jueves, 17 de octubre de 2013

COMIENZAN LOS TRABAJOS DE RESTAURACIÓN DE LA VIVIENDA COMUNAL DEL NARKOMFIN


Por fin, han anunciado el comienzo de los trabajos para restaurar la casa de Narkomfin.

A finales de septiembre se anunció que se restauraría la lavandería que forma parte de la Casa Narkomfin (1930), una famosa muestra del constructivismo de Moscú. La oficina, que encabeza Alexéi Ginzburg, nieto del autor del proyecto, Moisés Ginzburg, se encargará de la restauración de dicho edificio.

El arquitecto soviético junto con su colega Ignacio Milinis tienen la intención de construir una “casa-comuna de transición", un ejemplo de la utopía donde habrá de todo lo que necesita el constructor del comunismo para su hazaña diaria: una biblioteca, un gimnasio, un comedor con cocina, un jardín de la infancia con las casas-cunas y, por supuesto, "unidades residenciales", así Ginzburg llama los apartamentos. Cada espacio, dependiendo del tamaño, configuración y localización tendrá su propio código alfanumérico.

La restauración de la lavandería es la primera buena noticia, durante mucho tiempo, del edificio del bulevar Novinski, que se encuentra en estado crítico. La casa está deshabitada prácticamente por completo, pero no del todo: una parte de sus locales ha sido arrendada. La casa está en la lista de obras maestras arquitectónicas al borde de la desaparición.

Fuente: La Voz de Rusia

EL EDIFICIO DE VIVIENDA COMUNAL DEL NARKOMFIN, EN LA ESPINA ROJA: http://espina-roja.blogspot.com.es/2011/11/edificio-de-vivienda-comunal-del.html



 

miércoles, 16 de octubre de 2013

"UN NUEVO HORIZONTE. EXPOSICIÓN DE ARTE CHINO CONTEMPORÁNEO" EN EL CENTRO CONDE DUQUE DE MADRID


Marea (1984). de Zhan Jianju

Frente a una sociedad tremendamente rica, los artistas chinos perciben la realidad con una particular mirada: en sus obras se puede apreciar el vibrante desarrollo de la sociedad y las transformaciones de la cultura china.

En el año 1978 se inicia un período de reforma y apertura en la sociedad china, convirtiéndose esta fecha en un punto de inflexión que se refleja en el ambiente creativo del país. Los procesos de crecimiento acelerado y de integración con el resto del mundo, las condiciones culturales resultado de los procesos de informatización y urbanización, así como los numerosos intercambios artísticos internacionales gracias a la apertura al exterior, introdujeron una vitalidad creativa sin precedentes y fomentaron profundas transformaciones en el arte chino.

Esta muestra es una selección de obras (pintura, tinta china, grabado y escultura) representativas de la colección del Museo Nacional de Arte de China que pretende reflejar los cambios de dicha época, a fin de ofrecer al público español una mirada concisa pero general del arte chino de la época de reforma y apertura. Frente a una sociedad tremendamente rica, los artistas chinos perciben la realidad con una particular mirada. Sobre la base de las tradiciones que han heredado de otras experiencias artísticas venidas de fuera han obtenido conceptos artísticos y estilos formales muy variados. En sus obras se puede apreciar el vibrante desarrollo de la sociedad y las transformaciones de la cultura china.

Del 16 de octubre de 2013 al 05 de enero de 2014

http://www.condeduquemadrid.es/evento/un-nuevo-horizonte/

 Antique Hall (2012), de Xin Dongwang

 Florecer de juventud, Hola Beijing (Wang Guanjun)

martes, 15 de octubre de 2013

"HUGO CHÁVEZ. MI PRIMERA VIDA", DE IGNACIO RAMONET

Hugo Chávez. Mi primera vida
Ignacio Ramonet
Debate
728 páginas
26,90 euros
E-book: 12,99 euros

Hugo Chávez ha sido una de las figuras políticas más polémicas de la última década, pero, ¿quién era Chávez antes de ser presidente de Venezuela? ¿Cómo se inició en la política? ¿Qué infuencias recibió? Estas y otras preguntas tienen cabida en el libro 'Hugo Chávez. Mi primera vida' de Ignacio Ramonet, que Editorial Debate pondrá a la venta el próximo 17 de octubre.

Después de conseguir un gran éxito con el perfil de Fidel Castro, Ramonet escribe la biografía de Chávez en forma de memorias dialogadas.

Este libro es el resultado de más de cien horas de entrevistas que se realizaron a lo largo de cinco años y que están centradas en la primera etapa de la vida del que fuera presidente venezolano. Una antesala para explicar las claves de la que sería su trayectoria posterior, y la historia viva de América Latina en el comienzo del nuevo siglo, a través de las palabras del propio Chávez en la que fue la única entrevista de este tipo que concedió el mandatario.

Los de abajo

Chávez alcanzó el poder en Venezuela en enero de 1999 y fue desde ese momento y hasta su muerte el 5 de marzo de 2013, cuando se forjó una de las figuras más polémicas de la escena internacional. Destaca en su biografía la amistad que le unía a Fidel Castro, y a la vez, su aferrada oposición a Estados Unidos.

Venezuela se caracteriza por ser uno de los países de América Latina que cuenta con mayores ingresos, gracias al petróleo, y también con grandes desigualdades sociales. Este caldo de cultivo hizo que el mensaje de Chávez y su grito a la Revolución Bolivariana calara no sólo en su país, sino en el resto de América Latina.

Fuente: hoyesarte

lunes, 14 de octubre de 2013

ESTRENADA EN MOSCU LA PELÍCULA "STALINGRADO", DE FIÓDOR BONDARCHUK


El pasado 10 de octubre se estrenó en Moscú la película Stalingrado, del realizador Fiódor Bondarchuk. La cinta está dedicada a uno de los sucesos más trágicos y sangrientos de la Segunda Guerra Mundial: la batalla de Stalingrado, la cual dio un giro a la marcha de la guerra, dio inicio a la ofensiva de las tropas soviéticas y terminó con la derrota total de la Alemania nazi.

