martes, 12 de abril de 2016

RUSIA TACHA DE CÍNICO EL PLAN POLACO PARA DESTRUIR LOS MONUMENTOS SOVIÉTICOS


POLONIA LE DA LA ESPALDA A SU HISTORIA DESMANTELANDO MÁS DE 500 MONUMENTOS SOVIÉTICOS

El presidente de la Duma de Estado (cámara baja del Parlamento ruso) y de la Sociedad Histórica Rusa, Serguéi Narishkin, calificó como cínica e inmoral la propuesta del Instituto polaco de la Memoria Nacional de demoler 500 monumentos a los soldados libertadores soviéticos.

"El Instituto polaco de la Memoria Nacional hizo público estos días un programa de demolición de 500 monumentos a los soldados soviéticos que dieron sus vidas por liberar a Polonia de los nazis, el cual indigna por su cinismo e inmoralidad", dijo el parlamentario al intervenir este martes en el III Congreso Nacional de los Maestros de Historia que se celebra en Moscú.

Además instó a las organizaciones de veteranos y a los historiadores de diferentes países a reaccionar con dureza a esta iniciativa.

Antes el director del Instituto polaco de la Memoria Nacional, Lukasz Kaminski, propuso derrumbar y trasladar a museos alrededor de 500 monumentos soviéticos que, desde su punto de vista, simbolizan "el dominio del sistema comunista sobre Polonia".


Sin embargo, los monumentos que están instalados en los cementerios militares soviéticos no se desmantelarán y, según el Instituto, el Gobierno polaco se hará cargo de ellos.

La Sociedad Histórica Rusa a su vez llamó a las autoridades, los parlamentarios y los historiadores de Polonia a abstenerse de cumplir este plan, señalando que representa en sí "la continuación de una guerra declarada a los monumentos y otras instalaciones conmemorativas que simbolizan la victoria sobre el nazismo lograda al precio de millones de vidas de los soviéticos".

Anteriormente, la Cancillería rusa declaró que Moscú no dejará sin respuesta el plan polaco de derrumbar monumentos soviéticos.

Fuente: Sputnik

lunes, 11 de abril de 2016

"ROCK DE LA LEGALIZACIÓN", DEL GRUPO COZ, EN EL 39 ANIVERSARIO DE LA LEGALIZACIÓN DEL PCE



Perteneciente al primer volumnen de un disco colectivo de 1977 que alternaba temas musicales con discursos y ponencias de dirigentes del PCE: "Partido Comunista de España (Serie: Hablan los Partidos; Vol. 8)

Rock de la legalización


(Víctor Manuel San José - Armando Castro Rueda - Carlos Castro Rueda)

Acaba de cumplir cincuenta y seis
que van del charlestón al rocanrol.
Acaba de cumplir cincuenta y seis
y ya podemos ver la luz del sol.
Nadie se esperaba esta explosión,
sábado caliente de resurrección.
Ya soy legal.

Las banderas rojas sin cesar
siguen invadiendo la ciudad.
Jóvenes y viejos se unirán
lágrimas y risas por igual.
Alguien rescató el viejo carnet
que estuvo escondido en la pared.
Ya soy legal.

Esto sí nos tiene que ayudar
a crecer sabiendo trabajar.
Sólo se me ocurre señalar
que la juerga acaba de empezar.

domingo, 10 de abril de 2016

"UNA HUELGA EN VIZCAYA", DE VICENTE CUTANDA


Una huelga en Vizcaya
Vicente Cutanda
Hacia 1892.
Óleo sobre lienzo
275 x 550 cm.
Museo del Prado

Aunque no sea muy precisa la época en la que Cutanda se trasladó a Bilbao, parece ser que vivió en Baracaldo y que llevó, durante un cierto tiempo una vida de obrero, identificándose con él, incluso en su aspecto físico, pues se cortó el pelo y la barba como uno de ellos. Apasionado por esta lucha, pinta el cuadro ’Preparativos para el Primero de Mayo’ y el gran lienzo de enorme fuerza revolucionaria ‘La Huelga de obreros en Vizcaya’ con el que gana la Medalla de Primera Clase en la Exposición Internacional de Madrid de 1892. Este cuadro tuvo una gran repercusión en la vida artística y social de su época.
Obra de grandes dimensiones, representa un grupo compacto, abigarrado, de obreros en actitudes crispadas, que se reúnen exaltados, levantando los brazos de indignación en torno al personaje central, organizador de la huelga.

Sus colores grises y sombríos dan más dramatismo a la escena. En la parte baja, a la izquierda del lienzo, figura una niña delante de una vagoneta sobre la cual firma el artista. Esta niña, de expresión dulce e inocente, es la que da sentido al cuadro lanzando el mensaje de que la huelga supone la liberación de los inocentes, víctimas de la injusticia social. Este cuadro fue cedido por el Museo del Prado al Ministerio del Trabajo de Madrid y desaparecido y olvidado durante décadas, sin que nadie le reclamase ni se interesase por él. Incluso se pensó que quizá durante la Guerra Civil hubiera salido de España. Afortunadamente no fue así. Don José Luís Diez, Subdirector de Conservación del Museo del Prado de Madrid, en su reciente conferencia del 9 de noviembre de 2003, expuso de qué forma, casi milagrosa, halló, en los sótanos del Ministerio del Trabajo, el cuadro perdido, enrollado como si fuera una vieja alfombra, seguramente esperando a que alguien encontrase un espacio para colgarle, cosa nada fácil pues el cuadro mide 3 x 5,50 metros. La gran perspicacia y el tesón con el que José Luis Díez venía buscando el cuadro le impulsaron a desenrollar el viejo rollo, encontrándose con la sorpresa que se trataba de ‘La Huelga de obreros en Vizcaya’. El cuadro se encontraba en un estado lamentable, casi podrido, con la pintura saltada, en una palabra: irrecuperable. Inmediatamente hizo trasladar dicho rollo a los talleres del Museo del Prado, donde se empezó una dificilísima y larga restauración, que toca ya a su fin, llevada a cabo por la restauradora Lucía Martínez Valverde.

El cuadro será colgado en el Museo del siglo XIX del Prado, cuando se terminen las obras de restauración del mismo. Se recupera así, milagrosamente, una de las obras maestras más características de la pintura social española. Todos pensamos que este descubrimiento es una página importante en la historia de la pintura social en Vizcaya. El único punto en el que Cutanda no sigue la moda del momento, es en el tema de las mujeres. Cutanda es un moralista, se podría decir que es un asceta. Nunca pinta mujeres para su placer. No le importa la belleza femenina, ni las relaciones eróticas, ni siquiera las sentimentales o amorosas. Cuando pinta mujeres, éstas están envueltas en amplios trajes que disimulan sus formas y están en actitudes inocentes, familiares, desprovistas de toda sensualidad.

Recorriendo la trayectoria del pintor Cutanda podemos apreciar una evolución coherente y progresiva del artista hacia la representación de la vida del trabajador metalúrgico sin dejar de considerarle en toda su humanidad, tratando sus problemas laborales, familiares, sus trabajos, sus ocios y sus reacciones para lograr un porvenir mejor. Cutanda es un hombre fiel, tanto a sus ideas como a su familia y transita esa fidelidad a lo largo de su obra. La obra de Cutanda es una de las más representativas del realismo social del siglo XIX, y de la vida en los Altos Hornos de Vizcaya.

Mª Luisa Cutanda.

Fuente: Vicente Cutanda (1850-1925): un pintor realista y social. Ondare. 23, 2004, 501-512

ACTUALMENTE YA SE ENCUENTRA RESTAURADO Y PERTENECE A LA COLECCIÓN DEL MUSEO DEL PRADO.

sábado, 9 de abril de 2016

"LA BATALLA DE MOSCÚ", DE YORI OZEROV. 2ª PARTE "TIFÓN"

Título original: Bitva za Moskvu
Año: 1985
Duración: 358 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Director: Yuri Ozerov
Guión: Yuri Ozerov
Música: Aleksandra Pakhmutova
Fotografía: Igor Chernykh, Vladimir Gusev
Reparto: Yakov Tripolsky, Mikhail Ulyanov, Aleksandr Goloborodko, Bruno Frejndlikh, Nikolai Zasukhin, Anatoli Nikitin, Vladimir Troshin, Stepan Mikoyan
Productora: Deutsche Film (DEFA) / Filmové Studio Barrandov / Mosfilm

La historia comienza a finales de 1940. Tras la derrota de Francia, Hitler ordena a sus generales preparar la Operación Barbarroja, la invasión de la URSS por los ejércitos alemanes. En Moscú, Stalin prepara junto al Alto Mando los planes de defensa, a la vez que procura no provocar a los alemanes, pese a los repetidos avisos de los espías sovieticos Ilse Stobe y Richard Sorge de que el ataque es inminente. Para dirigir la defensa, Stalin asciende a uno de sus mas prometedores generales Georgy Zhukov (Mikhail Ulyanov), al cargo de jefe de Estado Mayor General del Ejército Rojo.

