador antes de iniciar la demolición y el traslado de los murales.

Ahora, el gobernador provincial de Oslo, última instancia en el proceso administrativo, ha pedido hoy al Gobierno reconsiderar el derribo. «A pesar de que ahora hay una decisión jurídica final que permite el derribo, lamentaría mucho una rápida e irreparable implementación de la misma sin que el ministerio o el gobierno haga un nuevo análisis de las sólidas objeciones», consta en el texto.

El fallo al que hace referencia rechaza las quejas sobre un deficiente estudio del impacto medioambiental y la invalidez del plan porque el derribo se ajusta a la normativa y el gobernador no tiene autoridad para anular un proyecto estatal, aunque ha pedido estudiar de nuevo el caso.

El dictamen alude a la oposición de las oficinas de defensa del patrimonio de Noruega y Oslo, colegios de arquitectos, la comisión noruega para la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco); el Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS) y Europa Nostra.

«Estoy contenta de que el gobernador confirme que el derribo es válido y que ahora podamos seguir con el plan de construir un nuevo complejo abierto, seguro y verde», ha señalado la ministra de Administración Local, Monica Mæland, quien rechazó que haya argumentos nuevos para hacer otro estudio.
Una «tragedia»

Colectivos culturales noruegos califican el derribo de «tragedia» y como la «pérdida» más grande para la cultura noruega desde 1945, alertan del riesgo de daño de los murales y se muestran críticos con la decisión de almacenarlos cinco años en cajas cerradas hasta que sean colocados en alguno de los nuevos edificios del complejo.

«Son un ejemplo de arte integrado. El arte está integrado en la ciudad, es una parte de nuestra cultura. Cuando arte y arquitectura se separan dejan de ser lo que eran», explicaba a Efe meses atrás Kristin Notø, de la Oficina de Patrimonio de Oslo.

Para intentar preservarlo, Notø, junto a Maria Zachariassen, comenzaron una serie de sentadas semanales frente al edificio que cada vez tiene mayor número de seguidores. Además, han creado una petición en change.org apoyada por un grupo de Facebook, denominado «Acción de apoyo para preservar el bloque Y», así como diferente «merchandising», como bolsas y pines.

Fuente: ABC

miércoles, 13 de noviembre de 2019

EXPOSICIÓN "EL EXILIO REPUBLICANO DE 1939, OCHENTA AÑOS DESPUÉS" EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA



1939, tiempo de exilio

La caída de Barcelona el 26 de enero de 1939 precipitó la Retirada y entre finales de enero y el mes de febrero de aquel gélido invierno aproximadamente medio millón de españoles de todas las clases sociales y edades, desarmados y ligeros de equipaje, atravesaron la frontera francesa. La Biblioteca Nacional de España recuerda aquella hecatombe y de cómo de las cenizas resurgió la cultura con la exposición El exilio republicano de 1939, ochenta años después.

Para la mayoría, la primera experiencia de su exilio fue la de los espantosos campos de concentración, ArBgelès-sur-Mer, Saint Cyprien, Barcarès, entre otros. Unos campos que fueron escenario de patéticas escenas, pero también la primera ocasión para evidenciar la vinculación del proyecto republicano con la cultura, tal y como demuestran las actividades y publicaciones de todo tipo que se desarrollaron durante aquella inhumana experiencia.

Los artistas, escritores e intelectuales internos en estos campos franceses preferían, por razones obvias de lengua y cultura, exiliarse en América, convencidos de que allí podrían encontrar un medio profesional más propicio para trabajar en editoriales, colaborar en periódicos y revistas, publicar sus libros, integrarse en sus universidades, obtener unos mínimos ingresos y poder rehacer así sus vidas. Otros terminaron por convertir Francia en su residencia definitiva a las puertas de la Segunda Guerra Mundial.

Desde el Veendam al Winnipeg, desde el Sinaia al Ipanema, al Masssilia o al Mexique, un gran número de exiliados y entre ellos la mayoría de nuestros mejores artistas, escritores e intelectuales viajaron a América a lo largo de 1939 en esos míticos barcos. Como afirman los comisarios de esta muestra, Manuel Aznar Soler y José-Ramón López, “en este punto es de estricta justicia resaltar la solidaria, inteligente y generosa política de acogida que impulsó el general Lázaro Cárdenas al abrirles las puertas de México a muchos de ellos, aunque nuestro exilio intelectual republicano se dispersó por todo el continente americano, desde los Estados Unidos a la Argentina”.
Nuevas instituciones

Instalados en sus distintos países de acogida y creadas nuevas instituciones como la Junta de Cultura Española, fundada en París el 13 de marzo de 1939, aquellos intelectuales pudieron publicar durante aquel mismo año sus primeros libros, editar sus primeras revistas, exponer sus primeros cuadros o dar sus primeros cursos en universidades. En este sentido, la contribución de nuestro exilio al desarrollo cultural de los países de acogida es una realidad innegable, hoy ampliamente reconocida por las sociedades que los acogieron.

Aquel año de 1939 fue el primero de un exilio que se prolongó políticamente hasta 1977, hasta la promulgación de la actual Constitución. Con ella se establecía por fin una democracia, en defensa de la cual habían luchado durante tres años, en guerra contra el fascismo internacional, aquellos republicanos vencidos.

Porque el 1 de abril de 1939 no llegó la paz sino la victoria, es decir, la feroz represión. 1939, en suma, se convirtió en el año tanto de la derrota y del exilio como de la necesidad de rehacer, mantener y difundir desde el primer instante el plural y enriquecedor legado de la cultura política republicana.

Esta exposición pretende reconstruir la actividad cultural desarrollada a lo largo de aquel año de 1939 por el exilio en las cuatro lenguas de nuestra República literaria: español, catalán, gallego y vasco. Sin distinción de clases sociales, de género o de lenguas, la muestra quiere ser también un homenaje a la memoria de todos nuestros exiliados de 1939 ochenta años después.

En torno a la exposición

• 13 de noviembre, miércoles, 19 h. – MESA REDONDA
Mesa redonda Nacionalidades y culturas del exilio republicano de 1939. Participan: José Ramón López García, María Campillo, Josu Chueca y Jorge de Hoyos Puente. Salón de actos – Planta 0. Entrada libre hasta completar aforo.

• 20 de noviembre, miércoles, 19 h. – MESA REDONDA
Mesa redonda Arte, filosofía y literatura en el exilio republicano de 1939. Participan: Manuel Aznar, Miguel Cabañas Bravo, Antolín Sanchez-Cuervo, Alicia Alted y Juan Manuel Bonet. Salón de actos – Planta 0. Entrada libre hasta completar aforo.