Las tecnologías más avanzadas a día de hoy permiten a los espectadores tener la sensación de vivir la historia desde dentro, especialmente en los episodios más terribles de las escenas de batallas, acentuados aún más con la música trágica escrita por el compositor estadounidense Angelo Badalamenti. Para una película de acción eso alcanza y sobra. Pero la cinta de Bondarchuk no es una simple película de acción. En primer lugar, se basa en hechos históricos reales. En segundo lugar, además de los efectos visuales es portadora de una idea artística. Partiendo de las batallas concretas, el realizador llega a serias conclusiones generales. Y narrando esto dirige la mirada a la profundidad de la historia de la antigua Grecia y de la antigua Rusia:

—No se trata de un documental, no es una investigación, no es ninguna de las versiones de los dos días de la batalla de Stalingrado. En una película sobre la guerra. Este conflicto pudo ocurrir tanto en Troya como en el campo de Kulikovo.

Pero en la pantalla aparece Stalingrado, la ciudad rusa a orillas del Volga. Noviembre de 1942, el ejército soviético libra cruentos ataques contra las tropas nazis alemanas. Un grupo de agentes secretos rusos ocupa una casa en la que encuentran a una muchacha, la única sobreviviente de todos los moradores. Su aparición aúna de manera sorprendente a todos los combatientes: para uno se convierte en una hija, para otros en una amiga y para terceros en la mujer amada. La historia encarna a todos los perdidos y no encontrados. Bondarchuk tiene su propia versión del “fenómeno Stalingrado”. ¿Por qué los soldados rusos martirizados, que largo tiempo retrocedían bajo la presión de las tropas alemanas, lograron revertir la marcha de la guerra? El realizador lo explica así:

—Desde mi punto de vista, transcurría el segundo año de la guerra y cada uno tenía su historia personal. Imaginarme y sentir todo eso en carne propia es difícil. Pero, de haberme visto en tal situación, seguramente, sentiría el más fuerte sentimiento de venganza y la más fuerte motivación para actuar.

A propósito, los soldados alemanes en la película no son los enemigos de los carteles, no son caricaturas ni marionetas, son personas que sienten dudas, vergüenza, dolor. Incluso se desarrolla una historia de amor entre un oficial alemán y una belleza rusa. Es más, los principales antagonistas de la cinta, un oficial soviético y otro alemán, mueren en el mismo momento en que se ven en el último instante de la vida. Pero, no se trata, obviamente, de ninguna reconciliación, asegura Fiódor Bondarchuk:

—No queríamos que el final reflejara un perdón absoluto entre ellos. El final, en el que se encuentran en un mismo lugar y se disparan despiadadamente el uno al otro, es la imagen de la guerra pero, de ninguna manera, una reconciliación.

Stalingrado ha sido promovida por Rusia al Oscar en la nominación a la mejor película extranjera, por cierto que ya ha aventajado a una decena de cintas meritorias. Es el primer filme ruso rodado en formato IMAX3D.

Fuente: La Voz de Rusia

VER TRAILER:



domingo, 13 de octubre de 2013

FOTOGRAFÍA DE PIERRE GONNORD


Iban a caballo por una carretera secundaría cerca de Évora. Pierre Gonnord (Cholet 1963) pisó el freno de su coche y se presentó al grupo. Como retratista lleva tiempo recorriendo el Alentejo en busca de rostros majestuosos entre las familias nómadas que luchan por mantener su idiosincracia. Rogiero no tiene más de cuatro años pero ya mira como un adulto. En esta imagen, comparable a los retratos de corte de Velázquez o Ribera, parece un chico fuerte y orgulloso. Hay algo de nobleza en ese gesto adusto. Se ha acostumbrado a dormir al raso y cuidar de sus hermanos —por debajo suyo hay cuatro pequeños más— mientras sus padres trabajan como braceros en los campos para poder comer. Su madre, como ahora la hermana mayor de Rogiero, tampoco pudo elegir su destino, se casó a los 14 años y empezó a parir. Con veintipocos ya tiene 7. De esa niña sin adolescencia, solo distinguimos sus ropajes, sus manos de campesina y sus brazos, estrechando a su pequeño contra su pecho, en un gesto protector. No es la pobreza lo que se ve en la imagen sino la vida, cargada de tradiciones ancestrales. Parece como si el fotógrafo quisiera escuchar sin tabúes a a ese gente que corre de un lado para otro. Para conseguir una pose de estudio Gonnord necesitó antes de convivencia y cercanía. El retrato se tomó un amanecer del pasado mayo, bajo la sombra de un bosque. El fotógrafo ha borrado la vegetación con un telón negro de fondo para concentrarse en esos brazos que abrazan. Fue una sesión relajada. Rogiero es uno de esos niños baqueteados que van hacia los adultos y les hablan. El retratista sigue todavía escrutando almas en el Alentejo.

Fuente: El País

sábado, 12 de octubre de 2013

"RECURSOS HUMANOS", UN FILM DE LAURENT CANTET

Título original: Ressources humaines
Año: 1999
Duración: 100 min.
País: Francia
Director: Laurent Cantet
Guión: Laurent Cantet, Gilles Marchand
Fotografía: Matthieu Poirot-Delpech
Reparto: Jalil Lespert, Jean-Claude Vallod, Chantal Barré, Véronique de Pandelaère, Michel Begnez, Lucien Longueville

A un joven universitario lo contratan como pasante en el departamento de Recursos Humanos de una fábrica situada en la campiña francesa. Lleno de ilusión e ingenuidad, está convencido de que sus esfuerzos servirán para que los sindicatos y la dirección alcancen un acuerdo sobre la jornada laboral. Sin embargo, pronto se da cuenta de que su trabajo está, en realidad, al servicio de una reorganización de la empresa, que implica una reducción de la plantilla.

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:

viernes, 11 de octubre de 2013

CORO DEL EJÉRCITO ROJO CELEBRA SU 85 CUMPLEAÑOS

El conjunto Aleksándrov en 1928-1929.
 
El conjunto fue fundado el 12 de octubre de 1928. El Conjunto Alexándrov se considera uno de los mejores coros masculinos y es conocido en el extranjero como el Coro del Ejército Rojo.

El Conjunto A. V. Aleksándrov también es conocido mundialmente como "El Coro del Ejército Rojo", es la agrupación que servía como el coro oficial en el ejército ruso.

El conjunto consiste en un coro masculino, una orquesta y un grupo de danza. Su amplio repertorio incluye desde música folklórica rusa, pasando por himnos eclesiásticos, hasta música popular, algunas de sus interpretaciones más reconocidas son: Canto de los remeros del Volga, Katiusha, Kalinka, Kemina y Ave María, por mencionar algunos de sus grandes éxitos.