La Batalla de Moscú puede considerarse un hito dentro del cine bélico-histórico, ya que es hasta la fecha la única película dedicada exclusivamente a narrar el desarrollo del mayor hecho militar de la historia: La Operación Barbarroja. Sin duda, un ambicioso proyecto cinematográfico que salió adelante gracias al empeño personal del cineasta ruso Yuri Ozerov, un veterano condecorado del Ejercito Rojo, que quiso realizar la película para que su estreno coincidiera con los actos de conmemoración del 40º aniversario de la derrota de la Alemania Nazi y el fin de la II GM. Ozerov no era desde luego un novato en estas lides, ya que a finales de los años 60, había sido el realizador encargado de dirigir la extensa serie de películas bélicas Liberación, que abarcaban la lucha en el Frente oriental entre 1943 y 1945. Por ello, en cierto modo La Batalla de Moscú vino a ser una especie de precuela de Liberación, narrando en dos partes bien diferenciadas, los hechos acaecidos al inicio de la Operación Barbarroja, en el verano de 1941, y el posterior intento alemán de ocupar Moscú, mediante la Operación Tifón, en el Otoño de ese mismo año. También en este caso, al igual que en Liberación, Ozerov optó por filmar una película con un metraje muy dilatado, ya que sumando la duración de ambas partes, La Batalla de Moscú se acerca 6 horas de duración.

La primera parte del film, titulada “Agresion” muestra con bastante detalle la preparación de Barbarroja desde el punto de vista alemán, los planes de defensa rusos, puestos de manifiesto en la reunión de altos comandantes de Diciembre de 1940, y los inicios de la Operación Barbarroja. Pero eso sí, Ozerov aborda el relato de los hechos desde un punto de vista totalmente maniqueo, pues tras describir la heroica resistencia de la Fortaleza de Brest, y alguna breve escena de combate, el relato de Agresión termina con el contraataque de los cuerpos mecanizados sovieticos, obviando por completo las grandes victorias alemanas de Junio-Agosto de 1941, y se reanuda en Septiembre de 1941, justamente cuando Zhukov le anuncia a Stalin la victoria táctica local de Yelnia. De este modo, la película no solo omite mostrar la serie de catastróficas derrotas sufridas por el Ejército Rojo en el verano de 1941, sino que además, presenta a Stalin como un lider siempre acertado y seguro de sus decisiones, cuando lo cierto es que el dictador sovietico cometió muchos errores militares que a punto estuvieron de llevar a la URSS a la derrota. Seguramente, la vinculación de Ozerov al Partido Comunista tuvo mucho que ver en que se adoptara este enfoque.

Algo más interesante resulta la segunda parte del film, titulada Tifón, la cual abarca, como su nombre indica, la ofensiva alemana denominada en clave Operación Tifón, que tuvo como objetivo la captura de Moscú en el Otoño de 1941, y mediante la que los generales alemanes confiaban en forzar la derrota de la URRS. Si bien en esta parte se mantienen las mismas constantes que en Agresión, con un apabullante despliegue de medios militares y escenas de combate con cientos de extras, la historia, aun sin dejar de lado el tono patriotero, resulta más realista y fiel a los hechos históricos, pues aborda los momentos de crisis que vivieron Stalin y sus generales conforme las vanguardias alemanas se acercaban a la capital rusa. También describe con detalle los principales acontecimientos militares que rodearon la Operación Tifón, como la decisión de Hitler de rodear Moscú, el envío de las divisiones siberianas para reforzar las defensas de la ciudad, y la preparación de la contraofensiva de Zhukov de Diciembre de 1941. Naturalmente, el inicio de esta exitosa contraofensiva supone el punto culminante de la narración y el desenlace de la misma.

En cuanto al apartado técnico de la película, es bastante bueno, ya que se nota que la producción gozó del respaldo del ejército soviético, lo que permitió que el atrezzo militar estuviera bastante cuidado sobre todo en lo concerniente al Ejército Rojo. De este modo, en pantalla aparecen, junto a los inevitables carros rusos maquillados externamente para parecer Panzer III alemanes, auténticos tanques T-34, Kv-1 e incluso alguno de la serie BT, lo cual sirve para dotar de un gran grado de realismo a las escenas bélicas. Además, para recrear las escenas de combates urbanos, incluso se recurrió a la voladura de edificios situados en un barrio de Moscú que iba a ser demolido, por lo que ciertamente hay varias escenas muy de acción que resultan espectaculares en pantalla. Ello, y el interés histórico de los hechos que se narra compensa en gran medida el carácter excesivamente maniqueo de la narración, y que esta resulte por momentos demasiado acartonada por su carácter cercano al docudrama, si bien en líneas generales, la historia se sigue con interés.

En definitiva, La Batalla de Moscú es un título de indudable valor fílmico e histórico, a la vez que es el producto de un esfuerzo titánico por representar en la gran pantalla una de las mayores contiendas militares del S. XX. Solo por eso, y dejando de lado los aspectos más coyunturales y propagandísticos del film, ya merece la pena verse. Un film recomendable para todo el amante del cine bélico-histórico.

Fuente: La Segunda Guerra Mundial en el Cine




viernes, 8 de abril de 2016

VISOR PUBLICA EL ÚLTIMO POEMARIO DE LUIS GARCÍA MONTERO: "BALADA EN LA MUERTE DE LA POESÍA"

¿Muerta? ¿La poesía? ¡Que viva la poesía!

Se equivocarán quienes piensen que el nuevo poemario de Luis García Montero es una meláncolica elegía del "paraíso perdido" de la poesía. Al contrario, es justo lo contrario: un breve libro de combate para reivindicar la perenne necesidad del discurso poético frente al mercado tan pragmático y utilitarista, pero también una apuesta por un modo de afrontar y entender la poesía que demanda este momento que vivimos. Sirvan las palabras del propio Luis García Montero en la presentación/defensa que en Infolibre publicó hace unos días (puedes leer el artículo completo en este enlace):

"Hemos vivido en los últimos años un fenómeno contrario al presagiado por los que denunciaban los malos tiempos para la lírica. La poesía ha empezado a tener éxito comercial. Algunos libros consiguen reediciones y cifras altas de ventas. Poetas y cantautores, aliados con las redes sociales, a través de los bares, los conciertos y las librerías, han conformado un público. Y hay casos de singular interés y calidad. Pero, por primera vez, se corre el peligro de que el mercado se convierta en el referente poético de la calidad. Y esto sitúa el cuestionamiento necesario de la poesía en el otro extremo: negarse a pensar que sólo es bueno lo que se comunica con una facilidad adolescente en los circuitos sentimentales de la sociedad de consumo. La banalización de la felicidad es igual de corrosiva que la banalización del mal o que la renuncia al lenguaje asumido como el principal espacio público. La poesía reclama ahora lentitud y conciencia melancólica para salvar al significado de las sirenas de un corazón publicitario. La facilidad no significa calidad, el rumor de lo cotidiano no asegura la verdad lírica y el sentido de las declaraciones transparentes no implica una búsqueda de la profundidad."

"¿Cuánto tarda en llegar una noticia hasta el siglo XV? El poeta se lo pregunta al enterarse por la televisión de que la poesía ha muerto. Piensa en Jorge Manrique. ¿A qué hora será el entierro? Poco a poco el buzón del teléfono se llena de mensajes: la vida retirada, la noche oscura, Lucrecio, Leopardi, Baudelaire, Rubén Darío, Anna Ajmátova, Federico García Lorca, el amor constante más allá de la muerte… Todos quieren saber, todos comentan el suceso. El poeta asiste al día siguiente al entierro, regresa a su casa y se sienta a escribir esta Balada en la muerte de la poesía."

La editorial Visor publica estos poemas en prosa de Luis García Montero en su colección Palabra de Honor, acompañados por unos dibujos de Juan Vida que se acercan a las pinturas negras de Goya. "Sus dibujos están hechos desde la idea de que la belleza no es la verdad o de que el arte para ser bello no tiene que eludir la verdad descarnada", asegura García Montero en una entrevista con Efe, al tiempo que aclara la independencia de los dibujos en relación con los textos. (...)

"Vivimos en una sociedad mercantilista donde se ha instalado el cinismo, donde se pierde la memoria -continúa-. Todo es relativo y las palabras han perdido su honor; hoy se dice una cosa y mañana otra. Una sociedad del espectáculo que contrasta con los valores de la poesía, como la conciencia y la lealtad a uno mismo y a la verdad". (...)

Ahora, tras cuatro años de silencio poético y mientras estaba tejiendo su libro Puerta cerrada, otro poemario que saldrá presumiblemente en 2017, según avanza, se ha cruzado esta Balada en la muerte de la poesía, que nació tras su participación en un encuentro sobre la situación de la poesía en la isla de Lampedusa (Italia).

Fragmentos de la crónica/entrevista de Carmen Sigüenza para la Agencia EFE
http://www.efe.com/efe/espana/cultura/garcia-montero-defiende-la-lirica-en-balada-muerte-de-poesia/10005-2836790

Fuente: Las Calles de Venecia

jueves, 7 de abril de 2016

EL MUSEO REINA SOFÍA DEDICA UNA EXHAUSTIVA RETROSPECTIVA AL ARTISTA CUBANO WIFREDO LAM

Wifredo Lam y lo moderno global

Vista de la exposición de Wifredo Lam en el Museo Reina Sofía
Vista de la exposición de Wifredo Lam en el Museo Reina Sofía

Tras su paso, muy bien recibido por el público, por el Centre Pompidou de París, desde hoy y hasta el 15 de agosto podemos disfrutar en el Museo Reina Sofía de una completa retrospectiva del cubano Wifredo Lam compuesta por doscientas cincuenta obras entre pinturas, dibujos, grabados y cerámicas, documentos y fotografías. Cuatro de las piezas proceden de los fondos del propio MNCARS y, respecto a la muestra parisina, se ha ampliado su producción representativa de los años cuarenta y la realizada en España.

