Manifiesto de Zimmerwald
LA ESPINA ROJA
martes, 8 de septiembre de 2026
111 AÑOS DEL "MANIFIESTO DE ZIMMERWALD"
Manifiesto de Zimmerwald
lunes, 7 de septiembre de 2026
"CASA DE LOS SINDICATOS" DE BELGRADO
Dom Sindikata se encuentra en la Plaza Nikola Pašić, antigua Plaza de Marx y Engels, y fue proyectado por Branko Petričić y la construcción comenzó en 1947. Debido a la escisión de Tito-Stalin en 1948 y al Período Informbiro que siguió, las obras se detuvieron pronto. La construcción se reanudó en 1951. Desde 1953, los trabajadores de la construcción soviéticos estaban empleados en el sitio. Las obras importantes en el edificio se completaron en 1955, mientras que el edificio fue terminado por completo en 1957. En la década de 1970 se convirtió en el lugar de entretenimiento más popular de la ciudad,
El edificio fue construido originalmente para la Asociación de Sindicatos (SSSS), de ahí el nombre. La SSSS fundó Dvorana Doma Sindikata como una empresa separada, que gestionaba oficialmente la sala. Sin embargo, esa empresa quebró en 2016 y fue comprada por la empresa distribuidora de películas "MCF - Megacom film", que se convirtió en el arrendatario oficial, ya que SSSS sigue siendo oficialmente el propietario de la instalación.
El enorme edificio está diseñado a la manera del realismo socialista, con las influencias del modernismo tardío. En términos de arquitectura, es el símbolo de la construcción inmediatamente después de la guerra, y con su posición y volumen, marcó permanentemente el contorno de la plaza, que a su vez es uno de los espacios públicos más importantes de Belgrado. Además de los valores arquitectónicos, el edificio es importante desde el punto de vista cultural e histórico, ya que muchos eventos políticos y culturales importantes ocurrieron en Dom Sindikata. Por todo ello, fue declarado monumento cultural en abril de 2013.
El encargo original de las autoridades era el diseño de un edificio macizo y fuerte, totalmente a la manera del realismo socialista, lo que significaba que no había ornamentos en la fachada. Sin embargo, el arquitecto Petričić decidió diseñar el nuevo edificio como una extensión del edificio del Fondo de Jubilación del Banco Nacional del Reino de Yugoslavia. Este edificio fue diseñado por Grigorije Samojlov y se terminó un par de meses antes del estallido de la guerra en 1941. El edificio del Fondo de Jubilación estaba ornamentado con losas de piedra ocre grisáceo, totalmente diseñadas en estilo modernista. Petričić utilizó la misma estética y materiales, incorporando Dom Sindikata como relleno y una extensión natural del proyecto de Samojlov. Aunque son dos edificios separados, en dos estilos ligeramente diferentes y de diferentes épocas, desde la distancia los dos edificios crean la ilusión de ser solo dos alas de la misma construcción.
El Gran Salón se embelleció con el cuadro "Industrialización". Fue pintado por Petar Lubarda en 1959 y tiene unas dimensiones de 2.9 m × 6.5 m (9 pies 6 pulgadas × 21 pies 4 pulgadas). Probablemente sea el óleo más grande de Lubarda, de, como lo describieron los críticos, su mejor época. El alboroto público se provocó en octubre de 2017 cuando los periódicos Blic informaron que la pintura, que estimaron en un millón de euros, desapareció durante la reconstrucción. El ministro de cultura, Vladan Vukosavljević, y representantes de "Megacom", demostraron que la pintura todavía estaba en el edificio, pero que fue retirada y protegida debido a las obras en curso. Se anunció que volverá a exhibirse en el Gran Salón, una vez finalizadas las obras. El proceso de declaración de propiedad cultural del cuadro comenzó el 5 de septiembre de 2017, pero se detuvo en el primer paso porque la Asociación de Sindicatos, que reclama la propiedad, no pudo presentar la documentación adecuada que lo confirme.. El 31 de octubre de 2017, la pintura fue declarada oficialmente bien cultural.
domingo, 6 de septiembre de 2026
"EL HOMBRE CON EL MARTILLO NEUMÁTICO", OBRA DEL PINTOR COMUNISTA BORIS TASLITZKY
Para Taslitzky, el arte y la política siempre han estado estrechamente entrelazados. Nacido en París de emigrantes judíos rusos, llegó a la fama a mediados de la década de 1930 como uno de los jóvenes exponentes franceses del realismo socialista, tras su declaración como el estilo oficial del Partido Comunista Internacional. La llamada 'Querelle du réalisme' (disputa sobre el realismo) tomó el antifascismo como punto de partida y examinó la cuestión de la reconciliación entre el realismo y la práctica artística contemporánea para hablar y reflexionar sobre las opiniones de las masas. . Participaron artistas de alto nivel como Fernand Léger y Jacques Lipchitz, pero los debates y las exposiciones que lo acompañaron señalaron el surgimiento de la generación de artistas más jóvenes que Taslitzky, entre ellos Edouard Pignon y André Fougeron.