Posteriormente a la desintegración de la Unión Soviética, el conjunto y coro del Ejército Ruso ha seguido presentándose y haciendo espectáculos dentro y fuera de la nueva república rusa.


Aleksandr Aleksándrov (1883 – 1946), conocido como Sasha, nació en el seno de una familia campesina, sin embargo, él se convertiría en el primer director artístico del coro, asimismo se forjaría como un director de coro, maestro y una figura pública que escribió la música del Himno Nacional de la Unión Soviética.

Hay dos posibles historias acerca de los inicios del coro, posiblemente fragmentos separados de la misma historia: la primera historia dice que el fundador del coro fue Félix Nikoláievich Danilóvich, directivo de un teatro, el primer director artístico fue elegido entre tres posibles candidatos de Moscú: Danilin, Chesnokov y Aleksándrov. En esta versión el primer conjunto quedo formado así: Tkachenko, Zyúkov, Samarin, Rozanov, Koltypin, Tolskov, Golyáiev, Chárov como cantantes. Maksímov, Svetlov, Bayanista, Surdin como bailarines.

La segunda versión dice que el conjunto se formó fuera de la Casa central del Ejército Rojo de Mijaíl Frunze en 1928. También hay una historia que Stalin le hizo una gestión a Aleksándrov para renombrar el coro de Moscú bajo el nombre de “El conjunto musical del ejército rojo de la casa central del ejército rojo M. V. Frunze” o el "Coro del Ejército Rojo", los primeros integrantes fueron: Doce soldados actores, un octeto, un acordeonista, dos bailarines, y un recitador, el debut oficial fue el 12 de octubre de 1928 bajo la dirección de, Aleksandr Aleksándrov, un joven profesor de música en el Conservatorio de Moscú. El programa, titulado “La 22ª División de Krasnodar, en concierto", consistía principalmente en breves escenas musicales de la vida militar, incluyendo canciones de la Caballería del Ejército, el Ejército Especial del Lejano Oriente, y la canción acerca de Magnitostrói.

En 1929 visitó las tierras del Lejano Oriente presentándose así a las tropas trabajando en el ferrocarril del lejano este. En 1933 comenzó a hacerse famoso, el conjunto creció a 300 integrantes y en 1935 recibió la Orden de la Bandera Roja renombrándose así "El Conjunto del Ejército Rojo dos veces premiada con la Orden de la bandera roja de la URSS". Durante la Segunda Guerra Mundial realizaron alrededor de 1.500 funciones en ambos frentes soviéticos.




jueves, 10 de octubre de 2013

TODA LA INFORMACIÓN SOBRE EL TRIPLE DISCO "ANIVERSARIO" DE REINCIDENTES


COMUNICADO DE REINCIDENTES

¡Hola a tod@s!

La banda sevillana Reincidentes hemos querido celebrar nuestro 27 aniversario con una caja conmemorativa. Aunque hace ya 30 años que empezamos a ensayar, consideramos el inicio desde que tocamos por primera vez en aquella antesala del Rector.

El trabajo de ANIVERSARIO lo componen tres elementos:

1. Documental “Reincidentes. Erre que erre”
 
Intermedia Producciones ha realizado, en forma de documental, un recorrido por los últimos 25 años de la historia social, política y cultural del Estado español y Latinoamérica, donde la trayectoria musical de Reincidentes sirve de hilo conductor. La banda no pretende ser protagonista, sino dar la palabra a antropólogos, políticos, músicos, militantes y amigos, para desgranar esas luchas olvidadas, los logros conseguidos y la implicación del rock en las coyunturas políticas vividas en estos años difíciles.

2. Disco “Canciones para no olvidar”
 
Con este disco, Reincidentes ha querido homenajear a los autores que en los años 70 y 80 lucharon por las libertades socio-políticas y por construir lo que hoy en día es nuestra inacabada transición a una verdadera democracia. Podría considerarse una continuación de “América. Canciones de ida y vuelta”.

3. Disco “Canciones para construir”
 
Se trata de un disco de canciones propias, todas nuevas. Ya hubo un adelanto con el videoclip de la canción “Al asalto”.

Las tres entregas tienen un fuerte contenido sentimental, pero lo importante es la celebración en sí, intentando hacer algo diferente, intenso, contundente y, por supuesto, lleno de ilusión.

Hemos tomado la decisión de editar ANIVERSARIO con nuestro propio sello. La distribución también la haremos nosotros y solo estará disponible en la web del grupo www.reincidentes-sca.es directamente, sin intermediarios.

Para crear una relación directa entre el grupo y sus seguidores, enviaremos la caja ANIVERSARIO a vuestras casas, con algunos extras, entre ellos una poster con firmas y dedicatoria personalizada. Además, los primeros que lo pidan tendrán un regalo sorpresa. Todo ello para que quede constancia de que estamos celebrando algo importante para nosotros.

Esperamos y deseamos que disfrutéis con este nuevo material.

¡¡Salud a tod@s!!

Sevilla, 3 de octubre de 2013

http://reincidentes-sca.es/aniversario/

miércoles, 9 de octubre de 2013

SE CUMPLEN 46 AÑOS DE LA MUERTE DEL CHE GUEVARA

Che Guevara en Moscú en Noviembre de 1964

"LA NECESIDAD DE ESTE LIBRO"

Este es el prólogo inédito que con el título de "La necesidad de este libro", escribió el Che Guevara. Se incluye en el libro de Orlando Borrego, Che, El Camino del fuego, (editorial Hombre Nuevo, Argentina).

Desde la aparición de El Capital, los revolucionarios del mundo tuvieron un monumento teórico que esclarecía los mecanismos del sistema capitalista, la lógica interna de su irremediable desaparición. Durante muchos decenios fue la enciclopedia donde se bebía el material teórico indispensable a las nuevas generaciones de luchadores. Aún hoy el material no se ha agotado y maravilla la claridad y profundidad de juicio de los fundadores del materialismo dialéctico. Sin conocer El Capital no se es economista en el pleno y honroso sentido de la palabra. No obstante, la vida siguió su curso y algunas de las afirmaciones de Marx y Engels no fueron sancionadas por la práctica, sobre todo, el lapso previsto para la transformación de la sociedad resultaba corto. La visión de los genios científicos se nublaba ante la perentoria ilusión de los revolucionarios exaltados. Con todo, las conmociones sociales aumentaron en profundidad y extensión, y los conflictos provocados por el reparto del mundo entre las naciones imperialistas dieron origen a la primera guerra mundial y a la Revolución de Octubre.