Wifredo Lam. Al final de la noche, 1969
Wifredo Lam. Al final de la noche, 1969
Precisamente los quince años que permaneció en nuestro país entre 1923 y 1938 conforman una de las etapas menos exploradas de su trayectoria. No es la primera gran muestra que el Reina Sofía brinda a este artista: ya en 1992 le dedicó una antología, aquella centrada en su obra pictórica y con un planteamiento bastante distinto a la actual, que da relevancia a su obra gráfica de los sesenta y setenta, a sus exploraciones en el ámbito de la cerámica, sus colaboraciones con artistas, escritores y pensadores de su tiempo y, sobre todo, a su progresiva evolución a medida que se desplazó de España a París,  Marsella y Cuba, porque la vida (y la carrera) de Wifredo Lam fue un continuo viaje.

De padre chino y madre mulata, Lam pronto fue consciente de las diferencias raciales y de sus implicaciones sociales, primero en Cuba y después en Estados Unidos. Aquel compromiso político más tarde lo trasladó al contexto de la guerra civil española y la lucha europea contra el fascismo, pero, pese a sus convicciones marxistas, no cayó en el uso de lenguajes manidos y optó por configurar un lenguaje propio y no impuesto a través del que reivindicar su defensa personal de la vida y la libertad.

Aunando rasgos fundamentales de la modernidad occidental  y símbolos caribeños o africanos, Lam alcanzó reconocimiento sobre todo desde los cuarenta, aunque la fortuna crítica de su obra no siempre se ha mantenido intacta: enfoques culturalistas han alterado la percepción de su trabajo.

LA CREATIVIDAD NO ES SEDENTARIA

La muestra se estructura en cinco bloques que se corresponden con los traslados vitales del artista, es decir, con sus estancias en España (1923-1938), París y Marsella (1938-1941), Cuba y Estados Unidos (1941-1952), París, Caracas, La Habana, Albissola y Zurich (1952-1967) y, por último, París y Albissola (1962-1982).

Wifredo Lam. El descanso de la modelo, 1941
Wifredo Lam. El descanso de la modelo, 1941
La década de los veinte fue la de su liberación de los academicismos que había aprendido en La Habana y, después, en la Academia de Bellas Artes de Madrid. Influenciado primero por los maestros del Prado, pasó a fijarse progresivamente en Juan Gris, Miró y Picasso, a quienes descubrió en la exposición “Pinturas y esculturas de españoles residentes en París”, en 1929. También fueron sus referentes entonces Gauguin, los expresionistas alemanes y Matisse, de quien tomó una simplificación cada vez mayor de las formas, la anulación de la perspectiva y el empleo de amplias superficies de colores planos.

Antes de terminar la guerra civil, en 1938, Lam se estableció en París, donde comenzó a fijarse en la estatuaria africana y en el peso que esta había tenido en la vanguardia europea y en su amigo Picasso: en aquella época, sus rostros se asemejaban a máscaras de formas geométricas que expresaban dramas interiores (su mujer y su hijo habían fallecido en España a causa de la tuberculosis).

Cuando Wifredo comenzó a entablar relación con Breton y Péret, a fines de 1939, el surrealismo daba sus últimos coletazos en Francia y buscaba nuevo aire en América. Junto a ellos el artista cubano creó cadáveres exquisitos, los naipes Juegos de Marsella…

Tras dieciocho años en Europa, Lam acudió, también al lado de Breton, a Martinica, y allí encontró al considerado poeta de la negritud Aimé Césaire, que como él rechazaba las relaciones de dominación social y cultural muy presentes en Cuba, a donde después regresó. En sus trabajos de esta época (1941-1952) encontramos figuras sincréticas que unen rasgos vegetales, animales y humanos, en línea con la espiritualidad propia de las culturas caribeñas.

Wifredo Lam. Las manos cruzadas, 1951
Wifredo Lam. Las manos cruzadas, 1951
Lam viajó constantemente en aquellos años (París, Caracas, La Habana, Albissola, Zurich) y optó por trabajar con formas progresivamente más simplificadas, construyendo sus pinturas a partir de sus propios ritmos internos. Ya en 1952 se instaló, nuevamente, en la capital francesa y desde allí multiplicó su presencia en exhibiciones internacionales, muchas junto al grupo CoBrA gracias a su amigo Asger Jorn.

Utilizó terracota, experimentó con formas nuevas y en la serie Malezas, de 1958, se apropió del dinamismo de la abstracción gestual americana. Ilustró además, con dibujos tan oníricos como incisivos, textos de sus amigos poetas y escritores, como Gherasim Luca y René Char.

Justamente fue Asger Jorn quien invitó a Lam en los cincuenta a descubrir la luz de Albissola, y en 1962 el artista se instaló en esa localidad italiana, centro de cerámica, donde viviría la mayor parte del tiempo hasta su muerte, trabajando nuevamente en terracota y dando espacio al azar. Las cerca de trescientas cerámicas que produjo allí contienen símbolos también presentes en sus pinturas y dibujos.

Murió en 1982, cuando trabajaba en su libro de artista La hierba bajo el pavimento, pero para conocer bien a Lam nada mejor que recurrir a su autobiografía, donde habla de sus afinidades poéticas y políticas: El nuevo Nuevo mundo de Lam.

Fuente: masdearte

miércoles, 6 de abril de 2016

"LA DESFACHATEZ INTELECTUAL", UN PASEO POR LA FRIVOLIDAD Y LA PREPOTENCIA DE LOS "OPINIATRAS" PATRIOS

La desfachatez intelectual. Escritores e intelectuales ante la política
Ignacio Sánchez Cuenca
Los libros de la catarata (Madrid, febrero 2016)
224 páginas
17.5 €

En Francia llaman “les chiens de garde” (los perros guardianes) a esos intelectuales, pseudointelectuales, escritores, filósofos, politólogos y periodistas con pretensiones de pensador, que se ganan sabrosos sobresueldos escribiendo columnas (allí les llaman “tribunes”), debatiendo en las televisiones y dando conferencias, siempre con sus personales soluciones para los problemas políticos, económicos y de cualquier otra índole, que aquejen al país. Los perros guardianes porque -como aquí- los componentes de la jauría son siempre los mismos.

El apelativo lo inventó en 1932 el filósofo comunista Paul Nizan, quién tituló así un ensayo en el analizaba a sus colegas más célebres de la época – Bergson, Emile Boutroux, Lalande, Marcel Maritain…- y les acusaba de ser los encargados de perpetuar los valores molares y socioeconómicos de la burguesía. Sesenta años más tarde, en 1997,el periodista Serge Halimi (director de Le Monde diplomatique desde 2008), retomó el título de Nizan y escribió “Les Nouveax Chiens de garde”, aplicado esta vez a los medios de comunicación, analizando la colusión entre los poderes mediático, político y económico, y describiendo como las connivencias facilitan las promociones.(Entre los perros guardianes mencionados están periodistase intelectuales tan “respetados” como Edwy Plenel, Laurent Joffrin, Jean-Marie Colombani, Patrick Poivre d’arvor, Bernard Henri-Levy, Alain Finkielkraut, Alain Duhamel, Philippe Tesson…El libro termina con las palabras de un sindicalista estadounidense acerca de los periodistas de su país: “Hace veinte años comían en los cafés, hoy cenan con los políticos y los industriales”; y con una reflexión del autor: “…tranformándose en maquina de propaganda del pensamiento del mercado, el periodismo se ha encerrado en una clase y una casta. Ha perdido lectores y crédito. Ha precipitado el empobrecimiento del debate público”.

De esto justamente va el ensayo que acaba de publicar Ignacio Sánchez-Cuenca, profesor de Ciencia Política en la Universidad Carlos III de Madrid, quien se ha molestado en seguir a unos cuantos perros guardianes de “las esencias” –Fernando Savater, Antonio Muñoz-Molina, Juan Manuel de Prada, Artuor Pérez Reverte, Javier Marías, Félix de Azúa, Mario Vargas Llosa (muy discutible, por cierto el “ojo” del ilustre Nobel nacionalizado, autor de dos artículos laudatorios sobre Esperanza Aguirre y Rosa Díez), Luis Antonio de Villena…- para, sin entrar para nada a valorar sus cualidades como novelistas o poetas, llegar a la conclusión de que, en sus artículos en periódicos, no solo tienen un estilo “anticuado, retórico y alambicado”, sino que sus “opiniones son demasiado personalistas e insuficientemente analíticas”, lo que hace que “la calidad del debate público se resienta”.

Los ejemplos contenidos en el libro se caracterizan “por una mezcla de frivolidad en los contenidos y prepotencia en la forma estilística. Empleando un tono sobrado, pleno de contundencia, se realiza una afirmación retumbante, en la que no hay rastro de duda o matiz. Y ese estilo henchido de certidumbre, que se corresponde tan perfectamente con lo que el sociólogo Diego Gambetta ha llamado ‘machismo discursivo’, sirve para disfrazar ocurrencias y argumentos poco informados y mal construidos”, que sus voces se hayan quedado “caducas y obsoletas”

Llegado a este punto, el profesor Sánchez-Cuenca afirma que el hecho de que muchos de los intelectuales citados hayan conseguido éxitos editoriales con sus novelas, poemas o ensayos, les ha llevado a creer que ese reconocimiento supone una forma de impunidad para decir lo que quieran y como quieran, convencidos de que por más arbitrariedades que pronuncien nunca perderán sus muchas canonjías, en la columna de un periódico, en la incómoda silla de un plató televisivo, e incluso en la aterciopelada poltrona académica: “Lo más frecuente es que académico metido en los medios evolucione hacia la nada intelectual”.

