domingo, 14 de diciembre de 2014

"BRIGADISTA", DEL PINTOR DE LA RDA WOLFGANG SPEER




Brigadista
Wolfgang Speer
1960
Oleo sobre cartón
Kunstarchiv Beeskow

El 3 de enero de 1959, los trabajadores de la Brigada Juvenil "Nikolai Mamai" se incorporaron a la fábrica de Elektrochemischens Kombinat de la ciudad de Bitterfeld como primer trabajo colectivo de la RDA para competir por el título de "Brigada del Trabajo Socialista". Fueron pioneros y modelos del movimiento "Trabajar socialista, aprender y vivir." Wolfgang Speer, fue redactor de la revista "Junge Kunst" (“Arte Joven”) entre 1957 y 1961, y viajó a la fábrica junto al escritor Joachim Knappe para un reportaje. En febrero se publicó el artículo sobre los hombres de la Brigada "Mamai" con un texto de Joachim Knappe y seis bocetos-retratos realizados por Wolfgang Speer. Entre ellos, Gerhard Hamann, uno de los brigadistas mayores. Antes de que Gerhard Hamann entrara en la fábrica electroquímica, se había ganado la vida como trabajador del campo. En marzo de 1960, el Comité Central del SED tomó en su octava reunión la Resolución para el desarrollo de las Cooperativas de Producción Agrícola, en la que se determinaba completar la colectivización final de la producción agrícola. Invitadas a participar en este proceso, las asociaciones de artistas apelaron a sus miembros: "Artistas! Diseñad el nuevo rostro moral de los hombres socialistas que cumplen esta transformación histórica”. Wolfgang Speer se acordó del antiguo trabajador del campo de la fábrica de Bitterfeld. Con base en los bocetos, pintó su retrato al óleo y le colocó una espiga dorada en su boca.

Fuente: Simone Tippach-Schneider

sábado, 13 de diciembre de 2014

"LUCHARON POR SU PATRIA", PELICULA DE SERGEI BONDARCHUK


Título Original: Oni srazhalis za rodinu
Dirección: Sergei Bondarchuk
Guión: Sergei Bondarchuk (Basado en la novela de Mikhail Sholokhov)
Actores: Vasili Shukshin, Vyacheslav Tikhonov, Serguei Bondarchuk, Georgi Burkov, Yuri Nikulin.
Duración: 137 min
Año: 1975
País: URSS

Sinopsis: La película transcurre en Rusia en julio de 1942 durante la Segunda Guerra Mundial. Las tropas nazis se aproximan a Stalingrado y los rusos están exhaustos y sobrepasados en número. Pero después de una batalla sangrienta, los invasores nazis son detenidos en Stalingrado.

Comentarios: Gran clásico de la cinematografía soviética. Dirigida por Serguei Bondarchuk y basado en la obra homónima de Mijail Sholojov, fue nominada a la palma de oro en Cannes en 1975.

VER PELICULA SUBTITULADA EN CASTELLANO:

viernes, 12 de diciembre de 2014

WANG KUN, LA VOZ QUE ENTUSIASMÓ AL MAOÍSMO

OBITUARIO PUBLICADO EN EL PAÍS EL 10 DE DICIEMBRE DE 2014

Entusiasmó al Gran timonel chino, Mao Zedong, que alabó públicamente su voz. Fue la cantante favorita del primer ministro Zhou Enlai y de la esposa de este, que la promovieron hasta hacerla una de las grandes estrellas de la música revolucionaria china durante el maoísmo. Y sin embargo, no pudo evitar el ser perseguida por la Guardia Roja y encarcelada durante la Revolución Cultural. Años más tarde se convertiría en una de las madrinas del pop chino de los años ochenta. Wang Kun, la muchacha que se incorporó con 14 años al Ejército de Liberación Popular (EPL) y no dejó de cantar éxitos revolucionarios durante sus 70 años de carrera, falleció el pasado 21 de noviembre a los 89 años.

Nacida en 1925 en el condado de Tang, una zona rural en la provincia de Hebei (norte de China), ya de niña mostró un gran talento para el canto, aunque la invasión japonesa impidió que continuara sus estudios. En 1939 se integró en la troupe artística del EPL, donde conoció a su marido, Zhou Weishi, que llegaría a ser ministro de Cultura de la República Popular y con quien se casó en 1943.

En 1945 se hizo célebre representando en Yanan, el cuartel general maoísta durante la guerra civil contra el Kuomintang nacionalista, La Muchacha del pelo blanco, la primera ópera de estilo occidental de la China moderna y cuya fama le acompañaría toda su vida. Con una voz idónea para las canciones folclóricas chinas y cuyo estilo incorporaba elementos de la ópera occidental, llamó pronto la atención de Zhou Enlai, el gran padrino de su carrera, que la incorporó a la Compañía Oriental de Música y Danza, establecida para promover el folclore no occidental.

Pero ni sus apoyos políticos ni su fama evitaron que fuera, como tantos otros representantes del mundo cultural o académico, perseguida durante la Revolución Cultural (1966-1976). Más tarde confesaría que cantar música revolucionaria en la celda le ayudó a mantener la cordura en aquella época.

Tras la muerte de Mao y el fin de la Revolución Cultural fue rehabilitada y en 1982 pasó a dirigir la Compañía Oriental de Música y Danza. Aunque ella personalmente mantuvo su repertorio tradicional, se mostró muy interesada por las nuevas tendencias musicales y el pop, entonces aún muy criticadas como una influencia occidental. Fue ella quien, en 1985, dio su gran oportunidad en un concierto al considerado hoy día padre de la música rock china, Cui Jian, cuyo éxito Nothing To My Name se convertiría en 1989 en el himno no oficial del movimiento estudiantil aplastado en la matanza de Tiananmen.

En 2009 conmemoró 70 años de carrera con un concierto de homenaje:

Un Concierto en Memoria de Wang Kun Parte 1 CCTV-International

Un Concierto en Memoria de Wang Kun Parte 2 CCTV-International

Un Concierto en Memoria de Wang Kun Parte 3 CCTV-International

jueves, 11 de diciembre de 2014

LA NUEVA EDICIÓN DE "NEW LEFT REVIEW EN ESPAÑOL", DISPONIBLE GRATUITAMENTE EN INTERNET

El archivo de artículos de la NLR en español comienza en el año 2000, cuando Ediciones Akal de Madrid empezó a publicar una edición bimensual que duró 12 años, hasta el número NLR 77, de noviembre-diciembre de 2012. Desde mayo de 2014, habiendo recuperado también los números correspondientes al año 2013, una edición de la NLR en español se publica con el apoyo del Instituto de Altos Estudios Nacionales en Ecuador. 