Este retrato de un trabajador, de pie, con las manos puestas en su oficio, muestra, a través de los símbolos que lo rodean, el compromiso político del artista. Asociado con el realismo socialista, Taslitsky, sin embargo, se aparta de él por su humanismo, aquí perceptible en el orgullo del modelo erigido como un héroe frente a la dureza del trabajo. Una iluminación dramática resalta su rostro, mientras su cuerpo está protegido de las agresiones de la máquina que acentúa el gradiente de los colores gris y frío. Señal de su activismo, el gancho de elevación detrás del hombre, en forma de una hoz, y el martillo colocado a su derecha se refierem al emblema del Partido Comunista. La cadena rota retenida por el gancho puede interpretarse como una alegoría de la liberación, defendida por el partido, de toda alienación del hombre a través del trabajo.
sábado, 5 de septiembre de 2026
"GIOVANNA", MEDIOMETRAJE DE GILLO PONTECORVO
A falta de poder ver el filme completo -que, por razones que no es difícil deducir, se ha mantenido en la sombra-, con el esfuerzo de algunas personas se ha hecho posible que podamos acceder ahora a “GIOVANNA”, el excelente segmento que dirigiera el italiano, Gillo Pontecorvo, celebrado director que, hasta entonces, tan solo había incursionado en el documental en unas pocas ocasiones.
La historia está ambientada en Prato, un pueblo que va a ser noticia cuando el centenar de obreras de la única textilera, decidan tomarse la empresa para impedir el despido anunciado de 20 compañeras. Aunque la trama se centra en la decidida participación de las operarias, sus familias y sus amigos, para mantener viva su causa, será la joven y carismática Giovanna a quien más recordaremos, pues, además de su muy agradable y sensible presencia, es una joven casada y madre de un niño, cuyo marido, Antonio, no considera necesario que ella se sume a la lucha puesto que él está en condiciones de mantenerla. Pero, Giovanna siente que la causa de sus compañeras (cabeza de hogar, embarazadas, con limitaciones económicas o avanzada edad) es también su problema… y con gran estoicismo, acepta la apatía de su esposo y el hecho de que le deniegue ver a su hijo, porque lo primordial para ella es el valioso propósito de su lucha.
Los personajes son muy cálidos, y sin necesidad de acudir a la sensiblería, la historia conmueve hasta el llanto cuando presenciamos el compromiso de los chicos, los esposos y de esas maravillosas mujeres que bien comprenden lo que significa la Unión. Felizmente, Pontecorvo se cuida de matizar a quienes tienen a su cargo el sucio trabajo de la represión… y la película fluye con la gracia y la sensibilidad de un verdadero artista.
Para el rol de Giovanna, Pontecorvo eligió a una muchacha llamada, Armida Gianassi, sin experiencia previa en la actuación, y fue un gran acierto porque, el ángel que irradia esta joven, hace que brille cada plano en el que la vemos. Los demás personajes, son también actores naturales (entre las mujeres la mayoría obreras), y los escenarios sin mayor retoque, hacen que estemos ante una suerte de filme neorrealista por excelencia. El guion de Pontecorvo y de Franco Solinas, da cuenta de una gran visión para seleccionar situaciones clave y el contraste entre el dentro y el afuera se logra a la perfección.
“GIOVANNA”, estuvo en los festivales de Venecia y de Mar del Plata, entre otros, y en todas partes dejó huella porque es una historia humana de primera categoría.
