"LA REBELIÓN", DE LUIGI RUSSOLO

La Rebelión  

Luigi Russolo

1911

Oleo sobre lienzo

150 x 230 cm

Gemeentemuseum La Haya

Luigi Russolo formó parte del grupo futurista de Milán. Su nombre aparece al pie del primer manifiesto de los pintores futuristas y hasta 1913 pintó numerosos cuadros bajo el signo del culto a la máquina y de las doctrinas vigentes de la estética futurista . No obstante , su interés  por la música le indujo en 1913 a cambiar de oficio y a experimentar con sonidos y ruídos.

  En sus cuadros futuristas ya se percibía su afición músical . Se concentraba más que sus colegas italianos en el sonido poderoso y orquestal de pocos y fuertes colores . Con sus composiciones, Russolo despertaba sensaciones sinestéticas que transmitían experiencias visuales y acústicas.

La Rebelión ( La revolta ) fue una de las primeras obras futuristas en las que el artista abordó la situación política real de Italia en aquellas fechas . Russolo vivía desde 1913 en la próspera metrópoli de Milán. Como Umberto Boccioni y Carlo Carrà , presenció las huelgas obreras , los disturbios y las injusticias sociales procedentes del campo de tensión de una industria en vías de desarrollo y de una estructura social anquilosada.

 Con un cuadro como La Rebelión el futurista tiende un hilo artístico entre la utopía y la realidad. Russolo aisla del fenómeno de la rebelión el aspecto que puede aprovechar para la estética  futurista. Su tema no son ni la precaria situación social ni las necesidades de los obreros , sino el potencial de la fuerza proletaria y la erupción de la violencia . La utilización de colores vivos y llamativamente tratados origina un contenido agresivo. El rojo y el azul producen el contraste  cromático más fuerte, que todavía se acentúa más en virtud de un amarillo chillón. El verde  intercalado suaviza ligeramente el poderoso tritono . La muchedumbre sublevada aparece  dispuesta en forma de cuña y, llegando desde la derecha, se lanza a través de las casas en  línea , las cuales se inclinan ante la masa atacante .

El ser humano aparece reproducido  infinitas veces pero no como individuo , sino en forma de tipo estilizado. Todos juntos constituyen  una fuerza que avanza a intervalos como un ángulo agudo rojo . Estas " lineas de fuerzas dinámicas " por utilizar la expresión con que Boccioni designa las formas -color-  indicadoras de la dirección formal asimismo la pulsación luchadora y proclive a la violencia  de la muchedumbre que se extiende por todo el escenario urbano

 

 Esta forma abreviada que se refleja sobre todo en el ángulo en flecha , distingue claramente la interpretación artística que hace Russolo de una rebelión de otras representaciones similares realizadas por sus colegas italianos Funerales del anarquista Gali, de Carrà y los estudios sobre una Pelea de Boccioni , ambos también en 1911 , convierten asimismo la energía de una muchedumbre excitada en una metáfora de la fuerza, pero aplican la estrategia futurista de la penetración desde el momento en que no sólo presentan un eje de empuje predominante, sino que entremezclan todos los elementos particulares de la escena. De este modo se crea una composición enmarañada que trascendiendo el aspecto de su dinamismo , produce la   impresión de una situación caótica y anarquista . Russolo renunció a este componente de la rebelión.Su sintaxis plástica es clara y ordenada. Casi llega a escucharse un sonido musical en la batalla

Fuente: Pinturas de vanguardia

"1945", PELICULA DE FERENC TÖRÖK

Título V.O.: 1945
Año de producción: 2017
Estreno: 16 de marzo de 2018
Director: Ferenc Török
Guión: Ferenc Török, Gábor T. Szántó
Música: Tibor Szemzö
Fotografía: Elemér Ragályi
Intérpretes: Tamás Szabó Kimmel (Jancsi), Péter Rudolf (Szentes István,a jegyzö / Town Clerk), Bence Tasnádi (Szentes Árpád), Dóra Sztarenki (Kisrózsi), Ági Szirtes (Kustár Andrásné / Sra. Kustár), József Szarvas (Kustár András), Eszter Nagy-Kálózy (Szentesné Anna / Sra. Szentes)
Sinopsis: Adaptado por Ferenc Török y Gábor T. Szántó a partir de la novela corta Homecoming (escrita por este último), el guión arranca en el verano de 1945, con los preparativos de una boda en un pueblo húngaro. Arpad, el hijo del influyente secretario municipal Istvan Szentes, se va a casar con Kisrozsi, la antigua prometida de su amigo Jancsi, que todos creían muerto en el frente, pero que finalmente ha vuelto como comunista encargado de la redistribución de las tierras. Istvan, que en otro tiempo fue como un padre para Jancsi, espera sin embargo que el statu quo se mantenga en el pueblo. Aparte de haber concertado un matrimonio provechoso para su hijo, Istvan también ha tomado posesión de la tienda de su amigo judío Pollak, que fue denunciado y detenido antes del comienzo de las deportaciones. Además, muchos habitantes están en deuda con Istvan porque fue él quien repartió los bienes confiscados a los judíos. Entonces, durante los preparativos de la boda, dos judíos ortodoxos llegan a la estación del pueblo con unas misteriosas cajas. Su llegada perturba el orden establecido, pues algunos temen tener que restituir los "bienes mal obtenidos", otros se inquietan por la posibilidad de que reaparezcan más supervivientes; a unos les vienen a la mente pensamientos criminales, a otros remordimientos...

DESENTERRAR LOS PECADOS.

Un caluroso día de agosto de 1945, bajan del tren dos judíos ortodoxos que transportan dos baúles, y se encaminan en dirección a un pequeño pueblo de la Hungría rural. El pueblo se prepara para la boda del hijo del secretario municipal, aunque, la llegada de los forasteros agitará a sus habitantes y despertará lo más oscuro de su pasado reciente. El sexto trabajo del cineasta Ferenc Török (Budapest, Hungría, 1971) basado en el relato corto Hazatérés (Regreso a casa) de Gábor T. Szántó, coguionista junto al director de una película que recupera el aroma de los mejores westerns como Sólo ante el peligro (Fred Zinnemann, 1955) o Conspiración de silencio (John Sturges, 1955) dramas vestidos de tragedia griega, donde la aparición de alguien que viene de fuera, ya sea en son de paz o todo lo contrario, afectará de manera crucial a los habitantes del pueblo, seres que tienen mucho que esconder y más que callar, porque ese pasado violento que creían enterrado y olvidado, volverá a sus mentes atormentándolos. La película vuelve la mirada hacia el pasado más ignominioso de la historia de Hungría y tantos países de su alrededor, durante la ocupación nazi, centrándose en la condena y expulsión de muchos judíos de los pueblos y ciudades, y posteriormente, arrebatándoles sus viviendas y negocios.