La nueva edición de la New Left Review en español se realiza gracias  al Instituto de Altos Estudios Nacionales del Ecuador  y se produce, coordina y comercializa (exceptuando en Ecuador),  desde  la editorial Traficantes de Sueños con la colaboración de la Fundación de los Comunes.

Esta iniciativa pretende contribuir al cambio social ofreciendo instrumentos analíticos para entender mejor el mundo en que vivimos.

Las personas o instituciones interesadas en suscribirse a la edición impresa pueden hacerlo rellenando el siguiente formulario. Si desean comprar un ejemplar, pueden hacerlo a través de la web de Traficantes de Sueños o en las librerías y espacios asociativos más relevantes del territorio español.

En los próximos meses se espera tener disponible la edición impresa para que se pueda comprar en las librerías más importantes de América Latina (en Ecuador ya están a la venta). 

La New Left Review en español está editada bajo una licencia Creative Commons que permite descargar libremente los artículos de cada número (link). Si desea descargarse en número completo en pdf podrá hacerlo desde la web de Traficantes de Sueños o desde la web del IAEN 

La New Left Review en español necesita para su subsistencia que las personas que estén interesadas en su contenido, y que puedan permitírselo económicamente, se suscriban a su edición impresa o hagan aportaciones económicas a través del botón habilitado en la web (link). Recuerde que gracias a la ayuda de aquellos que tienen suficientes recursos para invertirlos en la compra o suscripción a la Revista, se asegura que todos los artículos de esta nueva etapa estén disponibles en formatos digital para todo el mundo.

La New Left Review en español es la traducción bimestral (seis números al año) de su Revista homóloga editada en Londres desde 1960. La New Left Review analiza la política y economía globales, poderes estatales y movimientos de protesta; teoría social contemporánea, historia y filosofía; cine, literatura, arte heterodoxo y estética. Incluye ensayos, entrevistas, comentarios, reseñas de libros y editoriales sobre los temas políticos del día.

Para saber más sobre la trayectoria histórica de la revista puede visitar la "Breve Historia de la New Left Review".

Tomado de la editorial Traficantes de Sueños.

miércoles, 10 de diciembre de 2014

A LOS 94 AÑOS DEL NACIMIENTO DEL POETA Y DIRIGENTE COMUNISTA ARGELINO BACHIR HAJ ALI



Bachir Hadj Ali nació en la Casbah de Argel 10 de diciembre 1920. Después de la desmovilización en 1945 se unió al Partido Comunista Argelino (PCA). En 1948, se convierte en redactor jefe del periódico "Liberté", órgano central del PCA. Fue su secretario general en 1951 y en 1953 fue condenado a dos años de prisión por los tribunales coloniales por delitos contra la seguridad del Estado.

Se mantuvo en la clandestinidad durante la guerra de liberación nacional, negociando en 1956 con Sadek Hadjeres su integración individual en el ejército de liberación nacional de "Combatientes por la liberación", organización militar de comunistas argelinos, fundada en 1954.

Después de la independencia, el presidente Ben Bella prohibió en noviembre de 1962 el PCA. Bachir Hadj Ali es con Mouloud Mammeri, Jean Senac, Mourad Bourboune, uno de los fundadores de la Unión de escritores argelinos, de la que dimitió en 1963.

Después de la toma del poder por Houari Boumediene 18 de junio 1965, creó con la izquierda del FLN, Hocine Zahouane y Mohamed Harbi, la "Organización de la Resistencia Popular" (ORP). Fue en septiembre detenido y torturado en las instalaciones del servicio de seguridad militar en Argel. Transferido en noviembre a prisión de Lambese escribió El Arbitrario en hojas de papel higiénico que logra transmitir, escondido en los cigarrillos ahuecados, a su mujer Lucette Laribere durante sus visitas. El texto describe las torturas que sufrió, y él conservará secuelas graves, siendo publicado en 1966 en las Editions de Minuit. Liberado en 1968, Bachir Hadj Ali se encuentra bajo arresto domiciliario en Sidón y Ain Sefra, teniendo prohibida la entrada en las grandes ciudades argelinas, hasta su regreso a Argel en 1974.

Escritor de poemas y ensayos, Bachir Hadj Ali, fundó en 1966 el Partido de la Vanguardia Socialista, donde se reagruparon los comunistas argelinos. Su actividad es interrumpida en 1980 por la pérdida progresiva de la memoria. Murió en Argel 8 de mayo 1991.

Casida andaluza

(A Pablo Picasso en sus 80 años)

Las uvas del zéjel se secan en los belvederes de Granada.
El acanto de los azulejos se derrama en el ocaso de los reflejos amargos.
A disgusto huimos de Málaga tras la caballería del Zagal
después un sitio de cinco meses. Boabdil había hecho traición.

Alférez de las Brigadas, Rabah Oussidhoum, soñaba
...cómo se va a la fuente para no tener jamás arrugas
su corazón estalló sobre el corazón de Madrid
hace veinticinco años, como una granada madura.

Un caballo aúlla a la muerte en la garganta taladrada de Lorca.
Esposas negras de Guernica vuestros niños han crecido.
Nosotros estamos rodeados de huérfanos. Esposas negras de Guernica
¿conocéis la agonía de vuestras hermanas del Aurés?

En el patio verde de la paloma con arcos lobulados
el chorro de agua modula su canto, el clavel rojo ondea
el fidai da las gracias al modelado del perfil y medita
sobre la justeza del movimiento y de la trayectoria que fulmina.


martes, 9 de diciembre de 2014

DOCUMENTAL "LA TIERRA SE NOS ESTRECHA"


La tierra se nos estrecha es un recorrido por Cisjordania, por sus pueblos y ciudades, en el que se construye un retrato coral sobre la dignidad de un pueblo sometido a más de sesenta años de ocupación militar, violencia y represión.

La tierra se nos estrecha, dice el poeta. La tierra lleva estrechándose para los palestinos desde que a finales del SXIX, un movimiento llamado sionismo fue poco a poco calando entre los judíos dispersos por la geografía europea primero, mundial después.

Intereses geopolíticos de las grandes potencias, tanto “aliadas” como “enemigas” no mostraron pudor alguno en valerse del sufrimiento ocasionado a los judíos, terriblemente agudizado durante el Holocausto, para hacer realidad el sueño sionista: la creación de un Estado judío en Palestina.

La arrogancia ontológica del sionismo se atrevió a afirmar que el pueblo palestino no existía. Y si algo parecido a un pueblo o a una nación existía en Palestina, era algo que tanto el dios judío, como las potencias europeas y estadounidenses consentían aniquilar.

Han transcurrido 67 años desde la Nakba o catástrofe palestina y la creación del Estado judío de Israel. El memoricidio está en marcha. Pero son tres generaciones de palestinos vivos los que nos recuerdan que se consiguió crear el Estado judío, pero no se logró aniquilar a un pueblo.