Encaramados en sus sillones, integrantes de una auténtica casta (palabra que, por cierto, no es invento ni de Podemos ni de Halimi, sino del mencionado Gambetta), “la llegada de la crisis en 2008 solo sirvió para hacer más visible la decadencia de las ‘grandes firmas’. Sus temas favoritos son “verdaderas obsesiones patrias”. Nuestros perros guardianes “no conectan con los problemas cotidianos de la crisis, los desahucios, la emigración de los jóvenes, la pobreza energética, los recortes sociales, la congelación de las ayudas a la dependencia, el paro de larga duración, las ayudas a los bancos, las políticas de austeridad, nada de eso despierta su interés”.

La desfachatez intelectual abunda en ejemplos de fragmentos de artículos y columnas que harán las delicias del lector crítico (como la afirmación de Félix de Azúa de que “José Luis Rodríguez Zapatero ha sido el peor dirigente que ha soportado España desde Fernando VII”, ignorando la existencia de Franco o Primo de Rivera por hablar solo del siglo XX), hace un repaso concienzudo de las distintas, variadas e incluso controvertidas “opiniones” aparecidas en los medios durante los largos años del terrorismo de ETA, los distintos gobiernos, las diversas negociaciones; se detiene en la diatriba –casi eterna- de los nacionalismos, los rompepatrias, dedica unas cuantas páginas a los inmerecidos elogios y calificativos dedicados al rey Juan Carlos a lo largo de los años, y a las mentiras como que “le debemos la democracia”, y estudia en profundidad el libro de Antonio Muñoz Molina Todo lo que era sólido (Madrid, 2013).

Para el profesor Sánchez-Cuenca, “aparición de nuevas generaciones de gente con mayor preparación intelectual para hablar sobre temas políticos (corrupción nacionalismo, terrorismo, relaciones internacionales, integración europea, administración pública, financiación autonómica, partidos políticos etc.) ha sido clave para poner en evidencia el estilo del viejo intelectual que cree que puede opinar sobre cualquier asunto…”. Con mucho sarcasmo asegura que esos “viejos figurones”, todos los mencionados y algunos más, “a estas alturas tienen algo de pintoresco. Siempre es agradable leer su prosa (…) pero es difícil tomárselos en serio cuando hablan de política”.

¿El relevo? No habrá que esperar a que la naturaleza haga su trabajo porque “van surgiendo aquí y allá autores mejor preparados y más especializados, menos visibles pero más numerosos, con menor sello personal pero mayores dosis de análisis y reflexión, menos brillantes pero más rigurosos”.

En la lectura de La desfachatez intelectual he echado en falta –aunque quizá el autor lo haya guardado para otra momento, o quizá considere que el mismo título los excluye- más referencias a periodistas con pretensión e incluso background (en este caso trasfondo) intelectual, y sin embargo escaso rigor a la hora de calibrar sus conocimiento, lo que les lleva a opinar de todo y su contrario, sin más autoridad que el “yo pienso…” (y menos mal que ya ha desaparecido el “yo de esto no entiendo, pero…”. La institucionalización de su presencia en los medios, especialmente en la televisión donde los mismos tipos aparecen en los diferentes platós predicando soluciones, ha terminado por hacerles creer que entienden de todo). Por citar algunos que sí aparecen en el libro: Pedro J. Ramírez, Juan Luis Cebrián, Joaquín Estefanía, Arturo Pérez Reverte…pero lo cierto es que en todos los casos se trata de periodistas y algo más, un plus diferente según los casos. Y no puedo dejar de suscribir la opinión del autor acerca de lo chusco que resulta que un condenado en los tribunales por plagio, como Pérez Reverte, ocupe un sillón de la Academia.

Reseña de Mercedes Arancibia (Fuente: Crónica Popular)

martes, 5 de abril de 2016

LA TORRE DE LA TELEVISIÓN DE BERLÍN CUMPLE 50 AÑOS

La Torre de la Televisión de Berlín, en Alexanderplatz, Berlín
Fernsehturm, la icónica Torre de la Televisión de Berlín, vista desde Alexanderplatz, en Berlín. / Christian Reister/Corbis

Fue erigida como símbolo de progreso de la Alemania socialista y es un icono del ‘skyline’ berlinés

Es difícil esconderse de la Torre de Televisión de Berlín. Su presencia se adivina desde varios kilómetros a la redonda, observando de día y de noche, como lo haría un padre sobreprotector y omnipresente. Desde su interior, la panorámica de 360 grados a más de 200 metros de altura permite, a su vez, controlar la ciudad con la mirada. Representa sin duda un signo de los tiempo, es tan siglo XX, tan orwelliana... Su estructura lucha por arañar las estrellas como pocas edificaciones en Europa, una obsesión propia de la década en la que fue erigida. Han pasado 50 años desde entonces –aunque las labores de construcción se demoraran hasta 1969–, pero el gran icono del Berlín oriental sigue definiendo el skyline de la capital alemana.
La Guerra Fría, además de en el espacio exterior y en los soterrados caminos del espionaje, también se libraba en un punto intermedio, a pie de calle. Por eso, los 368 metros de cemento, acero y tecnología (sinónimo de progreso) de esta torre suponían un gigantesco signo de poder socialista, ideado para grabarse en la memoria de propios y extraños sin que ningún muro pudiera evitarlo. A diferencia de muchas de estas edificaciones, la Fernsehturm, como se conoce en alemán, está inusualmente integrada en el centro de la ciudad. Su destacada ubicación no es ni mucho menos casual.

Dos décadas atrás, la Segunda Guerra Mundial había desolado Alexanderplatz y la rehabilitación de la zona era un imperativo con el que apoyar a la propaganda del Gobierno de la República Democrática Alemana (RDA). Más allá de las apariencias, la recién nacida televisión ya destacaba como masiva arma política y era también obligado compensar la supremacía de las transmisiones occidentales, que en esos momentos llegaban a muchos de los hogares de la zona oriental.

Sus arquitectos definitivos fueron, tras un primer diseño coral, Jörg Streitparth y Hermann Henselmann. Se inspiraron en la Torre de Televisión de Stuttgart y en el Sputnik de las misiones espaciales soviéticas. Debido a la incapacidad de producir la materia prima necesaria para su costrucción, los costes se multiplicaron desde los 20 millones de marcos del presupuesto inicial. Pero ningún problema iba a separar a la RDA de su objeto de deseo.



La Torre de Televisión de Berlín cumple 50 años de historia. / Raimund Koch/Corbis

La obsesión era tal que los ciudadanos fantaseaban en tono de broma con la posibilidad de que una tormenta derribara la torre, convirtiéndose entonces en un salvoconducto inmediato hacia la Alemania occidental que diera al traste con las ansias de victoria de sus gobernantes. A pesar de lo poco espontáneo de su concepción, el destino tenía reservado al edificio dos guiños inesperados.

Su aspecto, tan parecido al de una bola de discoteca, reina en el lugar llamado a convertirse en el epicentro de la vida nocturna europea. Aunque igualmente ligada a la modernidad que la torre pretendía inspirar, esa concesión visual al hedonismo se aleja de los propósitos funcionales de sus orígenes comunistas. Durante el día, en cambio, crea un efecto óptico que parece gastar una broma pesada a la ideología que la creó: si la Fernsehturm se gestó durante los años de gobierno de Walter Ulbricht, conocido por reclamar en público la desaparición de las cruces en todas las iglesias, en los días en los que las nubes no monopolizan el cielo sobre Berlín el reflejo de los rayos de sol sobre la cúpula crean un enorme destello en forma de cruz.

Esa invasión religiosa en el epicentro del régimen ateo incomodaban a Ulbricht, quien se propuso borrar tal efecto, ya conocido entre los capitalistas como la venganza del Papa o San Walter, en jocosa referencia a su principal valedor. Se intentó romper el reflejo con espejos y con pintura, pero el signo divino se resistió a desaparecer, así que el político recurrió al engaño dialéctico: “No es una cruz, es el símbolo matemático de sumar”, decía. Recurría así a un argumento muy propio del sueño de progreso que vendía por aquel entonces y que se mantiene en la Alemania unificada.

Fuente: El País

lunes, 4 de abril de 2016

DOCUMENTAL "ARABIA SAUDÍ AL DESCUBIERTO". DECAPITACIONES, DISCURSOS DE ODIO Y VIOLACIONES DE DERECHOS HUMANOS



Un nuevo documental elaborado por activistas saudíes revela la terrible realidad de la vida en Arabia Saudí y las brutalidades del régimen de Riad.

Dicho documental, que será emitido el martes en su totalidad por la cadena británica ITV, muestra las prácticas brutales en Arabia Saudí y critica la alianza que existe entre el régimen de Riad y países occidentales como Estados Unidos y el Reino Unido, que son autoproclamados defensores de la democracia y los derechos humanos, quienes hasta venden armas y municiones de guerra al reino árabe.

Un segmento del documental difundido muestra como un verdugo saudí decapita a una mujer mientras ella clama su inocencia y rechaza las acusaciones en su contra.

El documental también contiene imágenes de la plaza de Deera, en Riad, la capital saudí, lugar donde se llevan a cabo la mayor parte de las ejecuciones y hasta se cuelgan cuerpos sin cabeza de presuntos criminales de grúas por días.

“Todos los cristianos deben ser castigados con la pena de muerte hasta que no quede ni uno de ellos. ¡Todos ellos deben ser decapitados!”, dice un niño menor de edad que asistió a los discursos de un muftí saudí.

Además se enfoca en la precaria situación de las cárceles saudíes y los constantes alborotos y enfrentamientos entre los reclusos que hasta a veces dejan muertos.

El documental, titulado “Saudi Arabia Uncovered” (Arabia Saudí al descubierto), aborda también la situación de los derechos de la mujer y asegura que el maltrato a las mujeres es común y corriente y hasta es aceptable que los agentes de la Policía propinen golpizas a mujeres que consideren que no cumplen los requisitos de las autoridades saudíes.