• 21 de noviembre, jueves , 19 h. – CONVERSACIÓN
Conversación Novela en el exilio. Almudena Grandes y Francisco Caudet. Salón de actos – Planta 0. Entrada libre hasta completar aforo.

• 10 de diciembre, martes, 19 h. – MESA REDONDA
Mesa redonda Las que se fueron, sobre las mujeres en el exilio. Moderada por Mª Ángeles Cabré con la participación de Mercedes Gómez Blesa y José Luis Ferris. Salón de actos – Planta 0. Entrada libre hasta completar aforo.

• 12 de diciembre, jueves, 19 h. – PROYECCION Y DEBATE
Proyección del documental Y yo entonces me llevé un tapón. Memoria compartida en El balcón vacío, dirigido por Alicia Alted, Maria Dolores Fernández y María Luisa Capella. Seguida de un debate con la participación de Alicia Alted, María Dolores Fernández y Jorge F. Fernández, ministro para Asuntos Culturales de la Embajada de México en España. Salón de actos – Planta 0. Entrada libres hasta completa aforo.

– Actividades didácticas:
Taller escolar (Sala Polivalente): Destinado a alumnos de ESO y Bachillerato. “Tiempo de exilio”: 10, 11 y 12 diciembre; 27, 28, 29, 30 y 31 enero a las 10.15-12.00 h.

Fuente: hoyesarte

martes, 12 de noviembre de 2019

ESTRENADO EN EL FESTIVAL DE CINE DE SEVILLA EL DOCUMENTAL "MENESE", SOBRE EL CANTAOR COMUNISTA

Menese
Director Remedios Malvárez, José Romero Portillo
Protagonistas: Jose Menese, Rocio Marquez, Raul Rodriguez, Rosario La Tremendita, Laura Vital.
Guionista(s): Remedios Malvárez, José Romero Portillo
80 min.
2019

Este completo y cercano retrato del cantaor José Menese –ortodoxo en el cante y revolucionario en la palabra y en los actos– traza de forma reveladora su compleja personalidad y su simbiosis artística con el poeta Francisco Moreno Galván.

A menudo le llamaban “el último ortodoxo”. Y a él ya le parecía bien. También le llamaban “rojo”. Y él agarraba fuerte su carné del Partido Comunista, incluso con la Guardia Civil alejándolo del escenario metralleta en mano. Como demuestra este sólido y poético documental, el cantaor de La Puebla de Cazalla (Sevilla) José Menese era un artista firmemente tradicionalista en el cante, de los de soleás y seguiriyas por derecho, y profundamente revolucionario en el mensaje. El metraje se reparte entre viejas entrevistas y actuaciones suyas para la televisión, el testimonio actual de su viuda y dos de sus hijos, y genuinas tertulias sobre flamenco en su querido Bar Central de La Puebla. La misma taberna en la que el poeta Francisco Moreno Galván vio en él la voz con la que podría plasmar su visión del flamenco. El ‘pintaor’ Patricio Hidalgo describe su binomio artístico y su relación casi paternofilial en términos pictóricos: Menese ponía el trazo puro, casi abstracto, de su voz; Moreno Galván aportaba lo figurativo, la palabra, las portadas. En una mesa del Central, cantaores como Calixto Sánchez o Manuel Gerena y aficionados que son un pozo de sabiduría flamenca evocan el arte de Menese: libertad, pureza, justicia, poesía socialmente comprometida, fraternidad con obreros y jornaleros, y un amor por Andalucía que huía de tópicos. El documental cuenta también con animaciones pictóricas de su cante desgarrado así como actuaciones ex profeso en las que cantantes como Rosario “La Tremendita”, Rocío Márquez o Laura Vital hacen suyos clásicos del repertorio de Menese. El repaso biográfico incluye hitos como su actuación en el teatro Olympia de París o en la sede de la ONU, pero más importante aún es el retrato personal que no elude aspectos controvertidos: Menese podía ser intenso, infantil y también iracundo, valiente, sufridor. Pero sobre todo cantaba y vivía de la única manera que podía cantar y sentir.

lunes, 11 de noviembre de 2019

"DIARIOS DEL EXILIO", DOCUMENTAL DE FILMOTECA ESPAÑOLA SOBRE LOS EXILIADOS DEL FRANQUISMO



LA ESPAÑA QUE SE RODÓ EN EL EXILIO

Filmoteca Española estrena un documental de creación realizado con una docena de vídeos familiares de republicanos desterrados tras la Guerra Civil


Niños con puños en alto y rostros inflamados de orgullo y miedo, desfiles en México con banderas mexicanas y de la República española, Pasionaria bajando en trineo por una ladera nevada, el lehendakari José Antonio Aguirre trabajando, el presidente de la Generalitat Lluís Companys tumbado en un sofá en su exilio francés, el entierro de Largo Caballero en el cementerio parisiense de Père Lachaise en 1946, una paella cocinada en un campo invernal... Esa España existió, y vivió en los cinco continentes, mientras el dictador Francisco Franco se enrocaba en la España geográfica. De aquel exilio republicano quedan numerosas grabaciones caseras, y con ellas la cineasta e investigadora fílmica Irene Gutiérrez ha realizado el documental de creación Diarios del exilio, promovido por Filmoteca Española. 

Diarios del exilio, mediometraje de 40 minutos, no levanta acta de aquel exilio ni realiza una exploración histórica al uso. Gutiérrez ha utilizado el material para sumergir al espectador en una atmósfera de “no lugar”, remarcada por la banda sonora de Cristóbal Fernández (montador de las películas de Oliver Laxe y codirector de Mudar la piel), una España que vivió luchando por las libertades y porque no fuera olvidada. “De todo el material disponible”, recuerda la cineasta, “al final hemos usado una docena de colecciones, datadas entre 1937 a 1977, buscando un equilibrio entre los actos políticos, oficiales, con la vida diaria de aquellos exiliados”.

