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jueves, 31 de octubre de 2024

"NOCHES TURKMENAS", SUITE DE ALEXANDER MOSOLOV, SOBRE TEMAS FOLCLÓRICOS DE LA REPÚBLICA SOVIÉTICA DE TURKMENISTÁN

Alexander Mosolov es considerado el principal representante del futurismo ruso de la década de 1920. Su música anterior a 1930 es mecanicista, muy dramática, antisentimental y no muestra interés por el atractivo popular. Mosolov enfatiza los ritmos motores y los ostinati, y sus piezas futuristas están escritas con un nivel extremadamente alto de disonancia. Aunque Mosolov se vio obligado a abandonar este idioma con el ascenso de Stalin, sus composiciones futuristas atrajeron mucha atención, tuvieron un impacto definitivo en compositores como Shostakovich y hablan efectivamente de tendencias posteriores; en este sentido, eran verdaderamente "futuristas". De este periodo destaca la primera sección del ballet (Zavod [La fundición de acero]), que fue un éxito monumental tanto en Rusia como en todo el mundo. Si bien la pieza es extremadamente disonante, Mosolov coordina los ritmos mecánicos en grupos orquestales específicos que trabajan juntos como engranajes en una máquina bien engrasada.

Con la pieza para piano Noches turkmenas (1928), Mosolov comenzó a trabajar más extensamente con formas folclóricas étnicas. Su interés en este ámbito resultaría conveniente, ya que Mosolov ya estaba bajo el escrutinio del gobierno soviético, que consideraba que su música no tenía utilidad para el proletariado y estaba demasiado ligada al modernismo occidental. Mosolov se encargó de hacer un estudio exhaustivo de las canciones populares en Kirguistán, Turkmenistán, Stavropol y otras regiones remotas del dominio soviético. Su Segundo Concierto para piano (1932) combina estos elementos folclóricos con un leve resto de gestos estilísticos anteriores. Esto no fue suficiente para evitar que Mosolov se metiera en problemas, y en 1938 fue arrestado por la NKVD y enviado a un campo de trabajos forzados. La intervención de Myaskovsky y Glièrese encargó de que Mosolov solo cumpliera nueve meses de una condena de ocho años.

Posteriormente, Mosolov continuó componiendo, aunque en gran medida en el idioma aprobado por el Estado soviético. La lista de obras de Mosolov muestra que fue uno de los compositores más prolíficos del siglo XX, pero se cree que la gran mayoría de sus obras están perdidas o desaparecidas. Afortunadamente, a medida que se comprende mejor el valor de Mosolov como compositor, están saliendo a la luz manuscritos suprimidos de su obra. 

Noches turkmenas es una suite en tres partes, en la que incorpora material inspirado en la música folclórica étnica, presumiblemente debido a las presiones del régimen soviético, que desaprobaba la música futurista de Mosolov. Sin embargo, a pesar de las influencias de la música folclórica turcomana, Mosolov hace pocas concesiones en su estilo brutal y oscuro.

Noches turkmenas se divide en tres secciones, comenzando con Andante con moto, que presenta frases que suben y bajan rápidamente sobre las que se escucha un tema. Hay momentos en los que hay pequeños motivos disonantes y juguetones antes de que la apertura vuelva a impulsarse hasta un final repentino.

El Lento tiene un tema disonante pequeño e insistente que pronto gana fuerza a medida que el pianista toca los acordes con estruendo. Pronto hay un desarrollo más tranquilo del tema antes de pasar a las disonancias más complejas. Se escucha un pasaje rítmico insistente y rápido antes de que se martilleen los acordes altos y la música retroceda con pequeños estallidos disonantes hasta una coda estridente.

El Allegro arranca con una idea rítmica vacilante antes de pasar a pasajes de intenso impulso. Pronto llega un pasaje más suave con frases rápidas y pequeñas en descenso antes de encontrar el impulso para pasar a la coda.