A Lenin, jefe de esta Revolución, le corresponde también el mérito histórico de haber dilucidado el carácter que tomaba el capitalismo bajo su nueva forma imperialista y enunciado el ritmo desigual que asume el desarrollo en la sociedad -como en toda la naturaleza por otra parte-, previendo la posibilidad de romper la cadena imperialista en su eslabón más débil y convirtiéndola en hechos.

La enorme cantidad de escritos que dejara a su muerte constituyeron el complemento indispensable a la obra de los fundadores. Luego el manantial se debilitó y sólo quedaron en pie algunas obras aisladas de Stalin y ciertos escritos de Mao Tse Tung como testigos del inmenso poder creador del marxismo.

En sus últimos años, Stalin temió los resultados de esa carencia teórica y ordenó la redacción de un manual que fuera asequible a las masas y tratara los temas de la economía política hasta nuestros días.

Ese manual ha sido traducido a las principales lenguas del mundo y se han hecho de él varias ediciones, sufriendo cambios pronunciados en su estructura y orientación, a medida que se producían cambios en la URSS.

Al comenzar un estudio crítico del mismo, encontramos tal cantidad de conceptos reñidos con nuestra manera de pensar que decidimos comenzar esta empresa -el libro que expresara nuestros puntos de vista- con el mayor rigor científico posible y con la máxima honestidad. Cualidad imprescindible esta última, porque el estudio sereno de la teoría marxista y de los hechos recientes nos colocan en críticos de la URSS, posición que se ha convertido en oficio de muchos oportunistas que lanzan dardos desde la extrema izquierda para beneficio de la reacción.

Nos hemos hecho el firme propósito de no ocultar una sola opinión por motivos tácticos, pero al mismo tiempo, sacar conclusiones que por su rigor lógico y altura de miras ayuden a resolver problemas y no contribuyan sólo a plantear interrogantes sin solución.

Creemos importante la tarea porque la investigación marxista en el campo de la economía está marchando por peligrosos derroteros. Al dogmatismo intransigente de la época de Stalin, ha sucedido un pragmatismo inconsistente. Y, lo que es trágico, esto no se refiere sólo a un campo determinado de la ciencia; sucede en todos los aspectos de la vida de los pueblos socialistas, creando perturbaciones ya enormemente dañinas pero cuyos resultados finales son incalculables.

En el curso de nuestra práctica y de nuestra investigación teórica llegamos a descubrir un gran culpable con nombre y apellido: Vladimir Illich Lenin.

Tal es la magnitud de nuestra osadía. Pero quien tenga la paciencia de llegar hasta los últimos capítulos de esta obra, podrá apreciar el respeto y la admiración que sentimos por ese "culpable" y hacia los móviles revolucionarios de los actos cuyos resultados últimos asombrarían hoy a su realizador.

Se sabe desde viejo que es el ser social el que determina la conciencia y se conoce el papel de la superestructura; ahora asistimos a un fenómeno interesante, que no pretendemos haber descubierto pero sobre cuya importancia tratamos de profundizar: la interrelación de la infraestructura y la superestructura. Nuestra tesis es que los cambios producidos a raíz de la Nueva Política Económica (NEP) han calado tan hondo en la vida de la URSS que han marcado con su signo toda nuestra etapa. Y sus resultados son desalentadores: La superestructura capitalista fue influenciando cada vez en forma más marcada las relaciones de producción y los conflictos provocados por la hibridación que significó la NEP se están resolviendo hoy a favor de la superestructura: Se está regresando al capitalismo.

Pero no queremos anticipar en estas notas prologales sino la medida de nuestra herejía; tomémonos el tiempo y el espacio necesarios para tratar de argumentarla en extenso.

Otra característica tiene esta obra: es un grito dado desde el subdesarrollo. Hasta el momento actual, las revoluciones de tendencia socialista se habían producido en países sumamente atrasados -asolados por la guerra, además- o en países de relativo desarrollo industrial (Checoslovaquia, parte oriental de Alemania) o en países continentes. Y todos formando una unidad geográfica.

Hasta ahora no había iniciado la aventura socialista ningún pequeño país aislado, sin posibilidad de grandes mercados ni de un rápido aprovechamiento de la división internacional del trabajo, pero, al mismo tiempo, con un estándar de vida relativamente elevado. Los errores, las embestidas ciegas, también tendrán lugar, como historia útil en estas páginas; pero lo más importante son nuestras razones, que identificamos con las de los países de escaso desarrollo, en su conjunto, motivo por el cual pretendemos darle valor de cierta universalidad a nuestros planteamientos.

Muchos sentirán sincera extrañeza ante este cúmulo de razones nuevas y diferentes, otros se sentirán heridos y habrá quienes verán en todo el libro sólo una rabiosa posición anticomunista disfrazada de argumentación teórica. Pero muchos, lo esperamos sinceramente, sentirán el hálito de nuevas ideas y verán expresadas sus razones, hasta ahora inconexas, inorgánicas, en un todo más o menos vertebrado.

A ese grupo de hombres va dirigido fundamentalmente el libro y también a la multitud de estudiantes cubanos que tienen que pasar por el doloroso proceso de aprender "verdades eternas" en las publicaciones que vienen, sobre todo, de la URSS y observan cómo nuestra actitud y los repetidos planteamientos de nuestros dirigentes se dan de patadas con lo que leen en los textos.

A los que nos miren con desconfianza basados en la estimación y lealtad que experimentan respecto a países socialistas, les hacemos una sola advertencia: la afirmación de Marx, apuntada en las primeras páginas de El Capital sobre la incapacidad de la ciencia burguesa para criticarse a sí misma, utilizando en su lugar la apologética, puede aplicarse hoy, desgraciadamente, a la ciencia económica marxista. Este libro constituye un intento de retomar la buena senda e, independientemente de su valor científico, nos cabe el orgullo de haberlo intentado desde este pequeño país en desarrollo.

Muchos sobresaltos esperan a la humanidad antes de su liberación definitiva pero -nos guía el más absoluto convencimiento de ello- ésta no podrá llegar sino a través de un radical cambio de estrategia de las principales potencias socialistas. Si este cambio será producto de la insoslayable presión imperialista o de una evolución de las masas de esos países, o de una concatenación de factores, es algo que dirá la historia; nosotros aportamos nuestro modesto granito de arena con el temor de que la empresa sea muy superior a nuestras fuerzas. En todo caso, queda el testimonio de nuestra intentona:

Nuestra fuerza de corazón ha de probarse aceptando el reto de la Esfinge y no esquivando su interrogación formidable.