Este documental muestra la vida de ese pueblo, los y las palestinas.

Muestra la vida bajo la ocupación militar israelí en Cisjordania. La existencia de un pueblo que se resiste a ser borrado del mapa. La lucha cotidiana frente a la humillación perpetua.

Y lo muestra desde la mirada militante y a la vez asombrada del viajero que se aproxima por primera vez a Palestina y que quiere ser no sólo testigo, sino altavoz de ese grito de dignidad de un pueblo. No se posa en dirigentes ni en políticos ni en organismos ni en siglas, sino en gente corriente que con su día a día en esta guerra de supervivencia desafía el grave error fundacional de Israel.

Así, la mirada se posa en los ancianos que vivieron en 1948 la Nakba, y rememoran lo que supuso aquella desposesión traumática.

Se posa en las personas que conviven a día de hoy con la invasión de los colonos y tras ellos, de los soldados, que a golpe de Muro y Checkpoints corrigen ilegalmente las fronteras.

El documental estremece con las palabras de niñas y niños crecidos durante la Segunda Intifada pues su relato inocente acerca de la violencia extrema y asimétrica, la hace aún más injustificable.
Muestra la no aleatoriedad de la política expansionista de los asentamientos israelíes, situados estratégicamente en las zonas más fértiles de Cisjordania, como el Valle del Jordán.

Acuíferos sobreexplotados para la boyante industria agrícola israelí en los territorios ocupados, mientras las casas de los palestinos son literalmente derribadas y se ven privados de los más básicos derechos, como el agua.

Esta es la Palestina que conocimos y la que queremos compartir. Un retrato coral, parcial y en construcción, pues cada uno de los y las palestinas tendrían un papel protagonista en esta historia. Todos no cupieron: el drama de los refugiados en otros países, Jerusalem y los palestinos de Israel, los beduinos del Neguev, la resistencia armada…

Un hilo conductor hilvana todas sus historias: la inquebrantable voluntad de permanecer. O como diría Darwix.

Historias

Acre-Jenin: La Nakba nace en el mar

El 15 de Mayo los árabes de todo el mundo recuerdan la Nakba, la catástrofe que supuso que más de 700.000 palestinos tuvieran que huir de sus tierras arrancados de sus casas. Ese día se celebra la memoria de la dispersión, entre los que tuvieron que huir y refugiarse, y los que fueron integrados en el Estado de Israel.

Hoy en día el Estado de Israel sigue ocupando, quemando y borrando Palestina. Mientras la industria del proceso de paz vuelve a producir una cortina de humo tras la que la colonización y el apartheid siguen avanzando, la Nakba continúa. La ocupación se desarrolla como un rizoma interminable en cada aspecto de la vida de los palestinos de dentro y fuera de Israel.

Y la Nakba se hereda de generación en generación, como nos cuentan Mustafá y su abuela Nasra. Tres generaciones marcadas por el asesinato, el exilio y el no poder regresar a sus casas. La Nakba es el recuerdo del bulldozer demoliendo hasta el techo del cielo, como diría Mahmoud Darwix. La Nakba es Jenin 2002, Jerusalén oriental o el desierto del Neguev.

La tierra se nos estrecha’, es un recorrido por Cisjordania, por sus pueblos y ciudades, en el que se construye un retrato coral sobre la dignidad de un pueblo sometido a más de sesenta años de ocupación militar, violencia y represión.


“Estas manos plantaron los olivos. Ahora son árboles grandes. Ellos se comen las aceitunas“

Arroub: Campo de Refugiados

En 1950, la Ley de Propiedad Ausente decretada por el Estado de Israel declaró abandonada la tierra cuyos propietarios se hubiesen ausentado un sólo día desde noviembre del 47. Anteriormente, en diciembre de 1948, la Asamblea General de Naciones Unidas reconocía el derecho de los refugiados palestinos expulsados en la guerra del 48 a volver a sus hogares. A pesar de ser un derecho reconocido por la jurisprudencia internacional, mientras Israel no acceda a repatriar a los refugiados, todo intento de resolver el conflicto está abocado al fracaso, tal y como quedó claro tras los Acuerdos de Oslo de 2000.

Esta historia es el relato todavía vivo de una memoria que se niega a desaparecer. El campo de refugiados de Arroub, en los alrededores de Belén, aunque podría ser cualquier otro. 65 años sin poder regresar a sus casas. Una memoria que transita a diario entre una limpieza étnica en la que fueron destruidos quinientos pueblos y once barrios urbanos palestinos y el derecho doloroso a seguir soñando con volver a sus casas.


“Volveremos. Quieran o no. Alá lo sabe”

Qualquilia: El Hombre del Muro

A lo largo de los Territorios Ocupados Palestinos existen cientos de obstáculos a la libertad de movimiento de los palestinos. Checkpoints, carreteras cortadas, verjas, muros… La mayor parte de estos escollos, incluyendo los checkpoints permanentes de mayor envergadura, no están situados en la linea verde del 67, sino que restringen la libre circulación en el interior del territorio palestino reconocido. Y como hito fundamental en esta geografía de la ocupación y sus mecanismos de control, el Muro: alambre de espinos, zanjas, torres para francotiradores, vallas electrificadas, carreteras de uso militar, vigilancia electrónica, zonas de exclusión. Y un gobierno israelí que responde con más colonias, más apartheid, más violencia y represión a todo intento negociador.

Esta es la historia de Hani Amer, campesino natural de Massha, un pequeño pueblo en los alrededores de Qualquilia. Una familia marcada por la presencia del muro, que les ha despojado de sus tierras de cultivo y les ha obligado a vivir rodeados por un asentamiento de colonos judíos.


“Fue mi abuelo quien vivió la Nakba, pero ha sido una herencia impuesta, de generación en generación, hasta nuestros días"

Hebrón: Prisioneros en nuestras casas

Ben Gurion, que llegó a decir en vísperas de la invasión del 48: “una casa destruida no es nada. Destruid un barrio y empezaréis a producir alguna impresión”. Como si de una pesadilla macabra se tratase, Hebrón, y en concreto el barrio de Tel Rumeida, son hoy  la reencarnación de este espíritu devastador. Calles vacías, casas abandonadas y fantasmas que deambulan por entre calles desiertas. Aquí se encuentra la histórica calle Shuhada, arteria principal de Hebrón que en un pasado no muy lejano fue el eje principal de uno de los zocos más activos y de mayor vitalidad de toda Palestina. Hoy imperan la decadencia y el abandono.

A partir de la guerra de los Seis Días Hebrón ha sufrido un sistemático proceso de aislamiento y bloqueo que ha enjaulado la ciudad entre barrotes, rejas, barricadas de alambre de púas, muros y checkpoints. Un implacable castigo colectivo que se trasforma casi en una cadena perpetua.

