sábado, 16 de febrero de 2019

"AL COMBATE SOLO VAN LOS VETERANOS", PELICULA SOVIETICA DE LEONID BYKOV

Título original: V boy idut odni stariki
Año: 1973
Duración: 92 min.
País: Unión Soviética (URSS)
Dirección: Leonid Bykov
Guión: Leonid Bykov, Yevgeni Onopriyenko, Aleksandr Satsky
Música: Viktor Shevchenko
Fotografía: Vladimir Vojtenko
Reparto: Leonid Bykov, Sergei Podgornyj, Sergei Ivanov, Rustam Sagdullayev, Yevgeniya Simonova, Olga Mateshko, Vladimir Talashko, Aleksei Smirnov, Gregory Hlady, Viktor Miroshnichenko, Yuriy Sarantsev, Alim Fedorinsky, Vano Yantbelidze, Aleksandr Nemchenko, Boris Boldyrevskiy
Productora: Dovzhenko Film Studios

Sinopsis: La película retrata al escuadrón de pilotos soviéticos que lucharon en la Segunda Guerra Mundial. El guión se basó en los recuerdos de las vivencias de sus componentes durante aquellos acontecimientos. A pesar de que el mayor de ellos tenía poco más de 20 años, ya se sentían "veteranos". Es así como como los protagonistas se van forjando como personas tanto en la lucha como en el amor, afianzando su amistad y siendo capaces de superar la crudeza de la contienda con buen humor, salpicando de comedia varios pasajes del film.

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:

viernes, 15 de febrero de 2019

INAUGURADA LA NUEVA SEDE DEL CENTER FOR CUBAN STUDIES, DE NUEVA YORK, CON UNA EXPOSICÓN DE CARTELES SOBRE LA REVOLUCIÓN CUBANA



Echando raíces, un nuevo hogar para el arte y la cultura cubana


Sandra Levinson sabe dónde encontrar cada papel, entre las tantas fotos, libros, regalos de pintores famosos cubanos, calendarios antiguos y toda clase de artefactos que ha traído de Cuba desde 1969. Levinson dice “Cuba”, y su risa se expande por la sala, ocupando todo el espacio.

El lugar donde hablamos es la nueva sede del Center for Cuban Studies (CCS), ahora en el barrio de Dumbo, Brooklyn. Ha tomado casi un año desempacar y acomodarse. Pero Levinson no lamenta haberse mudado de Chelsea, donde después de diez años el costo de la renta hizo imposible permanecer allí.

“Me enamoré de este lugar en cuanto lo vi”- dice Levinson. “Me encantó el piso de madera original y el hecho de que apenas estaban instalando el aire acondicionado. Entonces me enseñaron el jardín del techo, y todo lo que me pensé fue: este es el lugar perfecto para una banda de música cubana y un evento para recaudar fondos”.

El Centro luce finalmente listo para volver a sus funciones. Mientras hablamos, en las paredes exhiben “Cuban Revolutionary Posters 1960- 1980” (que corrió hasta el fin de diciembre). Incluye 140 posters, de alrededor de 5 mil que posee el Centro. Se trata de los carteles que diseñados por el ICAIC para promover películas, y por otras instituciones del gobierno cubano, para presentar a Cuba ante una audiencia internacional durante la Guerra Fría.

“Mis posters preferidos son aquellos diseñados para los cubanos, con el fin de persuadirlos sobre cómo comportarse de manera socialista, para moldear la consciencia revolucionaria”, dice Levinson, con una diminuta taza de café cubano entre sus manos.

"Estos carteles tienen toda la historia de la revolución en estos increíbles colores que todos querrían ver. Muy pronto, la gente se dio cuenta de que si iban a llegar a los cubanos comunes con mensajes revolucionarios, películas y fotografías y diseño gráfico, era todo lo que necesitaban. Especialmente al principio, antes de la campaña de alfabetización. Lo importante fue que llegaran a la gente muy rápidamente, con un breve mensaje sobre la construcción del socialismo. Todos sabemos que los cubanos en realidad no estaban leyendo a Marx y Lenin. Les gustaba Fidel Castro", dice Levinson para Cuban Art News.

Un cartel en la exposición que marca el 18 aniversario del ataque de 1953 en el cuartel Moncada, un evento temprano en la Revolución Cubana.
A 1970 poster for the Cuban cinematheque by graphic artist Eduardo Muñoz Bachs
Otra vista de la expo en el Center for Cuban Studies.
Foto: Lidia Hernández Tapia para Cuban Art News.
Portada del calendario de CCS para 2019, disponible en el Centro y en su sitio del web. 
Center for Cuban Studies
Fuente: Cuban Art News: https://cubanartnews.org/es/2019/01/06/echando-raices-un-nuevo-hogar-para-el-arte-y-la-cultura-cubana/

jueves, 14 de febrero de 2019

"BIBLIOTECA NACIONAL DE BIELORRUSIA", OBRA DE LOS ARQUITECTOS SOVIÉTICOS KRAMARENKO Y VINOGRADOV


Biblioteca Nacional de Bielorrusia
Viktor Kramarenko y Mikhail Vinogradov 
1989
Minsk

Los arquitectos soviéticos Viktor Kramarenko y Mikhail Vinogradov diseñaron la atrevida biblioteca de Minsk en 1989, pero en realidad se necesitaron 13 años para construir el poliedro gigante que domina la capital de Bielorrusia en la actualidad.

La geometría inusual del edificio simboliza la inmensidad del mundo y la importancia suprema del conocimiento para quienes viven en él. Su superficie consta de 18 cuadrados y ocho triángulos cubiertos por un espejo de espejo que se ilumina de manera colorida durante la noche.

Fuente: Matador Network

miércoles, 13 de febrero de 2019

EDITORIAL AKAL PUBLICA "CARTAS DE LA PRISIÓN" DE ROSA LUXEMBURGO, EN EL CENTENARIO DE SU MUERTE

Cartas de la prisión
Cartas a Carlos Kautsky, Luisa Kautsky y Sonia Liebknecht

Autora: Rosa Luxemburgo
Traductora: Ana Useros Martín
Editorial Akal
ISBN: 978-84-460-4692-9
Fecha publicación: 14-01-2019
Páginas: 264
Precio: 12 €

El presente libro, que recoge las cartas que Rosa Luxemburgo escribió desde la cárcel a sus amigos y compañeros de lucha, es capaz de condensar su pensamiento más profundo sobre la situación política del momento y las perspectivas futuras del socialismo. En ellas muestra su espíritu independiente, lógico y penetrante, así como su deseo de conocer y teorizar más allá de la doctrina marxista que inspiró su obra y sus acciones. Pese a su situación y represión, Rosa Luxemburgo nunca dejó atrás sus ideas, sino que siguió escribiendo incansablemente para defender sus convicciones, manifestando, aun estando presa, un conocimiento del momento político sorprendente. Cartas de la prisión es, por tanto, una muestra más de la brillantez de una mujer cuyo pensamiento sigue siendo capaz de remover en la actualidad muchas conciencias.