Gillo Pontecorvo, es uno de esos nombres que se te quedan tallados en la memoria.
viernes, 4 de septiembre de 2026
ALIANZA PUBLICA "ENCUENTROS Y DESPEDIDAS", DE JOHN BERGER
Es Winckelmann quien sugiere, en la segunda mitad del XVIII, una equivalencia entre el arte clásico y la democracia ateniense. Una y otra, según el anticuario sajón, se alimentarían mutuamente, siendo arte y democracia consecuencia y causa el uno de la otra, y viceversa. Este principio es el que explica la pintura “revolucionaria” de Jacques-Louis David y el robo masivo de arte clásico que propiciaron tanto el Directorio como Bonaparte. Este mismo principio político es el que volverá a instruir una parte del arte de posguerra, vinculado al “compromiso” y a la “democracia real” de la izquierda en Occidente. No en vano, los últimos artículos recogidos en este volumen van dedicados al derrumbe del bloque soviético y a la implosión de la vasta burocracia autocrática en que se sustentó, en última instancia, el sueño colectivista del XIX y el XX.
Buena parte de los textos incluidos en Encuentros y despedidas se dirigen a explorar aquellos efectos y aquellos sentimientos que debiera suscitar el “verdadero” arte. Un arte sustentado, de algún modo, en la idea de la justicia. También en la idea de disfrute común que Berger obtiene, con seguridad, de Benjamin y de las páginas que dedicó al cinematógrafo en La obra de arte en la época de su reproducción técnica (1936). Es en esas páginas finales donde Berger retoma, marginalmente, aquellos temas que sustentan su obra más conocida, Modos de ver (1972), en la que la propiedad, la publicidad, la cultura de masas, la alienación y cosificación del individuo, etcétera, se presentan como constitutivos del capitalismo, y en tanto que tales, como obstáculos para una verdadera y efectiva democracia. Aquella obra, de impronta materialista, era, por ello mismo, una obra sobre el poder y su estructura, revelados a través de la imagen. Cosa que, en cierto modo, también se puede decir de estos ensayos, no por la parte productiva del arte, sino en el sentido de su disfrute, ya que el contenido de estas páginas se halla referido a sentimientos como el amor, la melancolía, la compasión, la injusticia, la crueldad, y toda la constelación de conceptos que componen una idea de arte de implicación social. Vale decir, de un arte cuyo fin, si lo tuviere, es externo al arte. Por otro lado, esta misma idea redentora del arte es la que impulsó al primer Van Gogh, obsesionado por la delicadeza humana del Ángelus de Millet; cosa que también le ocurriría a Dalí, pero en distinto sentido: en el sentido de su “mito trágico”.
A este respecto, Berger es representante de un concepto de arte que tendría su mayor relieve en los 60-80 (la sombra de la premier Tatcher sobrevuela alguno de sus artículos), vinculado estrechamente a la sociedad de consumo y las economías de escala que Galbraith llamará “la sociedad opulenta”. Un arte cuya misión era la de revelar la naturaleza desigual y perniciosa del capitalismo; y anterior, por tanto, al carácter lúdico, distante, lucrativo e irónico del posmodernismo. En este “plus” sociológico de Berger quizá se hallara el origen de su éxito como historiador del arte. Un éxito, en todo caso, que debe atribuirse, en igual medida, al componente sentimental, a la inclinación lírica de sus textos, escritos sobre el cadáver caliente de la Guerra Fría, y cuyo sentido revela una concepción trágica y acerba de la existencia. Ello explica también la España mesetaria y fanática, de linaje machadiano, que se resumirá en sus páginas, extraída de sus viejas lecturas noventayochistas. Un hecho este que podría incardinarse, pictóricamente, en aquella incomprensión espiritual de la Europa protestante hacia la corporalidad católica que Huizinga señaló en El problema del Renacimiento.
Manuel Gregorio González
Fuente: Diario de Sevilla
jueves, 3 de septiembre de 2026
ESTRENADA EN ESPAÑA LA PELÍCULA "PALESTINA 36"
Palestina 36
Dirección y guion: Annemarie Jacir
Intérpretes: Hiam Abbass, Jeremy Irons, Kamel Al Basha, Liam Cunningham, Yasmine Al Massri, Jalal Altawil, Robert Aramayo
Fotografía: Hélène Louvart, Sarah Blum, Tim Fleming
Música: Ben Frost
2025 / 119 minutos
En los orígenes de la tragedia palestina
Oportuna, dolorosa e inevitablemente reflexiva, Palestina 36, comprometida apuesta de la cineasta Annemarie Jacir, se adentra en las raíces del conflicto palestino-israelí al abordar el trienio 1936-1939, en el que se produjo el levantamiento de la población palestina contra el dominio británico. Ocho décadas más tarde, la realidad constata que, lejos de resolverse, la situación ha derivado en un genocidio.