La historia de Hassan Hazze, habitante del barrio de Tel Rumeida, es la misma que la de cualquiera de sus vecinos. Con la única salvedad de que él se atreve a contarla a pesar de las represalias que esto pueda tener.


“Somos más que prisioneros en nuestras casas. Vivimos en una gran cárcel”

Bil’in: Mujeres de la Resistencia 

Bi’lin es un pequeño pueblo a 25 km de Rammallah, la capital de Cisjordania. En abril de 2005 un pequeño grupo de habitantes organizaron el Comité de Resistencia Popular, organizando semanalmente protestas contra la expansión de la colonia israelí de Modi’in Illit, que en su “crecimiento natural” (como suelen denominar los lideres israelíes a la expansión de los asentamientos) necesitaba de una valla que la protegiese de las localidades palestinas cercanas. Dicha valla de seguridad confiscaba de facto el 60% de las tierras de cultivo de esta pequeña localidad eminentemente agrícola.

Los primeros días, los habitantes de Bil´in se manifestaban solos. Docenas de personas resultaban heridas y detenidas. Poco a poco empezó a sumarse más gente a las manifestaciones, y el modelo de resistencia pacífica contra el Muro comenzó a replicarse a lo largo de toda Cisjordania.
La historia de Amal Alkhateeb y de Najah Samara es la misma que la de otras muchas mujeres de Bil’in, que al ver a sus hijos golpeados, detenidos y torturados, no pueden hacer otra cosa que “salir a luchar todas las semanas”.


“Nuestra causa es justa, pero Israel sigue impune, nunca se expone a ser sancionado”

Nablus: Voces de la Intifada

El 28 de septiembre de 2000 Ariel Sharon visitó protegido con una escolta formidable de más de 1000 policías la Explanada de las Mezquitas, en Jerusalén. Quería ser un gesto de demostración de la soberanía judía en Jerusalén Este. Al día siguiente explotó la segunda Intifada, un alzamiento popular marcado por la imagen de niños lanzando pedradas a los tanques israelíes y por las muertes de civiles desarmados.

Durante la II Intifada, más de 600 niños palestinos murieron asesinados por el ejército israelí o por colonos judíos. 1500 críticamente heridos quedaron discapacitados de por vida. Muchos de estos casos se dieron en Nablus, ciudad especialmente castigada por ser considerada cuna de suicidas. A día de hoy, Nablus mantiene viva la memoria de la Intifada. Restos de bombardeos, edificios derribados, fotos de mártires que componen el paisaje de la ciudad más bonita de Palestina. Y el relato de estos niños, que hablan de dolor y violencia como algo cotidiano.


“Los soldados israelíes son inhumanos. Lo digo porque lo veo cada día”

Valle del Jordán: Sobrevivir en la Zona C

El Valle del Jordán o valle palestino es una de las zonas más ricas de Palestina en cuanto a recursos naturales. Una zona fértil, con una gran cantidad de acuíferos que garantizarían una vida tranquila para sus pobladores. Sin embargo, en 1967, después de la ocupación total de Cisjordania y la Franja de Gaza, Israel declaró de su propiedad todos los recursos hídricos, lo que implica que los palestinos tienen que obtener una licencia del ejército israelí antes de desarrollar cualquier infraestructura hídrica en su propia tierra.

Desde el año 1982, el control de todos los recursos hídricos de los palestinos paso a manos de la nueva autoridad israelí del agua, la Mekorot, que antes de tomar cualquier decisión eleva las consultas a los planificadores militares del país. El agua es, como vemos, una cuestión de seguridad nacional en Israel, y uno de los objetivos más importantes de la planificación sionista.


“Nosotros los palestinos no podemos combatir la ocupación de manera convencional, en una guerra cara a cara. En el valle nuestra guerra es otra, una guerra de existencia”.

Fuente: palestina.org

lunes, 8 de diciembre de 2014

"A TEST OF VIOLENCE", PELÍCULA DE STUART COOPER SOBRE LA OBRA DE JUAN GENOVÉS



La obra cinematográfica del director norteamericano Stuart Cooper se inició en 1969 con una película basada en los cuadros de Juan Genovés el pintor español. «Una prueba de violencia» fue el título con el que Cooper comenzó a dirigir cine y con el que obtuvo ocho premios internacionales. El tema era la violencia, y el tema de Stuart Cooper ha seguido siendo la violencia.

«El contacto con la obra de Genovés fue puramente casual. Yo había nacido en New Jesey. Estudié en California y luego me vine a Londres a hacer arte dramático. La obra de Juan Genovés estaba en una galería. Acababa de terminar dirección cinematográfica y consideré que, para empezar, los cuadros de Genovés podrían dar mucho juego. Resulté dramáticamente afectado por aquellas treinta y seis pinturas. Era un puntor muy poderoso. Nunca pintaba una cara, al contrario que Goya, que describía los horrores de la guerra precisamente a partir de las caras. Esos cuadros de Genovés me parecieron un desafío para el cine, por la ausencia de caras, por la ausencia de expresiones. Pensé que alguien tendría que hacer una película con ese material tan vivo y a la vez tan distante. Entonces comencé a trabajar y surgió «A test of violence». Los premios que vinieron inmediatamente después de haberse estrenado la película surgieron todos de instituciones pacifistas. Mi problema con Norteamérica, la razón por la que no volví a mi país, tuvo que ver con este asunto: yo no quería hacer la guerra. Genovés lo explicaba en sus cuadros; explicaba la misma angustia que me hizo renunciar a volver a mi tierra. Inglaterra me ha permitido explicar mi odio por la violencia, y todas mis películas, que surgen de la visión de la obra de Genovés, se han seguido haciendo aquí.

Stuart Cooper afirma que nunca partiría de una concepción política para hacer un filme. Curiosamente, sin embargo, toda su obra procede de una impresión: la visión de los cuadros de un estudioso de la violencia política, el pintor español Juan Genovés.

Fuente: El País

domingo, 7 de diciembre de 2014

"PRIMAVERA", DEL PINTOR SOVIÉTICO BORIS SPORNIKOV

 
Primavera
Boris Spornikov
Óleo sobre lienzo
1 m 38 cm x 1m 17,5 cm
1976
The Wende Museum (California)

Más popular en Occidente que en su Ucrania natal, Spornikov era uno de los pocos artistas soviéticos que se le permite tener exposiciones en Occidente y vender sus obras de arte con pocas restricciones. Esta pintura, en la que las mujeres soviéticas utilizan las flores para crear una representación del perfil de Lenin, marca una salida rara del trabajo generalmente apolítico de Spornikov que se ofrece fuera de la URSS.