Quizá uno de los puntos más impactantes sea las grabaciones en secreto de los muftíes saudíes que abiertamente incitan al odio y hasta piden decapitar y lapidar a todos los cristianos “hasta que no quede ni uno de ellos”.

“Todos los cristianos deben ser castigados con la pena de muerte hasta que no quede ni uno de ellos. ¡Todos ellos deben ser decapitados!”, dice un niño menor de edad que asistió a los discursos de un muftí saudí.
Ejecución de una mujer en Arabia Saudí en 1985.

Los responsables del ITV advierten de la posibilidad de que Arabia Saudí ponga bajo presión al Gobierno británico para impedir que se divulgue este documental.

En repetidas ocasiones analistas y personajes políticos han señalado las similitudes entre la ideología y las políticas de Riad (algo que hasta reconocen muftíes saudíes) y grupos terroristas como EIIL (Daesh, en árabe) y han responsabilizado a Arabia Saudí por el adoctrinamiento de los miles de jóvenes que, influenciados por discursos de odio de muftíes saudíes enviados alrededor del mundo, se unen a las filas de los grupos terroristas.

Hasta los medios de información estadounidenses han señalado las similitudes entre Riad y Daesh: En su publicación del 20 de noviembre de 2015, el diario The New York Times aseguró que tanto Arabia Saudí como EIIL hacen lo mismo y calificó al régimen saudí como el “Daesh blanco”.

Fuente: HispanTV

domingo, 3 de abril de 2016

"LA ESCAPADA", DE RAFAEL CANOGAR


La escapada
Rafael Canogar (Toledo, 1935)
1971
Pintura sintética sobre tela
166 x 224 cm

Pintor, escultor y grabador, fue miembro fundador en 1957 del grupo El Paso junto a
Antonio Saura, Manolo Millares, Luis Feito, Pablo Serrano y José Ayllón, precursores del
informalismo y defensores de la apertura de España durante los años de la dictadura
franquista. A pesar de estos inicios, a partir del año 63 el trabajo de Canogar abandona
progresivamente el informalismo volviendo al realismo (aunque de forma temporal, ya
que luego derivaría en la abstracción) a través de una compleja figuración.

Como el mismo artista ha manifestado “el distanciamiento con los centros culturales
nos obligó y permitió desarrollar lenguajes muy personales y auténticos”. A pesar
de este aislamiento, Canogar pudo desarrollar una trayectoria artística internacional
destacada, siendo invitado a la Bienal de Venecia en 1958, la Bienal de Sao Paulo en
1959 o participando en exposiciones por distintas ciudades europeas a lo largo de
los años 60. Todas estas experiencias y amplitud de miras se reflejan en la temática
de las obras de finales de esta década y principios de los 70, donde denuncia la
represión del régimen a modo de crónica narrativa. Un claro ejemplo es este trabajo,
La escapada, en el que Canogar representa la huída de unos manifestantes tras
una protesta. Durante estos años el trabajo de este artista aúna pintura y escultura
mediante un proceso matérico cargado de expresividad, que aumenta la sensación de
realismo de la imagen. El empleo de negros y grises sirven para subrayar la angustia
por la situación existente en el país. Esta obra recuerda a la que Canogar realizó por
encargo de Tierno Galván, líder del Partido Socialista Popular, unos años después, en
1976, para que sirviera de telón de fondo de los actos de partido y mítines políticos.

Fuente: CAAC. Obra expuesta actualmente en el CAAC de Sevilla en la exposición "1957-1975"

sábado, 2 de abril de 2016

"LA BATALLA DE MOSCÚ", DE YURI OZEROV. 1ª PARTE: "AGRESIÓN"

Título original: Bitva za Moskvu
Año: 1985
Duración: 358 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Director: Yuri Ozerov
Guión: Yuri Ozerov
Música: Aleksandra Pakhmutova
Fotografía: Igor Chernykh, Vladimir Gusev
Reparto: Yakov Tripolsky, Mikhail Ulyanov, Aleksandr Goloborodko, Bruno Frejndlikh, Nikolai Zasukhin, Anatoli Nikitin, Vladimir Troshin, Stepan Mikoyan
Productora: Deutsche Film (DEFA) / Filmové Studio Barrandov / Mosfilm

La historia comienza a finales de 1940. Tras la derrota de Francia, Hitler ordena a sus generales preparar la Operación Barbarroja, la invasión de la URSS por los ejércitos alemanes. En Moscú, Stalin prepara junto al Alto Mando los planes de defensa, a la vez que procura no provocar a los alemanes, pese a los repetidos avisos de los espías sovieticos Ilse Stobe y Richard Sorge de que el ataque es inminente. Para dirigir la defensa, Stalin asciende a uno de sus mas prometedores generales Georgy Zhukov (Mikhail Ulyanov), al cargo de jefe de Estado Mayor General del Ejército Rojo.

La Batalla de Moscú puede considerarse un hito dentro del cine bélico-histórico, ya que es hasta la fecha la única película dedicada exclusivamente a narrar el desarrollo del mayor hecho militar de la historia: La Operación Barbarroja. Sin duda, un ambicioso proyecto cinematográfico que salió adelante gracias al empeño personal del cineasta ruso Yuri Ozerov, un veterano condecorado del Ejercito Rojo, que quiso realizar la película para que su estreno coincidiera con los actos de conmemoración del 40º aniversario de la derrota de la Alemania Nazi y el fin de la II GM. Ozerov no era desde luego un novato en estas lides, ya que a finales de los años 60, había sido el realizador encargado de dirigir la extensa serie de películas bélicas Liberación, que abarcaban la lucha en el Frente oriental entre 1943 y 1945. Por ello, en cierto modo La Batalla de Moscú vino a ser una especie de precuela de Liberación, narrando en dos partes bien diferenciadas, los hechos acaecidos al inicio de la Operación Barbarroja, en el verano de 1941, y el posterior intento alemán de ocupar Moscú, mediante la Operación Tifón, en el Otoño de ese mismo año. También en este caso, al igual que en Liberación, Ozerov optó por filmar una película con un metraje muy dilatado, ya que sumando la duración de ambas partes, La Batalla de Moscú se acerca 6 horas de duración.

La primera parte del film, titulada “Agresion” muestra con bastante detalle la preparación de Barbarroja desde el punto de vista alemán, los planes de defensa rusos, puestos de manifiesto en la reunión de altos comandantes de Diciembre de 1940, y los inicios de la Operación Barbarroja. Pero eso sí, Ozerov aborda el relato de los hechos desde un punto de vista totalmente maniqueo, pues tras describir la heroica resistencia de la Fortaleza de Brest, y alguna breve escena de combate, el relato de Agresión termina con el contraataque de los cuerpos mecanizados sovieticos, obviando por completo las grandes victorias alemanas de Junio-Agosto de 1941, y se reanuda en Septiembre de 1941, justamente cuando Zhukov le anuncia a Stalin la victoria táctica local de Yelnia. De este modo, la película no solo omite mostrar la serie de catastróficas derrotas sufridas por el Ejército Rojo en el verano de 1941, sino que además, presenta a Stalin como un lider siempre acertado y seguro de sus decisiones, cuando lo cierto es que el dictador sovietico cometió muchos errores militares que a punto estuvieron de llevar a la URSS a la derrota. Seguramente, la vinculación de Ozerov al Partido Comunista tuvo mucho que ver en que se adoptara este enfoque.

Algo más interesante resulta la segunda parte del film, titulada Tifón, la cual abarca, como su nombre indica, la ofensiva alemana denominada en clave Operación Tifón, que tuvo como objetivo la captura de Moscú en el Otoño de 1941, y mediante la que los generales alemanes confiaban en forzar la derrota de la URRS. Si bien en esta parte se mantienen las mismas constantes que en Agresión, con un apabullante despliegue de medios militares y escenas de combate con cientos de extras, la historia, aun sin dejar de lado el tono patriotero, resulta más realista y fiel a los hechos históricos, pues aborda los momentos de crisis que vivieron Stalin y sus generales conforme las vanguardias alemanas se acercaban a la capital rusa. También describe con detalle los principales acontecimientos militares que rodearon la Operación Tifón, como la decisión de Hitler de rodear Moscú, el envío de las divisiones siberianas para reforzar las defensas de la ciudad, y la preparación de la contraofensiva de Zhukov de Diciembre de 1941. Naturalmente, el inicio de esta exitosa contraofensiva supone el punto culminante de la narración y el desenlace de la misma.

En cuanto al apartado técnico de la película, es bastante bueno, ya que se nota que la producción gozó del respaldo del ejército soviético, lo que permitió que el atrezzo militar estuviera bastante cuidado sobre todo en lo concerniente al Ejército Rojo. De este modo, en pantalla aparecen, junto a los inevitables carros rusos maquillados externamente para parecer Panzer III alemanes, auténticos tanques T-34, Kv-1 e incluso alguno de la serie BT, lo cual sirve para dotar de un gran grado de realismo a las escenas bélicas. Además, para recrear las escenas de combates urbanos, incluso se recurrió a la voladura de edificios situados en un barrio de Moscú que iba a ser demolido, por lo que ciertamente hay varias escenas muy de acción que resultan espectaculares en pantalla. Ello, y el interés histórico de los hechos que se narra compensa en gran medida el carácter excesivamente maniqueo de la narración, y que esta resulte por momentos demasiado acartonada por su carácter cercano al docudrama, si bien en líneas generales, la historia se sigue con interés.