Una cinta sobre el pasado oscuro, sobre tantos episodios violentos sufridos por unos y perpetrados por otros, donde la llegada de los extraños despertará fantasmas del pasado, viejas rencillas y demás aspectos violentos que tanto tiempo han estado ocultos y aparentemente olvidados, dentro de una película que se enmarca en un período concreto, cuando al final de la segunda guerra mundial, y una vez vencido el fascismo, el comunismo todavía no había llegado, en ese tiempo de transición donde todavía había tiempo para la esperanza y construir una sociedad diferente (con la atenta mirada de los soldados soviéticos que ya empezaban a llegar). Los poderes facticos del pueblo se verán amenazados y convulsos por esas figuras negras y caminantes que se aproximan al pueblo, quizás para reclamar lo que es suyo, aquello que les fue arrebatado injustamente, el temor a perderlo todo, a enfrentarse a su pasado violento, será el detonante para que unos y otros, se muevan con rapidez y preparándose para esa amenaza que se cierne sobre sus vidas.

El representante municipal, además de dueño de la tienda del pueblo, junto con el sacerdote, y finalmente, un tipo que anda borracho y traumatizado por ese pasado que por más que lo intente, no ha podido olvidar. Török sigue explorando los avatares históricos que han sacudido su país desde el final de la segunda guerra mundial, aspectos recurrentes en su filmografía, como la ocupación soviética, el final del comunismo, y los primeros años de la “democracia” en Hungría, temas que el director húngaro lo ataja desde la variedad de los puntos de vista, y cómo el ser humano se ve sujeto a las decisiones políticas que casi nunca van en consonancia con las necesidades de los más necesitados. En su sexto largometraje construye un drama seco, áspero, de gran tensión psicológica, donde sus personajes se mueven por instinto, arrastrando ese miedo que acecha, ese miedo que les devuelve a su sitio, que les despierta lo peor de cada uno de ellos, un miedo que te agarra y no te suelta hasta dejarte seco y herido de muerte.

Török imprime a su relato un forma estilizada en la que aporta un primoroso y sobrio blanco y negro, obra del veterano cinematógrafo Elemér Ragályi, curtido en mil batallas, que realiza un trabajo espléndido, dotando al filme de una extraña luz, con esas figuras negras (como si sus habitantes más que asistir a una boda fueran a un funeral) rodeados de esa tierra quemada, esas casas pálidas, con sus calles polvorientas, y esos interiores mortecinos, en el cada encuadre está sujeto a la perspectiva de los aledaños mirando de hurtadillas a través de ventanas, de puertas, como si toda esa nube negra disfrazada de pasado se cerniera sobre el pueblo como una tormenta amenazante que acabará con todos, y se los llevará hasta el mismísimo averno, con ese calor abrasador que atraviesa a unos personajes acostumbrados a permanecer en silencio, ya que tienen mucho que callar, y a mentirse entre ellos, a no soportar la asfixia de los sitios cerrados y pequeños, y no dejarse llevar por lo que sienten, como les ocurre al triángulo amoroso de los jóvenes que estructura el drama de la cinta, quizás el elemento esperanzador de un futuro que parecía prometedor.

Török se acompaña de un extraordinario reparto coral, con esa veracidad y naturalidad fantástica, en la que plantea una película de ritmo pausado y tenebroso, en el que sus 91 minutos pasan de manera vertiginosa, encauzando unas tres horas de duración real de la historia, desde que llegan los forasteros hasta que hacen su cometido, donde la acción se agarra al interior de los personajes, que sufren y sienten el peligro que les amenaza, donde el estallido de violencia se palpa en cada calle, cada habitación y cada rincón del pueblo, y las miradas de los habitantes, que se mueven como alimañas intentando huir de ellos mismos y de paso, expiar sus pecados, aquello del pasado que ocurrió y quieren olvidar o simplemente no hablar de ello, aunque no todos lo consiguen. Una drama sobre los aspectos más oscuros de las guerras, sobre la condición humana, su miedo, su egoísmo y su avaricia, donde unos ganan y otros sufren esa victoria, porque nunca hay salvadores de la patria, sino algunos que aprovechan las circunstancias para vencer al más debilitado, y de esa manera, seguir escalando en su posición social y económica.

Fuente: 242 películas después

 

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:

 

"HIMNO NACIONAL PALESTINO", DE MIKIS THEODORAKIS

"HIMNO NACIONAL PALESTINO", DE MIKIS THEODORAKIS

En 1981 el líder de la Organización de Liberación de Palestina (OLP), Yasser Arafat, visita Grecia. Durante su estancia, conoce a Theodorakis, quien en ese momento era diputado, y le pide que componga un himno para la OLP, que se propondría como himno oficial del Estado palestino una vez alcanzado el objetivo de lograr tal Estado. A principios de 1982, Mikis Theodorakis acepta la invitación de Arafat y visita Beirut como invitado del ministro de Cultura libanés y de la OLP para presentar el himno. Éste, queda ratificado por el Parlamento palestino, tras recibir una gran ovación por parte de Arafat y los legisladores palestinos.

El final de 1982 estuvo marcado por la invasión de Beirut por Israel y la masacre de civiles palestinos y libaneses. Mikis Theodorakis recibe una invitación para visitar Beirut por parte de Arafat a través del secretario general del KKE, Charilaos Florakis, para apoyar la lucha palestina y levantar el ánimo de las masas palestinas, libanesas y sirias. Finalmente, viajará a Damasco para realizar un espectáculo que conseguirá llenar el teatro.

En 1983, es galardonado con el Premio Lenin de la Paz

Fuente: Lucha de clases

"LA NARIZ", ÓPERA DE DIMITRI SHOSTAKÓVICH, EN EL TEATRO REAL DE MADRID

 

‘La nariz’ convierte el Real en un grotesco y maravilloso cabaret

El Teatro Real estrena con éxito la gamberra, libertina y magnífica producción de ‘La nariz’ de Shostakóvich que firma el director de escena Barrie Kosky. El coliseo madrileño se convierte en un maravilloso cabaret del absurdo, en el que un hombre que pierde su nariz se verá envuelto en una surrealista peripecia hasta recuperarla. Un hombre interpretado magistralmente por el barítono Martin Winkler. 