En 1936, Palestina está al borde del colapso. La resistencia árabe frente al implacable dominio colonial británico y su apoyo al sionismo, crece al mismo ritmo que la llegada de refugiados judíos desde Europa.
En ese crispado ambiente, el joven Yusuf se debate entre proteger la vida que conoce o unirse a quienes lo arriesgan todo por la libertad de su pueblo. No es el único cuyas lealtades serán puestas a prueba. Khouloud, una periodista comprometida con su pueblo, a pesar de estar casada con un influyente personaje árabe muy bien relacionado con los ingleses, es testigo de intrigas y heroicidades que cambiarán el rumbo de la región. Son dos de los muchos personajes que, instalados en el epicentro de la tragedia, se ven abocados a tomar decisiones determinantes para el resto de sus vidas.
Seleccionada para los próximos Óscar a la mejor película internacional, su reparto incluye a Jeremy Irons, Robert Aramayo, Liam Cunningham, Yasmine Al Massri, Saleh Bakri, Billy Howle, Karim Anaya y Hiam Abbass, la multipremiada actriz palestina residente en París que, durante la presentación del filme, afirmó: «La fe en la humanidad es lo único que nadie podrá arrebatarme, por mucho que el ser humano sea capaz de ejercer la maldad… Y hoy sabemos quiénes son los despiadados que la ejercen y a los que la historia señalará».
Palestina 36 inició la preproducción en enero de 2023. Como recuerda su directora, se fijaron multitud de localizaciones por todo el país; se cosieron y bordaron trajes y vestidos tradicionales; se recolectó atrezo antiguo de todas partes y se restauró un pueblo entero —incluida la siembra de cultivos ya extintos—, además de reconstruirse antiguos vehículos de guerra y armas británicas. Se trata de la película más ambiciosa del país hasta la fecha.
Tras el ataque de Hamás del 7 de octubre, la producción se suspendió y el equipo tuvo que trasladarse a Jordania. Trece meses después, pudo regresar para completar el rodaje en Palestina. En noviembre de 2024, tras haber tenido que detener y reanudar la producción en cuatro ocasiones debido a la situación, cada vez más tensa, el rodaje pudo concluir. Es el único largometraje filmado en Palestina durante los últimos dos años.
Basándose en los hechos acaecidos, la directora, guionista y productora Annemarie Jacir (Belén, 1974) cumple, al poner en pie Palestina 36, un sueño forjado a lo largo de los años: «Contar la historia de la revuelta de 1936-1939 ha sido un sueño desde hace mucho tiempo, y relatarla a través de los diferentes puntos de vista de un reparto coral surgió de manera natural. El alzamiento de 1936 marca el momento más decisivo de nuestra historia y me interesaba contarlo de una forma íntima, cruda y personal. La estructura del guion sigue el recorrido de los distintos personajes, entretejiéndose como un bordado. Todos ellos están, de algún modo, conectados entre sí. Sus vidas se cruzan, a veces sutilmente. Cada uno se enfrenta a un momento que lo transforma, que lo lleva a un lugar inesperado, y es ahí donde eligen cómo seguir adelante».
Para Palestina 36, Jacir se sumergió en un mar de investigación: «Leí cada libro, cada documento y cada testimonio que cayó en mis manos. Coleccioné imágenes, fotografías, rollos de película e innumerables impresiones. No podía dejar de pensar en la masacre del pueblo de Al Bassa, a tan solo 25 kilómetros de mi casa actual. Mi hogar en esta tierra que nos da y nos quita. Un paisaje que persiste, que sobrevive y que tiene espacio para todos los que lo aman. Por supuesto, la tierra se convertiría en un personaje principal en el bordado del guion. Hacer una película ambientada en el punto álgido de la revolución significa capturar un sentimiento, de la misma forma en que lo hace la poesía».
Actual y viva
La directora recuerda que es una película de época, «pero nunca la concebí como algo del pasado. Siempre ha sido actual, relevante y viva. A veces crítica, nunca nostálgica, siempre en busca… Es una celebración de una rebelión desafiante ante una oposición militar infranqueable: una representación dramática de sus fallos y de su resiliencia. El colonialismo y el imperialismo, con nuestras propias traiciones e incidentes. En 1936 perdimos una parte de nosotros mismos. Es la historia de un pueblo, de una comunidad de personas llena de sueños y deseos. Gente corriente que se encuentra en una época extraordinaria. Es un guiño a la persistencia del ser humano, al deseo de un pueblo de ser libre».