Boris Spornikov

Boris Alexandrovich Spornikov nació en Kiev, Ucrania, 3 de agosto de 1930. Vivió en Kiev durante la ocupación nazi y, finalmente, él y su madre se vieron obligados a salir de Ucrania para Alemania, pero pudo escapar del tren.

Empezó a recibir clases en la Escuela de Arte de Kiev donde se interesó en temas históricos. Su primera pintura aclamada por la crítica, "Defensa de Kiev de los tártaros", se terminó cuando tenía dieciséis años. En 1952, ingresó en la prestigiosa Academia de Arte de Kiev. Después de graduarse, se mudó a Dnepropetrovsk, Ucrania, donde se convirtió en profesor de pintura en la Escuela de Arte de Dnepropetrovsk. Durante este período, realizó algunas de sus mejores obras, como, "Héroes de Trípoli" y "Las primeras semillas de comunismo", más tarde adquirida por el Museo de Arte de Dnepropetrovsk.

De 1958 a 1969, vivió y pintó en Omsk (Siberia). Sus temas favoritos eran los temas centrales socialistas, trabajadores petroleros, escenas de la granja colectiva y militaes. Su excelente pintura le valió para ser miembro del Consejo de Artistas de la Unión Soviética en 1962. Regresó a Kiev en 1969, pero anualmente regresaba Siberia para la elaboración de sus estudios hasta su muerte en 2005.

sábado, 6 de diciembre de 2014

"ROMPIENDO CON LAS VIEJAS IDEAS", PELÍCULA CHINA DE LA REVOLUCIÓN CULTURAL


Título: Rompiendo con las viejas ideas
Título original: Jué liè / 決裂
Director: Li Wenhua
Guión: Chun Chao, Zhou Jie.
Reparto: Guo Zhenging, Bao Lie, Wang Suya.
País: China
Año: 1975
Duración: 110 minutos

"Rompiendo con las viejas ideas" es una película china de 1975 que trata sobre revolucionar la educación en el campo, en especial en educar a los campesinos pobres y proletarios rurales, bajo la guía de la nueva educación socialista, uniendo la teoría y la practica, aplicando los conocimientos adquiridos al servicio de la producción socialista, combinando el estudio con el trabajo rural, desarrollando la lucha de clases bajo el socialismo y dirigiendo a las masas para que ellas hagan la historia. Los cuadros de la revolución cultural china pusieron todo su empeño en dirigir a las masas en contra de la nueva burguesía burocrática.

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:




viernes, 5 de diciembre de 2014

SINFONÍA Nº 5 DEL COMPOSITOR SOVIÉTICO DIMITRI SHOSTAKOVICH



La Sinfonía nº 5 en re menor, opus 47 (1937, subtitulada "respuesta de un artista soviético a una crítica justa") fue bien recibida, tanto por el partido como por el público.

La Sinfonía Nº 5 en Re menor Op. 47 fue estrenada el 21 de noviembre de 1937 en Leningrado por la Orquesta Filarmónica de dicha ciudad, bajo la dirección de Yevgeny Mravinsky.

Tras la suspensión del estreno de su cuarta sinfonía en diciembre de 1936, la situación de Shostakovich es muy complicada. Pesan sobre él los artículos contra su música vertidos en Pravda por la cúpula del PCUS. Existe una atmósfera de opresión política, iniciada con las primeras purgas de Stalin, en la que allegados y familiares del compositor fueron arrestados e incluso ejecutados; ni tan siquiera el apoyo del poderoso valedor de Shostakovich, el mariscal Mijail Tukhachevsky (uno de los cinco primeros mariscales del Ejercito Rojo), ya que este, caído también en desgracia, fue procesado y ejecutado en junio de 1937. Con este panorama ante si, Shostakovich no tiene otra salida que cumplir con las indicaciones del partido en orden a abandonar el «formalismo» y componer de acuerdo al realismo socialista.

Pero estamos hablando de Dmitri Dmitrievich Shostakovich. Ya, en la Cuarta sinfonía, trastocó a su pleno antojo las normas académicas de la composición, pero, como ya señalamos, sin dejar de demostrar su gran dominio de la creación musical. Escribiría, pues, una nueva partitura, una sinfonía que colmará las expectativas del partido, una pieza que, sin lugar a dudas, ensalzará los valores eternos del proletariado y su fe inquebrantable en la victoria final. Y además, una obra con una estructura técnica impecable, académicamente perfecta. Nadie podrá negar que responde plenamente a las características del realismo socialista. Pero, al mismo tiempo, sutilmente, compondría una música capaz de aunar los sentimientos de los oyentes, al modo de Mahler (¡una vez más, Mahler!); oyentes que acabarán arrastrados a una emoción única y controlada, donde el músico logra transmitir a la audiencia el sentimiento trágico que le produce la censura sobre su obra, dotándola de un pathos desgarrador. Un nuevo truco de magia, una sinfonía que eleva sobremanera el espíritu humano, pero después de recorrer los doloridos fondos del alma; una obra que transmuta lo simple en arte sublime.
En el primer movimiento (Moderato) subyace la forma sonata. La exposición arranca con un vigoroso canon sobre el que se desarrolla un abrumador motivo principal, que acaba acompañado por una lírica melodía ejecutada por los primeros violines. Posteriormente las cuerdas introducen el segundo tema, amplio pero hierático y acerado. Con todo el material presentado, se produce el desarrollo, cambiando los tempi tanto en aumento como en disminución, creando un conflicto contrapuntístico en sí mismo, el cual acaba transformado, a través de la percusión y de las trompetas, en una especie de marcha de banda militar no exenta de cierto tinte grotesco. El drama interno del «Despertar a la lucha» alcanza el clímax en la recapitulación, donde, sin apenas nuevos temas, la carga emocional llega a las más altas cotas. La coda nos lleva, en el dialogo de las cuerdas menores con la celesta, a un ambiguo y evocador desenlace. Con una variación del tema principal del primer movimiento, en forma de scherzo y a ritmo de vals, se inicia el segundo movimiento (Allegretto). Hay un grave motivo melódico con las tubas, después los clarinetes, más tarde los oboes y finalmente las cuerdas, para desembocar en una graciosa melodía llena de energía.