Cuando Shostakóvich decidió poner en marcha su primera ópera, La nariz, tuvo claro en su cabeza que quería ir un paso más allá. Así lo dejó por escrito: “Yo orquesté el texto de Gógol, pero no para producir una sinfonía absoluta o pura, sino una sinfonía teatral”. Aquello no sería una mera partitura de música incidental, sino, más bien, una obra inseparable e indisoluble de su parte teatral. Por eso mismo cogió el cuento homónimo de Gògol y, como es sabido, con 22 años se convirtió en el máximo responsable de su transformación en un libreto de 3 actos y 10 escenas que firmó con otras tres personas de renombrado prestigio en cuestiones dramatúrgicas.

“La música no se divide en números individuales, sino que fluye en una sola corriente sinfónica y no dispone de un sistema de motivos conductores. Cada acto funciona como el movimiento de una sinfonía músico-teatral”, explicó el músico. Es decir que para funcionar, como bien dijo Mark Wigglesworth, director musical de estas funciones que llegan ahora al Teatro Real, es necesario que ese aparente caos musical se incardine en una representación teatral. Y qué mejor director de escena que el genial Barrie Kosky para llevar a cabo esta tarea. Estoy convencido de que el joven Shostakóvich se habría llevado a las mil maravillas con este animal teatral que es Kosky, y le habría entregado la puesta en escena de este cuento absurdo e incisivo de un hombre que se despierta sin su nariz y la persigue por toda la ciudad de San Petersburgo para averiguar que ese apéndice ha logrado un estatus mayor que el suyo, dejándolo sin poder, sin identidad y sin hombría.

Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, señala: “Shostakóvich expresa esta historia delirante de vanidades, paranoias del ego, miedo a la castración, angustia por la mutilación que puede afectar a las perspectivas de ascender socialmente, mediante un código sonoro muy próximo al cabaret: la música abdica de sus poderes lacrimógenos y centra su poder en la sátira, la parodia, la comicidad feroz y corrosiva”. Y ese mensaje, justamente, es el que ha sabido leer a la perfección Barrie Kosky no solo en el texto del libreto, sino también en la música, despachando un espectáculo al que le importa bien poco la corrección política y quien esté o no haciendo sonar sus joyas en el patio de butacas.

Plano general de una escena del segundo acto de ‘La nariz’, en el Teatro Real. Foto: Javier del Real.

La nariz, nada más salir a escena, recién desperezada de un largo sueño, arroja una sonora y rotunda flatulencia. Koliakov, el protagonista, magistralmente interpretado y cantado por el barítono Martin Winkler, e Iván, su ayudante, comparten cama, sueños lúbricos, ronquidos y escupitajos. En su peripecia de la persecución nasal por toda la ciudad, Koliakov se tropezará con bailarinas barbudas, policías borrachos, estudiantes salidos y eunucos guasones. Narices que bailan claqué junto a periodistas preocupados por las noticias falsas y comerciantes sin problema ninguno para soltar chistes racistas y de humor demasiado negro. Un crescendo imposible y caótico.

Koliakov se debate en una trama que le amenaza con perder su posición social, su identidad y su estatus. Es un grosero, una persona despreciable, ventajista, se comporta fatal con las mujeres y, por su puesto, trata de sacar ventaja de su posición preeminente en la sociedad todo lo que puede. Lo importante nunca son los demás, sino él mismo. Y, aun así, Shostakòvich y Barrie Kosky consiguen que sintamos cierta empatía por su sufrimiento.

Esta producción se estrenó en Londres en 2016 e impresiona porque la materia prima más importante de su puesta en escena son los actores, el trabajo actoral. Los elementos escenográficos no son muchos ni muy complicados. No hay grandes efectos ni gigantescos decorados de cartón piedra. Como ya hizo con Saúl de Handel y más tarde con su versión del Candide de Leonard Bernstein en la Komische Oper de Berlín en 2018, a Kosky le bastan esos pocos elementos para crear todo un universo que termina por parecer mucho mayor.

El trabajo de Kosky posee la mágica capacidad de que las evoluciones de sus actores y la escenografía justa e inteligente produzcan en el público un efecto activo. Es capaz de disparar la imaginación del espectador, que termina por enriquecer, gracias a su propia experiencia, cultura y bagaje, lo que ve en el escenario. Kosky tan sólo enciende la cerilla para que aparezcan capas y capas de subtexto, metáforas y mensajes escondidos como por arte de magia. Mención especial en este caso merecen los equipos de caracterización, maquillaje, peluquería y vestuario, sin ninguna duda grandes responsables del éxito de esta producción.

La partitura de La nariz es una composición para una orquesta de cámara con el añadido de 10 percusionistas. Y la percusión está descrita sin tonalidad, solamente con ritmo. Ella es la responsable de la oscuridad y la frialdad de esta obra que intercala con gran sabiduría otros momentos más líricos y emotivos, de los que se encargan las maderas, las cuerdas y el canto, sobre todo del coro que en este montaje desarrolla un trabajo durísimo e impecable. Por ejemplo, en la escena del entierro en la catedral.

La nariz, bailando en el primer acto de ‘La nariz’ en el Teatro Real. Foto: Javier del Real.

Según Wigglesworth, es la forma musical que tiene Shostakóvich de diferenciar entre “el ser humano, una entidad con emociones, de la sociedad en la que este se inserta: un ámbito hostil, cruel y deshumanizado. La falta de esa individualidad se expresa a través de la falta de música. ¿Cómo podemos expresarnos cuando no nos dejan expresarnos? Por medio de una música atonal y rompedora que traduzca la infinita gama de opciones emotivas que posee el ser humano”.