Fuente: El mirador nocturno y otros 

martes, 17 de septiembre de 2024

"DNIEPROSTROT", OBRA FUTURISTA DEL COMPOSITOR SOVIÉTICO JULIUS MEYTUSS DEDICADA A LA CONSTRUCCIÓN DE LA CENTRAL HIDROELÉTRICA DEL DNIEPER

"DNIEPROSTROT", DE JULIUS MEYTUSS

Julius Meytuss (8 de enero de 1903, Yelysavethrad - 2 de abril de 1997, Kiev) fue un compositor soviético y ucraniano, considerado el fundador de la ópera soviética ucraniana. Su estilo inicial era modernista, y más tarde utilizó modismos neorrománticos más tradicionales.

Es famoso por sus 18 óperas, varias obras orquestales y alrededor de 300 canciones sobre poemas clásicos ucranianos y rusos, entre ellas La felicidad robada, la epopeya Yaroslav el Sabio, La hija del viento, Leila y Majnun, La joven guardia y Abakán.

Entre sus premios y distinciones se encuentran: Artista emérito de la República Socialista Soviética de Turkmenistán (1944), Artista honorario de la República Socialista Soviética de Ucrania (1948), Premio Stalin de 2ª clase (1951), dos Órdenes de la Bandera Roja del Trabajo (1960, 1971), Artista del Pueblo de la República Socialista Soviética de Ucrania (1973), y Orden de la Amistad de los Pueblos (1983).

La única obra futurista de Julius Meytuss que conocemos es lo que parece ser un fragmento de una obra mayor: Dneiprostroi. La única grabación que existe es de 1931 con la Orquesta Sinfónica de París bajo la dirección de Julius Ehrlich. En la misma se utiliza solamente los instrumentos de percusión de la orquesta.

Se trata de una pieza «colectivista» inspirada por los trabajos para construir una presa sobre el Dnieper, donde la percusión imita el proceso de construcción de la famosa presa soviética.

La presa del Dniéper fue construida en terreno rural sin urbanizar en un cruce fluvial llamado Kichkas al norte de la isla de Jórtitsia, con el objetivo de promover la industrialización soviética. Se creó una compañía llamada Dniprobud o Dneprostoi, que más tarde construyó otras presas en la cuenca del Dniéper que existen actualmente. El diseño de la presa se originó durante el plan de electrificación soviética denominado GOELRO que fue aprobado a comienzo de la década de 1920. La central hidroeléctrica fue diseñada por un grupo de ingenieros liderados por Ivan Alexandrov, jefe experto de GOELRO, quien más tarde se convirtió en jefe de Gosplán. La estación permitió el desarrollo de industrias de gran consumo de energía, como producción de aluminio, que fueron esenciales para la Fuerza Aérea Soviética.

El proyecto de la presa se influenció de la construcción de la central hidroeléctrica Sir Adam Beck en las cataratas del Niágara, en Ontario, la central hidroeléctrica de Island Maligne, en Quebec, y la central hidroeléctrica de La Gabelle, en el río San Mauricio. El 17 de septiembre de 1932, el gobierno soviético galardonó a seis ingenieros estadounidenses con la Orden de la Bandera Roja del Trabajo por "su excelente trabajo en la construcción de la presa".

La industrialización soviética estuvo acompañada de un gran movimiento propagandístico. León Trotski, entonces fuera del poder, impulsó la idea dentro del Politburó gobernante en 1926. En un discurso al movimiento Komsomol, dijo:

En el sur de Dniéper corre su curso por las tierras más ricas de valor industrial; y malgasta el peso prodigioso de su presión, juega sobre rápidos antiquísimos y espera hasta que enjaecemos su corriente, limítenlo con presas, y lo obligaran a dar las luces a ciudades, para manejar las fábricas, y enriquecer la tierra de labrantío. ¡Nosotros la obligaremos!
Leon Trotsky

La presa y sus edificios fueron diseñados por los arquitectos constructivistas Víktor Vesnín y Nikolái Kolli. La construcción empezó en 1927 y fue terminada en 1932, creando la primera planta hidroeléctrica en la RSS de Ucrania. Los 560 MW que engendra la convirtieron en la estación hidroeléctrica soviética más grande en su tiempo y la tercera del mundo tras la presa Hoover y la presa Wilson, ambas en Estados Unidos, impulsando el desarrollo de las zonas industriales de Zaporiyia, Kryvyi Rih y Dnipropetrovsk. Los primeros cinco generadores de energía fueron producidos por la Compañía General Eléctrica, mientras que durante el Plan Quinquenal se añadieron cuatro generadores más producidos en Leningrado.