Entierro en 1946, en el cementerio parisiense de Père Lachaise, de Francisco Largo Caballero, ex presidente de Gobierno de la República.
Entierro en 1946, en el cementerio parisiense de Père Lachaise, de Francisco Largo Caballero, ex presidente de Gobierno de la República.
El proyecto forma parte del recorrido cinematográfico que Filmoteca Española ha dedicado al exilio, y es la segunda película surgida de un anhelo de Josetxo Cerdán, su director: poner en valor el cine rodado por aficionados. “En Filmoteca Española albergamos bastantes filmes de este formato, pero hay que reconocer aquí la labor de conservación de las cinematecas autonómicas, que han luchado por cuidar sus materiales”. El año pasado se estrenó Vestigios en Super-8: una crónica ‘amateur’ de los años del cambio, de Elena Oroz y Xose Prieto, que retrataba la Transición con imágenes de películas caseras. “La idea”, apunta Cerdán, “es que cada año estrenemos una de estas películas, porque hay multitud de temáticas en las que podrían agruparse como —y son algunos ejemplos— el realizado por directoras o de los primeros cineaficionados de los años 20”. En esta ocasión, han colaborado las filmotecas de Andalucía, Cataluña, Valencia, Canarias, Navarra, Vasca y la Cineteca Nacional de México, y cuenta con el apoyo de RTVE, el Archivo Histórico del PCE, las fundaciones Pablo Iglesias e Indalecio Prieto, además de varias Universidades. “Habrá una segunda proyección del filme en diciembre o enero en Madrid, y luego se podrá ver en todas las instituciones que han aportado su material y su esfuerzo al proyecto”, explica Cerdán. “Esperamos convertir esta iniciativa en un impulso participativo de todos los archivos, dando libertad al creador que encabece la película”. Como resumen, el responsable de la Filmoteca apunta: “Hay otras tradiciones en el cine español, más allá del realizado de forma oficial en el franquismo. Acabamos de digitalizar ocho horas del imágenes personales de Pasionaria, y eso también es cine español. Arroja luz sobre cosas que no se nos han contado”.

Inclusión en un nuevo mundo

Para Cerdán y Gutiérrez, la pregunta clave es: ¿cómo pesa la historia de estos exiliados, su arraigo o desarraigo, y su inclusión en su nuevo contexto? Así aparecen en pantalla un viaje en coche hasta Chichén Itzá (México) de la familia del diseñador catalán Avel·lí Artís-Gener, o fragmentos del día a día en París y Moscú del matrimonio formado por el traductor Arnaldo Azzati y la profesora republicana valenciana Alejandra Soler. Gutiérrez se confiesa hipnotizada por las imágenes de Dolores Ibárruri, Pasionaria, “330 minutos que dan para hacer algo más largo, porque atraviesan cuatro décadas de inmenso recorrido vital”.

“Todos se sienten parte de un lugar, un saber, una unidad emocional, es decir, de los rasgos que componen una identidad”, subraya la cineasta. Y reconoce que algunas imágenes, como las pertenecientes al archivo de Richard Leacock —que se conserva en Canarias—, “no aparecen, aunque son bellísimas, porque no encajan, salvo un fragmento en Yugoslavia, que viene a cuento en la secuencia de la gran paranoia histórica del mundo que ya no existe”. Con el sonido se subraya, mediante un discurso en francés en Montreal o de una arenga de Fidel Castro, la españolidad de esos exiliados, o a través de las conversaciones en una emisora policial, la restricción de libertades que aún existía en la España de 1976. En pantalla la vida salta del entierro del lehendakari Aguirre en San Juan de Luz en 1960, a Joan Baez visitando y cantando para Pasionaria, a Santiago Carrillo jugando en un día invernal, a un partido de fútbol entre exiliados, a un acto en 1963 en repulsa por el fusilamiento del político comunista Julián Grimau, a la visita ese mismo año de Pasionaria a La Habana, donde la recibe Fidel Castro, y a imágenes grabadas en China. Incluso se ve a un cineaficionado filmando al filmador.

Diarios del exilio acaba con Ibárruri visitando Córdoba, a la vuelta de su exilio, en 1977. Emocionada, besa a quienes la reciben. Su rostro se difumina en pantalla; por suerte, alguien la estaba grabando.

Fuente: El País



Talgo en el que Pasionaria llega a Córdoba en 1977. 
Talgo en el que Pasionaria llega a Córdoba en 1977.

domingo, 10 de noviembre de 2019

"DECLARACIÓN DE LA REPÚBLICA", DE VILSON KILICA


Declaración de la República
Vilson Kilica
300 x 201 cm
Oleo sobre lienzo
1982-83
Galería Nacional de Arte de Albania (Tirana)

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial y de la ocupación alemana, Albania pasó a ser gobernada por un régimen controlado por los partisanos locales, dirigidos por Enver Hoxha y Koçi Xoxe. El Consejo Antifascista de Liberación Nacional asumió el gobierno provisional, por lo que Hoxha se convertía en el primer ministro interino. Éste implantó de inmediato una economía centralizada por la cual se nacionalizaron las minas, los bancos y las empresas extranjeras, a través de un control estatal sobre la producción y el desarrollo de la industrialización.​ La reforma agraria, el plan más importante por el carácter rural de Albania, se completó en agosto de 1945 y arrebataría la mayoría de tierras agrícolas a las familias terratenientes para entregárselas al pequeño campesinado en pequeñas parcelas, un modelo similar al koljós soviético.

El 2 de diciembre de 1945 se celebraron elecciones constituyentes, donde el Frente Democrático de Albania (dominado por el Partido del Trabajo de Albania, PPSH) obtuvo el 92% de los votos como única candidatura.​ El 11 de enero de 1946 se produjo la proclamación definitiva de la República Popular de Albania, aboliendo el anterior régimen monárquico e instaurando un estado socialista basado en el ejemplo de la vecina República Federativa de Yugoslavia. Hoxha mantuvo tanto el cargo de primer secretario del PKSH como el de primer ministro.

sábado, 9 de noviembre de 2019

"EVENING LAND", DE PETER WATKINS

Título original: Aftenlandet
Año: 1977
Duración: 109 min.
País: Dinamarca
Dirección: Peter Watkins
Guión: Carsten Clante, Poul Martinsen, Peter Watkins
Música: Anders Koppel
Fotografía: Joan Churchill, Fritz Schrøder
Reparto: Bent Andersen, Kai Schøning Andersen, Mogens Andersen, Oluf Andersen, Patricia Bay Andersen, Steen Andersen


Peter Watkins director de la película de culto "El juego de la guerra", elabora este falso documental rodeado por la polémica y la controversia en un periodo de intensos debates y crispación política. 109 minutos de mentiras que sirven para poner sobre la mesa problemáticas reales. Es sorprendente que, a pesar de que han pasado 40 años desde su estreno, su vigencia continúa muy presente hoy en día.