«Hacer esta película ha sido lo más difícil que he hecho en mi vida. Cuando comenzó el genocidio, todo se desmoronó. Nuestro pueblo estaba siendo aniquilado y nos encontramos intentando hacer una película sobre un momento oscuro de nuestra historia antes de saber que pasaríamos por uno de los más oscuros que jamás hayamos vivido. Nos hundimos en nuevas profundidades; era una locura. Estábamos rotos». Jacir concluye recordando unas palabras de la poeta gazatí Ne’ma Hasan: «Cuando los caminos estén bloqueados, dibuja un nuevo mapa». Y añade: «Esto se ha convertido en nuestra forma de vida, una lección que aprendimos de nuestros padres y abuelos. Cala en todo lo que hacemos: ir a trabajar, acudir a una cita médica, visitar a la familia o hacer una película».
La revuelta campesina contra el colonialismo de 1936 marcó el inicio del mayor y más prolongado alzamiento contra los treinta años de dominio británico. Se movilizaron palestinos de todas las clases sociales y el sentimiento nacional se extendió por la prensa, las escuelas y los círculos sociales y literarios. Los británicos, desconcertados por la magnitud y la intensidad de la revuelta, tomaron represalias, impusieron la ley marcial en Palestina y desplegaron a más de veinte mil soldados apoyados por la Royal Air Force. Aun así, no lograron controlar por completo a una población de menos de un millón de personas.
Finalmente, la historia constata la derrota local y el desmantelamiento de las estructuras de los rebeldes. Miles de palestinos fueron encarcelados y sus líderes, obligados al exilio. La revuelta supuso el levantamiento anticolonial más amplio y prolongado de todo el Imperio británico.
Cineasta y poeta
Annemarie Jacir (Belén, 1974), cineasta y poeta que vive y trabaja en Palestina, ha escrito, dirigido y producido más de dieciséis películas, estrenadas en festivales como los de Cannes, Berlín, Venecia, Locarno, Róterdam y Toronto. Su corto Like Twenty Impossibles (2003) fue el primer cortometraje árabe de la historia seleccionado en Cannes y rompió barreras al llegar a ser finalista en los Óscar. En 2007 rodó La sal de este mar, el primer largometraje dirigido por una mujer palestina, que ganó en Cannes el Premio de la Crítica y otros catorce galardones internacionales, incluido el de mejor película en Milán. When I Saw You, su segundo largo, logró el premio a la mejor película asiática en la Berlinale, y el tercero, Invitación de boda, obtuvo 36 premios internacionales, incluidos los de Mar del Plata, Dubái y el BFI de Londres.
Con un firme compromiso con la tutoría y la contratación local, Annemarie también ejerce la docencia y promueve activamente el cine independiente en la región. Como fundadora de Philistine Films, colabora como montadora, guionista y productora con otros cineastas. Ha formado parte de los jurados de Cannes, Sundance y Berlín, y es miembro de la Asia Pacific Screen Academy, la AMPAS y la BAFTA.
Fuente: hoyesarte
VER TRAILER:
miércoles, 2 de septiembre de 2026
"MONUMENTO A LOS CAÍDOS POR LA LIBERTAD ", EN KOTOR (MONTENEGRO)
Este memorial conmemora a los partisanos caídos de Kotor.
Se encuentra en el Parque de la Libertad (Park Slobode), un espacio verde junto al paseo marítimo ubicado justo fuera de las murallas del casco antiguo de Kotor. La estructura sigue las tradiciones conmemorativas conmemorativas del período yugoslavo de la posguerra, que combinan elementos escultóricos y arquitectónicos. El escultor local Luka Tomanović diseñó la escultura en relieve de la base, mientras que el arquitecto Vojislav Đukić colaboró en la estructura general.
Conmemora a los ciudadanos y partisanos de Kotor y Montenegro que perdieron la vida durante la Segunda Guerra Mundial y las luchas de liberación contra la invasión nazi entre 1941 y 1945. En la parte frontal lleva la inscripción "Palim za slobodu" (Caídos por la libertad) junto a las fechas del conflicto.
Texto sobre el monumento: "A los hijos de esta región que murieron por la libertad en 1941-1945".