En definitiva, La Batalla de Moscú es un título de indudable valor fílmico e histórico, a la vez que es el producto de un esfuerzo titánico por representar en la gran pantalla una de las mayores contiendas militares del S. XX. Solo por eso, y dejando de lado los aspectos más coyunturales y propagandísticos del film, ya merece la pena verse. Un film recomendable para todo el amante del cine bélico-histórico.

Fuente: La Segunda Guerra Mundial en el Cine




viernes, 1 de abril de 2016

CARTA A LOS ARTISTAS E INTELECTUALES DE COLOMBIA, DE TIMOLEÓN JIMÉNEZ



Estimados amigos y amigas:

En mis tiempos libres veo películas, leo, y si la inspiración me asalta, escribo, aventuro versos que solo yo conozco. Ese combate con las palabras sin duda ensancha mi espíritu, pero sobre todo genera en mí una gran admiración por las personas capaces de crear, ya sea en el arte, las letras, las ciencias o la política. Creo que la creación es el mayor de los atributos humanos, gracias al cual dejamos huella perdurable en el mundo.

La historia nunca es lineal, no sólo sucede a saltos de gigante, sino que avanza dando giros realmente sorprendentes. Nuestro país se apresta a dejar atrás muchas décadas de guerra para consolidar la paz y nosotros sentimos la enorme responsabilidad de ser protagonistas de ello, un viraje que no sólo nos compromete a todas y todos, sino que despertará profundos cambios en las distorsionadas miradas elaboradas sobre nuestra lucha.

Vamos a requerir una gran creatividad, un agudo humanismo que al tiempo que nos acerque definitivamente a la no repetición de causas y efectos del conflicto, haga de Colombia una nación más equitativa. Dicha creatividad debe conmover e incluso devolver a los escépticos la credibilidad en la paz y justicia. Necesitamos del afecto para volver a tejer los lazos sociales rotos, para hacer esfumar odios y rencores, para dibujar sonrisas en todos los rostros.

Para ello debemos volver los ojos a la patria, reconocerla no sólo en su belleza y esplendor, sino también en la riqueza de su diversidad cultural. Ustedes, amigas y amigos artistas, doctores de la ciencia, académicos y maestros, son como la piel de la nación, resultan indispensables para la construcción de la paz. Ustedes recrean los hechos desde el arte, y Colombia hoy más que nunca, en muchas voces y en muchos lenguajes, necesita un nuevo relato de lo acontecido.

En esta hora, por fin, pese a las dificultades, brilla una luz en el túnel. La luz del Acuerdo Final de Paz, tras un largo trasegar en la Mesa de Conversaciones por nuestros conflictos sociales y políticos. Ese acuerdo sólo tendrá sentido si el país se lo apropia, si reconoce en él el producto de sus viejas demandas. Concretará reivindicaciones sociales y políticas que permitirán abrir las puertas a la verdadera democracia y a la aplazada justicia social.

Creemos que en el post acuerdo, al tiempo de la construcción de la paz en el territorio, el arte, la ciencia y la cultura jugarán un papel determinante. No serán días fáciles, pues los enemigos de la paz persisten en su obsesión violenta, nos lo advierten las cifras más recientes sobre muertes y amenazas. Además de la movilización social, requeriremos la movilización mental en el terreno de las ideas y las imágenes útiles, como decía Bertolt Brecht.

Corresponde a ustedes ayudar en la recuperación de la sensibilidad para la reconciliación y la paz, con verdad y justicia en el territorio. Su relato hará de la memoria un hecho vivo y con seguridad acortará el camino. La guerra y la violencia han despedazado lazos sociales, rehacerlos será mucho más que un trabajo social y político, abarca la cultura y el arte, debe posicionarse en el imaginario la idea de que otro país es posible.

Un país donde las divergencias políticas no se cobren con la vida, donde la oposición tenga un lugar y donde el derecho a la tierra sea una aspiración legítima compartida. Nuestro país tiene suficiente territorio, suficientes cultura y arte para sembrar alimentos y repartir el pan y la solidaridad, dos cosas que escasean. Educación y la cultura son cada día más difusas para los pobres y las familias de clase media. Es lo que tiene que cambiar con este proceso.

Cultura y el arte son identidad, pero también libertad. No puede imaginarse un país que desee salir de la guerra, penetrar en la verdad y crear justicia, sin contar con la ciencia, sin valorar la palabra de los poetas y escritores, sin las imágenes del cine y del teatro, sin la magia de las artes plásticas. Saludamos a los realizadores de la película EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, sentimos orgullo de patria al ver a sus creadores llegar tan lejos.

Sabemos que muchos de ustedes han realizado acciones, eventos y encuentros innumerables por la paz. Hasta aquí llegan los ecos de sus pensamientos y de sus obras. Sepan que las valoramos altamente, que sabemos de qué modo sus esfuerzos han contribuido a agigantar la marea contra la guerra. Ustedes, cuando venga el post acuerdo, tendrán en sus mentes y en sus manos el poder para reproducir y diseminar más y más sujetos de paz.

Para terminar, quisiera destacar que en todos estos años de lucha, nuestra gente ha sobrellevado las largas y duras jornadas escuchando sus canciones, leyendo sus escritos, admirando su genio. Sus artes mueven a soñar un país mejor. Más temprano que tarde estaremos en los Territorios de Paz, y aspiramos a que esos lugares de nuestra geografía se conviertan en espacios para el conocimiento y la creación. Allí los esperaremos para fundirnos en un fuerte abrazo.

Timoleón Jiménez

Comandante del Estado Mayor Central de las FARC-EP

La Habana, Marzo 26 de 2016

jueves, 31 de marzo de 2016

CURSO "EL PARTIDO COMUNISTA CHINO: HISTORIA, TRANSFORMACIÓN Y RETOS ACTUALES"


El Partido Comunista Chino, con 80 millones de miembros,  es la organización política con mayor número de miembros de todos los partidos gobernantes que existen en la actualidad.

Desde hace 66 años detenta de manera ininterrumpida el liderazgo de la República Popular China, lo que supone dirigir los destinos de la casi quinta parte de la población mundial. Como tal, ha sido el principal artífice de la transformación más dramática de la historia de China y del milagro económico que le ha situado entre las primeras potencias mundiales.

La magnitud tanto económica como demográfica de la Republica Popular China, hace que las decisiones derivadas de las directrices políticas del Partido Comunista Chino tengan en todos los órdenes un impacto no sólo regional sino mundial, lo que le convierte en un “actor político de trascendencia global”.

El curso se divide en cinco sesiones en las que, a través de una perspectiva histórica, se explora la evolución del discurso político, el estilo de liderazgo y programa socioeconómico del Partido Comunista Chino a lo largo de las cinco generaciones de líderes que han gobernado  China desde 1949 hasta la actualidad.

El curso está dirigido a universitarios, personal de la administración, empresarios, y público en general interesado en conocer la historia reciente de China y en profundizar en su realidad política, en su modelo de gobernanza y en los retos a los que se enfrenta en la actualidad.



Programa:

Introducción
  • Occidente según el partido comunista chino
  • El peso de la historia en el imaginario chino: el «siglo de humillación»
  • Modernidad y tradición en el discurso político actual: diálogos entre Marx y Confucio
1949-1976 Mao Zedong
  • Principales contenidos del maoísmo: la utopía revolucionaria
  • La larga marcha, una “épica de partido”
  • Campañas políticas y la Revolución Cultural
1978-1992 Deng Xiaoping
  • El pensamiento reformador de Deng Xiao Ping, el gigante despierta.
  • Reforma económica y apertura al exterior
  • Tiananmen 1989: impacto en el discurso político chino
1992-2002 Jiang Zemin
  • El ascenso de China
  • El gran desafío ideológico de China ante la caída del bloque soviético
  • Teoría de Las tres representaciones o la entrada de la clase empresarial en las bases del partido
El PCCh en el siglo XXI:
  • Hu Jintao: el gestor de China como gran potencia mundial. China promueve un “mundo armonioso”, aires de neoconfucianismo en política.
  • Xijinping: en busca del modelo chino de desarrollo. El azote de la corrupción y la promoción del “estado de derecho socialista”.
  • Estructura del partido comunista chino. Funcionamiento del congreso nacional. Mecanismos de sucesión al poder.

CÓMO MATRICULARSE

 
1. Realizar la inscripción en el curso a través de formacionmadrid@casaasia.es o por teléfono en el 91 369 43 67 de lunes a jueves de 10.00 a 14.00 h. indicando: código del curso PCCh, nombre y apellidos del alumno, número de DNI, direccion postal completa (C/ o Plza.; No, C.P.), teléfono móvil de contacto, email de contacto.
2. Esperar confirmación de la recepción de la solicitud de inscripción por parte de Casa Asia-Madrid.
3. Casa Asia-Madrid le enviará un email cuando deba confirmar su reserva de plaza mediante pago, indicándole los datos necesarios para poder hacer el pago (el numero de cuenta de Casa Asia en el BBVA es 0182 6035 40 0201504747).
4. Una vez realizado el pago, se envía el comprobante de pago a formacionmadrid@casaasia.es Casa Asia-Madrid le confirmará la recepción del pago de su matrícula vía email al recibir el comprobante.
5. Casa Asia se reserva el derecho de poder anular el curso, en cuyo caso procederá a la devolución total del importe de la matrícula.
6. Una vez realizada la inscripción, no se devolverá el importe de la matrícula por causas ajenas a Casa Asia excepto en casos de fuerza mayor demostrable.