Contenidos

Semblanza de Rosa Luxemburgo, por Clara Zetnik

Prólogo de Luisa Kautsky

A la redacción de la Neue Zeit (1896-1899)

A Carlos y Luisa Kautsky (1900-1904)

Desde la cárcel de Zwickau, hasta la primera Revolución rusa (1904-1905)

Primera Revolución rusa (1905-1906)

Hasta la gran guerra imperialista (1907-1914)

Epílogo de Luisa Kautsky

A Sonia Liebknecht

Desde varias cárceles, durante la guerra (1915-1919)

Cartas a Sonia (1916-1918)

Desde la cárcel de Breslau

martes, 12 de febrero de 2019

EXPOSICIÓN "DE CHAGALL A MALÉVICH. EL ARTE EN REVOLUCIÓN" EN LA FUNDACIÓN MAPFRE


El arte de la Revolución de Octubre llega a la Fundación Mapfre

Los años previos a la Revolución de Octubre de 1917 estuvieron repletos de una convulsión política y un ajetreo ideológico que tuvieron su réplica en todos los campos de la sociedad. También en el arte. A principios del siglo XX, Rusia se consolidó como uno de los centros de la vanguardia, y es que de allí surgieron algunas de las propuestas más radicales y revolucionarias del arte y el diseño modernos. Para analizar su huella posterior, pero también su antesala, la Fundación Mapfre ha presentado este jueves la exposición De Chagall a Malévich: El arte en revolución. Abrirá sus puertas el próximo sábado 9 de febrero, y permanecerá en la sede de la entidad hasta el 5 de mayo.

"Presentamos todos los movimientos de vanguardia que hubo en Rusia entre 1905 y 1930, antes y después de la revolución. Y nos centramos sobre todo en el estatuto de la pintura", explica Nadia Arroyo, directora del área de cultura de la citada fundación. La muestra está compuesta por un total de 92 obras de 29 artistas, así como de 24 publicaciones que dibujan un amplio fresco de las vanguardias rusas, con referencia tanto a casos individuales como a colectivos influyentes, donde Chagall y Malévich se convierten en la referencia y en el contrapunto del recorrido.

Todos ellos, prosigue, son movimientos que nutren y acompañan al proceso revolucionario de 1917, aunque trascienden y se convierten en atemporales. En la muestra destaca, entre otros puntos, la presencia de la mujer. "Vemos que hay un buen número de mujeres artistas, que trabajan en las mismas condiciones que sus compañeros, de igual a igual, y cuyas aportaciones resultaron fundamentales, en una experiencia de feminización de las artes que tardaría en repetirse", añade Arroyo.

La exposición parte de los primeros años del siglo XX, cuando numerosos creadores rusos viajaron principalmente a Francia y Alemania, donde entraron en contacto con los movimientos culturales más avanzados e incluso integraron algunos de los grupos que articularon los primeros movimientos de ruptura con el arte del pasado. Estos artistas también pusieron su toque patrio, incorporando un bagaje propio, como los iconos ortodoxos o el interés por los temas rurales, que impactó en occidente. A esto se le añade el posterior papel del arte en el ambiente revolucionario de 1917, y el modo en que las propuestas culturales acompañaron, anunciaron e ilustraron el cambio de paradigma que llegó con el socialismo. La exposición concluye en 1930, "año en el que los artistas vieron reducida su capacidad creadora y de acción", señala Arroyo.

La exposición, prosigue Jean-Louis Prat, comisario de la muestra, tiene como figuras de referencia a Marc Chagall y Kazimir Malévich, en la medida en que representan dos polos en las innovaciones de la vanguardia pictórica. El primero, más poético y narrativo, abre el camino al surrealismo. El segundo, más radical, tiende a la abstracción geométrica. En medio, otros 27 artistas que trabajan la pintura y la escultura. Entre otros, Natalia Goncharova, Liubov Popova, El Lisitski o Vassily Kandisnky. El proyecto se nutre de generosos préstamos de instituciones como el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo, la Galería Estatal Tretiakov de Moscú o el Museo Estatal de Nizhniy Novgorod, entre otros.

Fuente: CincoDías



lunes, 11 de febrero de 2019

FALLECIÓ EL DRAMATURGO SEVILLANO SALVADOR TÁVORA



SALVADOR TÁVORA, EL GENIO AUTODIDACTA DEL TEATRO ANDALUZ

El ocho de febrero, sin previo aviso, se ha convertido ya en una fecha tristemente relevante para la historia del teatro español. En su madrugada nos dejaba Salvador Távora (abril de 1930) y con él, el testimonio vivo de casi medio siglo de la historia de España. Este sábado, a partir de las 9:00, se abrirá en el Ayuntamiento de Sevilla la capilla ardiente del dramaturgo y director, cuya familia recibe ahora en el Tanatorio de la SE-30 las condolencias de amigos, compañeros y autoridades.
Cantaor, obrero soldador, torero de vocación frustrada… Távora fue, por encima de todo, un inmenso creador, curioso y autodidacta, y un hombre comprometido con su tierra y con sus orígenes al que nada ni nadie logro nunca mudar sus convicciones. Este humilde sevillano de barrio, sin embargo, es el responsable de que España, o mejor dicho Andalucía, se situara durante los años oscuros en el mapa del teatro internacional.

Mientras nuestro país, en efecto, era conocido en el mundo casi exclusivamente -amén de por la dictadura que estaba viviendo- por los clásicos del Siglo de Oro, y el teatro de texto burgués no dejaba de ser un intento de emular la maestría de ingleses y franceses, la irrupción de Quejío (1972), su primer trabajo, colocó al teatro andaluz en la primera línea de la vanguardia internacional.
Se sabe que fue la inteligencia de José Monleón la que convenció al Teatro Estudio Lebrijano para que utilizara en Oratorio, convertida en la pieza más destacada del Festival de Nancy de 1971, el arte andaluz más autóctono: el flamenco. Pero fue Távora, que actuaba como cantaor en Oratorio, quien lograría revolucionar la escena española con Quejío, un sencillo trabajo que se ensayó en La Cuadra, un bar regentado por Paco Lira en el que se reunía la izquierda clandestina sevillana y que la policía definía como "un jardín de silencio donde hasta las paredes hablan". Partícipes de esta aventura fueron Joaquín Campos, Jaime Burgos, José Domínguez el Cabrero, Miguel López, Juan Romero, Pepe Suero y Angelines Jiménez. Fue también Monleón el que aconsejó catalogar a Quejío como espectáculo flamenco, arte abstracto e ampliamente instrumentalizado al que los censores prestaban mucha menor atención que al contestatario teatro de grupo que empezaba a germinar.

Fue así como Quejío triunfó en el TEI madrileño en febrero de 1972 y, más tarde, a lo grande, en el Festival de Nancy (dirigido a la sazón por Jack Lang, posteriormente ministro de Cultura), en el Auditorio de la Sorbona de París y en otros muchos escenarios (se hicieron 471 funciones) hasta llegar a 2018, año en que se repuso en la Bienal de Flamenco de Sevilla y el Festival Flamenco Madrid para celebrar los 45 años de su creación.

Si bien estuvo siempre rodeado de colaboradores y de intelectuales, fue Távora el que obró el milagro de darle alcance universal al teatro andaluz. En primer lugar, porque prescindió del diálogo para basarse en la liturgia implacable del flamenco. Sólo las letras, compuestas en Quejío por él mismo y por Alfonso Jiménez Romero, y cantadas de una manera muy libre por los cantaores, ponían voz a esa Andalucía oprimida y atrasada que el gobierno trataba de ocultar y exigía el fin de sus cadenas.
Otro de sus grandes logros fue la dramatización del baile flamenco, encarnado en la figura enjuta e inconfundible de Juan Romero. Se habla de la influencia de La Cuadra en La Zaranda y en otros grupos teatrales, pero sin él tal vez no se hubiera llegado a la extraordinaria Medea del maestro Granero, y mucho menos a ese teatro flamenco que aún lucha por encontrar sus claves.

A partir de ahí, el teatro de La Cuadra ha sido un continuo viaje de ida y vuelta entre lo intelectual y lo visceral, entre las vanguardias artísticas y los tambores de la Semana Santa, o los del Rocío, que él consideraba semejantes a las manifestaciones báquicas, entre el mundo y Sevilla. Porque, salvo excepciones como Andalucía Amarga, todo ese universo suyo, hecho de sonidos y de aromas andaluces, tan simétrico y tan libre al mismo tiempo, fue desarrollándose en su local del Cerro del Águila. Allí, sentado en su silla de enea verde, con la colaboración inestimable de su asistente, la francesa Lilyanne Drillon, que se unió a La Cuadra en Nancy para no abandonarla jamás, ha creado esas obras que llegaron a más de tres millones de espectadores de todo el mundo.