En el tercer movimiento (Largo) Shostakovich abandona el uso de viento-metales (trompetas en el primer movimiento y tubas en el segundo) y, subdividiendo las secciones de cuerda, expone el motivo en apasionadas y alargadas melodías, sólo apoyadas por los vientos de madera. El ambiente se llena de tristeza y resignación; otra vez confusión; y, de nuevo, renacer frente al derrotismo (hay quien señala los sonidos del xilofón como una imagen de la «crítica justa» que espolea el abatido ánimo del hombre). Tras el conflicto, en una dulce paz, muere la música. El cuarto movimiento (Allegro non troppo) se inicia con un poderoso comienzo en las cuerdas que arrastra al oyente con su energía, tras esto aparece el primer tema, que se presenta dividido en dos subtemas claramente distinguibles. El primero ejecutado por las trompetas sobre los fieros redobles de los timbales, a continuación, sobre un fondo de notas repetidas, suena el segundo en las cuerdas. Tras la exposición, se entra en una zona intermedia, que discurre mayoritariamente en pianísimo, donde nuevas melodías nos exponen, de forma misteriosa, un subyugante pasaje sonoro. Tras un marcado silencio los viento-maderas nos traen el tema principal que desemboca en el poderosísimo finale escrito en clave de Re mayor, la tonalidad antagónica a la general de la sinfonía, Re menor; asociada esta por convenio a un carácter circunspecto, tímido y melancólico, mientras que aquella se asocia al regocijo, al triunfo, a la victoria. Se especula, y es motivo de controversia, sobre la intencionalidad del autor con este cambio. Sea intencionado o no, lo cierto es que el brillante final dota a la obra, en su totalidad, de sentido positivo de la vida, de triunfo de las potencias del alma, de un desmesurado ánimo para el renacer del hombre.

El estreno fue un clamoroso éxito, siendo ovacionado por más de 40 minutos, y la obra quedó como una de las favoritas del público soviético. El porqué de esta calurosa acogida viene dada por la estrecha relación entre los sentimientos vertidos por Shostakovich en su obra con los de los ciudadanos de la época. En unos tiempos tan convulsos como aquellos, el publico ruso estaba abierto a evocar intensas emociones, y Shostakovich supo compartir con ellos sus penas y sus esperanzas. Por su parte el aparato oficial quedo plenamente satisfecho; los críticos oficialistas hablaban, por ejemplo, del fiel retrato que el compositor hace de la «formación de la personalidad soviética» y como, en un ascenso lleno de optimismo, siempre llega la victoria. El autor había descrito la sinfonía como la «respuesta de un artista a una crítica justa», esto, para el régimen estalinista, equivalía a un acatamiento incondicional por parte del compositor. Se ha dicho que con esta sinfonía Shostakovich salvó la vida; pero lo que realmente le libró de ser procesado fue suspender el estreno de la cuarta sinfonía. Si el autor hubiese querido complacer servilmente las presiones del PCUS, le habría bastado con escribir una obra programática, descriptiva y sin pretensiones espirituales. La Quinta es, pues, un envite a Stalin; como ya comentamos, un juego de malabares, en el que aparentando sometimiento, el compositor nos planta una obra llena de conceptos abstractos, difíciles lecturas y complejas emociones.

Hay un poema de Pushkin, Vozrozhdenije (Renacimiento), musicado por Shostakovich en el opus 46 No.1 , el anterior a la Quinta sinfonía, que para muchos es clave para la comprensión de la actitud del compositor. Dicho poema dice:

Renacimiento
 
Un artista-bárbaro con su perezoso pincel
ennegrece la pintura de un genio.
Y, sin sentido, lo cubre con
su propio dibujo ilegítimo.
Pero con el paso de los años, los extraños colores
caen como escalas podridas;
la creación del genio surge
ante nosotros en su primigenia belleza.
Así desaparecen las ilusiones
de mi alma atormentada
y en ella aparecen visiones
de tiempos originales e inocentes.


Fuente: Oído Fino

jueves, 4 de diciembre de 2014

"ADIÓS AL LENGUAJE" (2D), METÁFORA CON PERRO DE GODARD

“Más que en una simple sesión de cine estamos en una ceremonia crepitante que procura la misma excitación que el más trepidante de los conciertos de rock, y el mismo misterio que que la primera lectura de los poetas que seguimos frecuentando”. (Cahiers de cinéma).

A propósito del estreno de Adiós al lenguaje, la última película de Jean-Luc Godard (1), conviene decir en voz muy alta que los exhibidores españoles han ejercido el derecho de pernada –equivalente a una censura en grado sumo- negándose a proyectarla en su formato original de 3D, condenando a los espectadores de nuestro país a ver una versión en 2D en la que, por momentos, se empastan los colores y las imágenes parecen confusas y superpuestas; en definitiva, a presenciar una obra que no responde a la “magnífica y sublime” ovacionada en Cannes, ni mucho menos a la intención original de su creador. “Rodada en 3D con smartphones, cámaras Go-Pro y teléfonos móviles, Adiós al lenguaje puede verse como una deslumbrante proeza técnica” (Gérard Lefort y Olivier Séguret, Libération).

Hace unos meses, cuando tuvo lugar el Festival de Cannes 2014, donde el último Godard -el último de verdad, el realizador se ha despedido en vísperas de cumplir 84 años- se presentó a competición (acompañado por una carta del autor en la que explicaba su ausencia de una muestra con la que ha tenido una relación difícil desde que en 1968, cuando en París debajo de los adoquines estaba la playa y las calles las ocupaban estudiantes y obreros, acudiera junto con François Truffaut para intentar anularlo y lograran que se clausurara cinco días antes de lo previsto) y consiguió el Premio del Jurado, exaequo con Mommy de Xavier Dolan, y el premio especial Palme Dog para Roxy, la perra leonada y negra del realizador, destacado protagonista de una gran parte de las escenas, mi colega Julio Feo, que tuvo la fortuna de verla en su formato original, escribía que Jean-Luc Godard “sigue experimentando en su obra con imágenes, música y sonido, con su conocido arte por la provocación, y en esta ocasión ha optado por filmar con la tecnológia del 3D, tres dimensiones. Una obra evidentemente en las antípodas de los productos hollywoodenses en 3D… Su película, como de costumbre en los últimos años, es una sabia mezcla artística de texto, con alusiones literarias, reflexión filosófica sobre el mundo en que vivimos, imagen, música y sonido, en un montaje siempre original, con imágenes invertidas e insólitos encuadres…Godard provoca y juega con las palabras, desincroniza imagen y sonido, superpone imágenes que divide en dos partes: la naturaleza y la metáfora. Cita a Lord Byron, Mary Schelley y Frankestein, o Jack London…imágenes de un hombre y una mujer desnudos haciendo el amor, en la ducha, o defecando en el water y un sexo de mujer a guisa de evocación de la célebre pintura El origen del mundo, de Gustave Courbet, al tiempo que se pregunta por qué no existe un Premio Nobel de pintura y de música, como lo hay para la literatura (Julio feo, http://periodistas-es.com/cannes-2014-brillante-godard-en-tres-dimensiones-35114).