En dicho parque también está el busto de los héroes populares Mata-Maš Brguljan,
Nikola Đurković y Sava Ilić
El monumento sirve como un lugar de recuerdo dentro del paisaje cívico de Kotor. El monumento es accesible al público sin cargo y se puede visitar como parte de un paseo por Kotor y sus alrededores fuera de las murallas del casco antiguo.
martes, 1 de septiembre de 2026
LYUBOMIR PIPKOV Y SU ÓPERA ANTIFASCISTA "MOMCHIL", INSPIRADA EN LA INVASIÓN ALEMANA DE POLONIA, EN SU 87 ANIVERSARIO
Según el testimonio del compositor, la idea de la ópera Momchil fue provocada por la invasión alemana de Polonia iniciada el 1 de septiembre de 1939 y por el deseo del compositor de escribir una obra de protesta contra las políticas antinacionales y de influencia fascista del gobierno búlgaro. La imagen original del héroe del siglo XIV es notable: es un líder, un defensor, un guerrero para los intereses del pueblo. La ópera se completó alrededor de 1945 y se estrenó el 24 de septiembre de 1948 en la Ópera Nacional de Sofía bajo la dirección de Assen Naydenov y la dirección de Mihail Hadjimishev.
Por sus servicios a la música búlgara, Pipkov fue nombrado Héroe del Trabajo Socialista y Artista del Pueblo de Bulgaria, y recibió tres veces el Premio Dmitrov. Posteriormente, fue condecorado con la Orden de la República Popular de Bulgaria y la Orden de Georgi Dimitrov. Fue admitido póstumamente en la Academia de las Artes de la RDA y nombrado ciudadano honorario de Lovech.
domingo, 30 de agosto de 2026
"EL SILENCIO DE PELESHIAN", DOCUMENTAL DE PIETRO MARCELLO SOBRE EL CINEASTA SOVIÉTICO
Decía Godard cuando descubrió durante el Festival de Nyon de 1989 las películas de Artavazd Pelešjan que las películas del armenio se destapaban como las más importantes de la historia del cine. Desde este espíritu de admiración absoluta, compartida por decenas de cineastas durante décadas, Pietro Marcello evoca un sentido homenaje al documentalista.
El cineasta armenio Artavazd Pelešjan no se conoció en occidente hasta 1983, cuando el crítico francés Serge Daney, junto a unos cuantos admiradores, introdujeron su obra en Europa. Il Silenzio di Pelešjan no pretende ser una biografía, ni siquiera un documental. sino sencillamente, el resultado de una empresa extraordinaria: filmar, por primera vez en treinta años a uno de los grandes directores de la historia del cine.
VER DOCUMENTAL CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO (ACTIVAR SUBTITULOS EN YOUTUBE):
sábado, 29 de agosto de 2026
"LIBRE, FUERTE Y FELIZ", OBRA DEL ARTISTA DE LA RDA MAX LINGNER
Después del inicio de la Segunda Guerra Mundial, Lingner fue inmediatamente arrestado como alemán y miembro del Partido Comunista Francés. Capturado en varios campos de internamiento, logró escapar después de más de un año en Gurs en noviembre de 1941. Entonces vivió escondido y estuvo activo en la Resistencia. Fue solo después de la liberación de París a finales del verano de 1944 que Lingner regresó allí.
Ya en 1937 había desarrollado el motivo de la familia obrera francesa por primera vez (“Francia – libre, fuerte, feliz”, cf. Gertrud Heider, Max Lingner, Leipzig 1979, p. 56, Taf. 28). Volvió a asumir esto, por ejemplo en el diseño del título de la “L’Humanité” del 14 de julio de 1945, el Día Nacional Francés, así como en la pintura “El Invierno” (1946). Un poco más tarde, cortó la imagen y tituló la antigua parte de la derecha con “Free, Strong and Happy”.
En la obra se representa una familia joven elegantemente vestida. El grupo de personas tiene las características típicas de Lingner, enfatizadas por los contornos negros. Confiado y mirando de frente, el hombre progresa. Su esposa está mirando al niño en sus brazos. Lingner firmó y fechó la imagen en 1944, presumiblemente para referirse directamente a la liberación de Francia del régimen nazi, que también se enfatiza por el título. Como resultado, Lingner debió usar el motivo una y otra vez, incluso como un motivo en numerosas decoraciones festivas de prensa. También aparece en el diseño del mural de 1953 en la Casa de los Ministerios de Leipziger Straße en Berlín, aunque en otra versión de la que finalmente se realizó.
viernes, 28 de agosto de 2026
"KYYAL", REPORTAJE DE 1967 SOBRE LA ARTESANÍA POPULAR DE LA REPÚBLICA SOCIALISTA SOVIÉTICA DE KIRGUISTÁN
Una película del Estudio cinematográfico KYRGYZFILM sobre las artes y artesanías populares tradicionales. El filme detalla las habilidades, la maestría artesanal y la perseverancia necesarias para crear estos maravillosos productos nacionales de lana, tales como los "shyrdaks" (alfombras de fieltro), los "tushkiiz" (tapices bordados para pared) y otros. La creación de diseños en madera o metal exige el mismo nivel de labor minuciosa.