Tras el éxito de Quejío llegaron Los palos, estrenada en el Festival de Nancy en mayo de 1875, que alcanzó las 340 actuaciones, y Herramientas (propuesta dramática para un teatro de trabajadores), estrenada en Nancy en 1977. Luego, a pesar de haber muerto Franco, en España siguieron obstaculizando de tal modo su trabajo que la cuarta pieza, Andalucía Amarga tuvo que ser producida por el Kaaitheater de Bélgica, que además le cedió una vieja iglesia desacralizada para los ensayos y el estreno en 1979.

Más tarde, al igual que la España de la Transición, su teatro empezaría a cambiar y a profesionalizarse. En 1984, constituida ya en Sociedad Anónima con acciones en manos de todos sus integrantes, La Cuadra estrenaba Nanas de espinas (inspirada en Bodas de Sangre de Lorca) en la sevillana Sala San Hermenegildo.

Era su primer encuentro con un texto teatral y en ella, el flamenco daba la mano a la Coral Polifónica de Santa María de la Rábida. Al año siguiente, con Piel de toro, el grupo pasaba de la penumbra al color y se adentraba en una concepción mucho más esteticista del teatro. Lejos ya de las persecuciones políticas, La Cuadra recibe, de manos del Rey, la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.

A partir de ese momento, sin perder su esencia, ni su afición a las máquinas y a los animales, Távora fue transformando su primitivo "teatro verdad", poco acorde con la España esperanzada del momento, en un teatro híbrido donde el artificio y el elemento intelectual aparecían ya perfectamente integrados.

Así, quince años y seis montajes después del desgarrador Quejío, en abril de 1987, tras un preestreno en el Álvarez Quintero de Sevilla, se estrenaba oficialmente en el Teatro Español de Madrid su aplaudida versión de Las Bacantes de Eurípides. Unos cuantos textos del más grande de los trágicos griegos, que se adaptaban como guantes a lo que Távora llamaba el "paganismo sacramental" que impregna la vida cotidiana andaluza, trágica y sensual al mismo tiempo, unidos a unos hambrientos mastines y al sonido de tambores rocieros y marchas procesionales, hicieron de su versión una auténtica esta obra maestra. Una gigantesca noria en la que giraban las bacantes, un cuidado vestuario de Miguel Narros y el baile dramático y único de Manuela Vargas contribuyeron también a hacer de esta obra uno de los iconos de la compañía sevillana.

Más tarde, le seguirían Alhucema, estrenada en 1988 en el Festival de Mérida, Crónica de una muerte anunciada (1990) sobre la célebre novela de su amigo y admirador García Márquez, y otros espectáculos de menor alcance como Picasso andaluz o la muerte del minotauro (1992), Pasionaria, ¡no pasarán! (1993), a partir de un texto de Ignacio Amestoy Eguiguren o Identidades (1995), además de otras colaboraciones, como la que le llevó a intervenir en la creación de Cachorro (1993), del bailarín José Antonio y los Ballets Españoles.

El último de sus grandes logros escénicos sería Carmen, ópera andaluza de cornetas y tambores. Símbolo de la libertad de la mujer andaluza, Carmen supuso para Salvador la oportunidad de volver a sus añorados ruedos, esos que abandonara para ocuparse de los escenarios. Estrenada en la Bienal de Flamenco de Sevilla de 1996, en la plaza de toros de la Maestranza, la Carmen de Távora se ha paseado por los grandes cosos del mundo, incluyendo en muchas ocasiones la lidia de un toro, motivo por el que fue prohibida en Cataluña en dos ocasiones, así como en pequeños teatros como el que el propio autor inauguró en 2007, hipotecando sus bienes, en su barrio del Cerro del Águila.
Aunque su vena creadora no se agotó en el siglo XXI, como demuestran sus últimos trabajos Don Juan en los ruedos (2000), Yerma Mater (2005), Rafael Alberti, un compromiso con el pueblo (2010), y Memoria de un caballo andaluz (2012), la última gran apuesta del creador ha sido el Teatro Távora. Un pequeño espacio que, junto a su Carmen, sigue programando teatro, danza y flamenco a pesar de los problemas económicos que la amenazan.

A lo largo de más de cuatro décadas, La Cuadra y Salvador Távora han recibido más de medio centenar de reconocimientos nacionales e internacionales. Entre ellos, y además de la citada Medalla de Oro de las Bellas Artes, el Premio Andalucía de Teatro (1990), la Medalla de Plata de Andalucía (1991), la Creu de Sant Jordi (1997), el Max de Honor (2017), el Premio de Honor del Teatro Andaluz, en la primera edición (2013) de los denominados más tarde Premios Lorca, o el Premio de la Asociación de Directores de Escena de España (2015).

A pesar de todos estos galardones, Távora ha mostrado su condición de hombre humilde y comprometido con la clase obrera andaluza hasta su última aparición pública, en la presentación de Quejío durante la pasada Bienal de Flamenco. Una militancia que le hacía soñar con nuevos proyectos, entre los que se encontraba la creación de un nuevo montaje sobre Marinaleda y su líder Sánchez Gordillo.

Como los grandes genios, Salvador Távora se ha ido sin despedirse (su estado de salud le impidió terminar su adiós escénico, en el que estuvo trabajando el pasado año junto al coreógrafo Ángel Rojas) y sin dejar sustitutos. Su sabiduría y su recuerdo, sin embargo, quedarán para siempre el corazón de los más de cien artistas de distintos géneros -algunos ya desaparecidos- que han pasado por La Cuadra desde 1972.

Fuente: Diario de Sevilla

domingo, 10 de febrero de 2019

"FERRERO", ESCULTURA DE QUINTÍN DE LA TORRE


Ferrero
Quintín de Torre
Fundido en Bronce
52 x 23,5 x 28 cm
1901
Museo de Bellas Artes de Alava


El ferrero se representa trabajando, tiene una pala en la mano y un carro a su lado. Tiene un gran parecido a las esculturas de Constatin Meunier que, seguramente, Torre conoció en París. Este escultor belga tuvo mucha influencia sobre los artistas vascos, tal vez por ser conocido de Regoyos.

De todas formas muchos artistas de su tiempo quedaron impresionados por la facilidad con que Meunier dio el salto del realismo al simbolismo. Le interesaba el mundo del trabajo y puede que esa sea la razón por la que esté relacionado con el realismo de Courbet, a pesar de que el aspecto heróico de las figuras desborde la sencillez del realismo. Los artistas vascos encontraron en las esculturas de Meunier la monumentalidad del trabajador o el elogio de la grandeza de la gente humilde que tantas veces buscaron por lo que no es de extrañar la influencia que recibió Torre en sus años parisienses. Es más, cabe la posibilidad de que esta escultura de un ferrón esté relacionada con dos esculturas de Meunier, Le marteleur y Le debardeur, sobre todo por la postura general del cuerpo (Ismael Manterola, 2014)

Fuente: EMSIME

sábado, 9 de febrero de 2019

"ANTES DE LA REVOLUCIÓN", PELICULA DE BERNARDO BERTOLUCCI

Título original: Prima della rivoluzione
Año: 1964
Duración: 112 min.
País: Italia
Dirección: Bernardo Bertolucci
Guión: Bernardo Bertolucci, Gianni Amico
Música: Ennio Morricone, Gino Paoli
Fotografía: Aldo Scavarda
Reparto: Francesco Barilli, Adriana Asti, Allen Midgette, Morando Morandini, Domenico Alpi
Sinopsis: A la edad de 22 años, Bertolucci dirige este drama político que relata la historia de un joven que se acerca al comunismo mientras mantiene una relación incestuosa con su tía.