Evening Land muestra acontecimientos "ficticios" en la Europa de 1970, comenzando con una huelga en un astillero de Copenhague causada por la construcción de cuatro submarinos para el ejército francés. La dirección no solo ha propuesto una congelación salarial para asegurar el contrato, sino que se descubre que los submarinos deben estar equipados con misiles nucleares. Al mismo tiempo, tiene lugar una cumbre de ministros de la Comunidad Económica Europea en Copenhague, y un grupo de manifestantes radicales secuestran al ministro danés en protesta por la producción de submarinos nucleares y en apoyo de las demandas de los huelguistas.

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:

https://zoowoman.website/wp/movies/aftenlandet/

viernes, 8 de noviembre de 2019

UNA HORA DE MÚSICA DE LA REVOLUCIÓN RUSA, EN SU 102 ANIVERSARIO



Vídeo de una hora con canciones que se cantaron durante o sobre la Revolución de Octubre y la Guerra Civil Rusa.

0:00 La Internacional
3:54 Marsellesa de trabajadores
7:12 Varshavianka
10:54 Tierras de pradera
14:03 Despedida (los bolcheviques salen de casa)
16:11 Marcha de Budyonny (Somos la Caballería Roja)
18:15 Allí, más allá del río
21:39 Canción sobre Shchors
24:20 Valientes, camaradas, en el paso
26:24 Kakhovka
28:20 Joven Guardia (adelante para conocer el amanecer)
31:20 Aguilucho
35:01 Valientemente vamos a la batalla
38:56 Tachanka
41:03 Yablochko (Pequeña Manzana)
43:41 Somos herreros
45:29 Nuestro héroe Chapaev en Campaña en los Urales
46:43 Adelante, Armada Roja
49:57 Nuestra locomotora
52:00 Echelon (Canción sobre Voroshilov)
55:04 Aadelante, amigos
58:15 Has caído víctima
1:02:04 Ejército blanco, Barón negro (El ejército rojo es el más fuerte)

jueves, 7 de noviembre de 2019

"SORRY WE MISSED YOU", LA ÚLTIMA PELÍCULA DE KEN LOACH ESTRENADA EN ESPAÑA

SORRY WE MISSED YOU
Dirección: Ken Loach.
Intérpretes: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone, Katie Proctor.
Género: drama. Reino Unido, 2019.
Duración: 101 minutos.


La visceralidad de Loach, su perpetua intención (¡y derecho!) de querer cambiar el mundo, aparecen aquí con emocionante ternura

La conciencia cultural contemporánea le debe mucho a Ken Loach, pese a sus puntuales, y a veces incluso reiterados, síntomas de maniqueísmo. Más de 50 años, que se dice pronto, golpeando el pensamiento social y político de la ciudadanía de la Europa Occidental, desde la maravillosa Poor Cow, su primer largometraje, un cañón de emociones, de 1967, y hasta la presente Sorry We Missed You. 26 películas después, junto a un puñado de obras para la televisión y algunos productos compartidos, el director inglés sigue en pie de guerra a los 83 años. Esta vez con una de sus mejores películas del siglo XXI, quizá la más sólida desde Mi nombre es Joe (1998).

Los personajes de Loach siempre son náufragos a punto de ahogarse y el espectador lo sabe. Aun así, su natural huida hacia delante, hacia el muro de la adversidad, (casi) siempre es la más humana, la de los supervivientes que un mal día pueden no serlo más. Esta vez en la tormenta de la nueva economía colaborativa, eufemismo que esconde los más sangrantes subterfugios del capitalismo salvaje, donde ciertas empresas y mandos tratan a los trabajadores como aquellos capataces de los señores del latifundio: “Fuera hace mucho frío”. Pero quizá dentro haga mucho más. Son los nuevos caciques, unos entes mucho más difíciles de trazar y definir.

Un padre de familia de clase obrera, en el universo de los falsos autónomos con un trabajo y un horario fijo, extenuante. Una madre que cuida ancianos y enfermos. De sol a sol, y no es el siglo XIX sino el XXI. Alejándose de sus obras más enfatizadas en la dicotomía entre el bien y el mal, esta vez la pareja artística formada por Loach y Paul Laverty, su habitual guionista, ha compuesto un retrato de personajes admirable donde cada cual encuentra a lo largo del relato un camino hacia la defensa de sus actitudes. Unos, claro, más férrea que otros, y siempre hay aristas. Son las flaquezas del ser humano, es la desesperación social ante la pérdida de derechos sociales y laborales históricamente conquistados.

La visceralidad de Loach, su perpetua intención (¡y derecho!) de querer cambiar el mundo, aparecen aquí con emocionante ternura, expuestas por un grupo de admirables intérpretes desconocidos. Llega incluso con momentos de humor, desengrasante, con el fútbol como protagonista, esta vez de texto y no de imagen, y una jugada de Sergio Agüero encontrando el lugar que en Mi nombre es Joe ocuparon las camisetas de Brasil. El guion de Laverty logra incluso sus coherentes giros dramáticos, al borde del melodrama, hasta un final con un plano y una situación que expresan en una sola persona lo que le ocurre a un colectivo demasiado grande.

Mientras, en lo formal, a veces se nos olvida lo bien que filma Loach. Ya desde sus inicios, desde su forja en los docudramas para la BBC y sus primeros largometrajes. Con esa naturalidad para encuadrar en un mismo plano la atormentada existencia de varias personas, para mover la cámara al son de las emociones sin que apenas se note, sin tomas en el cogote, sin temblores ni falsa autenticidad.

En un mundo donde a un autónomo le está prohibido enfermar, el desastre está a la vuelta de la esquina. Y no se trata de que Loach abuse del miserabilismo o fuerce la tragedia. Se trata de retratar una realidad a veces esquiva, que no acabamos de vislumbrar porque estamos demasiado ocupados trabajando.

Crítica de Javier Ocaña (Fuente: El País)

El cineasta británico vuelve a la carga con la denuncia del trabajo precario y el desmoronamiento social con ‘Sorry We Missed You’

Amable en extremo, la elegancia y suavidad de Ken Loach contrasta con la firmeza en la defensa implacable de los derechos de la clase trabajadora y en la mirada siempre emocionada sobre la gente anónima. En su cine no hay huecos ni concesiones que valgan. A sus 83 años, el director vuelve a la carga con Sorry We Missed You, un filme que relata el agotador y difícil día a día de una familia, madre cuidadora de enfermos, padre repartidor autónomo y dos hijos adolescentes, que intenta sobrevivir en la jungla del libre mercado. Su presentación en el último festival de Cannes provocó un profundo estremecimiento, el mismo que cuando se proyectó en el certamen de San Sebastián, donde consiguió el Premio del Público a la mejor película europea. Sorry We Missed You, escrito de nuevo con su mano derecha, el guionista Paul Laverty, se estrenó este jueves en las salas españolas. A pesar de todo lo que muestra su cine —Lloviendo piedras, Mi nombre es Joe o Yo, Daniel Blake, su segunda Palma de Oro— no es Ken Loach un hombre pesimista. Cree en la fuerza de los pueblos y en el futuro de la izquierda. “Los pueblos siempre resistirán. Siempre habrá alguien que luche”, aseguraba el cineasta en una entrevista realizada en septiembre en San Sebastián.