Sobre Kyyal
Con el fin de garantizar un aumento significativo en la producción de artes y artesanías populares, ampliando la gama de productos y mejorando su calidad, el Consejo de Ministros de la República Socialista Soviética de Kirguistán decidió:
Adoptar como guía y aplicación estricta la Resolución del Consejo de Ministros de la URSS de fecha 14 de agosto de 1968, n.º 628, «sobre medidas para el desarrollo ulterior de las artesanías artísticas populares».
En su momento, el artista del pueblo de la República Kirguisa, académico de la Academia Internacional de la Creatividad, S.M. Makashov, preservó el equipo y la producción.
Hoy en día, miles de artesanos de todo Kirguistán, que estudiaron y trabajaron en Kyyal, han abierto y gestionan sus propias pequeñas empresas de producción de artesanía popular.
Mediante Decreto del Gobierno de la República Kirguisa n.º 135, de fecha 5 de marzo de 2004, se aprobó la Carta Constitutiva de la Empresa Estatal NONHP “Kyyal”. Gracias a ello, la empresa se recuperó, sobrevivió, mantuvo a su personal y comenzó a generar beneficios.
Sobre Kyrgyzfilm
Kyrgyzfilm es la productora cinematográfica nacional de Kirguistán. Fue fundada en 1939 como Frunze Newsreel Filmstudio, una productora de noticiarios. En 1956, se dedicó a la producción de largometrajes y documentales, y en 1961 adoptó su nombre actual. En 1977, comenzó a producir películas de animación.
jueves, 27 de agosto de 2026
EXPOSICIÓN DE ARTE SERBIO DURANTE LA II GUERRA MUNDIAL, EN BELGRADO
Exposición «¡Incluso en la esclavitud hay libertad! – El arte serbio durante la Segunda Guerra Mundial» en la Galería de la Academia de las Artes y las Ciencias de Serbia.
La exposición "¡Incluso en la esclavitud hay libertad! – El arte serbio durante la Segunda Guerra Mundial", de la doctora Irina Tomić, se inauguró oficialmente el 4 de agosto en la Galería SASA.
La exposición abarca la producción creativa de diversos géneros y formas artísticas, incluyendo bellas artes, artes aplicadas, arquitectura, fotografía y cine, creadas durante el período comprendido entre el estallido de la guerra en el territorio del Reino de Yugoslavia (6 de abril de 1941) y la capitulación de Alemania (9 de mayo de 1945). La exposición se centra en el arte creado en Serbia, teniendo en cuenta también las obras de artistas que estuvieron encarcelados o que desarrollaron su actividad en territorios libres fuera de Serbia. La exposición presentará cerca de 300 piezas procedentes de numerosas instituciones museísticas de toda Serbia (el Museo Nacional de Serbia, el Museo de la Ciudad de Belgrado, el Museo de Arte Contemporáneo, la Casa del Patrimonio, el Museo de Yugoslavia, la Colección Memorial Pavle Beljanski, el Museo Nacional de Užice, el Museo Nacional de Smederevska Palanka, etc.). Incluye obras de artistas consagrados del período de entreguerras, como Paja Jovanović, Uroš Predić, Beta Vukanović, Petar Dobrović, Jovan Bijelić, Sava Šumanović, Zora Petrović, Đorđe Jovanović, Đorđe Andrejević Kun y Petar Lubarda, así como de artistas más jóvenes de la época, como Majda Kurnik, Miloš Bajić y Vida Jocić, junto con obras de aficionados creadas en campos de prisioneros y en el campo de batalla.