En días anteriores, falleció Bernardo Bertolucci, uno de los más famosos cineastas italianos contemporáneos. Su gran legado en el cine se centra, básicamente, en sus realizaciones de la década de 1970, en donde construyó filmes controversistas y también monumentales. El Conformista, El último tango en París, Novecento y La luna serán siempre sus mejores cartas de presentación, junto con la oscarizada El último emperador, superproducción que fue estrenada en 1987.

Pero también es reconocido por haber impulsado su carrera en la década de 1960 con la relación que mantuvo con dos símbolos irrepetibles del particular estilo del Séptimo Arte de Italia: Pier Paolo Pasolini, de quien fue su asistente de dirección en Accatone y Sergio Leone, como coguionista del clásico Érase una vez en el Oeste.

Precisamente de esos años, y en homenaje al origen de la plasmación material de la concepción artística de Bertolucci, se puede rescatar la película Antes de la revolución, en la cual ya es posible identificar algunas de las constantes argumentativas que se irán radicalizando en sus posteriores obras.

Antes de la revolución fue estrenada en 1964 y representa un trabajo muy personal del director italiano, quien apenas tenían 23 años de edad. Experimentó un modo de narración que, hasta cierto punto, buscó alterar el clásico lenguaje cinematográfico y provocar una crítica a la pasividad de la juventud italiana de la época.

En este filme, Bertolucci trata de fundamentarse en un deseo de libertad artística siguiendo los pasos de la Nueva Ola francesa, de allí que la imagen trate de ganar protagonismo con inquietos movimientos de la cámara. Una especie de reflejo del cine callejero con equipos al hombro que tanto caracterizó al cine galo con Jean-Luc Godard a la cabeza.

Antes de la revolución tiene un aire poético y puede resultar confusa en su historia. No tiene sobresaltos que llamen la atención al espectador, pero es una película importante porque da señales de los rasgos que caracterizarán a Bertolucci en su evolución como director.

La inclinación a la ideología política marxista del realizador italiano es reflejada en este filme. Se nota su ímpetu por posicionar críticas a la burguesía. Desde el inicio, su principal personaje Fabrizio demuestra con desesperación la incomodidad que siente ante una sociedad urbana que es indiferente a la existencia de los pobres. Incluso, no duda en generar pensamientos que cuestionan a la propia iglesia católica por ser cómplice de mantener un sistema injusto.

Las cuestiones políticas serán una de las constantes argumentativas que el director de Novecento impregnará en el futuro.

La película también da protagonismo a seres atormentados o grises por las frustraciones que han generado en su existencia o por factores externos que han ocasionado un quebrante psicológico. Este tipo de personajes serán reiterativos en el cine de Bertolucci.

Del mismo modo, Antes de la revolución delata a otro de los delirios artísticos del gran cineasta: la relación pasional controvertida. De manera sugestiva, se representa el acercamiento amoroso e incestuoso entre Fabrizio y su tía Gina. Ambos seres encuentran en su relación una válvula de escape ante la insatisfacción que sienten por estar en una estructura social que no encajan.

El sumergirse en un encanto pasional y la incursión en lo prohibido, será explotada también de manera más polémica por Bertolucci en los años 70 con El último tanto en París y La luna.

Bertolucci será recordado como un gran provocador en el cine, porque se atrevió a abordar temas tabúes y por cuestionar políticamente al conformismo de las clases sociales. Su legado en el séptimo arte será reconocido por mucho tiempo. Fue un cineasta que hizo historia.

Fuente: Cine maldito

VER PELICULA: https://zoowoman.website/wp/movies/antes-de-la-revolucion/

viernes, 8 de febrero de 2019

"DEFINICIÓN MÍNIMA DE LAS ORGANIZACIONES REVOLUCIONARIAS", DE LA INTERNACIONAL SITUACIONISTA


"Definición mínima de las organizaciones revolucionarias", de la Internacional Situacionista

Considerando que el único fin de una organización revolucionaria es la abolición de las clases existentes por métodos que no lleven a una nueva división de la sociedad, calificamos de revolucionaria a cualquier organización que persiga de manera consecuente la realización internacional del poder absoluto de los consejos obreros tal y como ha sido esbozado por las experiencias de las revoluciones proletarias de este siglo.

Tal organización presenta una crítica unitaria del mundo o no es nada. Por crítica unitaria entendemos una crítica dirigida globalmente contra todas las zonas geográficas donde se han instalado diversas formas de poderes socio-económicos separados, y que se pronuncie también globalmente contra todos los aspectos de la vida.

Tal organización reconoce el comienzo y el fin de su programa en la descolonización total de la vida cotidiana; no pretende la autogestión del mundo existente por las masas, sino su transformación ininterrumpida. Realiza la crítica radical de la economía política, la superación de la mercancía y del salario.

Tal organización rechaza toda reproducción en su interior de las condiciones jarárquicas del mundo dominante. El único límite de la participación en su democracia total es el reconocimiento y la auto-apropiación por todos sus miembros de la coherencia de su crítica: esa coherencia debe estar en la teoría crítica propiamente dicha y en la correlación entre esa teoría y la actividad práctica. Critica radicalmente toda ideología en tanto que poder separado de las ideas e ideas del poder separado. Así es al mismo tiempo la negación de toda supervivencia de la religión y del actual espectáculo social que, desde la información a la cultura masificada, monopoliza toda comunicación de los hombres alrededor de una recepción unilateral de las imágenes de su actividad alienada. Disuelve toda "ideología revolucionaria" desenmascarándola como indicación del fracaso del proyecto revolucionario, como propiedad privada de los nuevos especialistas del poder, como impostura de una nueva representación que se erige por encima de la vida real proletarizada.

Siendo la categoría de totalidad el juicio último de la organización revolucionaria moderna, dicha organización es en último término una crítica de la política. Debe intentar explícitamente, con su victoria, su propio fin en tanto que organización separada.


Publicado originalmente en Internationale Situationniste # 11, octubre del 67. Trad. de Juan Fonseca publicada en DEBATE LIBERTARIO 2 - Serie Acción directa - Campo Abierto Ediciones, mayo 1977.

Fuente: Archivo Situacionista Hispano

jueves, 7 de febrero de 2019

LA EDITORIAL GALLAND BOOKS PUBLICA UN LIBRO SOBRE "AVIADORES ESPAÑOLES EN LA URSS. 1936-1948", QUE COMBATIERON EN LA II GUERRA MUNDIAL JUNTO AL EJÉRCITO ROJO

Aviadores españoles en la URSS. 1936-1948
Madariaga Fernández, Rafael de
ISBN: 9788416200740
Editorial Galland Books
Fecha de la edición: 2018
Encuadernación: Rústica
Nº Pág.: 228
Precio: 24,00 €

En Aviadores españoles en la URSS, 1936-1948, Madariaga relata la peripecia del centenar de pilotos españoles que combatieron en la Segunda Guerra Mundial enrolados en la fuerza aérea soviética, y que derribaron en conjunto unos 75 aeroplanos rivales.

Desde el año 1936 hasta la década de 1980, residieron en la que entonces se llamaba Unión Soviética o Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas, algo más de 6000 españoles, unos durante algunos meses y otros largos años de estancia voluntaria o forzosa. Entre ellos unos 800 pilotos y observadores aeronáuticos hicieron cursos en sus escuelas.