Sorry We Missed You pone la mirada sobre los repartidores autónomos sometidos a unas draconianas normas que imponen las plataformas de comercio electrónico. No quiere su director hablar de esclavitud —“la palabra esclavo tiene otras connotaciones”—, pero sí de nuevas y atroces formas de explotación, consecuencia de la economía de libre mercado. “Hace tan solo una generación tenías un trabajo y los empresarios obtenían beneficios, desde luego, pero era un trabajo seguro, podías recurrir a los sindicatos, podías ponerte enfermo porque estabas protegido, te podías ir de vacaciones y trabajabas unas ocho horas al día. Tu sueldo te permitía vivir de una manera digna. Lo que ha ocurrido, de forma inevitable en una economía de libre mercado, es que las grandes corporaciones compiten entre sí para vender sus mercancías y compiten con los precios. ¿Cómo conseguir que el precio sea más barato que el de la competencia? Muy simple, pagando menos a los trabajadores”, reflexiona. El inglés, nacido en Nuneaton, no cree que la Red por sí misma haya contribuido a esta nefasta situación: “Internet es una herramienta de conocimiento neutro y eso es un gran avance, pero si se usa para controlar a los empleados, como se ve en la película, es un desastre para el trabajador. No es un problema de la ciencia, sino de quién controla esa ciencia, de los propietarios de la tecnología”.Aunque no da por acabado el Estado del bienestar en Europa, se enardece, siempre de forma tranquila aunque decidida, ante la falta de recursos públicos para las clases populares y cómo a las empresas privadas les están facilitando el camino para hacerse cargo de unos servicios que deberían de correr a cargo del Estado. “Hay dos motivos para la esperanza. El primero es que los pueblos siempre resistirán y alguien siempre luchará. Lo segundo es que vivimos en un sistema que no puede continuar más tiempo. Por ejemplo, si uno piensa en el trabajo de los repartidores que utilizan gasolina para su trabajo cuando el petróleo tiene los días contados. Estamos destruyendo los pequeños comercios en los centros de los pueblos y ciudades, pidiendo y comprando todo por Amazon. ¿Queremos seguir así?”.

Rechaza Ken Loach referirse a su cine en singular y habla con pasión de todas las historias maravillosas que uno va conociendo. “Tengo que hablar en plural porque yo siempre trabajo con Paul Laverty. Somos un equipo y por eso no me gusta hablar solo de mí. La gente que uno va conociendo en la vida es la que nos sirve de inspiración. Mires por donde mires, hay tantas historias que contar, y lo más maravilloso es poder contarlas. Durante la preparación de esta película, conocimos a mujeres que cuidaban a personas mayores con una generosidad y cariño muy por encima de lo que les pagaban”.

Y, cómo no, sale en la conversación el Brexit. “El Brexit es absurdo porque los grandes problemas de la gente como es la precariedad en el trabajo, la pobreza, la inseguridad, los sin techo o los servicios públicos colapsados no los va a solucionar. El Brexit es una distracción para no hacer frente a los grandes problemas del Reino Unido. Es un conflicto entre los dos bandos de la derecha, unos que creen necesitar del mercado europeo y los más extremos que quieren salir de la Unión Europea para pagar menos impuestos y abrir el mercado a Estados Unidos”.

De triunfar el Brexit duro, Ken Loach augura un todavía más desaforado capitalismo en su país. “Si dejamos la Unión Europea y los tories están el poder, el Reino Unido se convertirá en un gran mercado de trabajo barato, sin ningún tipo de regulación, que atraerá inversiones extranjeras hacia los servicios públicos. Es realmente preocupante. El sistema sanitario podría caer en manos de grandes compañías estadounidenses. Ese es mi mayor miedo”.

A pesar de todo, el director confía en la izquierda de su país. Dice que es un ejemplo para Europa. “La izquierda británica es fuerte y está unida, con un líder, Jeremy Corbyn, totalmente opuesto a lo que fue Tony Blair, por su apoyo al sindicalismo y a las inversiones públicas, además de que planta cara al problema del medio ambiente”. Por primera vez en su vida, confiesa que puede decir bien alto y con orgullo: “Seguid el ejemplo de Gran Bretaña. Hemos conseguido erradicar las divisiones de la izquierda desde que Corbyn está en el poder. Por fin tienen la oportunidad de alcanzar el poder. Nunca pensé que podría decir esto. Hay que abandonar los egos, aceptar las diferencias y aprender de Lenin, cuyo lema era "Tierra, pan y paz'”.

Fuente: El País



miércoles, 6 de noviembre de 2019

DESCUBIERTO UN POEMA INÉDITO DE MIGUEL HERNÁNDEZ

Instituto de Estudios Giennenses. Legado de Miguel Hernández

El texto, hallado por el investigador Francisco Escudero, está escrito en una hoja con membrete de las Juventudes Socialistas Unificadas de Elche

"Y nos peleamos por un hueso" es el comienzo de un poema inédito de Miguel Hernández que ha descubierto el periodista, investigador y gestor cultural, Francisco Escudero.

Texto inédito de Miguel Hernández

"Y nos peleamos por un hueso, cuando nosotros nos lamentamos más como animales carniceros, cuando los submarinos se sumergen siniestros [ ilegible] y mueren encendiendo la mecha, la sonrisa, la muerte y el cigarro, prisa de pies descalzos, descalzos los pies para pisar la tierra de la sangre, orgullosos de caer sin cadenas».

"España está en un pozo, la han tirado a un pozo. Estos hombres que antes de entregarse al verdugo prefieren enterrarse por sus manos, echarse los puñados de la arena en la boca. La arena tiene sed, la sangre se reseca, y mientras nuestros labios se abren blandos de peticiones y lamentos, apretarán la boca como una piedra brava, apretarán la vida como un siglo de puños cerrados y esprimidos llenos de espuma y lava [...] Escoged la piedra para grabar sus nombres, su eternidad, su vida, su [ ilegible] . Escoged bien la mano y el cincel que la ataque hasta volverla carne de siglos y hermosura, puñados decisivos en piedra definitiva".