Al final, sorprenderá la aparición de la presentadora televisiva Anne Igartiburu ofreciendo un discurso al respetable público; obviamente, se trata de un injerto de Kosky en la obra. Johannes Stepahek, responsable de la reposición en el Teatro Real, asegura que se trata de una de las “muchas ideas brillantes que Barrie Kosky ha introducido en esta producción”. Es cierto que cuando se ve esta obra sin red, sin haber indagado antes en ella, comprendes que es toda una montaña rusa. Tiene un ritmo endiablado y, en cierta forma, es muy cinematográfica y puede terminar por convertirse en un reto para el espectador, que ha de enfrentarse a escenas que se superponen, a un escenario que va complicándose cada vez más… Es casi un ataque a los sentidos cuando uno está sentado en la butaca. Así que Barrie Kosky pensó que, en un momento cercano al final de la representación, sería útil para la obra y para el público que un personaje pusiera en orden el rompecabezas. Cuando descubrimos que el discurso de la presentadora es en realidad el final del texto del cuento de Gógol se comprende lo acertado de su inclusión.

Y es que desde las tablas se nos interroga sobre los límites, lo absurdo y su parentesco con la realidad. ¿Alguna de las cosas que se han visto y escuchado sobre el escenario nos han sonado mínimamente reales? Muchas más de las que uno se cree. Aunque el banquero que se larga con la pasta en esta ocasión sea un caniche negro. Aunque las noticias que se elaboran en la Redacción de un periódico tengan la misma credibilidad que el recortable de un falo sobre la portada de un diario de máxima tirada.

Fuente: El asombrario

Hasta el 30 de marzo

EL PUEBLO SAHARAUI YA TIENE SU PROPIO "NETFLIX": 230 PELÍCULAS PARA CONTAR SU MEMORIA

 

Cine, cultura e identidad. El pueblo saharaui conoce perfectamente el valor del séptimo arte como herramienta para la defensa de su causa. No en vano, lleva veinte años celebrando en los campamentos de refugiados el Festival Internacional de Cine FiSahara, que el pasado otoño recibió el Premio González Sinde 2022 de la Academia de Cine "por su extensa y esforzada trayectoria visibilizando, formando y entreteniendo a la población saharaui a través de su festival anual de cine, cultura y derechos humanos, y su dedicación a la educación de la juventud saharaui con su escuela de formación audiovisual Abidin Kaid Saleh".

Pero ahora, FiSahara va un paso más allá y pone en marcha el catálogo online más extenso de películas de temática y/o realización saharaui. Con más de 230 producciones que abarcan las últimas cinco décadas, el catálogo lo ha elaborado la ONG Nomads HRC, responsable de la parte internacional de FiSahara, cuya misión es apoyar proyectos culturales, de comunicación y de Derechos Humanos liderados por saharauis tanto en los campos de población refugiada saharaui en Argelia como en el Sáhara Occidental ocupado por Marruecos o en la diáspora.

"Es una base de datos que hemos ido recopilando desde hace años, desde más de una década. Son películas que nunca se habían sistematizado", explica a infoLibre la cofundadora de Nomads HRC y directora ejecutiva de FiSahara, María Carrión, quien añade que la idea es "facilitar la labor" a cualquiera que quiera saber sobre el Sáhara Occidental. Una colección de historias ahora por vez primera reunidas y organizadas, muchas de las cuales se pueden disfrutar gratuitamente por estar publicadas en plataformas: "Donde hemos podido, porque están ya colgadas por ejemplo en YouTube, incluimos el enlace. Y de las que no están en abierto, publicamos todos los datos de contacto de distribuidoras y productoras y también los trailer".

Colectivamente, las obras ofrecen un extraordinario recorrido audiovisual por el fin de la era colonial española en el Sáhara Occidental, la invasión marroquí y el éxodo, la guerra, el exilio y la ocupación y sobre todo la lucha permanente del pueblo saharaui por liberar su tierra. El catálogo, disponible en español e inglés, incorpora herramientas de búsqueda que filtran la información de acuerdo a criterios de género, temática, año, nacionalidad, idioma y subtítulos. En cada entrada del catálogo se puede encontrar información completa sobre la película, desde su ficha técnica a la sinopsis, enlaces a los trailer o a la visualización íntegra e, incluso, datos de contacto en algunos casos.  

Según explican sus promotores, el objetivo del catálogo es doble: por un lado, convertirse en escaparate para los centenares de películas que de un modo u otro reflejan las consecuencias de la ocupación ilegal del Sáhara Occidental por parte de Marruecos y, por otro, ser una herramienta al servicio de todas aquellas organizaciones e instituciones que programan ciclos de cine saharaui, así como para investigadores y periodistas. "Cualquiera que visite la web puede hacerse una idea de la envergadura de las obras que cuentan algún aspecto del Sáhara Occidental de manera audiovisual", destaca Carrión. 

Y prosigue: "Son películas tanto realizadas por personas de fuera que han ido a contar la realidad saharaui, como por los propios saharauis, que hacen ya sus propias películas. Este es un intento de obsequiar al pueblo saharaui una base de datos donde está recogida toda esta información que hemos ido manejando a lo largo de los años. Hasta nosotras nos hemos sorprendido de la cantidad que hay, porque en realidad nunca se ha sabido cuantas películas de temática saharaui hay. Y es un número aproximado lo que tenemos, porque van llegando ya algunas que no sabíamos que existían, pero hemos lanzado con 236 películas. A partir de ahí, queremos llegar a gente que pueda tener más películas antiguas en sus propios archivos, cintas hasta ahora desconocidas. Es importante recuperarlas para que los saharauis tengan su memoria lo más completa posible. Es importante saber qué es lo que hay".

“Hace unas décadas el cine apenas existía en el Sáhara Occidental. Nuestro pueblo es nómada, nuestra cultura es oral y nuestra historia apenas había sido documentada por cineastas internacionales", asegura Tiba Chagaf, director de FiSahara. “En poco tiempo he sido testigo de cómo el cine se ha convertido en una de las herramientas más útiles para contar nuestra historia. Poder encontrar todas estas películas en un solo lugar nos da una mejor idea de la envergadura y diversidad de la obra cinematográfica sobre el Sáhara Occidental y de la incipiente cinematografía puramente saharaui que ya cuenta con muy interesantes títulos", agrega.

La base de datos es un proyecto colaborativo y en constante evolución al que Nomads HRC va incorporando nuevas producciones, como es el caso de la reciente ganadora de la XVII edición de FiSahara, Wanibik, del director argelino Rabah Slimani o uno de los últimos cortometrajes producidos desde la Escuela de Formación Audiovisual Abidin Kaid Saleh, Peligro inminente, de la realizadora saharaui Azza Mohamed Moulud. Como parte del equipo de FiSahara desde su inicio, y tras la proyección de incontables películas de temática saharaui, el equipo de Nomads HRC vio la necesidad de aglutinar todas las películas en un archivo accesible al público, que ahora por fin es una realidad.