                                          Construcción de la presa del Dnieper en 1930

martes, 30 de julio de 2024

EL MUSEO RUSO DE MÁLAGA ACOGE LA EXPOSICIÓN "UTOPÍA Y VANGUARDIA"

 

La muestra da a conocer el desarrollo de los movimientos artísticos del siglo XX con obras de artistas como Malevich, Popova, Larionov, Kliun, Klucis o Filonov.

La Colección del Museo Ruso ha presentado este jueves, con el patrocinio de Fundación Unicaja, la exposición Utopía y vanguardia. Arte ruso en la Colección Costakis, que reúne gran parte de los fondos del coleccionista greco-ruso procedentes del MOMus, Museo de Arte Moderno de Salónica, en Grecia.

En esta ocasión, y por primera vez en España, se exhiben 470 obras de arte y un centenar de objetos de archivo originales que testimonian la pasión coleccionista de George Costakis, desarrollada en la Unión Soviética.

Comisariada por Maria Tsantsanoglou, directora del MOMus, Utopía y Vanguardia. Arte ruso en la Colección Costakis ofrece la oportunidad de conocer el desarrollo del arte ruso del siglo XX, desde el simbolismo y el postimpresionismo hasta el suprematismo y el constructivismo.

Destacan obras de artistas influyentes como Kazimir Malevich, Liubov Popova, Ivan Kliun, Gustav Klucis, Mikhail Larionov o Pavel Filonov, entre otros, y muestra cómo estos movimientos artísticos influyeron profundamente en la evolución del arte moderno.

A la presentación de esta muestra han asistido Francisco de la Torre, alcalde de Málaga; Mariana Pineda, concejala de Cultura y Patrimonio Histórico; Maria Tsantsanoglou y Epaminondas Christophilopoulos, directora y presidente del Consejo de Administración del MOMus, respectivamente; Aliki Costakis, hija de George Costakis; José María Luna, director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y Otros Equipamientos Museísticos y Culturales; y Emilia Garrido, directora de Actividades Culturales de Fundación Unicaja.

SIMBOLISMO Y CUBOFUTURISMO

El simbolismo y las tendencias postimpresionistas en Europa ejercieron una fuerte influencia en los jóvenes artistas rusos de principios del siglo XX, como lo demuestran los grupos Rosa Azul y Vellocino de Oro. Pintores como Vrubel y Borisov-Musatov introdujeron técnicas innovadoras en la composición y organización de la superficie pintada.

En 1910, el grupo de artistas conocido como Vellocino de Oro se disolvió y fue reemplazado por el grupo la Sota de Diamantes. Artistas como Malévich, Tatlin, Popova, Exter, Kliun, Larionov y Goncharova, entre otros, se asociaron con este nuevo grupo y exhibieron sus obras en sus exposiciones. Las pinturas de este periodo mostraban claramente la influencia de Cézanne, los cubistas franceses y el orfismo.

El cubofuturismo ruso, por otro lado, representó un desarrollo distintivo y autóctono, adoptando elementos del cubismo francés y el futurismo italiano, pero con una visión única y audaz que caracterizó el arte ruso de ese período. Artistas como Popova, Morgunov, Lentulov, Kliun, Udaltsova, Exter y Rozanova adoptaron, durante el período 1912-1916, elementos del cubismo francés, al tiempo que daban a sus composiciones un agudo sentido del movimiento al estilo de los futuristas italianos.

SUPREMATISMO

Kazimir Malevich, uno de los artistas más radicales de la vanguardia rusa, fue pionero en el suprematismo, un movimiento que buscaba la supremacía de la forma y el color sobre cualquier contenido figurativo. El suprematismo debutó en la exposición Última exposición futurista 0,10, celebrada en Petrogrado, actual San Petersburgo, en 1915.

El realismo de Malevich era el de una realidad fantástica "a la que uno debe llegar distanciándose de los aspectos visibles de la vida". Fundó el grupo Supremus, al que se unieron muchos artistas de la tendencia cubofuturista como Iván Kliun, Liubov Popova, Nadezhda Udaltsova y Olga Rozanova, y dirigió la escuela Unovis (Afirmadores del Nuevo Arte), una institución cuya misión era utilizar el arte para cambiar la percepción estética. La obra de Malévich, Cuadrado negro (1915), se convirtió en el emblema del movimiento suprematista, representando tanto el fin del arte antiguo como el comienzo del nuevo.