Ernesto Che Guevara

Fuente: la haine

martes, 8 de octubre de 2013

EL FISAHARA CELEBRA DEL 8 AL 13 DE OCTUBRE SU DÉCIMA EDICIÓN, DEDICADA A LA MUJER SAHARAUI


El Festival de cine del Sáhara (Fisahara) celebrará del 8 al 13 de octubre su X edición, dedicada a rendir homenaje a la mujer saharaui, pedir si igualdad y destacar su papel en las reivindicaciones del pueblo saharaui ante el gobierno marroquí. Al festival acudirán varios actores y cineastas españoles entre los que destacan Pilar Bardem, Melanie Olivares y Ana Wagener, además de los organizadores del evento, entre los que se encuentran María Carrión, Willy Toledo y Jorge Taboada.

La representante en España de la Unión Nacional de Mujeres Saharauis, Jadiyetu Mohtar, y el delegado del Frente Polisario en Madrid, Abdulah Arabi, han acudido también a la presentación del festival, que tendrá lugar en el campamento saharaui de Dajla (Marruecos).

La muestra, que proyectará en el desierto películas como 'La vida de Pi', 'Lo imposible' o 'Sigo siendo Kachkaniraqmi', acogerá también largometrajes producidos en el mundo árabe y norte de África como 'La fuente de las mujeres', 'La bicicleta verde' o 'The suffering grasses' con una temática centrada en los derechos humanos, el empoderamiento de la mujer o las revueltas que se han venido produciendo los últimos años conocidas como la "primavera árabe".

Asimismo, se presentarán también cortometrajes realizados por cineastas saharauis que abordan el conflicto de soberanía que vive la región desde hace 38 años y en los que han participado los alumnos de la escuela de formación audiovisual Abidin Kai Saleh, abierta en 2011, y en la que estudian una veintena jóvenes de la etnia saharaui.

La directora ejecutiva de la muestra, María Carrión, ha destacado la importancia de la X edición del festival porque, según ha asegurado, demuestra que el pueblo saharaui "sigue estando ahí a pesar de la retirada de apoyos internacionales" que, a su juicio, se ha producido.

En este sentido, tanto Mohtar como Arabi han culpado a los gobiernos españoles, a los que consideran " principales responsables del sufrimiento del pueblo saharaui" y han denunciado el acuerdo de pesca alcanzado recientemente con Marruecos, por el que "se reparten las riquezas de los territorios saharahuis". En este sentido, el delegado del Frente Polisario ha lamentado que los sucesivos gobiernos del país "solo tengan en cuenta los intereses de Marruecos" en las negociaciones.

Asimismo, ha protestado también por las detenciones de "presos políticos" y los juicios "sin ninguna garantía jurídica" que, según ha asegurado, se llevan a cabo por parte de Marruecos hacia los disidentes saharauis. Además, ha denunciado también la situación de "división" que viven los saharauis debido al muro defensivo construido en el Sáhara Occidental y que separa Marruecos de los campamentos de refugiados de la etnia.

REIVINDICACIÓN PACÍFICA

Por otra parte, Mohtar ha asegurado que las reivindicaciones de los saharauis "serán siempre pacíficas" porque, según ha indicado, "solo si se renuncia a la violencia se conserva la razón". Sin embargo, ha criticado que, a pesar de ello, la actitud que se encuentran por parte de Marruecos es de "intransigencia".

Aún así, han agradecido la ayuda y la "solidaridad constante" que la sociedad y el mundo de la cultura en España envían a los campamentos de refugiados saharauis y que "les ha hecho aguantar 38 años de exilio".

En este sentido, Pilar Bardem ha asegurado que "son muchos los artistas a los que le duele la situación de los saharauis" y ha expresado su deseo de que, el año próximo "no haga falta una nueva edición del festival porque la comunidad internacional se haya movilizado por una solución pacífica" para el conflicto.

Por su parte, Ana Wagener ha insistido en la "potencia" del cine como cultura y como "arma contra la indiferencia" ante la situación de los saharauis desde la invasión del territorio por parte de Marruecos.

Otros artistas que han acudido a la presentación del festival, entre los que se encuentran José Taboada, Melanie Olivares, Willy Toledo y Javier Corcuera, han mostrado también su apoyo a las reivindicaciones de los saharauis y han aplaudido el "aguante" y el "esfuerzo" que realizan para llevar a cabo el festival "con muy pocos medios".

Fuente: Europa Press

WEB OFICIAL FISAHARA: http://www.festivalsahara.com/

lunes, 7 de octubre de 2013

ACTIVISTAS ORTODOXOS EXIGEN RETIRAR DE LA GALERÍA TETRIAKOV EL CUADRO "IVÁN EL TERRIBLE Y SU HIJO", DE ILIA REPIN, POR DIFAMAR AL ZAR

“Iván el Terrible y su hijo”, de Iliá Repin

Una decena de activistas ortodoxos exigieron en una carta dirigida al ministro de Cultura de Rusia y a la directora de la Galería Tretiakov retirar de la mayor pinacoteca nacional el famoso lienzo “Iván el Terrible y su hijo”, de Iliá Repin, por denigrar a un zar en cuyo reinado Rusia duplicó su territorio.

El cuadro, pintado en 1885 y prohibido por un tiempo a finales del siglo XIX, muestra a Iván IV, conocido como el Terrible, abrazando a su hijo Iván, al que supuestamente acaba de infligir una herida letal el 16 de noviembre de 1581.

Los firmantes de la carta, entre ellos dos historiadores, subrayan que el filicidio nunca tuvo lugar en realidad, según demostró la historiografía moderna, y que el rumor surgió en el siglo XVII, por culpa de adversarios de Rusia.

“Las repercusiones de la denigrante guerra propagandística iniciada por los enemigos de Rusia las observamos hasta hoy en un lienzo repugnante y calumnioso que se expone en la Galería Tretiakov”, señala el documento.

La carta, publicada esta semana en internet por varias fundaciones que defienden la cultura y la educación ortodoxas, describe a Iliá Repin como ateísta revolucionario que despreció las tradiciones rusas: “No ocultaba que su cuadro apuntaba contra la monarquía, o sea, contra el Estado ruso”.