Utilizo el texto de mi compañero para evitar caer en la cacofonía. El relato de Adiós al lenguaje es muy simple, tan viejo como el mundo, esa materia que el cineasta ha observado en su formato original de 3D, y que a nosotros se nos ha hurtado: un hombre, una mujer, un encuentro, un mal rollo, una separación y un perro (“el único animal que ama a los hombres más que a sí mismo”). Un reencuentro, una frase (“Cuando los apaches hablaban del mundo lo llamaban el bosque”), un perro y un sexo de mujer, origen de ese mundo y de todas las cosas. La reflexión (hora y diez minutos trufados de metáforas) tiene todos los componentes de un ensayo profundo acerca de la paulatina pérdida de sentido del lenguaje (“Llegará un día en que todos necesitaremos un intérprete, aunque no sea más que para entendernos a nosotros mismos”) mientras que la imagen –hojarascas, paisajes y rostros, de hombres y perro- adquiere nuevas dimensiones, se hace poética, gana en consistencia y no es que valga más que mil palabras, es que llega a hacerlas innecesarias.

“Guerra y paz, aversión y pasión, a escala de pareja como de naciones” (Jacques Morice, Télérama). Perturbador collage de palabras e imágenes plagado de citas literarias y pictóricas, con preocupaciones nuevas –ecología, nucleares, alimentos genéticamente modificados…- y referencias de siempre: el autor de La chinoise (la china) no podía dejar de mencionar a Mao y Che Guevara. Y de hablar de la soledad y dar una vuelta de tuerca más al título, convirtiendo la película en una despedida: “Tu estás henchido del gusto de vivir. Yo estoy aquí para decirte no. Y para morir”.

(1). Jean-Luc Godard (3 de diciembre 1930), uno de los grandes nombres de la nouvelle vague, es realizador, guionista, dialoguista, experto en montaje e incluso ha aparecido haciendo papelitos en algunas películas, propias y ajenas. Como muchos otros cieas que en los años 1960 dieron un vuelco al cine franés, y europeo, Godard comenzó como crítico en revistas (Cahiers de cinéma, Arts , Gazzette du Cinéma). En 1959 rueda su primer largometraje, A bout de soufflé, e inmediatamente después Le petit soldat y Une femme est une femme. Después vendrían Masculino femenino, Dos o tres cosas que sé de ella, Alphaville, Je vous salue Marie… Sus últimas creaciones han sido Elogio del amor (2001), Nuestra música (2004) y Film Socialisme (2010). En total, cerca de medio centenar de cortos, largos, vídeos, montajes y exposiciones.

Ilsa Lund (Fuente: Crónica Popular)



miércoles, 3 de diciembre de 2014

"FIN DE LÍNEA: UNA ARQUEOLOGÍA DEL SILENCIO", POR HÉCTOR PEINADOR

 
Durante la pasada edición de la Beijing Design Week, Hector Peinador presentó su primera exposición individual como fotógrafo bajo el titulo “Fin de línea: una arqueología del silencio”, comisariada por la Dra. Susana Sanz, y patrocinada por la Fundación ICO, con la colaboración de la Embajada Española en Pekín. A continuación os dejamos este interesante reportaje.

FIN DE LÍNEA: UNA ARQUEOLOGÍA DEL SILENCIO

Este es un viaje que nos conduce a través de las venas del cuerpo en ruinas de Pekín, desde el corazón de esta fantasmagórica capital arquitectónica del siglo XXI, hasta el final de las líneas de su red de metro.

La periferia de Beijing es la línea recta y fracturada que traza Héctor Peinador en sus paisajes urbanos de estratos, en sus composiciones fotográficas de restos superpuestos. Es el silencio metafórico de ese paisaje mudo y sin huellas, donde los ecos del ruido de la construcción y la destrucción resuenan con mayor fuerza. Es el punto de partida desde donde millones de ciudadanos chinos se trasladan diaria- mente al centro para trabajar, en definitiva es donde sobreviven.

En la periferia se levantan las fronteras que ocultan los lugares que no vemos y que nadie nos muestra. Ese límite surge del encuentro de diferentes tejidos urbanos y de sus texturas. Como la lente del fotógrafo que trabaja excavando en este palimpsesto que es Pekín, la mirada del espectador también se ve inmer- sa en esta labor de arqueología del silencio.

Texto de la comisaria.- Susana Sanz.

Fin de línea: Una arqueología del silencio. Fotografía © Héctor Peinador. Señala encima de la imagen para verla más grande.  

Fin de línea: Una arqueología del silencio. Fotografía © Héctor Peinador. Señala encima de la imagen para verla más grande.

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Fin de línea: Una arqueología del silencio. Fotografía © Héctor Peinador. Señala encima de la imagen para verla más grande.

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Fin de línea: Una arqueología del silencio. Fotografía © Héctor Peinador. Señala encima de la imagen para verla más grande.

Fin de línea: Una arqueología del silencio. Fotografía © Héctor Peinador. Señala encima de la imagen para verla más grande.

Fin de línea: Una arqueología del silencio. Fotografía © Héctor Peinador. Señala encima de la imagen para verla más grande.

Fin de línea: Una arqueología del silencio. Fotografía © Héctor Peinador.

Hector Peinador, (España) obtuvo su título de Master en Arquitectura en la ETSAM, Universidad Politécnica de Madrid [UPM], y estudió dos años en la Universidad de Pekín [北京大学], China, con una beca de la Fundación ICO.

Trabaja a nivel internacional como fotógrafo residente y ha publicado su trabajo en diferentes revistas. Estuvo a cargo de la obra fotográfica del libro "Un mapa de Hutopolis" sobre el proceso de urbanización de China. Su primera exposición individual "Fin de línea: Una arqueología del silencio" se presentó en la Semana de Diseño 2014 de Pekín; comisariada por Susana Sanz, y patrocinado por la Fundación ICO, con la colaboración de la Embajada española en China.
Vive en China desde 2009.

Susana Sanz Giménez, comisaria de la muestra, es Doctora en Historia del Arte, especialista en arte chino contemporáneo. Además de la publicación del libro Arte Chino Contemporáneo en España (2013), ha impartido seminarios sobre este mismo tema en la universidad española. Actualmente es Profesora de Historia del Arte en la China Central Academy of Fine Arts School of Design, en Pekín. Fue también becaria de la Fundación ICO durante los cursos 2010-11 y 2011-12, en la Universidad de Pekín.

Fuente: Metalocus

martes, 2 de diciembre de 2014

"LA RESISTENCIA ANDALUZA ANTE EL TRIBUNAL DE ORDEN PÚBLICO, 1963-1976", NUEVA PUBLICACIÓN DE LA FUNDACIÓN DE ESTUDIOS SINDICALES DE CC.OO.

La Fundación de Estudios Sindicales ha publicado un estudio sobre los andaluces, y los residentes en Andalucía, que fueron juzgados y procesados por el Tribunal de Orden Público, fruto de la investigación realizada por Alfonso Martínez Foronda, Eloísa Baena Luque y Pedro Sánchez Rodrigo. 