CONSTRUCTIVISMO

El constructivismo ruso, una de las tendencias más importantes y el último gran movimiento dentro de la vanguardia rusa, hizo su aparición a principios de la década de 1920. Encabezado por figuras como Alexei Gan o Vladímir Tathin, exploró la relación entre el arte y la vida cotidiana.

Los constructivistas se propusieron crear nuevas condiciones para la vida de las personas, con la ayuda de una nueva estética basada en la creación de formas y construcciones simples, lógicas y funcionales. La aplicación del constructivismo en la producción masiva de objetos cotidianos sentó las bases para el diseño contemporáneo y se llamó ‘arte productivo’.

Estos movimientos revolucionarios no solo transformaron la práctica artística en Rusia, sino que también dejaron una marca en el panorama artístico internacional, influyendo en generaciones posteriores de artistas y movimientos.

GEORGE COSTAKIS

Nacido en Moscú en 1913, George Costakis fue un coleccionista apasionado que, a pesar de no tener formación artística ni contacto previo con las creaciones modernas, desarrolló un agudo sentido estético. Su interés por el arte experimental ruso comenzó en 1946 tras quedar impresionado por una obra de Olga Rozanova.

A lo largo de tres décadas, Costakis reunió meticulosamente una colección notable de la vanguardia rusa, rescatando numerosas piezas del olvido y la destrucción. Su dedicación fue tal que, aunque en Moscú lo consideraban un "griego excéntrico que compra basura inútil", estaba convencido de que "algún día la gente necesitará y aprenderá a valorar este arte".

Durante las décadas de 1960 y 1970, el apartamento de Costakis en Moscú se convirtió en un refugio para el arte prohibido de la vanguardia, funcionando como un Museo de Arte Moderno no oficial. Intelectuales y artistas aún recuerdan el famoso apartamento de la avenida Vernadskii, que atraía casi a diario a jóvenes pintores y estudiantes, diplomáticos y políticos extranjeros, artistas famosos, escritores y músicos. En 1977, Costakis regresó a Grecia, dejando parte de su colección a la Galería Tretiakov de Moscú. Murió en Atenas en 1990.

La otra parte, que consta de 1.277 obras, fue adquirida por el Estado griego en el año 2000 y se convirtió en la colección principal del Museo de Arte Moderno de Salónica. Además, la familia del coleccionista ofreció como regalo al espacio museístico su archivo, con importantes documentos del periodo de la vanguardia rusa, también presentes en esta nueva exposición.

Fuente: El Español

Aleksandr Rodchenko, Study for the cover of the book by Sergei Bbrov "Delta. Fourth book of poems", 1917-1918
Nadezhda Udaltsova, Yellow jug, ca. 1913-1914
Nadezhda Udaltsova, Untitled, ca. 1916-1917
 
Ivan Kliun, Portrait of Kazimir Malevich, 1933
VER GALERÍA FOTOGRÁFICA: https://www.laopiniondemalaga.es/fotos/cultura/2024/07/04/exposicion-utopia-vanguardia-arte-ruso-105017077.html#foto=1

domingo, 19 de marzo de 2023

"LA REBELIÓN", DE LUIGI RUSSOLO


La Rebelión  
Luigi Russolo
1911
Oleo sobre lienzo
150 x 230 cm
Gemeentemuseum La Haya

Luigi Russolo formó parte del grupo futurista de Milán. Su nombre aparece al pie del primer manifiesto de los pintores futuristas y hasta 1913 pintó numerosos cuadros bajo el signo del culto a la máquina y de las doctrinas vigentes de la estética futurista . No obstante , su interés  por la música le indujo en 1913 a cambiar de oficio y a experimentar con sonidos y ruídos.

  En sus cuadros futuristas ya se percibía su afición músical . Se concentraba más que sus colegas italianos en el sonido poderoso y orquestal de pocos y fuertes colores . Con sus composiciones, Russolo despertaba sensaciones sinestéticas que transmitían experiencias visuales y acústicas.