En otro pasaje, los autores dicen que el artista “recibió el castigo divino por lo que había hecho: se le atrofió el brazo derecho, por lo que fue incapaz de pintar y hasta persignarse”.

Los firmantes exigen retirar de la Galería Tretiakov el polémico cuadro que crea “un efecto de falsa veracidad sicológica” y contribuye a “grabar una difamación de Rusia y de su historia en la memoria de miles de visitantes, entre ellos numerosos niños que todavía carecen de visión crítica del mundo”.

La administración de la Galería Tretiakov y el Ministerio de Cultura no han reaccionado por ahora a este llamamiento.

Fuente: RIA Novosti

domingo, 6 de octubre de 2013

"LIBERACIÓN DEL PEÓN", DE DIEGO RIVERA




Liberación del peón
Diego Rivera
1931
Fresco
185,4 x 239,4 cm
Philadelphia Museum of Art

En Liberación del peón, Rivera desarrolló una narrativa aterradora sobre el castigo corporal. Un labriego, golpeado y abandonado a su muerte, es descendido de un poste por soldados revolucionarios comprensivos, que atienden este cuerpo quebrado. El peonaje —sistema de servidumbre a sueldo establecido por los colonizadores españoles para forzar a los indios a trabajar la tierra— persistió en México aún en el siglo XX. El mural presenta la injusticia de las condiciones sociales y económicas que prevalecieron como justificación de la Revolución mexicana.

Liberación del peón se basó en un tablero que pintó Rivera para su serie de murales en la Secretaría de Educación Pública en la Ciudad de México. Ahí, la escena escalofriante que aparece en este mural se une a La maestra rural, que ensalza los esfuerzos recientes por ampliar los programas educativos manejados por el gobierno y destaca los beneficios de las reformas posrevolucionarias. Mostrado de manera aislada en El Museo de Arte Moderno, el significado del mural portátil Liberación del peón cambia para centrarse en el sacrificio inherente a la lucha revolucionaria.

Antes de la Revolución mexicana, las haciendas —vastas propiedades agrícolas que pertenecían a mexicanos o extranjeros ricos —dominaron el panorama social y político del país. En el fondo de esta pintura, una hacienda se encuentra en llamas, incendiada por los rebeldes. A su alrededor, el paisaje agreste y desértico remite al norte del país, donde se inició la Revolución.

Rivera pareciera indicar que los hombres que cuidan del cuerpo del peón son revolucionarios, pues los representa con cananas y armas de fuego evidentes. Formados por grupos variopintos de rebeldes, muchos de los cuales jamás habían recibido entrenamiento, los soldados revolucionarios de México carecían de un uniforme fácilmente reconocible y con frecuencia luchaban en sus ropas de trabajo.

Si bien el tema es secular, Liberación del peón evoca la imaginería cristiana, particularmente la lamentación sobre el cuerpo de Cristo después de la crucifixión. La composición muestra una poderosa influencia de la Lamentación de Giotto, en la Capella degli Scrovegni en Padua, Italia, que Rivera había estudiado de manera directa. Compartió esta estrategia de transformar imaginería religiosa en narrativa revolucionaria con muchos muralistas mexicanos, durante los primeros años del movimiento.

Las referencias a las tradiciones artísticas mexicanas se suman al impacto visceral que produce Liberación del peón. La imaginería devocional creada durante el periodo colonial en México con frecuencia fue tétrica, con énfasis en la violencia gráfica y en las heridas infligidas a Cristo. En su mural portátil, Rivera describió con extremo cuidado cada herida causada por el látigo en el cuerpo quebrantado del peón, destacando así los sacrificios realizados en el proceso revolucionario.

Fuente: MoMA

Diego Rivera. La liberación del peón. 1923. Fresco, aprox. 14' 4 3/8" x 11' 5" (4.38 x 3.48 m). Pared sur del Patio del Trabajo, planta baja, Secretaría de Educación Pública, Ciudad de México

sábado, 5 de octubre de 2013

"LA VERDAD SOBRE EL CASO SAVOLTA"

Título original: La verdad sobre el caso Savolta
Año: 1979
Duración: 130 min.
País: España
Director: Antonio Drove
Guión: Antonio Drove & Antonio Larreta (Novela: Eduardo Mendoza)
Música: Egisto Macchi
Fotografía: Gilberto Azevedo
Reparto: José Luis López Vázquez, Ovidi Montllor, Omero Antonutti, Charles Denner, Stefania Sandrelli

Esta película nos sitúa en la Barcelona de 1917, en los últimos años del sistema político canovista y donde la lucha obrera iba a tener presencia clara anarquista y de agitación. El discurso oficial era la búsqueda de la depresión económica del 98, a través de la industrialización, pero a la par los anarquistas empiezan a implementar distintas herramientas de lucha directa contra la patronal y el capital, en especial con la utilización de la propaganda. El contexto social es la etapa previa a la Semana Trágica y a la llegada de Martínez Anido como feroz Gobernador.

En este contexto la película la relación de los anarquistas, la patronal y de los obreros, frente a un escenario de enfrentamiento directo de atentados permanente a la organización obrera. En esta filmografía se dibuja una trama policíaca en la que un periodista (Pajarito), abanderado de las reivindicaciones obreras, intenta chantajear a un importante industrial (Savolta) para mejorar las condiciones de los obreros. De no hacerlo sacará a la luz las maniobras de contrabando ilegal que su fábrica de armas tiene con los imperios centrales inmersos en la I Guerra Mundial, lo cual choca con Francia, su cliente “oficial”. Pero Savolta no controla esa fuga dentro de su empresa. Lepprince, su futuro yerno, es la mano oculta que mueve los hilos. En este marco se desarrolla la historia, con engaños.

Adaptación de la novela homónima de Eduardo Mendoza

Fuente: Material anarquista

VER PELICULA:

viernes, 4 de octubre de 2013

SUBASTADO CARTEL DE LOS ARTISTAS SOVIÉTICOS VLADIMIR Y GEORGI STENBERG

 
El pasado 2 de octubre la famosa casa londinense de subastas Christie’s llevó a cabo una subasta especial de las obras maestras de diseño gráfico

El cartel cinematográfico de la comedia El maquinista de la general creado en 1929 por los famosos constructivistas soviéticos, los hermanos Stenberg, fue vendido por 50 000 libras esterlinas (59 900 euros). 