El catálogo se convierte así en una herramienta para seguir dando voz al pueblo saharaui en todos los rincones de planeta, como señala Carrión. "Poder proyectar a nivel internacional películas sobre el Sáhara ante diferentes públicos es abrir una ventana al Sáhara por primera vez. Y al tener esta base de datos es infinitamente más fácil para cualquiera que quiera exhibir una película encontrar lo que está buscando", resalta, añadiendo que desde ya están animando a la gente a contactar con ellas si saben de alguna película que no está en el catálogo, o "alguna película que sí que está en abierto pero no lo sabíamos". "Han sido años y años de mucho trabajo de hormiga, recopilando cada título, buscando los carteles y la ficha técnica y artística, trailer... es mucha información que está perdida por internet y que no es fácil encontrar en demasiadas ocasiones. Llevamos más de diez años recopilando la base de datos, intensificando el trabajo en los últimos tres", concluye.

Fuente: infolibre

https://nomadshrc.org/catalogue/public/

"PALOMAS Y PRISIONEROS (PARA LOS EXILIADOS ESPAÑOLES)", DE PABLO PICASSO

Palomas y prisioneros (para los exiliados españoles)

Pablo Picasso

1962

Litografía de tinta sobre papel

67 x 50 cm

Museo Picasso. Colección Eugenio Arias. Buitrago del Lozoya (Madrid)

Estampa de formato rectangular que contiene el dibujo en la parte central de palomas dibujadas con trazos, y dos figuras masculinas con los brazos abiertos entre líneas gruesas que simulan rejas. En la parte inferior la firma autógrafa de Picasso.

Esta imagen es una muestra más del compromiso de Picasso contra la situación política española durante el franquismo. Esta litografía fue utilizada como imagen para un calendario de 1964, un ejemplar del cual se conserva en el museo, y en el que se publican poemas de Federico García Lorca, Antonio Machado, Miguel Hernández, Vicente Aleixandre, Rafael Alberti, Gabriel Celaya, Blas de Otero, Marcos Ana, Vidal de Nicolás y Carlos Álvarez, todos ellos de claro signo antifranquista.

"EL EJÉRCITO DEL CRIMEN", HISTORIA DE LA RESISTENCIA FRANCESA ANTIFASCISTA DEL DIRECTOR ROBERT GUÉDIGUIAN

Título original L'Armée du crime

Año 2009

Duración 139 min

 País Francia

Dirección Robert Guédiguian

Guion Serge Le Péron, Gilles Taurand

Música Alexandre Desplat

Fotografía Pierre Milon

Reparto Virginie Ledoyen, Simon Abkarian, Robinson Stévenin, Jean-Pierre Darroussin, Lola Naymark, Grégoire Leprince-Ringuet, Yann Tregouët, Ariane Ascaride

Sinopsis Segunda Guerra Mundial (1939-1945). En París, el poeta obrero Missak Manouchian encabeza un heterogéneo grupo de partisanos (22 hombres y una mujer) que luchan clandestinamente contra la ocupación nazi con la esperanza de recuperar la libertad. La información sobre sus osadas acciones, que incluyen el asesinato de un general de las SS, termina por llegar a Berlín. Siguiendo órdenes de la Gestapo, la policía francesa y los colaboracionistas asediarán a Manouchian y a sus compañeros de la Resistencia.

París, durante la ocupación nazi. El poeta obrero Missak Manouchian asume el mando de una cuadrilla de jovenzuelos judíos, húngaros, polacos, rumanos, españoles, italianos, armenios, decididos, todos ellos, a luchar por la liberación de esa Francia que tanto aman, la Francia de los Derechos Humanos. En la clandestinidad, arriesgando sus vidas, se convierten en héroes.

Los atentados de esos partisanos extranjeros acosan a los nazis y a sus secuaces. La policía francesa contraataca, estrecha filas, recurre a persecuciones, denuncias, chantajes, torturas…
En febrero de 1944, se condena a muerte a veintidós hombres y a una mujer. La campaña final de propaganda los representa como miembros del "Ejército del crimen". Sus retratos, reunidos a modo de medallón sobre fondo rojo, se exhiben en los muros de todas las poblaciones del país.

Unos emigrantes muertos por Francia que pasan a formar parte de la leyenda.

Esa es la bella y trágica historia que nos narra la película.

Fuente: UniFrance

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:

REPORTAJE "1921. AYUDA INTERNACIONAL CONTRA LA HAMBRUNA EN RUSIA"

1921. Ayuda internacional contra la hambruna en Rusia

En 1921, Rusia sufrió gran hambruna. Las organizaciones humanitarias de Europa y Estados Unidos se movilizaron para hacer llegar suministros. Se trata de la primera vez que una operación de este tipo tiene lugar en tiempos de paz, y también la primera en la que las organizaciones humanitarias filman la situación, con duras y conmovedoras imágenes. ¿Cómo se organizó esta gigantesca operación? ¿Ayudó realmente a detener la hambruna? ¿Cuál era el objetivo de esas imágenes grabadas por las organizaciones humanitarias?

Realización Serge Viallet y Anne Thévenin

País Francia

Año 2021

Duración: 26 mnutos

Fuente: ARTE TV

LA FUNDACIÓN DE INVESTIGACIONES MARXISTAS PUBLICA EL Nº 14 DE LA REVISTA "NUESTRA HISTORIA"

Revista «Nuestra Historia» nº14. Investigaciones sobre emancipación y protesta social

El dossier que da título al número está compuesto por diversos artículos que abarcan las divisiones establecidas entre marxistas, anarquistas y republicanos en el último tercio del siglo XIX; el papel de Alexandra Kollontai y su aportación a la emancipación de las mujeres; una huelga de obreras en una fábrica de sacos (Lliria, Valencia) en 1943;  o el papel de los comunistas brasileños en la educación popular y en la lucha por la democracia en las décadas centrales del s. XX. A ellos se suma, en la sección de Estudios, un texto sobre el origen en la trata de esclavos de algunas grandes fortunas cuyas memorias quedaron bendecidas por la filantropía. La sección de Entrevistas está dedicada al historiador Luciano Casali, quien es interpelado por su compatriota Steven Forti, mientras que en la sección de Nuestros clásicos, Ismael Saz nos sugiere e introduce un texto del historiador Tim Mason. El número se completa con las habituales secciones de Lecturas -en este caso con atención a los libros aparecidos con motivo del centenario del PCE-, Encuentros y Memoria, esta última con interesantes trabajos como el dedicado a los agentes de la Brigada Político Social franquista o la serie de programas de RNE sobre el citado centenario; además de la habitual biografía.