La Jurisdicción Especial de Orden Publico fue puesta en marcha por la dictadura en 1963 con el objetivo de reprimir a la disidencia política, que a comienzos de esa década experimentaba un aumento exponencial. Más allá del análisis, que se hace, del funcionamiento de este tribunal y la represión que ejerció sobre los andaluces y los residentes en Andalucía, este estudio pretende acercarse a la visión de los procesados que ocuparon el banquillo de los acusados. Quiénes eran, de dónde venían, a qué sectores socio-profesionales pertenecían, qué motivos les habían llevado a la disidencia primero y a la oposición después, cómo se articularon las acciones que les llevaron a ser detenidos y procesados o qué consecuencias tuvo todo aquello para sus vidas y las de sus familias, son algunos de los interrogantes sobre los que pretende arrojar luz este libro, que pretende ser un nuevo avance en el conocimiento del antifranquismo andaluz y de su acción opositora.


De la contraportada del libro:


«La judicatura es, posiblemente, uno de los pilares del franquismo menos conocido y, dentro de ella, las denominadas jurisdicciones especiales, instrumentos del poder para reprimir la disidencia política. Una de ellas fue, precisamente, la Jurisdicción Especial de Orden Público, integrada por el Juzgado de Orden Público (JOP) y el Tribunal de Orden Público (TOP) que, desde que fue creado en diciembre de 1963, hasta su extinción en enero de 1977, se encargó de reprimir todos aquellos derechos que, en los países libres, se consideraban fundamentales. La Dictadura, a través de las jurisdicciones especiales que fue creando, militarizó el orden público y transitó desde un estado de guerra a un estado de excepción permanente.


Casi nueve mil antifranquitas fueron condenados por el TOP a casi doce mil años de cárcel. En Andalucía ochocientos antifanquistas acumularon casi mil años de cárcel y cuantiosas multas, a los que hay que sumar otro medio millar de emigrantes andaluces que, en sus lugares de origen, engrosaron la resistencia antifranquista y padecieron los rigores de ese tribunal.


Quienes pasaron por el TOP tienen un calificativo común para definirlo: pantomima. Y, porque para quienes pasaron por las Salesas ése fue un instrumento más de la dictadura cuyo fin no era impartir justicia, sino condenarlos por el delito de luchar por la conquista de las libertades democráticas en España».




 

lunes, 1 de diciembre de 2014

20 AÑOS DE LA MUERTE DEL FILÓSOFO FRANCÉS GUY DEBORD

 
TESIS SOBRE LA REVOLUCIÓN CULTURAL, DE GUY DEBORD

1

El fin tradicional de la estética es hacer sentir, en la privación y la ausencia, algunos elementos pasados de la vida que escaparían de la confusión de las apariencias a través de una mediación artística, siendo por tanto la apariencia la que sufre el reinado del tiempo. El logro estético se mide por una belleza que es inseparable de la duración y tiende incluso a reclamar la eternidad. El fin de los situacionistas es la participación inmediata en una abundancia pasional de vida mediante la transformación de momentos efímeros conscientemente dispuestos. La realización de estos momentos sólo puede darse como efecto pasajero. Los situacionistas consideran la actividad cultural, desde el punto de vista de la totalidad, como un método de construcción experimental de la vida cotidiana que puede desarrollarse permanentemente con la ampliación del ocio y la de-saparición de la división del trabajo (empezando por la del trabajo artístico).

2

El arte puede dejar de ser una relación de las sensaciones para convertirse en una organización directa de sensaciones superiores: se trata de producirnos a nosotros mismos, y no cosas que no nos sirvan.

3

Mascolo está en lo cierto al decir (Le Communisme) que la reducción de la jornada laboral por la dictadura del proletariado es "la mejor prueba que puede dar de su autenticidad revolucionaria". En efecto, "si el hombre es una mercancía, si es tratado como un objeto, si las relaciones generales entre los hombres son relaciones entre cosas, es porque se puede comprar su tiempo." Sin embargo, Mascolo se apresura demasiado al concluir "que el tiempo de un hombre libremente empleado" se emplea siempre bien, y que "el comercio del tiempo es el único mal." No hay libertad en el empleo del tiempo sin la posesión de los instrumentos modernos para la construcción de la vida cotidiana. El uso de tales instrumentos marcará el salto de un arte revolucionario utópico a un arte revolucionario experimental.

4

Una asociación internacional de situacionistas puede considerarse como una unión de trabajadores de un sector avanzado de la cultura, o más exactamente de todos aquellos que reivindican el derecho a un trabajo ahora impedido por las condiciones sociales. Por lo tanto como un intento de organización de revolucionarios profesionales de la cultura.

5

Nos hallamos separados en la práctica del control real de los poderes materiales acumulados en nuestro tiempo. La revolución comunista no ha tenido lugar y nos encontramos todavía en el marco de la descomposición de las viejas superestructuras culturales. Henri Lefebvre ve correctamente que esta contradicción está en el centro de una discordancia específicamente moderna entre el individuo progresista y el mundo, y llama romántico-revolucionaria a la tendencia cultural que se funda sobre esta discordancia. El error de la concepción de Lefebvre consiste en hacer de la simple expresión del desacuerdo un criterio suficiente para una acción revolucionaria dentro de la cultura. Lefebvre renuncia de antemano a cualquier experimento que tienda a un cambio cultural profundo, y queda satisfecho con un contenido: la conciencia del posible-imposible, que puede expresarse sin importar qué forma adopte dentro del marco de la descomposición.

6

Quienes quieren superar el viejo orden establecido en todos sus aspectos no pueden ligarse al desorden presente, ni siquiera en la esfera de la cultura. Deben luchar sin demora, también en el campo cultural, por la aparición concreta del orden móvil del futuro. Esta posibilidad, presente ya entre nosotros, desacredita toda expresión dentro de las formas culturales conocidas. Todas las formas de pseudo-comunicación deben llevarse hasta su completa destrucción, para llegar un día a la comunicación real y directa (al uso, en nuestra hipótesis, de medios culturales superiores: la situación construida). La victoria será para quienes sepan crear el desorden sin amarlo.

7

En el mundo de la descomposición cultural podemos probar nuestras fuerzas, pero no emplearlas. La tarea práctica de superar nuestro desacuerdo con el mundo, de vencer la descomposición mediante construcciones más elevadas, no es romántica. Seremos "revolucionarios románticos", en el sentido de Lefebvre, precisamente en la medida en que fracasemos.

Publicado en el nº 1 de Internacional Situacionista (1-VI-1958). Traducción extraída de Internacional situacionista, vol. I: La realización del arte, Madrid, Literatura Gris, 1999.

Fuente: Archivo Situacionsita Hispano