Fecha
05/04/2016 > 03/05/2016
 
Horario
Del 5 de abril al 3 de mayo, martes de 12.00 a 14.00 h

Total de 10 h
Lugar
Centro Casa Asia-Madrid
Palacio de Cañete
c/ Mayor, 69
1ª planta · Aula 2
Madrid
Entrada
Importe: 90 euros.
Plazas: mínimo de 7 alumnos, máximo de 15/20.
Organizador
Casa Asia
Ponente
Profesora: Maríola Moncada Durruti es licenciada en Historia, MBA internacional y doctora en historia contemporánea china por la Universidad de Fudan en Shanghái. Ha residido en la República Popular China durante ocho años, donde adquirió dominio del idioma chino y cursó sus estudios de doctorado,  su investigación académica se ha centrado en el análisis del discurso político chino actual y de la política exterior de la República Popular desde 1949 hasta la actualidad. Desarrolla su actividad docente en la universidad de Nebrija y Casa Asia, es subdirectora del Centro de Lengua y Cultura china XINDONGFANG, y miembro del claustro sénior de CATEDRA CHINA.

miércoles, 30 de marzo de 2016

"SÓLO SON MUJERES", HOMENAJE A LAS REPRESALIADAS, EN EL TETARO LA ABADÍA DE MADRID



Carme Portaceli regresa al Teatro de La Abadía (Madrid) con un montaje sobre la invisibilidad y el sufrimiento de la mujer durante la Guerra Civil y la Memoria Histórica. 'Solo son mujeres' es un texto de Carmen Domingo y una producción multidisciplinar donde confluyen interpretación, danza y música.

Interpretado por Mìriam Iscla, que da vida a las mujeres de las cinco historias; Sol Picó en representación de todas las mujeres del mundo; y Carmen Conesa, como voz del inconsciente, la obra es un homenaje a todas las luchadoras y mujeres anónimas que fueron represaliadas y condenadas al silencio. La cantante y compositora Maika Makovski es la encargada de la música original.

Solo son mujeres se adentra en la historia de cinco mujeres que vivieron la terrible guerra y sus secuelas. En la obra la realidad y la fantasía se entremezclan para poner sobre las tablas algunas historias que sucedieron en la vida real. Mujeres que pasaron por Las Ventas, Saturrarán, Amorebieta, Les Corts, Valencia, Palma de Mallorca, Sevilla, Málaga, Melilla, Segovia y tantos otros centros penitenciarios exclusivamente femeninos.

Allí iban mujeres que eran esposas, madres, hijas, hermanas, pero también militantes, sindicalistas, guerrilleras y luchadoras incansables por la democracia y por los derechos adquiridos durante la Segunda República. Desde allí hablan las protagonistas que, en palabras de su autora, “aunque es el reflejo de una situación histórica concreta, es un llamamiento universal al reconocimiento a esas centenares de miles de mujeres inmersas en conflictos bélicos de diferentes índoles y en diferentes países que lucharon para crear un mundo mejor y en muchos casos murieron en el intento”.

Derechos perdidos

La República significó para las mujeres la conquista del espacio público: el derecho a voto, la educación y el divorcio son un reflejo de un espíritu liberador que el régimen franquista arrancó de cuajo. Como consecuencia, la represión de la mujer en la dictadura franquista fue por una doble razón: por “rojas” y por liberadas. “El castigo también fue doble”, explica Portaceli: “las mujeres fueron juzgadas y condenadas por tribunales militares por delitos de auxilio, incitación o exaltación a la rebelión”. No se les consideraba presas políticas, eran delincuentes comunes, por lo que no había testimonios de lo que sucedía en las prisiones.

Solo son mujeres forma una especie de díptico con Penal de Ocaña, espectáculo de la compañía Nao d’amores a partir del diario de María Josefa Canellada, adaptado para la escena por Ana Zamora, que estará en el Teatro de La Abadía del 30 de marzo al 17 de abril. Relata la experiencia estremecedora de una estudiante de Filología que decide dedicarse en cuerpo y alma a atender a las víctimas, primero en Madrid, luego en la prisión de Ocaña, que durante la Guerra Civil fue empleada como hospital por el Ejército republicano.

Protagonistas

Las historias en las que se inspira el montaje están basadas en casos reales de mujeres que sufrieron la violencia y la injusticia del momento: entre ellas, Matilde Landa, militante del Partido Comunista de España y actualmente considerada como uno de los símbolos más significativos del importantísimo movimiento de las mujeres contra la dictadura franquista. Durante la guerra fue destinada a un hospital donde se dedicaba a cuidar niños, a los que además ayudó en su evacuación fuera de España, incluyendo a su propia hija.

En 1939 fue encarcelada en Las Ventas. Allí creó la Oficina de Penadas, un gabinete de asistencia jurídica a las prisioneras, la mayoría analfabetas. Fue procesada por un Consejo de Guerra, pero le conmutaron la pena por influencia de sus hermanos. La trasladaron a Can Sales, en Mallorca, una de las prisiones más terribles. Era la única universitaria y eso la convirtió en un referente moral entre las presas. Intentaron que accediera a bautizarse para utilizarla como modelo de conversión, pero no pudo resistir el chantaje y se suicidó tirándose desde la galería.

Otra de las protagonistas está inspirada en Amparo Barayón. Casada con el escritor Ramón J. Sender, trabajó en organizaciones anarquistas. Era católica, de una familia de derechas de Zamora, vital y con dos hijos. Su marido se alistó en el ejército republicano y partió a la guerra. Cuando se produjo el Golpe de Estado la familia estaba de vacaciones. Su marido huyó a Madrid para refugiarse y le aconsejó que volviera a Zamora con su familia. Allí fue denunciada a las tropas fascistas por su cuñado, que de esa manera se quedó con todas las tierras de la familia. La fusilaron siete meses más tarde delante de la tapia del cementerio de la ciudad.

Tomasa Cuevas ingresó en las Juventudes Comunistas de España a los 14 años. Fue detenida, brutalmente torturada en Vía Layetana y encarcelada en Les Corts. Con la libertad provisional huyó a Francia y después a Praga. Fue la primera en darse cuenta de que en las prisiones de mujeres no había testigos de los crímenes de que se cometían contra ellas, por eso, una vez fuera de la cárcel, se dedicó a recoger testimonios de las presas por muchas de las cárceles de mujeres. Por esta labor fue galardonada con La Creu de Sant Jordi y la Medalla al Mérito. En ambas ocasiones reivindicó la memoria de las mujeres represaliadas.

De martes a sábado a las 20.30 h. / Domingo a las 19.30 h.

31 de marzo (22.00 h.): Debate sobre la visibilidad de la mujer en la memoria histórica. Participan Carmen Domingo, Almudena Grandes y Carme Portaceli. Presenta y modera Noelia Adánez González.

Fuente: hoyesarte

martes, 29 de marzo de 2016

DESMONTADO EL MAYOR MONUMENTO A LENIN QUE QUEDABA EN PIE EN UCRANIA


Fascistas ucranianos comenzaron este miércoles la fase final de desmontaje del mayor monumento en exteriores a Lenin que quedaba en pie en el país, tras el golpe de Estado de 2014 liderado por la ultraderecha y que contó con el apoyo diplomático de Estados Unidos y la Unión Europea.

Con casi 20 metros de altura, el monumento de bronce fue develado en 1964 en la plaza que lleva su nombre en la ciudad de Zaporozhie, región central meridional de Ucrania.

La inmensa escultura fue rodeada de andamios y atada a gruesas cuerdas que van a su vez sujetas a una grúa de carga, según un vídeo difundido por la televisión ucraniana.

Elementos fascistas justificaron el desmontaje del monumento al líder de la primera Gran Revolución Socialista en la ley adoptada el pasado año que declara ilegal al partido Comunista de Ucrania e iguala al comunismo con el nazismo.

Asimismo, el Consejo de gobierno de Zaporozhie aprobó una normativa similar a la denominada descomunización (término empleado por sus autores en la Suprema Rada de Ucrania), enfilada a combatir lo que consideran el pasado comunista en la exrepública soviética.

Del monumento retiraron la semana pasada las rúbricas de Lenín y “Comunismo es el poder soviético más la electrificación del país”. Grupos de extrema derecha procedieron este miércoles a la demolición de la base de granito.

Fuente: LibreRed

lunes, 28 de marzo de 2016

74 AÑOS DE LA MUERTE DEL POETA COMUNISTA MIGUEL HERNÁNDEZ

 Miguel Hernández (agachado), como soldado en 1937

"MIGUEL HERNÁNDEZ", POR PABLO NERUDA

“Recordar a Miguel Hernández que desapareció en la oscuridad y recordarlo a plena luz, es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre los azahares de su dormida tierra. No tenía Miguel la luz cenital del Sur como los poetas rectilíneos de Andalucía sino una luz de tierra, de mañana pedregosa, luz espesa de panal despertando. Con esta materia dura como el oro, viva como la sangre, trazó su poesía duradera. ¡Y éste fue el hombre que aquel momento de España desterró a la sombra! ¡Nos toca ahora y siempre sacarlo de su cárcel mortal, iluminarlo con su valentía y su martirio, enseñarlo como ejemplo de corazón purísimo! ¡Darle la luz! ¡Dársela a golpes de recuerdo, a paletadas de claridad que lo revelen, arcángel de una gloria terrestre que cayó en la noche armado con la espada de la luz!”

domingo, 27 de marzo de 2016

"CUERPO CAÍDO", DE MANOLO MILLARES


Cuerpo caído
MANOLO MILLARES (Las Palmas de Gran Canaria, 1926 - Madrid, 1972)
1966
Técnica mixta sobre arpillera
81 x 100 cm


Figura fundamental del grupo El Paso y del arte abstracto español, consiguió casi
como nadie de su época conjugar el drama y la denuncia social con el aliento poético
en obras donde aún resuena el grito desgarrado de la opresión y la tortura. Sus
primeros intereses se centraron en la historia canaria, la cultura de sus pobladores
originarios y el surrealismo, de larga tradición en las islas. Al llegar a Madrid, adopta la
abstracción y poco después empieza a utilizar la arpillera, que será uno de los signos
más reconocibles de su obra. Esa tela de arpillera retorcida, recosida y horadada,
junto al uso casi exclusivo del blanco y negro logran trasmitir una sensación de gran
desgarro espiritual del hombre sometido y aislado, a la vez que trasciende la metáfora
individual para ejemplificar la situación en la España franquista, como ocurre en esta
obra de 1966, cuyo título también señala ese abatimiento de individuo en una sociedad
oprimida por el régimen de Franco.