Núm. 14 (2º semestre de 2022): Investigaciones sobre emancipación y protesta social: número completo en pdf

8 DE MARZO, DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER

Cartel propagandístico de Emad Abdel Wahhab para el marxista Frente Popular para la Liberación de Palestina para el Día Internacional de la Mujer

Emad Abdel Wahhab 

1984

Publicado en Líbano

Copia original de The Palestine Poster Project Archives

Se cree que la mujer más alta representada es Shadia Abu Ghazaleh; la segunda mujer desde arriba es Dalal Moghrabi; la tercera mujer desde arriba es Taghrid al Batmeh; el retrato en la parte inferior es posiblemente el de Rajaa Abu 'Ammash

 

SINFONÍA Nº 2 "LA ISLA DE LA MUJERES", DE LA COMPOSITORA SOVIÉTICA GAZIZA ZHUBANOVA

Gaziza Zhubanova (1927-1993) nació en el pueblo de Zhanaturmys en la región de Aktobe, en el noroeste de Kazakistán, el 2 de diciembre de 1927. Muere el 13 de diciembre de 1993 en Alma Ata. Gaziza Zhubanova (1927-1993) recibió el premio de Artista del Pueblo de la URSS en 1981.

La “Sinfonía Nº 2" (La isla de las mujeres) fue compuesta en 1983. Escrita en tres movimientos se grabó en 1984 para el sello Melodiya, interpretada por la Orquesta Sinfónica del Estado de Kazakistán dirigida por Tulenbergen Abdrashev.

El primer movimiento empieza con unos compases de la percusión, antes de que la soprano nos ofrezca vocalizando una especie de canto de sirena. La orquesta nos presenta un tema poco definido, en un estilo con bastantes disonancias. La percusión nos conduce a una pausa después de la cual la cuerda introduce un tema cromático lento. Su evolución en el registro agudo nos presenta unas recónditas texturas. Unos compases llenos de misterio preceden el retorno del canto de sirena de la soprano.

El segundo movimiento tiene características dramáticas, correspondiendo a la parte lenta de la sinfonía. Una música bastante cromática nos describe un atormentado paisaje. La  intervención de la percusión en carácter solista antecede a unos momentos de respiro. Luego la cuerda inicia un tema espacial acompañada por la percusión, que crece en el registro agudo con la intervención del piano, arrastrándonos hacia un clímax. Un solo del piano nos conduce a una nueva intervención misteriosa de la soprano, que termina con unas dramáticas llamadas.

El tercer movimiento es un allegro. La orquesta nos presenta un tema lleno de fuerza, característico del valor de la mujer. La entrada de la percusión en forma rítmica  antecede a un segundo tema lírico lleno de disonancias. Un solo de la percusión nos conduce a un tema lírico claramente folclórico, una melodía del Asia Central. El tema lírico se desarrolla en forma dramática alcanzando un fuerte clímax. La voz misteriosa de la soprano reaparece con su vocalización. Ocho misteriosas campanadas anteceden al golpe de gong final.

Fuente: Historia de la Sinfonía

EDICIONES MNEMOSYNE PUBLICA "ESCRITOS INÉDITOS SOBRE LA CUESTIÓN FEMENINA", DE NADEZHDA KRÚPSKAYA, DESCARGABLE EN PDF

NADEZHDA KRÚPSKAYA

Escritos inéditos sobre la cuestión femenina

NOTA EDITORIAL

Nadezhda Konstantínovna Krúpskaya es otra de esas figuras históricas cuya universal reivindicación no ha venido acompañada del interés correspondiente por las posiciones teóricas y políticas que mantuvo en vida. Reducida por la burguesía a «mujer de Lenin», y por las mentes estrechas a simple «secretaria», «pedagoga» o experta en asuntos de biblioteconomía, Krúpskaya fue realmente una
temprana marxista, experimentada militante comunista y un cuadro imprescindible del Partido Bolchevique durante lustros, dedicando cerca de medio siglo de su vida a la actividad revolucionaria.
Con esta pequeña edición queremos, por un lado, continuar con nuestra serie de publicaciones sobre la emancipación revolucionaria de la mujer soviética; por otro, contribuir a quebrar la mala tradición editorial castellana, poco interesada, en general, en la obra de Nadia Krúpskaya, y usualmente centrada de manera unilateral en sus escritos divulgativos sobre Lenin. Además, esta recopilación temática nos acerca a una Krúpskaya poco conocida: además de su temprano e ignoto folleto sobre la situación
de las mujeres trabajadoras en la Rusia zarista –y otros textos y discursos sobre los retos que tenía por delante la política de emancipación femenina bolchevique–, en este volumen el lector encontrará el análisis que la dirigente comunista hace de la controvertida política familiar (incluyendo la prohibición del aborto) que se implantó a mediados de los años 30, bajo el liderazgo político de Stalin.
Como comprobará el lector, la comunista rusa considera, como el resto de sus camaradas, que la clave para la emancipación de la mujer en la U.R.S.S. no estaba en tal o cual aparato organizativo (como el Zhenotdel), sino principalmente en las grandes transformaciones económicas y sociales que implicaron la industrialización y la colectivización del campo.

En suma, como con todas nuestras publicaciones, deseamos contribuir al estudio, la reflexión y el debate de los sectores conscientes de la clase trabajadora, rescatando aquí textos que por primera vez se publican en nuestro idioma y que, así lo creemos, aportan elementos interesantes para el mejor conocimiento de la historia de la Unión Soviética y la política del bolchevismo.