Al finalizar la Guerra Civil española se quedaron en la URSS o fueron a ella como exiliados, varios cientos de combatientes, entre los que destacaban por su preparación, experiencia de guerra real y formación aérea, un centenar de aviadores de la República Española. Pelearon junto a camaradas rusos y de otras nacionalidades, durante la que ellos llamaron la Gran Guerra Patria, contra Alemania, desde el 21 de junio de 1941 hasta el 9 de mayo de 1945.

Derribaron un centenar de aviones enemigos, sostuvieron cientos de combates y realizaron miles de horas de vuelo, por lo que ganaron condecoraciones muy valiosas y empleos como oficiales subalternos y superiores. La victoria contra la Alemania de Hitler embriago sus mentes con el ánimo y la alegría que dan unas batallas bien ganadas. Pero muchos de ellos siguieron añorando su querida España, una Madre Patria dura, correosa, difícil y áspera pero que tenía y tiene un atractivo inolvidable.

Volvieron a casa con familias y bagajes culturales y profesionales y se reintegraron a este solar del que tenían nostalgia infinita, acumulada durante años. Estos son los aviadores españoles que volaron en Rusia desde 1936 hasta 1948.

miércoles, 6 de febrero de 2019

LA FUNDACIÓN JUAN NEGRÍN RESCATA TRES ESCRITOS PREMONITORIOS DE NEGRÍN EN EL 80 ANIVERSARIO DEL FIN DE LA GUERRA CIVIL E INICIO DE LA MUNDIAL

El estadista insiste en enero de 1939 en que el conflicto español es el primer acto de la conflagración en Europa

Mensaje a la democracia norteamericana, la carta al presidente Roosevelt y el discurso radiado desde Figueras se publican en la página web de la Fundación


La Fundación Juan Negrín (FJN) arranca el 80 aniversario del fin de la guerra de España con la publicación en su página web de tres textos premonitorios escritos por el presidente del consejo de ministros de la República en enero de 1939, cuando la suerte de la contienda estaba ya echada. En estos documentos el estadista vaticina el conflicto en Europa e insiste en su idea de que la guerra en España es el primer acto de la inmediata conflagración mundial.

La publicación de estos documentos a través de la página web www.fundacionjuannegrin.com se hace coincidir con el aniversario del nacimiento de Juan Negrín López  -el 3 de febrero se cumplen 127 años-, y constituye el primer acto del que pretende ser un año de reflexión y de puesta en valor de “la otra versión”, como la define el presidente de la FJN, José Medina Jiménez.

Todos los escritos, a los que seguirán otros, forman parte de los fondos del Archivo Negrín y fueron publicados en el volumen “Textos y discursos políticos Juan Negrín” (CEPC), cuya edición, estudio introductorio y notas  corrieron a cargo del historiador Enrique Moradiellos.

Con la divulgación de estos escritos, la Fundación cumple su principal objetivo estatutario que es el de difundir el legado de Juan Negrín López (Las Palmas de Gran Canaria, 1892- París, 1956), último jefe de gobierno de la 2ª República en España. Estos documentos demuestran su clara visión general de la realidad geopolítica mundial y el acierto de su vaticinio.

El primero de estos textos se titula “Mensaje a la democracia  norteamericana” y fue publicado en La Vanguardia el 1 de enero de 1939. El segundo es la carta que Negrín escribe a Roosevelt el 6 de enero de 1939, y el último, el discurso que estadista canario pronuncia a través de la radio  Figueres (Gerona) el 28 de enero de 1939.

 “Los asuntos de España son actualmente asuntos mundiales”, escribe Negrín en su carta a la democracia norteamericana, y añade poco después: “Aquí se decidirá si las relaciones entre distintos países han de ser llevadas a cabo por la fuerza bruta o por leyes internacionales y pactos mutuos; si el mundo ha de ser repartido y controlado por imperios totalitarios o gobernado por Gobiernos democráticos; si el «gansterismo» ha de ser aceptado y erigido en religión cuando lo practican los Estados o si la democracia y la libertad han de sobrevivir”.

En este mensaje publicado el 1 de enero de 1939 (la segunda guerra mundial estallaría el 1 de septiembre) el presidente del consejo de ministros de la República subraya: “España es el primer baluarte contra el totalitarismo”.

El 6 de enero dirige una carta al presidente Roosevelt en demanda también de ayuda para la República, que vive un momento trágico. “Sr. Presidente: El resultado de la lucha en España decidirá lo que ha de ser Europa y marcará el rumbo del Mundo en el porvenir”, escribe al presidente de EEUU.

El tercero de los documentos que rescata la Fundación Juan Negrín en este 80 aniversario del final de la guerra de España es el discurso que pronuncia el político canario por radio desde Figueras el 28 de enero de 1939.

“Ha sucedido lo inevitable, hemos perdido Barcelona”, comienza esta emocionante arenga en la que trata de insuflar ánimo a los defensores de la República y en la que vuelve a insistir en que la guerra de España es el primer acto de un conflicto mayor.  “ (...) todo ello no era, como ya lo habíamos vaticinado, más que el comienzo de la puesta en ejecución del plan imperialista germano-italiano y que tiene como meta la absorción y la sumisión de algunos pequeños países y la destrucción de los imperios pertenecientes a los países democráticos. 

Aceptábase que en nuestra santa guerra defendíamos, no sólo la independencia de España, sino la libertad del mundo”.

Fuente: Fundación Juan Negrín

martes, 5 de febrero de 2019

LA FUNDACIÓN DE INVESTIGACIONES MARXISTAS PUBLICA EL Nº 6 DE LA REVISTA "NUESTRA HISTORIA"


Ya se encuentra disponible el número 6 de la Revista "Nuestra Historia", la revista de historia de la Fundación de Investigaciones Marxistas, dedicada en este número a los recientes estudios sobre marxismo, antifranquismo y movimiento obrero.

Puedes acceder y descargarla en PDF en: https://revistanuestrahistoria.files.wordpress.com/2019/01/nh6_a4web-1.pdf

lunes, 4 de febrero de 2019

"GAZA. UNA MIRADA A LOS OJOS DE LA BARBARIE", GALARDONADO CON EL GOYA AL MEJOR CORTO DOCUMENTAL

Anoche, Gaza, del cineasta mallorquín Carles Bover, se alzó con el título de mejor cortometraje documental en la ceremonia de entrega de la 33 edición de los Premios Goya.

Bover y Julio Pérez del Campo, que recogieron el galardón a manos de los actores Lucía Jiménez y Eduardo Casanova, regalaron uno de los discursos más aplaudidos de la noche por el público. «A pesar de todos los intentos de censura que hemos sufrido, estamos aquí gracias a las académicas y a los académicos que, con su voto, han roto el silencio en defensa de los derechos humanos», espetó Bover, refiriéndose a la censura de este viernes de la proyección de este corto en el centro pastoral San Carlos Borromeo de Madrid.

«Es una locura, una locura, estamos fascinados de toda la repercusión que ahora vaya a tener esto a partir de ahora, estoy muy ilusionado con que una temática como la de Gaza haya conseguido algo tan complejo como es un Goya», expresó Bover a Ultima Hora minutos después de alzarse con el ansiado galardón. «Gracias a los académicos, ahora tenemos que aprovechar este tirón, pero no para nosotros como cineastas, sino para dar difusión a esta historia y abrir los ojos», añadió entusiasmado.

Fuente: Ultima Hora

domingo, 3 de febrero de 2019

"CIVILIZACIÓN ATLÁNTICA", OBRA DEL PINTOR COMUNISTA ANDRÉ FOUGERON


Civilización atlántica
André Fougeron
Oleo sobre lienzo
1953
380x559 cm
Tate Gallery de Londres

Civilización atlántica es la obra clave de crítica social de Fougeron y un ejemplo extraordinario de la retórica de la Guerra Fría. Fougeron caricaturiza la americanización de Europa, entonces un objetivo importante de la propaganda del Partido Comunista. Con más de cinco metros y medio de ancho, Civilización atlántica era un gran gesto de manera autoconsciente con el que Fougeron fue identificado de manera inextricable después de que se exhibió en el Salon d'Automne en París en noviembre de 1953. En contraste con la precisión relativa de obras más pequeñas, Fougeron utilizó un estilo simplificador que juega deliberadamente en la cultura de la tira cómica que ataca.