Se subastaron en Londres más de 100 carteles únicos que datan entre 1894 y 1988 y formaban parte de una colección privada recogida durante cuarenta años. Entre los lotes se presentaron ocho obras relacionadas con Rusia. 

La más valiosa, según los expertos, era el cartel para la comedia estadounidense de Clyde Bruckman y Buster Keaton El maquinista de la general diseñado de acuerdo con los patrones del constructivismo soviético por Vladímir y Gueorgui Stenberg. 

Los hermanos Stenberg, dos famosos diseñadores gráficos soviéticos conocidos sobre todo por sus carteles cinematográficos, nacieron en Moscú en la familia del pintor sueco invitado a Rusia en 1898 para decorar la Feria de Nizhni Nóvgorod (sur del país). Desde 1915, tras terminar la carrera de Bellas Artes, los hermanos trabajaron para los teatros moscovitas. 

En 1923 comienzan a crear carteleras para la agencia cinematográfica gubernamental Sovkinó y en menos de diez años hacen más de 300. Cabe señalar que a principios de la década de los 1920 el cine soviético apenas existía, pos eso una gran parte de las películas ilustradas por los Stenberg en aquel período fueron alemanas y estadounidenses. Los hermanos firmaban sus carteles como los dúos del circo – «2-STENBERG-2», insertando la firma en la composición de la obra. En el cartel de la película El maquinista de la general está «ocultada» en el tren de la derecha de abajo. 

Fuente: La Voz de Rusia

jueves, 3 de octubre de 2013

ATALAYA ESTRENA EN HUESCA "MADRE CORAJE", DE BERTOLT BRECHT

En el año de su trigésimo aniversario Atalaya acaba de estrenar en el marco de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca 'Madre Coraje' de Bertolt Brecht una de las obras cumbre del teatro del siglo XX y "la más importante del dramaturgo alemán" en palabras de Ricardo Iniesta autor de la adaptación y director de esta propuesta.

No es la primera vez que la compañía sevillana se acerca al teatro de Brecht, ya lo hizo en 2006 con la puesta en escena de 'La ópera de 3 centavos' musical con el que obtuvo muy buenas críticas. "Llevar a escena este espectáculo era uno de mis sueños desde que en 1985 tomé parte en un laboratorio para directores de escena en el Berliner Ensemble, aprendiendo la técnica brechtiana de mano de sus más estrechos colaboradores" destaca Iniesta para añadir que "tres décadas después, este montaje supone la manera perfecta de conmemorar los 30 años de Atalaya".

Tras su estreno en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca, Madre Coraje estará en el Festival Iberoamericano de Cádiz en octubre y en el Teatro Central de Sevilla en noviembre para representar una metáfora de la sociedad actual. Y es que aunque el texto de Brecht toma como referencia la guerra no sólo se pronuncia contra ella sino contra la actitud del ser humano que opta por un sistema de vida en el que la ganancia está por encima de todo, llegando a sacrificar la propia existencia y la de los seres cercanos. "En la obra se pregunta al espectador por las opciones que tomaría en una situación de extrema crisis, como la que vivimos. Resulta, por tanto, de una tremenda actualidad, más aplicable a nuestro tiempo incluso, que a los días en que fuera escrita" apunta Iniesta.

Brecht se basó en la 'Historia de la vida de la estafadora y aventurera Coraje' de Grimmelhaussen para escribir esta obra que se desarrolla en la conocida como Guerra de los Treinta Años. Allí ubica a Anna Fierling, más conocida por Madre Coraje, una vendedora de baratijas oportunista, cínica y segura de sí misma que tiene como objetivo sobrevivir, lucrarse con la guerra y proteger a sus tres hijos. Para ello no tiene reparo en ir de un territorio a otro cambiando de bandera. Pero esa defensa de sus intereses comerciales le lleva en el entorno hostil de la guerra a no poder defender a sus hijos; y es que en un mundo dominado por la violencia y la crueldad Anna Fierling confunde la supervivencia de su familia con la de su negocio. Termina la obra sola, con su carreta de comerciante e inmersa en la miseria absoluta y es que tal y como dijera Bertolt Brecht "la guerra representa sólo la continuación de los negocios con otros medios, pero en la guerra los grandes negocios no los hace la gente humilde y en la guerra las virtudes humanas de convierten en mortales" a la que Iniesta añade que es "una cita aplicable a nuestro tiempo, en el que se está librando una auténtica batalla entre quienes detentan el control financiero y la mayor parte de la población, que sufrimos sus embates".

La actriz Carmen Gallardo, cofundadora de Atalaya en 1983 da vida a la protagonista de la obra. Junto a ella intervienen Lidia Mauduit, Raúl Vera, Jerónimo Arenal, Silvia Garzón, Manuel Asensio y María Sanz, actores y actrices que participaron en el montaje de 'La ópera de 3 centavos' y al igual que en aquel montaje, el apartado musical tiene un gran peso en Madre Coraje ya que el elenco de actores interpreta en directo las canciones acompañadas en algunos casos de música en vivo de la mano de los propios personajes y de cuya composición se ha encargado Paul Desau. Con todos estos ingredientes su director, Ricardo Iniesta concluye afirmando que "a través de la fuerza de las imágenes, la crudeza del texto y la calidad musical el montaje se convierte en, quizás, el más emotivo de los veinte que Atalaya ha llevado a cabo en estas tres décadas".

Fuente: Artezblai

Más información en http://atalaya-tnt.com/?p=2300

miércoles, 2 de octubre de 2013

EL RETRATO DE LAS CLASES OBRERAS DEL FOTÓGRAFO BRITÁNICO CHRIS KILLIP EN EL REINA SOFÍA

 Joven en un muro, Jarrow, Tyneside, 1976. Cortesía Museum Folkwang, Essen © Chris Killip 

"TRABAJO / WORK"

2 octubre, 2013 – 24 febrero, 2014

Figura fundamental de la fotografía de posguerra, desde su debut en los años setenta, Chris Killip (Isla de Man, 1946) abre una nueva vía en la fotografía documental: el retrato de las clases obreras, en pleno proceso de desmantelamiento de la industria que las había creado y mantenido desde principios del siglo XIX. El propósito no es mostrar la experiencia histórica, sino la vida real en el Norte de Inglaterra entre 1968 y 2004.