Las obras incluidas son heterogéneas en diversos parámetros, por lo que se han organizado según sus características tipológicas. La autora demostró cómo todos los tipos de arte en el período comprendido entre 1941 y 1945 dependían de condiciones sociales y culturales únicas. Junto con la producción artística, también ofrece una visión general de todos los desarrollos culturales, histórico-culturales, antropológicos y sociológicos relevantes durante la ocupación de Serbia. Irina Tomić ha demostrado la hipótesis de que la producción creativa artística durante la ocupación continuó. No solo no se extinguió ni disminuyó, sino que también experimentó una considerable modificación. Para muchos, fue una vía de salvación; para otros, una especie de arma. Por lo tanto, las obras creadas en tales condiciones no pueden evaluarse únicamente según criterios estéticos convencionales. El objetivo de la exposición es presentar un análisis exhaustivo de todos los principales fenómenos artísticos que surgieron durante la ocupación y como consecuencia de ella.
La exposición está acompañada de un catálogo del mismo título, obra de Irina Tomić, doctora en filosofía.
En palabras de la Dra. Lidija Merenik: «Se trata de una obra extensa y exigente, exquisitamente escrita, la primera de su tipo. Realiza una contribución científica original para una comprensión más completa del arte serbio del siglo XX, al sintetizar uno de sus periodos más olvidados, menos conocidos y dolorosos. Esta obra carece de precedentes en cuanto a su objetivo establecido, ya que hasta ahora no se había producido en la historiografía serbia una síntesis sobre este periodo poco conocido del arte. Por lo tanto, el resultado de esta investigación es el primer estudio exhaustivo y científico, y, en un sentido más amplio, el primer artículo de este tipo sobre el tema mencionado».
El escultor Mrđan Bajić, miembro correspondiente de la SASA, señala que el trabajo académico de Irina Tomić "adentra con determinación en un campo que durante mucho tiempo ha permanecido insuficientemente investigado y abordado, y que casi nunca se ha tratado de una manera que vaya más allá de la uniformidad de una lectura ideológica unilateral, examinando en igualdad de condiciones todo lo que se creó durante ese período".
La exposición estará abierta al público hasta el 20 de septiembre.
miércoles, 26 de agosto de 2026
"LA MUERTE DE YUGOSLAVIA", SERIE DOCUMENTAL DE LA BBC (1995)
"La muerte de Yugoslavia" es una serie documental de seis capítulos que la BBC emitió por primera vez en 1995. Abarca el colapso de la antigua Yugoslavia. Es notable por su combinación de imágenes de archivo nunca antes vistas, intercaladas con entrevistas de la mayoría de los principales actores en el conflicto, incluyendo Slobodan Milosevic, el entonces presidente de Serbia.
1. "Enter Nationalism": En este episodio se describe el ascenso de Milosevic al poder aupado por el nacionalismo serbio y el principio del fin de Yugoslavia.
2. "The Road to War": Tras el desmoronamiento de la Liga de los Comunistas de Yugoslavia, serbios y croatas caen en una espiral de odios étnicos que los llevará a la guerra.
3. "Wars of Independence": Las independencias de Eslovenia y Croacia desencadenan una sangrienta guerra entre serbios y croatas y se procede al desmembramiento de Yugoslavia mientras la diplomacia europea es incapaz de parar la violencia.
4. "The Gates of Hell": La independencia de Bosnia y Herzegovina provoca el desgarramiento de la república yugoslava más multiétnica entre serbios, croatas y musulmanes. Serbios y crotas pactan el reparto de Bosnia. Da inicio una sistemática limpieza étnica por parte de los serbios.
5. "A Safe Area": Mientras la diplomacia de la ONU y Europa se estrella una y otra vez con la intransigencia serbobosnia, los serbios continúan su implacable limpieza étnica y los croatas traicionan a los musulmanes e inician su propia limpieza étnica contra los musulmanes. EE.UU., por medio de la OTAN, se escenifican como los únicos que pueden interferir para reconducir la situación.
6. "Pax Americana": La masacre de Srebrenica da una razón a los Estados Unidos para intervenir militarmente en el conflicto y forzar a los serbobosnios a sentarse en la mesa de negociaciones. Esto, unido a la reconquista de los territorios serbocroatas en Croacia y la contraofensiva croata-musulmana, llevará a las partes implicadas a negociar en Dayton un tratado de paz en el que se alcanzaría el status político de Bosnia-Herzegovina y el fin de las guerra de Bosnia.
CAPÍTULO 1:
CAPÍTULO 2:
CAPÍTULO 3:
CAPÍTULO 4:
CAPÍTULO 5:
CAPÍTULO 6:



















_(From_-_%D0%9F%D0%B5%D1%80%D0%B5%D0%B2%D0%B0%D0%BB).png)