La imagen está llena de narrativas conflictivas de corrupción, arraigadas en el colonialismo y el capitalismo. Se hace referencia a las guerras coloniales francesas en Indochina a través de los carteles de los paracaidistas coloniales y los ataúdes que regresan junto a la mujer asiática con un niño muerto. Esta última imagen evoca el Guernica (Museo de la Reina Sofía, Madrid), el mural de 1937 de Pablo Picasso (1881-1973) que personificaba el costo civil de la guerra. Hay alusiones a las consecuencias de otras políticas coloniales francesas: la subyugación del África negra en la persona del zapato, y del norte de África en los inmigrantes argelinos que se refugian bajo el hierro corrugado (en la parte inferior izquierda). Fougeron reutilizó este detalle particular en su "tríptico de la vergüenza". En Civilización Atlántica, Fougeron abordó los temores más generales sobre el colapso de la vida familiar mostrando a las personas mayores abandonadas en un banco, a la madre y los niños que viven en una tienda de campaña, y a un círculo de niños envueltos en la contaminación industrial. El hecho de que estos contrastes se originan en disparidades de clase se enfatiza a través de las yuxtaposiciones de los argelinos junto a los niños de clase media en su refugio de ataque aéreo camuflado, y el brillo de los zapatos al lado de perros mascotas abrigados.

La raíz de esta corrupción, según el punto de vista de Fougeron y como se indica en su título, es la cultura de posguerra promovida por los Estados Unidos, la encarnación del consumismo capitalista y el militarismo. En el centro de la composición hay un enorme automóvil estadounidense, flanqueado por un G.I. uniformado, con los pies sobre una mesa de café francés, leyendo una revista de pornografía suave. Francia, en la figura caricaturesca del gordo hombre de negocios, rinde homenaje al automóvil. El detalle del segundo soldado, disparando a través del automóvil, confirma que estos símbolos son implícitamente fascistas, ya que su casco alemán está marcado con las SS de los soldados de asalto nazis. Sobre todo esto está la imponente silla eléctrica usada por los estadounidenses para ejecutar a Ethel y Julius Rosenberg, en junio de 1953, acusados ​​de "conspiración con el objetivo de espionaje". Como fueron acusados ​​de pasar secretos nucleares a la URSS por conciencia y no por dinero, ejemplificaron, según la izquierda política, un movimiento pacifista de principios. Este detalle se compara con el de los niños en el refugio antiaéreo para subrayar la amenaza nuclear que definió la polarización de la Guerra Fría.

Los principios del realismo socialista aseguraron que todas estas referencias fueran fácilmente comprensibles para la audiencia de Fougeron, al igual que su apoyo a la línea del partido podía ser medido por los lectores de la poderosa prensa comunista. Para esta audiencia de izquierda, la corrupción de Francia a través de un compromiso con Estados Unidos se materializó en la OTAN (Organización del Tratado del Atlántico Norte), el objetivo implícito del antimilitarismo de Civilización atlántica. La nueva sede de la organización se abrió en París en 1952 y la inclusión de Alemania Occidental (admitida en 1954) estaba en debate. Esto fue especialmente polémico ya que la división aparentemente permanente de Alemania representaba las polaridades de la Guerra Fría a las que se oponía el Partido Comunista. La inclusión de Fougeron de un soldado alemán refleja esta ansiedad.

Fougeron no hizo ninguna pretensión de que Civilización Atlántica fuera otra cosa que una pintura de historia moderna con una motivación política manifiesta. Fue inmediatamente controvertido cuando se mostró en el Salon d'Automne de 1953 y se vio envuelto en las luchas internas dentro del Partido por la relación entre el realismo socialista y un modernismo más personal, defendido por Picasso. A la muerte del líder soviético Josef Stalin, en marzo de 1953, el autor y crítico comunista Louis Aragon (1897-1982) publicó el Retrato de Stalin de Picasso en Les Lettres françaises. El retrato no se consideró suficientemente digno, y Fougeron contribuyó al debate amargo condenando los "trucos estériles del formalismo estético" (Utley 2000, p.187). Cuando se exhibió Civilización atlántica, Aragon, aunque anteriormente era partidario de Fougeron, devolvió el ataque. Cuestionó la crudeza de las caricaturas y la composición "antirrealista" y, paradójicamente, llamó a Fougeron a volver al realismo. Reconociendo la validez de los temas principales: "la ocupación estadounidense de nuestro país, la política de guerra, la guerra que ya está en marcha en Vietnam", Aragon describió la pintura en Civilización atlántica como "apresurada, burda, despectiva" (Aragon, 1981, pág. 134).

Incluso cuando Civilización atlántica personificó el realismo socialista, fue parte de los debates que marcaron la agonía del estilo doctrinario que fue barrido con la muerte de Stalin. Cuando el cuadro salió del almacén treinta años más tarde, el crítico Raymond Perrot lo vio como un fragmento extraordinario de la retórica de la Guerra Fría, el redescubrimiento de "uno de los eslabones perdidos en la vasta historia de las figuraciones" (Perrot, 1996, p. 69). ). Para entonces, la composición anti-realista fue elogiada por Perrot por sus yuxtaposiciones 'multi-icónicas' que parecían anticipar las soluciones compositivas del pop art posterior.

Fuente: TATE

sábado, 2 de febrero de 2019

"LA PRIMERA CARGA AL MACHETE", PELICULA DEL DIRECTOR CUBANO MANUEL OCTAVIO GÓMEZ

Título original: La primera carga al machete
Año: 1969
Duración: 84 min.
País: Cuba
Dirección: Manuel Octavio Gómez
Guión: Alfredo del Cueto, Jorge Herrera, Manuel Octavio Gómez, Julio García Espinosa
Música: Leo Brouwer, Pablo Milanés
Fotografía: Jorge Herrera
Reparto: José Antonio Rodríguez, Adolfo Llauradó, Idalia Anreus, Omar Valdés, Eduardo Moure, Raúl Pomares, Pablo Milanés, Eslinda Núñez
Productora: ICAIC
Sinopsis: El filme reconstruye, con un tratamiento documental de vieja crónica, fragmentos de la lucha independentista cubana iniciada en 1868; especialmente la primera carga al machete, encabezada por Máximo Gómez, que convierte al machete en un arma decisiva frente al fuerte y poderoso colonialista español.

¡Cuánta valentía e inteligencia demostró el generalísimo Máximo Gómez Baéz aquel cuatro de noviembre de 1868 cuando dirigió la primera carga al machete del ejército mambí en el combate de Tienda del Pino, en los inicios de la Guerra de los Diez Años en Cuba que llevó a la derrota al enemigo español!

Con muy pocos hombres simplemente armados con esa herramienta de trabajo aniquiló en breves minutos dos compañías enemigas. Dio así la primera lección acerca del empleo de la que sería hasta el final de la contienda la más temible arma de los combatientes cubanos.

Se convirtió el machete, de herramienta de trabajo, en el arma más preciada por los combatientes del Ejército Libertador para aniquilar al enemigo, y la que más terror infundiría en adelante a los soldados de la metrópoli, según informan los sitios cubagob.cu y wikipedia.

Cuentan que el 24 de octubre de 1868, cuatro días después de producirse la toma de Bayamo por las fuerzas mambisas, una columna española al mando del coronel Demetrio Quirós Weyler llegó al poblado de Baire, con el objetivo de atacar la plaza recién ocupada por los cubanos.