* * *

Respecto a los criterios de la edición, todos los textos han sido traducidos por Boliá Doubai Sánchez a partir de sus versiones inglesas. En el caso de LA MUJER TRABAJADORA, desde la reciente traducción de M. Costello (2017); el resto de textos, que componen la segunda parte de la presente
edición, (LA MUJER SOVIÉTICA: UNA CIUDADANA CON IGUALDAD DE DERECHOS), han sido volcados al castellano a partir del folleto SOVIET WOMAN: A CITIZEN WITH EQUAL RIGHTS, publicado en inglés, en 1937, por la moscovita Co-operative Publishing Society of Foreign Workers in the U.S.S.R., casa editorial antecesora de las famosas Ediciones en Lenguas Extranjeras.
Las notas del primer folleto pertenecen a la obra original;la mayoría de las subsiguientes, señaladas con la leyenda N. de la E., a nuestra editorial. Hemos sustituido todas la scitas de los clásicos por sus versiones ya publicadas en castellano, quedando todas ellas convenientemente referenciadas

"ESCRITOS INÉDITOS SOBRE LA CUESTIÓN FEMENINA", DE NADEZHDA KRÚPSKAYA, DESCARGABLE EN PDF: https://www.ediciones-mnemosyne.es/wp-content/uploads/2023/02/N.-Krupskaya-Escritos-ineditos-sobre-la-cuestion-femenina-web.pdf?v=3b0903ff8db1

"MONUMENTO A LAS MUJERES LUCHADORAS", DE BORKA AVRAMOVA

Monumento a las Mujeres Luchadoras 

Borka Avramova

1961 

Escultura de bronce 

4-5 m

Tetovo, Macedonia del Norte 

Situado directamente frente al Centro Cultural "Iljo Anteski Smok" en la ciudad de Tetovo, se encuentra el Monumento a las Mujeres Luchadoras, que está dedicado a la memoria y el legado de las muchas mujeres luchadoras de la región de Macedonia que participaron y perecieron durante la Lucha Popular por la Liberación (Segunda Guerra Mundial). 

El elemento central del complejo es una escultura figurativa de
bronce de 4-5 m de altura de una mujer que se llama "Pobeda" (Victoria). Se pone de pie con orgullo mientras mira intensamente a lo lejos mientras sostiene su mano derecha hacia abajo a su lado, apretada con fuerza. Su apariencia desafiante irradia una sensación de poder y pasión, simbolizando a una mujer que está lista para luchar y recuperar la libertad que le fue arrebatada. Esta obra dramática fue creada por la escultora local Borka Avramova, quien a menudo experimentó con la creación de formas femeninas que operaban como una síntesis entre los estilos escultóricos modernos y tradicionales. Es interesante señalar que, en comparación con muchos de los monumentos que representan sujetos femeninos en la escultura conmemorativa yugoslava, esta obra es un raro ejemplo creado por una mujer, lo que ilustra el hecho de que, si bien las mujeres estaban siendo ampliamente representadas en el arte conmemorativo en Yugoslavia, el trabajo artístico en sí era algo que en gran parte realizaban los hombres.

DOCUMENTAL "MUJERES EN PIE DE GUERRA", DE SUSANA KOSKA

Mujeres en pie de guerra

Dirección: Susana Koska

Reparto: Sara Berenguer, Teresa Buigues, Neus Català, Rosa Díaz

Año: 2004

Duración: 1h 15min 

País: España

"Mujeres en pie de guerra" recoge la vida de seis luchadoras antifranquistas. No sólo se trata de un documental, también de un proyecto multimedia que recoge un libro, un disco, un montaje teatral y una exposición de obra gráfica sobre el testimonio de seis mujeres que combatieron al franquismo. El documental se adentra en los recuerdos de todas ellas.

La película viene complementada por una excepcional banda sonora en la que han participado, entre otros autores, Loquillo, Los Trogloditas, Paco Ibáñez y Gabriel Sopeña. Sus voces ofrecen nuevas versiones de canciones míticas --A las barricadas , La mala reputación , De tripas corazón --, y otros temas de nueva factura. 

VER DOCUMENTAL:

EXPOSICIÓN "ARTE EN RESISTENCIA" EN VALENCIA

 Se puede ver en València (Galeria O+O, Valencia. C/ Francisco Martínez, 34. Benimaclet. València) la exposición «Arte en Resistencia», con obras de diversos artistas que fueron militantes del Partido Comunista de España o muy próximos al mismo en una época en la que muchos de ellos fueron encarcelados o sufrieron el exilio.

La confrontación con la estructura socioeconómica e ideológica de los años sesenta y setenta del siglo pasado, a medio camino  entre los últimos estertores del franquismo y la recién comenzada transición política, impulsó en España un arte socialmente comprometido. Las creaciones de aquellas décadas tendieron a plasmar el ambiente que se vivió entonces. En estas obras se observa la denuncia social, el sarcasmo y hasta un hálito de esperanza en la reconciliación de un país que todavía arrastraba las heridas no cerradas de la guerra civil. En esencia, en la producción artística de aquella época, hubo un grupo de artistas que abandonaron el academicismo y reflejaron en sus obras la posición política que defendían. Algunos de estos artistas militaron en el Partido Comunista entonces ilegalizado y fueron encarcelados o sufrieron el exilio. Con la intención de reivindicar aquella labor creativa, la exposición colectiva, titulada Arte en Resistencia, reúne las serigrafías firmadas por quienes con un lenguaje plástico contribuyeron a desarrollar una nueva sensibilidad estética contra la dictadura franquista y reflejaron el anhelo de libertad y justicia de las movilizaciones ciudadanas de la transición democrática.

La singularidad y punto de unión de todas las obras de esta muestra, reside en haber sido realizadas por artistas que conformaron la resistencia antifascista. Los de mayor renombre son Josep Renau y Rafael Alberti. El primero participa con una obra que recuerda su talento para el cartel y el fotomontaje y, el segundo, con un dibujo de corte poético y surrealista. No se quedan atrás el resto de artistas que, en mayor o menor medida, han alcanzado reconocimiento internacional y han participado en los movimientos pictóricos y escultóricos del siglo XX. Es el caso del Equipo Crónica, formado por los pintores Rafael Solbes, Juan Antonio Toledo y Manuel Valdés, cuya práctica pictórica combina el realismo  y el pop art para hacer  tanto  crítica social como crítica a la historia del arte. Y en esa misma  línea  referencial,  al  pop  art  y  al  realismo  social,  se  sitúa    la serigrafía de Antoni Miro.