La fotografía de Chris Killip se inspira en fotógrafos de los años treinta como son Paul Strand, Walker Evans, Bill Brandt, y August Sander, a la vez que recoge influencias de autores que llevaron a cabo una profunda renovación del género de la fotografía documental tras la Segunda Guerra Mundial. Hasta finales de los años sesenta, trabajó como asistente de fotógrafos publicitarios, siendo durante la década de los setenta cuando desarrollaría su trayectoria de fotógrafo independiente, pasando largas temporadas en distintas poblaciones del Nordeste de Inglaterra.

Pero no es hasta la década de los ochenta cuando una nueva generación de fotógrafos con inquietudes políticas entró progresivamente en la escena británica. Estos jóvenes fotógrafos vieron en el entorno social y la situación del país como un tema esencial, y entendieron la cámara como el instrumento impulsor del cambio social, siguiendo el ejemplo de la fotografía de la década de los años treinta. Al irrumpir la fotografía como medio artístico, el medio fue también recibiendo más atención en las galerías e instituciones públicas, adentrándose en un ámbito más allá de la actividad comercial, acompañándose de una infraestructura que facilitaba su acceso al público cultural, así como un mercado para sus obras.

A través de una selección de más de un centenar de imágenes realizadas entre 1968 y 2004, esta exposición acerca al espectador a la influyente aunque no demasiado conocida obra Killip que en los años sesenta abrió una nueva vía en la fotografía documental, vía que seguirían autores como Martin Parr, Tom Wood o Paul Graham. En 1989 recibió el premio internacional de fotografía Henri Cartier Bresson, y desde 1991 es profesor en la Universidad de Harvard. Con su obra fotográfica y las exposiciones que comisarió en la Newcastle-upon-Tyne’s Side Gallery entre los años 1976 y 1984, de la que fue cofundador y director, la influencia de Killip fue modelando la cultura fotográfica de los años 1970 y 1980.

 Sra. Pitt, Slieu Whuallian, Glenfaba, 1971. Serie: Isle of Man (1970-1973). Cortesía del artista © Chris Killip

 Latas de alubias en un supermercado, North Shields, Tyneside, 1981. Cortesía Museum Folkwang, Essen © Chris Killip

Punks, Gateshead, Tyneside, 1985. Cortesía del artista © Chris Killip

Torso, Pelaw, Gateshead, Tyneside. Serie: North East, 1978. Museum Folkwang, Essen © Chris Killip

martes, 1 de octubre de 2013

EXPOSICIÓN EN MOSCÚ DE ARKADI PLÁSTOV, MAESTRO DEL REALISMO SOCIALISTA


El Museo Ruso presenta la exposición de Arkadi Plástov, uno de los pintores más importantes de la época soviética. El evento está dedicado a los 120 años desde el nacimiento de este clásico del realismo socialista.

A los visitantes de la exposición les da la bienvenida el lienzo Fiesta en un koljós, un cuadro de un tamaño impresionante creado en 1937. Derrocha colores vivos e irradia optimismo, el cual representa a trabajadores felices. La obra podría servir de ejemplo perfecto del realismo socialista. No sorprende, por tanto, que en la URSS se haya expuesto en numerosas ocasiones y su reproducción se haya incluido en libros de texto junto con las mejores obras de los pintores clásicos. Fiesta en un koljós le otorgó a Plástov reconocimiento al más alto nivel y le convirtió en uno de los pintores más eméritos de su época.

La exposición organizada por el Museo Ruso ha sido bautizada como Tierra y destino. Estas dos palabras sacadas de una de las poesías de Borís Pasternak expresan la esencia misma de la vida del pintor, cuya vida estaba estrechamente vinculada con la aldea rusa. Se inspiró en la naturaleza y en la vida campestre. Estaba seguro de que lo más importante para un pintor era saber ver la belleza del entorno y transmitirla con toda la sinceridad posible. El tema principal de su obra fue la vida en el campo y el trabajo de la tierra. Cantó las duras labores de los campesinos y dedicó la mayor parte de sus obras a los vecinos de su aldea natal.

“Antes de crear todas mis obras he comprobado más y más veces lo que iba a representar sobre el lienzo. Es la más pura verdad y no debería ser de otra forma”, escribiría el pintor en sus memorias.
Las obras de Plástov curiosamente no se perciben hoy como el himno a las realidades soviéticas. El pintor representó la vida aldeana y en sus lienzos muestra a gente sencilla, con sus preocupaciones y penas, alegrías y quehaceres. Todos los cuadros están hechos con pinceladas ligeras, exactas, maestras. Pocas veces en nuestros días ve uno en las salas de exposiciones un arte tan expresivo y cada evento que ofrece al público se convierte enseguida en un acontecimiento de la vida cultural.

Uno de los lienzos más conmovedores del pintor se llama Primavera y nunca deja de llamar la atención de los visitantes. Una mujer joven está vistiendo apresuradamente a su hija en la puerta de un baño rústico. El cielo está gris y cae la última nieve que resalta la delicadeza del cuerpo desnudo de la madre.

Contó sobre la creación del cuadro el pintor emérito de Rusia Borís Skliaruk: “Un buen día estaba caminando Arkadi Plástov por su aldea natal, Prislonija, y vio por casualidad como una vecina desnuda estaba vistiendo después de un baño a su hija. La escena le pareció tan bonita que quiso plasmarla sobre el lienzo. Al día siguiente se le acercó a la vecina y la pidió posar para el cuadro. La mujer se indignó y lo mandó a paseo”.

Algunas piezas expuestas podrían sorprender al público que espera ver el realismo socialista en su más puro estado. En los años cincuenta, en pleno apogeo de la lucha contra la religión, Plástov estaba pintando oficios, fiestas y ritos religiosos.

Algunas de sus obras se usaban para representar el arte soviético en el extranjero. Así, el cuadro Cena de los tractoristas fue expuesto en Londres en 1958. Se cuenta que el presidente de la Royal Academy of Arts, sir Charles Wheeler, se paró ante el cuadro un buen rato y luego dijo “Cuánto da este tipo de arte, el realismo… Ahora me he dado cuenta de por qué ustedes los rusos han podido sobrevivir e incluso ganar la guerra. Quien sabe trabajar con tanta dedicación, es un enemigo difícil de vencer. Saben trabajar, no cabe la menor duda de ello”.

La exposición estará abierta al público en el Museo Estatal Ruso, en San Petersburgo, hasta el próximo 4 de noviembre.

Fuente: La Voz de Rusia