Ante esta circunstancia,-apuntan-, Carlos Manuel de Céspedes y del Castillo ordenó el día 28 al general Donato Mármol que se fortificara en la región de Jiguaní e impidiera el avance de la columna enemiga. Por su parte, Mármol dio orden a Máximo Gómez de que tomara el mando de doscientos hombres y atacara a las fuerzas españolas durante su marcha.

Inicialmente, Gómez ocupó posiciones en la loma del Yarey, pero al tener noticias de que la columna de Quirós permanecía acantonada en Baire, decidió ejecutar una maniobra de engaño para emboscarla.

El 4 de noviembre, el coronel Quirós preparó sus fuerzas para avanzar sobre Bayamo. Al efecto designó dos compañías, que sumaban doscientos hombres, para que marcharan a la vanguardia, pero cometió el error de no dotarlos de extrema vanguardia, exploradores, ni flanqueadores.

Desde la madrugada de ese día Gómez tenía emboscados de forma escalonada unos treinta o cuarenta hombres de infantería cerca del poblado de Baire, en el punto conocido como Tienda del Pino.

El jefe mambí decidió que la acción se realizaría mediante la combinación de armas de fuego y un asalto sorpresivo con arma blanca; es decir, mediante el empleo del machete, relata un artículo publicado en internet.

Cerca del mediodía -agrega-, cuando la vanguardia enemiga se encontraba dentro del área de las emboscadas, Gómez dio la orden de cargar al machete, y después de algunos disparos desde ambos lados del camino los insurrectos cayeron sobre las dos compañías de Quirós.

Los soldados españoles, aterrados por la sorpresa y por los efectos del macheteo, no atinaron a organizar su defensa y fueron aniquilados. Se les hicieron alrededor de doscientas bajas, y los pocos sobrevivientes se retiraron a Baire.

Aunque algunos citan el 26 de octubre como fecha de la primera carga al machete, tanto Benigno Souza, en su obra Máximo Gómez el generalísimo, como el propio Gómez, reconocen que tal hecho se produjo el 4 de noviembre.

Souza dice en su libro que las órdenes del audaz dominicano fueron terminantes aquel día: “Nadie se levante, haga fuego y me siga, hasta que yo en persona salte al camino y grite: ¡Al machete!”.

Refiriéndose a la primera carga al machete, Gómez dice en su Diario de campaña: “…logré avanzar en un momento dado, como con 30 o 40 hombres que me acompañaban y di una carga al machete…” 200 soldados españoles murieron alcanzados por el filo del machete, que ese día se convirtió en temible arma liberadora.

Decidido a aprovechar las ventajas de la sorpresa lograda en Tienda del Pino, Gómez ocupó posiciones en loma del Sitio, al este del poblado, donde tomó dos piezas de artillería del enemigo. Otras fuerzas ocuparon posiciones al oeste, con lo cual cerraron toda posibilidad de salida a la diezmada columna de Quirós.

Las fuerzas españolas se mantuvieron en Baire hasta el 8 de noviembre, cuando emprendieron por el sur una marcha en derrota hacia Santiago de Cuba, mientras eran hostilizadas en el trayecto por pequeños destacamentos cubanos.

Con esta acción se logró el objetivo de defender la ciudad de Bayamo, se alcanzó la sorpresa mediante maniobras militares y se aprovecharon de manera conveniente las posibilidades combativas de los medios con que contaban los mambises.

El llamado a las armas lanzado por Carlos Manuel de Céspedes, en su ingenio Demajagua, el 10 de octubre de 1868, marcó el inicio del largo camino de la guerra libertaria y anticolonial, lleno de grandes sacrificios, sangre y destrucción.

Máximo Gómez Báez nació en Bani, República Dominicana, en el año 1836 y murió el 17 de junio de 1905. En su isla natal alcanzó el grado de capitán dentro del ejército español. En 1865 se estableció en Cuba con su familia y poco tiempo después pidió su licenciamiento, se dedica al cultivo de la tierra y comenzó a relacionarse con los cubanos que conspiraban por la independencia.

El 14 de octubre de 1868, cuatro días después del inicio de la primera guerra independentista, se sumó a las fuerzas insurrectas. Por sus conocimientos militares recibió el grado de sargento y la misión de instruir a los bisoños soldados. El 18 de octubre el líder del movimiento Carlos Manuel de Céspedes, lo ascendió a Mayor General.

En los diez años de brega hasta 1878 libró incontables batallas y descolló como el estratega más dotado y el maestro de una pléyade de jefes brillantes. El Generalísimo se hizo célebre también por la disciplina implacable que imprimió a sus tropas.

Al reiniciarse las hostilidades en 1895 regresó a Cuba junto a José Martí, con el cargo de General en Jefe del Ejército Libertador.

De nuevo se pusieron de manifiesto sus grandes dotes militares. Su plan de invasión al occidente de la isla, ejecutado junto a su Lugarteniente General Antonio Maceo, constituye una de las más grandes hazañas militares de todos los tiempos.

Fue un militar de la Guerra de los Diez Años y el General en Jefe de las tropas revolucionarias cubanas en la Guerra del 95.Insigne revolucionario y jefe militar de excepcionales cualidades.

La primera carga al machete del ejército mambí llenó de gloria a aquellos que lucharon por la independencia de la Patria dirigidos por el generalísimo Máximo Gómez, dominicano de origen, pero cubano por derecho.

Fuente: Radio Rebelde

viernes, 1 de febrero de 2019

LA REHABILITACIÓN DEL KULTURPALAST DE DRESDE, MODELO DE LA ARQUITECTURA DE LA RDA, GANA EL IMPORTANTE PREMIO DAM 2019

Mural de la RDA en una de las fachadas del Kulturpalast de Dresde

Kulturpalast Dresden gana el DAM Preis 2019 premiando el trabajo de renovación y reconversión en sala de conciertos realizado por Architects von Gerkan, Marg and Partners (gmp).

Con el Premio DAM 2019 a la arquitectura realizada en Alemania, el jurado mostró su aprecio por la reconstrucción de un destacado edificio moderno de la RDA . El edificio reconvertido alberga la nueva sala de conciertos para la Orquesta Filarmónica de Dresde, entre otras, la nueva biblioteca central y el local de cabaret "Herkuleskeule". Meinhard von Gerkan y Stephan Schütz, junto con Nicolas Pomränke y Christian Hellmund, recibieron el premio del Museo Alemán de Arquitectura (DAM) en la ceremonia de entrega de premios el pasado viernes, 25 de enero de 2019 en Frankfurt.


Descripción del proyecto por gmp Architekten

La conversión y rehabilitación del edificio incluyó la nueva construcción de una sala de conciertos con 1.800 asientos en el centro del edificio existente. La esencia original del edificio fue reconstruida e integrada en el nuevo diseño, mientras que las fachadas se actualizaron a los estándares actuales de conservación de energía. Si bien el exterior del edificio, que es un ejemplo sobresaliente del estilo Moderno en la RDA, se restauró en gran medida a su diseño original que data de 1969, la organización espacial y la circulación del interior se redefinieron.

El diseño del Palacio tiene en cuenta su posición central única entre Altmarkt, Schloss y Neumarkt, proporcionando una orientación integral con acceso directo desde las tres fachadas principales. La combinación de cultura, educación y entretenimiento, que garantizará que el lugar sea frecuentado por grupos de usuarios bastante diferentes, tiene su punto focal espacial en el gran vestíbulo orientado al sur hacia Altmarkt, que es el principal punto de acceso para todos Tres funciones principales y por lo tanto es un lugar muy ocupado y animado.