Este 30 de octubre, día en que conmemoramos el 109 aniversario del nacimiento del universal poeta oriolano, seguimos contemplando como su obra literaria sigue sorprendiéndonos con hallazgos como este que, de forma casual, se encontró Escudero mientras recopilaba información en el legado de Miguel Hernández depositado en la Diputación de Jaén de la que fue gestor cultural.

Se trata del borrador de un poema en el que hay muchos tachones . Es un texto "muy trabajado" sobre un papel con el membrete del comité provincial de Juventudes Socialistas con sede Elche , según explica Escudero, y es que Miguel Hernández escribía en "cualquier soporte de papel y con membrete de aquellos sitios con los que tenía alguna relación o colaboración", en definitiva, "lo que tenía a mano". Un hábito que en este caso no desvela la fecha del poema.

Miguel Hernández tuvo relación con Juventudes Socialistas de Orihuela pero a una edad muy temprana, en junio del 31, recién proclamada la II República Española , y este poema no es de ese año, sino que "con casi toda seguridad es de una etapa muy avanzada de la Guerra Civil". Se nota en el contenido del escrito, en la crudeza del texto, es trágico y retrata los horrores de la guerra, describe el investigador. El poema está más relacionado en el contexto del poemario 'El hombre acecha' (1938-1939) que con 'Vientos del pueblo' (1937) de tono distinto, indica Escudero.

Miguel Hernández tuvo en sus años literarios una capacidad de trabajo "extraordinaria" y en los 5.400 registros que conforman el legado del poeta puede aparecer "cualquier cosa", así como fuera del mismo porque el poeta fue entrevistado muchas veces cuando viajó en 1937 a la antigua URSS al formar parte de la delegación cultural española para acudir al Festival de Teatro Soviético. El aparato de propaganda soviético era enorme y Miguel Hernández fue "grabado y fotografiado, así que tiene que haber algún documento casi seguro" en vídeo.

Fuente: https://cadenaser.com/emisora/2019/10/30/radio_alicante/1572440734_764120.html?sma=newsEditorialSER_generico20191030

martes, 5 de noviembre de 2019

SE ESTRENA "LA TRINCHERA INFINITA", MAGNÍFICO RETRATO DE UNA POSGUERRA ASFIXIANTE

Título original: La trinchera infinita
Año: 2019
Duración: 147 min.
País: España
Dirección: Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga
Guión: Luiso Berdejo, José Mari Goenaga
Música: Pascal Gaigne
Fotografía: Javier Agirre Erauso
Reparto: Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios, José María del Castillo, Carlos Bernardino
Sinopsis: Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando estalla la Guerra Civil, y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con ayuda de su mujer, decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro, les condenará a un encierro que se prolongará durante más de 30 años.

La trinchera infinita narra la historia de Higinio, uno de los llamados 'topos' de la posguerra: personas que vivieron escondidas en zulos durante años por miedo a las represalias del régimen franquista


Hace menos de una década, 30 años de oscuridad abordó con firmeza un pedazo estremecedor de la historia de nuestro país: la vida de Manuel Cortés -interpretado mediante animación por Juan Diego-. Cortés había sido alcalde de la localidad malagueña de Mijas durante la Segunda República y tras la Guerra Civil, y le buscaban para fusilarlo. Así que pensó en abrir un hueco en una pared de su casa donde pudiera esconderse de miradas ajenas.

Pasó allí 30 años hasta que vio la luz del sol en marzo de 1969, año en el que la dictadura franquista promulgó un decreto según el cual prescribían todos los presuntos delitos cometidos antes del fin de la guerra.

La historia real inspiró a los realizadores vascos Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga, responsables de Handia y Loreak. De hecho, tanto aquel documental animado dirigido por Manuel H. Martín, como el libro primorosamente documentado Los Topos de Jesús Torbado y Manu Leguineche, se podrían considerar antecedentes directos de lo que es La trinchera infinita. Un drama sólido, magníficamente construido, que nos enfrenta a fantasmas del pasado que aún pululan en nuestra sociedad.

La trinchera infinita narra la historia de un matrimonio joven, casado pocos meses antes de que estalle la Guerra Civil. Higinio y Rosa viven en un pequeño pueblo andaluz que se convierte en un gran infierno cuando arrestan al hombre por haber sido concejal republicano. Tras conseguir zafarse de sus captores, Higinio vuelve a casa y se esconde en un pequeño hueco cavado bajo unas tinajas de aceite en la cocina. Lo que empieza siendo un escondite temporal termina siendo un zulo en el que vivirá 30 años.

Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga abordan La trinchera infinita con un completo rigor narrativo: como un retrato de intimidad en el que se dirimen, sin embargo, los grandes conflictos sociopolíticos de la España de posguerra. En las carnes y las vivencias de Higinio y Rosa, el espectador vive una dictadura que nunca se ve -porque nunca salimos de las paredes de su hogar-, pero resulta igualmente opresiva.

Eficaz y muy inteligente en su apuesta por acercarse a la psicología de uno de los muchos 'topos' del franquismo, que vivieron escondidos en zulos, paredes falsas y otros escondrijos para escapar de sus captores, la cinta de los directores de Handia resulta asfixiante.

Pero no lo hace mediante el subrayado: su aparato formal sintoniza antes con Los girasoles ciegos que con Buried. La casa en la que Higinio y Rosa ven pasar los años, de hecho, dialoga con la que habitaban el encerrado Ricardo y la esforzada Elena de la bellísima novela de Alberto Méndez y la correcta adaptación que realizó José Luis Cuerda en 2008. En ambas, el espacio no solo les protege, también les cambia y les deforma las necesidades y los afectos.

La trinchera infinita es una aproximación muy particular a una historia de la que hemos escuchado muchas versiones, pero nunca una contada así. Una cinta que abunda en las ideas visuales y narrativas que la fundan -ese hogar que se torna prisión-, para generar un discurso no solo pertinente sino de una relevancia actual ciertamente audaz.

La relación de la pareja protagonista de La trinchera infinita - magníficos Antonio de la Torre y Belén Cuesta-, tiene un eco constante en sus vaivenes con los cambios políticos que acontecen en España a lo largo de varias décadas. Y sus directores conjugan constantemente y con habilidad sus dos niveles de exposición entre lo íntimo y lo público. 