Fuente: CAAC. Obra expuesta actualmente en el CAAC de Sevilla en la exposición "1957-1975"

sábado, 26 de marzo de 2016

PELÍCULA-CONCIERTO A LOS 25 AÑOS DEL EJÉRCITO ROJO



Directores: Sergei Gerasimov, Yefim Dzigan, Mikhail Kolotozov
Guión: Sergei Gerasimov
Cámaras: Eugene Andrikanis, Mikhail Gindin, Eugene Efimov
Artista: Simon Mandel
País: URSS
Producción: Mosfilm
Año: 1943

Película-Concierto a los 25 años del Ejército Rojo

En esta Película-Concierto participa el Conjunto Condecorado con la Orden de la Bandera Roja de Canto y Danza del Ejército Rojo de la URSS bajo la dirección artística del Artista del Pueblo de la URSS, Laureado con el Premio Stalin, profesor Aleksander Vasilievich Aleksandrov. también participan otros artistas, pero en este caso solo esta el Conjunto Aleksandrov.

Esta Película-Concierto esta dedicada al 25º aniversario del Ejército Rojo de Obreros y Campesinos.

Canciones:

Canción Dedicada a los 25 años del Ejército Rojo (Invencible y Legendario)

"Danza de la Caballería"

Himno del Partido Bolchevique

viernes, 25 de marzo de 2016

"EN LA I CONFERENCIA REGIONAL DE ANDALUCIA DEL PARTIDO COMUNISTA DE ESPAÑA DURANTE LA SEMANA SANTA DE SEVILLA", DE RAFAEL ALBERTI


En marzo de 1978 tuvo lugar en Sevilla la I Conferencia Regional del Partido Comunista de España (PCE), durante los días 24, 25 y 26, fechas de Semana Santa. Hacía por tanto un año escaso de la legalización del PCE, por lo que aún no se había puesto en práctica la "descentralización" del partido, de manera que ni siquiera podemos hablar de Partido Comunista de Andalucía (PCA) sino del PCE en Andalucía. En el mitin de clausura intervinieron como principales figuras Dolores Ibárruri, Pasionaria, Santiago Carrillo y Rafael Alberti.

La política quedó para los dos primeros, al menos la explícita; la poesía, como era su línea habitual en todo mitin, para Alberti. El poeta de El Puerto de Santa María escribía sus coplas para la ocasión y en ésta armó la marimorena, sobre todo en los segmentos de población más conservadores. Un comunista osó "mancillar" uno de los símbolos sagrados de la capital de Andalucía, que se proyecta mucho más allá de la propia ciudad y de la propia Andalucía.

La intervención de Alberti llenó de sorpresa no sólo a las capas inmovilistas de la ciudad (el diario ABC se subía por las paredes), sino a los propios militantes comunistas que asistían al mitin. Alberti subió al estrado y leyó: "La Virgen del Baratillo,/ sobre cuarenta costales,/ sueña en la hoz y el martillo/ para aliviar tantos males./ Déjame esta madrugada/ lavar tu llanto en mi pena,/ Virgen de la Macarena,/ llamándote camarada./. Y otros versos en la misma línea dedicados al Cristo del Cachorro y a la Virgen Esperanza de Triana. Incluso llegó a declamar: "Que no hay bien que resista/ hoy en la tierra y el cielo/ al Partido Comunista".

Para muchos fue algo insólito. "Insólito: versos del comunista Alberti sobre nuestras cofradías", titulaba ABC, para el que los versos eran "chuflillas" y Alberti "una caricatura de sí mismo". Lo curioso es que otro diario de la ciudad, El Correo de Andalucía, entonces propiedad de la Iglesia, no daba tanta trascendencia al hecho. Su colaborador habitual, el sacerdote Francisco Gil Delgado, se hacía eco del acontecimiento en su artículo Semana Santa y Congreso Comunista, pero el tono del texto era conciliador, dentro de una línea que estaba muy en boga entonces. No en vano, el PCE tenía una fuerte presencia en el colectivo Cristianos por el Socialismo que se dejaba sentir con unos carteles donde dos antebrazos con las manos convertidas en puños formaban una cruz.

Poema de la discordia, de Alberti

Déjame esta madrugada
lavar tu llanto en mi pena,
Virgen de la Macarena,
llamándote camarada.

Flor del vergel sevillano,
sangre de tu santa tierra,
de la paz, no de la guerra,
jamás de Queipo de Llano.

Que tú no eres generala,
abogada del terror,
sino madre del amor,
lumbre que todo lo iguala.

Camarada, compañera,
de obreros y campesinos,
nunca de los asesinos
del pueblo que te venera.

Tú la representación
pura de la luz serena,
Virgen de la Macarena,
no de la provocación.
Muchacha de Andalucía,
la más clamorosa alhaja
de la sola cofradía,
de la gente que trabaja.


Poema a la Virgen de la Esperanza Macarena de Rafael Alberti, leído durante el I Congreso Regional de Andalucía del PCE, los días 24, 25, y 26 de Marzo de 1978 (que coincidió con la Semana Santa de aquel año), conocido como el "poema de la discordia".
Fuente: ABC, 28/Marzo/1978

jueves, 24 de marzo de 2016

"MUSTANG": SER MUJER HOY EN TURQUÍA

Mustang, de la realizadora franco-turca Deniz Gamze Ergüven, es el relato de la emancipación de cinco hermanas adolescentes, crecidas en un pueblo remoto de la Turquía actual, la misma que reprime la libertad de prensa entrando a golpe de metralleta en las redacciones y obligando a los periodistas a cambiar los textos y la misma a la que la Unión Europea va a pagar cantidades fabulosas de dinero para que le haga el trabajo sucio –a golpe de expulsiones y campos de internamiento- de arreglar el problema de los refugiados y migrantes que huyen de países con guerra o hambruna soñando con una Europa que, a todas luces, no existe. Esa misma Turquía donde, en muchos rincones, las mujeres siguen siendo propiedad de los hombres.

La Turquía de Erdogan, que lleva trece años en el poder, es cada vez más conservadora y las mujeres están cada vez más amenazadas por ese conservadurismo galopante. Según cifras oficiales, entre 2002 y 2009 los asesinatos de mujeres aumentaron un 1.400%, en marzo de 2015, un estudio del semanario francés Le Point cifraba en 294 el número de mujeres asesinadas en Turquía en 2014.

Mustang es una película valiente, caústica y sincera, que viene cosechando aplausos y premios desde que se presentó en el Festival de Cannes 2015. Una obra de arte que puede exhibirse como una enseña en días como los recientes, cuando oficialmente se habla de homenajear a las mujeres, y muy especialmente a las mujeres trabajadoras, y se reivindican derechos fundamentales como la libertad, la dignidad, la igualdad, el derecho a decidir y el de negarse a situaciones impuestas de dominio (se llame matrimonio o proxenetismo, e incluso situaciones más banales como poder conducir un vehículo, tener una cuenta corriente o entrar sola en un bar).

En un remoto pueblo de Turquía situado al borde del mar Negro, cinco hermanas adolescentes y casi idénticas, tanto que juntas forman un grupo homogéneo con sus melenas al viento, sus uniformes de colegiala y sus risas incontrolables (un recuerdo inevitable para las muchachas en flor de Marcel Proust y las vírgenes suicidas de Sofía Coppola), crecen en una familia obsesionada con la tradición, y fundamentalmente con la conservación de la virginidad de las mujeres hasta el matrimonio. Huérfanas, perdieron a sus padres en un accidente, de la educación de las chicas se ocupan una abuela bastante tolerante y un tío modelo patriarca, represor, machista y quizá también abusador.

El día que algunos vecinos del pueblo se quejan de haber visto a las chicas regresar de la escuela jugando con muchachos de su edad empiezan a aumentar las prohibiciones, hasta que la casa familiar se convierte para ellas en un auténtica prisión a la que la intransigencia del tío va añadiendo rejas y candados y en la que, en la práctica, viven secuestradas. La obsesión de la abuela es casarlas, incluso antes de la edad legal, para lo que intenta servirse de parientes y amigas que le buscan candidatos. Las niñas consiguen transformar su cárcel en un refugio, desde el que defenderse, juntas en una piña, contra un mundo exterior e insidioso, hecho de cotilleos, rumores y acusaciones.

La lucha de las hermanas por su libertad es “un magnífico y conmovedor pulso entre el pasado y el presente”. De distintas maneras, las cinco hermanas consiguen romper la opresiva cadena de la tradición castradora. Las protagonistas, mayoritariamente actrices no profesionales, consiguen el toque de frescura que la realización exigía para no convertirse en una historia más de países intolerantes con las mujeres. La belleza del relato está en la fuerza con que las niñas se enfrentan al obscurantismo cultural, idéntica a la que oponen a la doma los “mustangs”, esos caballos originarios del noroeste americano, sinónimos de libertad, que corren salvajes por las llanuras, y que los hombres cazan para amaestrar.

Ilsa Lund (Fuente: Crónica Popular)