El local de cabaret "Herkuleskeule" se encuentra debajo de la sala de conciertos que, en los dos pisos superiores, está rodeado por las salas de la biblioteca. Estos se mantienen en un diseño funcional, con materiales lisos y muebles diseñados específicamente por gmp. El color rojo brillante de las superficies textiles se ha adoptado del edificio original y se ha replicado como un leitmotiv en todas las áreas funcionales principales.

En el corazón del edificio, la sala de conciertos, que también ha sido diseñada para adaptarse a otras funciones, se ha vuelto a desarrollar en un estilo que no es secundario a los elementos de estilo existentes ni que contrasta deliberadamente con estos, sino que más bien apunta a Un diálogo respetuoso y cargado con el tejido edilicio existente. Su arquitectura sigue el modelo de "viñedo", con asientos en terrazas que se ajustan a la geometría de la disposición hexagonal del diseño. En contraste con el color cálido de las terrazas de madera, las ondas blancas de las paredes se mueven lentamente desde la geometría regular de la disposición hasta que se unen en el techo de la sala.

Con este nuevo concepto para el Kulturpalast, Dresde ahora ha recibido no solo una sala de conciertos de prestigio internacional, sino también un lugar acogedor de cultura y conocimiento, y un lugar de encuentros cívicos informales y comunicación que continúa la viva tradición. del edificio.

El Deutsches Architekturmuseum (DAM) en Frankfurt presenta el Kulturpalast Dresden en el centro de la exposición titulada DAM PREIS 2019 - Los 25 mejores edificios de Alemania. Una película producida en un concepto por gmp da vida a los visitantes de la exposición, la atmósfera especial y la interacción de las diferentes funciones durante el día.

Fuente: Metalocus








jueves, 31 de enero de 2019

PRESENTACIÓN EN SEVILLA DEL LIBRO "ANTOLOGÍA. TODO MARX EN PÍLDORAS"


ANTOLOGÍA. TODO MARX EN PÍLDORAS
MARX, KARL
ISBN: 978-84-17146-60-3
Editorial: ESPUELA DE PLATA
Número de páginas: 300
Dimensiones: 150x210
Fecha edición: 01/12/2018
Precio: 19,90 €


Llamamos clásicos a los autores a los que todo el mundo cree conocer, pero nadie lee. El propósito de este libro es acercar a los futuros lectores y lectoras, la obra de Karl Marx, posiblemente el autor más citado, después de Platón, a menudo para criticarlo, denostarlo -a él y a todos sus derivados-, o para defenderlo, colocándolo en un limbo que lo acerca a la irracionalidad. A Marx se le levantan estatuas y se le dedican avenidas pero, como escritor a veces se reduce a la cansina repetición de algunos tópicos, de ahí la necesidad de editar al menos una selección de textos que reúna el amplio espectro de sus intereses intelectuales: historia, filosofía, economía, política y crítica literaria. Y nos encontraremos con un Marx fresco, seguro y desafiante. Marx es a la vez un mito y un icono. Este libro da algunas muestras de porqué.

Karl Marx nació en Tréveris, actual Renania-Palatinado, el 5 de mayo de 1818. Y falleció a los sesenta y cinco años en Londres, el 14 de marzo de 1883, después de haber vivido 34 años en la ciudad como inmigrante sin oficio y refugiado político. Dedicó toda su tarea intelectual al estudio de la historia, la economía política y la filosofía de su tiempo, pero destacando una dimensión práctica que lo convierten en el primer ideólogo del movimiento proletario y el creador, junto a Engels y otros, del movimiento obrero internacional. Su obra más conocida es El Capital, del que él solo pudo ver publicado el primer volumen, en el otoño de 1867. Marx entendía esta obra como la continuación de su libro Contribución a la crítica de la economía política, publicado en 1859. Otras obras suyas destacadas son Miseria de la filosofía (en respuesta a la Filosofía de la miseria de Proudhon) y 18 Brumario de Luis Bonaparte. Firmó junto a Engels, entre otras obras, La sagrada familia, 1845 y el Manifiesto comunista, 1848. De la actualidad de su pensamiento y la capacidad de cambio de sus ideas deben juzgar las actuales generaciones después de leer una obra compleja y variada. Nosotros contribuimos con esta Antología temática en la que están recogidos todos los asuntos que fueron tratados en su obra, a través de sus propias palabras.

miércoles, 30 de enero de 2019

DOCUMENTAL "ALEMANIA: LOS POBRES DEL PAÍS RICO"



Título: Alemania: Los pobres del país rico
Realización: Andréa Fies
Autor: Andréa Fies
País: Alemania
Año: 2017
Duración: 25 minutos

La campaña de Ángela Merkel ha presentado Alemania como un modelo económico a seguir. No obstante, de cada cinco alemanes, uno vive en situación precaria y, en Berlín, uno de cada tres niños es pobre.

Fuente: arte.tv

martes, 29 de enero de 2019

PERIÓDICO NHAN DAN, ÓRGANO DEL PARTIDO COMUNISTA DE VIETNAM, LANZA LA PUBLICACIÓN DIGITAL EN ESPAÑOL

Periódico Nhan Dan lanza la publicación digital en español  - ảnh 1
Delegados presionan el botón para poner en funcionamiento el periódico digital de Nhan Dan en español (Foto: nhandan.vn)

El diario Nhan Dan (Pueblo) inauguró este 25 de enero el periódico electrónico en el idioma español para contribuir a promover la imagen del país y la gente de Vietnam, así como de las relaciones de amistad y cooperación entre esta nación y las hispanohablantes en el mundo.

En su intervención, el jefe del Departamento de Propaganda y Educación del Comité Central del Partido Comunista Vo Van Thuong ensalzó la creatividad y determinación de dicho medio de comunicación al desarrollar la edición en español paralelo a las otras en vietnamita, inglés, chino, francés y ruso.

El también miembro del Buró Político afirmó que en la causa de renovación, construcción y defensa del país, el periódico Nhan Dan siempre cumple con sus principios y objetivos, y mantiene firme su orientación política. En idéntico sentido apreció los esfuerzos del diario por innovar tanto el contenido como la forma de sus publicaciones y mejorar el carácter persuasivo y atractivo, a fin de satisfacer la necesidad del público de ser informado.

Entretanto, el jefe de Redacción del periódico Nhan Dan, Thuan Huu, acentuó la cifra de 58 países de habla hispana de todo el mundo mientras aproximadamente 400 millones de personas usan el español como el idioma principal y alrededor de 500 millones de personas, como la segunda lengua.

Fuente: VOV5

WEB DEL DIARIO NHAN DAN EN CASTELLANO: http://es.nhandan.com.vn/

El periódico Nhan Dan es el órgano central del Partido Comunista de Vietnam, la voz del Partido Comunista, el Estado y el Pueblo de Vietnam, y publicó su primer número el 11 de marzo de 1951 en la base de resistencia anti-francesa en Viet Bac.


lunes, 28 de enero de 2019

"MONUMENTO A LA AMISTAD ENTRE RUSIA Y GEORGIA", DEL ARQUITECTO SOVIÉTICO GIORGI CHAKHAVA


Creado en 1983 para conmemorar el 200 aniversario del Tratado de Georgievsk, que estableció el este de Georgia como un protectorado del Imperio Ruso, el Monumento de la Amistad entre Rusia y Georgia (también llamado el Monumento a la Paz) se encuentra justo en el único camino desde Rusia hasta Tbilisi.

El arco se encuentra en un mirador con vistas a los profundos barrancos e inmensas montañas de la cordillera del Cáucaso. Dentro del semicírculo revestido de piedra diseñado por el arquitecto Giorgi Chakhava (también creador del icónico "Ministerio de Carreteras" de la era soviética en Tbilisi) hay un enorme y colorido mosaico de estilo soviético que representa escenas de la historia georgiana y rusa.

Fuente: MatadorNetwork