Pero, en cierto modo, Garaño, Arregi y Goenaga son capaces de armar otra interpretación, si cabe más interesante: La trinchera infinita se puede leer como un relato de terror de fantasmas.
Lo que ocurre es que los espectros de esta ficción no tienen nada que ver con maldiciones y espantos. A Higinio le dan por muerto mientras vive escondido en su casa. Y como si de un poltergeist se tratase, se encuentra irremediablemente atado a su hogar, que bien podría ser a ojos de sus vecinos una casa encantada de aquellas en las que se escuchan voces y se sienten presencias que se supone que no están.

Rosa, por su cuenta, ha tenido que construir de cara a la galería una vida en la que a su marido lo mataron en la guerra. Cuando cruza el rellano de su casa, debe vivir con el luto y el dolor de haberlo perdido. Cuando vuelve a su dulce morada el muerto sigue ahí, pero solo está vivo para ella. Para todos los demás, es cosa del pasado. 

La combinación de esta narrativa de raigambre fantástica con su asentado costumbrismo genera la estimulante sensación de encontrarse ante una interpretación realmente original de la posguerra. Una que nos habla de debates no cerrados, fantasmas que nunca se fueron y trincheras de las que nunca llegamos a salir.

Fuente: eldiario


lunes, 4 de noviembre de 2019

141 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DEL PINTOR SOVIÉTICO PETROV-VODKIN



‘Autorretrato’ (1927).


Kuzmá Petrov-Vodkin nació el 5 de noviembre de 1878, en la provincia de Jvalinsk. Era hijo de un zapatero. Fue uno de los artistas rusos más originales de las primeras décadas del siglo XX. Sus obras causaron una enorme controversia.

 ‘Retrato de Lenin’ (1934).


Petrov-Vodkin era un pintor espectacular, un dibujante insuperable, un teórico original, un profesor nato, un talentoso escritor y una eminente figura pública. Era un individuo lleno de talento, un artista único e hijo de su tiempo que desplegaba múltiples intereses: desde la pintura de iconos rusos a Vladímir Lenin, el líder de la Revolución rusa.

 ‘Muchachas en el Volga’ (1915).


Surugó como artista en un momento en el que el simbolismo pictórico estaba en declive y la pintura vanguardista todavía no había eclosionado. En la principal asociación artística de la época, la Unión de Artistas Rusos, había una hostilidad creciente de los miembros de San Petersburgo hacia sus colegas moscovitas.


‘Niño africano’ (1908).


Con la ayuda de Serguéi Makovski, editor de la revista Apolo y admirador del trabajo del autodidacta Petrov-Vodki, se organizó una gran exposición en San Petersburgo. Las obras de su ciclo africano resultaron especialmente peculiares. Al contrario que muchos de sus contemporáneos, que habían decidido rechazar el principio de la pintura figurativa, Petrov-Vodkin se esforzó por preservar la forma tradicional de pintar, sintetizando la objetividad de la imagen del neoclasicismo con la convención simbolista del ritmo y el color.


‘Sueño’ (1910).


Los pintores vanguardistas rusos de principios de los años 10 consideraron las obras de Petrov-Vodkin como anticuada y académica. El público general lo consideró un formalista más, como los vanguardistas, aunque un poco diferente. Tan solo unos pocos críticos y expertos comprendieron la importancia de los mejores logros artísticos de Petrov-Vodkin. Su pintura de 1910, Sueño, tuvo un gran éxito.

 ‘Orilla’ (1908).


Si pinturas como Elegía, Orilla o incluso Sueño, bien podían haber sido creadas fuera de Rusia, la inmensa mayoría de las obras de Petrov-Vodkin a partir de 1910 son manifestaciones de los rasgos nacionales de su visión artística, que hunden sus raíces de forma orgánica en el arte ruso antiguo.


‘Chicos jugando’ (1911).


La primera y más emblemática pintura de este tipo es Chicos (o Chicos jugando, 1911). El propio artista declaró veinte años después de ser pintada que Chicos se “pintó como marcha fúnebre” por las muertes de Valentín Serov y Mijaíl Vrúbel. Esta pintura, una celebración de la juventud y la vida, fue una respuesta a la pérdida para el arte ruso de dos de sus más grandes maestros. El principal concepto de Chicos, en particular su esquema de color, trae a la memoria el cuadro Danza de Matisse. Sin embargo, Petrov-Vodkin respondió a estas observaciones: “Sabes, creo que nosotros en Rusia pintamos mejor que Matisse”.

 ‘Baño de un caballo rojo’ (1912).


Después de Chicos, Petrov-Vodkin creó Baño de un caballo rojo, una obra que ocupa un lugar especial en su producción y que marcó el inicio del arte ruso de la primera década del siglo XX. La obra Baño de un caballo rojo, sin embargo, se comenzó en invierno de 1911 y a principios de la primavera de 1912.




‘Madre’ (1915).


Entre 1912-1913, la maternidad fue el tema central de las obras de Petrov-Vodkin. El prototipo nacional de la mujer rusa se convirtió en el más brillante ejemplo de las bellas artes rusas del siglo XX.



‘Ternura de los corazones malvados’ (1915).


El artista también encarna una emoción completamente terrenal y humana, en los temas religiosos que le interesaban en aquella época.


‘Boceto para el panel de Stepan Razin’ (1918).


Para celebrar el primer aniversario de la Revolución de octubre de 1917, docenas de casas de Petrogrado (San Petersburgo) fueron decoradas con construcciones ornamentales hechas en base a los bocetos realizados por artistas. Entre ellos había cuatro enormes paneles de Petrov-Vodkin. Uno de ellos estaba dedicado a Stepán Razin, mientras que los otros tres representaban temas de los cuentos populares y narraciones épicas rusas.

‘Madonna de Petrogrado’ (1918).


La primera pintura del periodo soviético de Petrov-Vodkin fue en 1918 en Petrogrado. En esta pintura el artista intenta encarnar la nueva esencia de la figura materna: su versión urbana y proletaria.


‘Después de la batalla’ (1923).

Después de la batalla se concibió con una serie de escalas opuestas. En el plano más cercano predominan los tonos ocures, mientras que en el fondo los azules tienen mayor peso. Se trata de una predicción de las futuras posibilidades del cine, entre las que se encuentran la retrospección y la combinación de múltiples niveles temporales.


‘Alarma’ (1919).


Alrededor de 1934 Petrov-Vodkin volvió a la pintura y creó una de las mejores obras de su último periodo en el que resurge el tema revolucionario.