Por  otra  parte,  también  se  puede  contemplar  la  obra  de  Joan Castejón   en la que da cuenta de su maestría con el dibujo, al igual que la obra de Jordi Ballester, componente del Equipo Realidad, en donde deja traslucir su crítica a los medios de comunicación y al relato político del franquismo. Tampoco falta Angel Aragonés con una serigrafía en la que unos párrafos escritos reflejan su manera de juntar expresión artística y lucha política. Es más, junto a los artistas citados, el público encontrará obra de José Ortega y Ricardo Zamorano, ambos vinculados al realismo social, así como de Salvador Soria y Agustín Ibarrola que utilizan el lenguaje plástico del expresionismo abstracto. Y, como no podía ser de otra manera, no falta obra de Juan Genovés quien, desde la nueva figuración que surgía a espaldas de la academia, creó las imágenes más icónicas de la transición de la dictadura a la democracia.

La exposición se completa con obra de Jose María Yturralde, Julio Le Parc y José Iranzo Anzo, mientras que los dos primeros se decantan por el op art y el arte cinético, el tercero lo hace hacia un tipo de abstracción geométrica ausente de color y de luz. La muestra reúne además la obra de Manuel Boix que deja constancia del carácter expresivo y gestual del tachismo. Finalmente, a este grupo de artistas, vertebrado por su compromiso político, se incorporan María Montés y Enriqueta Hueso, ambas vinculadas al cine independiente de los años setenta y con una estética onírica no exenta de lirismo. El que en esta muestra solo estén ellas representadas deja en evidencia el sesgo de género que ha imperado en el sistema del arte y que ha dificultado y obstaculizado el reconocimiento merecido a la obra realizada por las mujeres artistas. Un olvido que, sin restar importancia a la pintura de sus compañeros artistas, tiende hoy a corregirse con  investigaciones recientes no sólo de esa etapa de la historia sino de otras.

Con todo, la exposición ofrece en su conjunto la oportunidad de contemplar reunida la obra de un reconocido y consagrado grupo de artistas que, en su mayoría, se formaron en la Escuela de Artes de San Carlos de Valencia, que vivieron los ideales de la República, la tragedia de la guerra civil, la dictadura y  la democracia. Quizás lo más interesante de este arte, comprometido políticamente, sea comprobar cómo la praxis artística, al mismo tiempo que cuestionaba la ortodoxia de la academia y de sus normas estéticas, se apropiaba críticamente de la realidad social para denunciar sistemas de dominio y forjar conciencias. Pocas veces se encuentra la ocasión para ver, en un mismo espacio expositivo, obra de tanta calidad artística y tan combativa a nivel social. Una muestra interesante para constatar la efervescencia cultural en la que estuvo sumido aquel arte en la resistencia por transformar la sociedad y alumbrar tiempos mejores.

Fuente: Mundo obrero

 

Juan Genovés

                                                                      Agustín Ibarrola

SINFONÍA DEL COMPOSITOR SOVIÉTICO ALEXANDER MOSOLOV ESCRITA COMO HIMNO DE LA PATRIA EN TIEMPOS DE GUERRA CONTRA LA ALEMANIA NAZI

La “Sinfonía Nº 5 (1) en mi mayor” fue compuesta en 1944 en tiempos de guerra. La orquestación está pensada para una gran orquesta, compuesta por madera por triplicado, ocho trompas, seis trompetas, cinco trombones, percusión ampliada, dos arpas, piano y celesta.

El primer movimiento, largo, empieza con una introducción que nos lleva a épocas antiguas rusas con las polifonías típicas de su folclore. El tema principal se basa en una melodía folclórica rusa. Este tema se va repitiendo en variadas combinaciones de instrumentos. Lentamente va creciendo hasta llegar a su clímax, empleando el metal auxiliado por la percusión en ritmo de una gran marcha y una imitación de las campanas, empleando celesta, arpas, flautas y campanillas. Después el tema quiere renacer de modo fragmentario, pero está acabado. Reaparecen fragmentos de la introducción y cuando parece que todo acabará empieza una extensa coda. La flauta introduce un tema nuevo, un tema amplio y melódico. La orquesta recoge el tema, llevando a la culminación del movimiento de un modo alegre y luminoso.

El segundo movimiento, largo sostenuto, empieza con pizzicatos de las cuerdas, como base de varios motivos melódicos, empleando diferentes ritmos. En la parte central emplea el tema principal del anterior movimiento, junto con los diversos motivos que han aparecido en forma polifónica. El ritmo marcado por el bombo nos lleva a un episodio más dramático, aumentando progresivamente la tensión. Después de una breve pausa, un solitario oboe repite el tema principal, empezando la reexposición. El tema de la introducción aparece de un modo triste, terminando con calma el movimiento.

El tercer movimiento, largo maestoso, pesante, corresponde al scherzo de la obra. Un nuevo tema obstinato aparece en la introducción, presentado por trompas y trompetas. El tema es tomado por los violines aumentando el ritmo, pasando a los diversos grupos instrumentales. La parte central correspondiente al trío es muy graciosa, por su acompañamiento singular realizado por las arpas y el pizzicato de la cuerda. Finalmente se reexpone el tema del scherzo llevándolo a su culminación y desaparición, quedando solamente su eco.

El último movimiento, allegro, emplea el tema de la coda del primer movimiento. El segundo tema proviene de la canción folclórica "O Rasseya, My Rasseya" de una colección sobre la guerra de 1812. Un tema preferido por Mosolov, que lo utilizará varias veces en los 30 últimos años de su vida. Aparece primero en la cuerda y luego pasa al desarrollo junto con la mayoría de los temas de la sinfonía. Una entrada masiva del metal nos lleva a un nuevo episodio. Una marcha empieza lentamente, sustentada por el ritmo marcado por las cajas y el bombo. La tensión va en aumento recordando la música maquinista de los primeros tiempos del compositor. El tema principal del movimiento suena con solemnidad en forma de himno, que nos llevará al final alcanzando la cumbre de esta monumental sinfonía.

Una sinfonía típica de tiempos de guerra, escrita como un himno a la Patria. Usando una orquesta muy colorista logra variabilidad, usando temas comunes a lo largo de la misma. Los temas de origen folclórico ruso ofrecen la fuerza necesaria a una música que se aparta de todo modernismo, siguiendo los dictados del régimen soviético. Pero a pesar de ello no deja de ser una obra muy interesante expresando claramente la música de una época pasada.

Mosolov escribe nuevas sinfonías, pero su numeración no concuerda. De este modo indicamos con un número entre paréntesis la numeración alternativa.

Fuente: Historia de la Sinfonía