‘Cerezo en un jarrón’ (1932).


Después de su muerte el nombre del artista desapareció del arte soviético. Durante el siguiente cuarto de siglo parecía que la gente se había olvidado de Petrov-Vodkin y que sus pinturas casi habían desaparecido de las colecciones de los museos. Sin embargo tarde o temprano el verdadero arte es reconocido. Para Petrov-Vodkin este momento llegó en la segunda mitad de los años 60.

Fuente: https://es.rbth.com/multimedia/pictures/2013/11/11/petrov-vodkin_uno_de_los_pintores_mas_polemicos_del_siglo_34167

domingo, 3 de noviembre de 2019

"MUERTE DE UN COMISARIO", DEL PINTOR SOVIÉTICO PETROV-VODKIN


Muerte de un comisario
Kuzma Sergeyevich Petrov-Vodkin
1928
Oleo sobre lienzo
196 х 248 cm
Museo Ruso de San Petersburgo

“Muerte de un comisario” fue pintada por Petrov-Vodkin en 1928. Fue encargada al Revvoyensoviet (Consejo Militar Revolucionario) para la exposición “10 años del RKKA” (El Ejército Rojo de los Trabajadores y Campesinos). La pintura ocupa un lugar central en el período soviético del trabajo creativo de Petrov-Vodkin. El tema de la vida, el sacrificio y la muerte, que es uno de los temas básicos para el artista, se ilustró por primera vez en las imágenes de los héroes revolucionarios. La trama de la pintura se basa en un evento de la Guerra Civil Rusa.

Dos figuras: el comisario herido de muerte y un soldado que lo apoya se colocan en primer plano. Impulsados ​​por el torbellino de la batalla, los soldados del Ejército Rojo descienden cuesta abajo. En la composición de los dos personajes principales representados en primer plano se puede ver la iconografía de la Piedad, la escena de la Lamentación de Cristo. La muerte, aunque en aras de otros ideales, gana el alto sentido del servicio sacrificial a la humanidad. Petrov-Vodkin expresó su sistema artístico único en este trabajo. Renunció a la perspectiva lineal tradicional y desarrolló la nueva perspectiva "esférica", que presentaba en forma poética la visión del mundo del artista. Gracias a esta perspectiva, lo representado sobrepasa el marco del hecho único y adquiere un significado planetario universal.

sábado, 2 de noviembre de 2019

"PROFESOR HANNIBAL", DEL CINEASTA HÚNGARO ZOLTAN FABRI

Título original: Hannibál tanár úr
Año: 1956
Duración: 88 min.
País: Hungría
Dirección: Zoltán Fábri
Guión: Zoltán Fábri, István Gyenes, Péter Szász (Novela: Ferenc Móra)
Música: Zdenkó Tamássy
Fotografía: Ferenc Szécsényi (B&W)
Reparto: Ernö Szabó, Noémi Apor, Emmi Buttykay, Hilda Gobbi, Manyi Kiss, Karola Zala, Oszkár Ascher, Ödön Bárdi, Béla Barsi, Ferenc Bessenyei, György Bikádi, Andor Dárday, Antal Farkas, Zoltán Greguss, György Kálmán
Productora: Hungarofilm / Mafilm / Magyar Filmgyártó Vállalat
Sinopsis: En la Hungría de los años 30, bajo la dictadura de carácter fascista, el estúpido y cobarde profesor de secundaria Nyúl (Ernö Szabó), se convierte en héroe local al haber rescatado fortuitamente una emblemática ave disecada tras un incendio en la escuela. Gracias al carisma adquirido, el claustro de profesores le encarga la tarea de escribir un ensayo sobre la figura de Aníbal. Pero lo escrito, aun siendo un trabajo reconocido por sus colegas, no complace para nada a las autoridades lugareñas. Por ello, y bajo el influjo de la muchedumbre, sufrirá severas presiones y persecuciones, siendo arrastrado por los acontecimientos...



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viernes, 1 de noviembre de 2019

44 AÑOS DE LA MUERTE DE PIER PAOLO PASOLINI


«Fragmento de la Muerte»

Llego de ti y a ti vuelvo,
sentimiento nacido con la luz, con el calor,
bautizado cuando el vagido era alegría,
reconocido en Pier Paolo
en el origen de una furiosa epopeya;
he caminado a la luz de la historia,
pero, siempre, mi ser fue heroico,
bajo tu dominio, íntimo pensamiento.
Se coagulaba en tu estela de luz,
en las atroces dudas
de tu llama, todo acto verdadero
del mundo, de aquella
historia; y en ella se verificaba íntegro,
allí perdía la vida para reconquistarla:
y la vida era real sólo cuando era bella.

¡La furia de la confesión,
antes, después la furia de la claridad:
era de ti que nacía, hipócrita, oscuro
sentimiento! ¡Y ahora,
que acusen también a cada una de mis pasiones,
que me enloden, que me llamen informe, impuro,
obseso, dilettante, perjuro:
tú me aíslas, me das la certeza de la vida:
estoy en la hoguera, juego la carta del fuego
y gano, éste, mi escaso,
inmenso bien, gano esta infinita,
mísera piedad mía
que me hace aun a la justa ira amiga:
puedo hacerlo, porque demasiado te he padecido!

Vuelvo a ti, como vuelve
un emigrado a su pueblo y lo descubre de nuevo:
he hecho fortuna (en el intelecto)
y soy feliz, justamente
como lo era en un tiempo, privado de todo orden.
Una negra rabia de poesía en el pecho.
Una loca vejez de jovencito.
Antes tu alegría se confundía
con el terror es verdad, y ahora
casi con otra alegría,
lívida, árida: mi pasión desilusionada.
Ahora realmente me das miedo,
porque me eres realmente cercana, intuida
en mi estado de rabia, de oscura
hambre, de ansia casi de nueva criatura.

Estoy sano, como quieres tú,
la neurosis crece a mi lado,
el agotamiento me vuelve árido, pero
no me posee: junto a mí,
ríe la última luz de juventud.
He tenido ya cuanto quería:
aun he llegado más allá
de ciertas esperanzas del mundo: vaciado,
estás allí, dentro de mí, colmando
mi tiempo y los tiempos.
He sido racional y he sido
irracional: hasta el fondo.
Y ahora… ah, el desierto ensordecido
por el viento, el estupendo e inmundo
sol del Africa que ilumina al mundo.

¡Africa! ¡Mi única
alternativa!

En:»La religione del mio tempo» 1961