La Rebelión ( La revolta ) fue una de las primeras obras futuristas en las que el artista abordó la situación política real de Italia en aquellas fechas . Russolo vivía desde 1913 en la próspera metrópoli de Milán. Como Umberto Boccioni y Carlo Carrà , presenció las huelgas obreras , los disturbios y las injusticias sociales procedentes del campo de tensión de una industria en vías de desarrollo y de una estructura social anquilosada.

 Con un cuadro como La Rebelión el futurista tiende un hilo artístico entre la utopía y la realidad. Russolo aisla del fenómeno de la rebelión el aspecto que puede aprovechar para la estética  futurista. Su tema no son ni la precaria situación social ni las necesidades de los obreros , sino el potencial de la fuerza proletaria y la erupción de la violencia . La utilización de colores vivos y llamativamente tratados origina un contenido agresivo. El rojo y el azul producen el contraste  cromático más fuerte, que todavía se acentúa más en virtud de un amarillo chillón. El verde  intercalado suaviza ligeramente el poderoso tritono . La muchedumbre sublevada aparece  dispuesta en forma de cuña y, llegando desde la derecha, se lanza a través de las casas en  línea , las cuales se inclinan ante la masa atacante .

El ser humano aparece reproducido  infinitas veces pero no como individuo , sino en forma de tipo estilizado. Todos juntos constituyen  una fuerza que avanza a intervalos como un ángulo agudo rojo . Estas " lineas de fuerzas dinámicas " por utilizar la expresión con que Boccioni designa las formas -color-  indicadoras de la dirección formal asimismo la pulsación luchadora y proclive a la violencia  de la muchedumbre que se extiende por todo el escenario urbano
 
 Esta forma abreviada que se refleja sobre todo en el ángulo en flecha , distingue claramente la interpretación artística que hace Russolo de una rebelión de otras representaciones similares realizadas por sus colegas italianos Funerales del anarquista Gali, de Carrà y los estudios sobre una Pelea de Boccioni , ambos también en 1911 , convierten asimismo la energía de una muchedumbre excitada en una metáfora de la fuerza, pero aplican la estrategia futurista de la penetración desde el momento en que no sólo presentan un eje de empuje predominante, sino que entremezclan todos los elementos particulares de la escena. De este modo se crea una composición enmarañada que trascendiendo el aspecto de su dinamismo , produce la   impresión de una situación caótica y anarquista . Russolo renunció a este componente de la rebelión.Su sintaxis plástica es clara y ordenada. Casi llega a escucharse un sonido musical en la batalla

Fuente: Pinturas de vanguardia

domingo, 21 de septiembre de 2014

"LA FUNDICIÓN DE ACERO", DE ALEXANDER MOSOLOV



La composición más famosa de Mosolov, La fundición de acero, era originalmente el primer movimiento de la suite de un ballet, Acero. La obra se estrenó en Moscú el 4 de diciembre de 1927, en un concierto de la Asociación por la Música Contemporánea para conmemorar el décimo aniversario de la Revolución. Su estreno europeo fue en el Festival de la ISCM de 1930 en Lieja, y dos meses más tarde fue estrenada en América por la Orquesta de Cleveland. Aunque en un principio fue elogiada en la URSS como un "poderoso himno a la máquina" y una obra que glorificaba la industrialización y el trabajador, en pocos años pasó a ser condenada por las autoridades. De Acero sólo sobrevive La fundición de acero; el manuscrito del ballet se perdió en 1929.

La Revolución de Octubre de 1917 en Rusia creó las condiciones ideales para incubar un movimiento de corte futurista en ese país. Los compositores soviéticos comenzaron a experimentar en este campo. De este proceso se generó un grupo de futuristas entre los que se encuentran Roslavets, Mosolov, Deshevov, Davidenko, Goedicke, Gnessin y Pathenko. Ellos se plantearon escribir obras de estructura simple, modernas y que fueran de fácil audición por la gran masa de la población, desde los granjeros colectivos, hasta los obreros de las siderúrgicas. 

Subtitulado "La música de las máquinas", la breve composición es una evocación musical clamorosa de la industrialización de la época, una pieza bastante audaz en donde el ruido de las máquinas impone una dinámica creadora de gran originalidad. Fue tomada rápidamente por directores en toda Europa como un ejemplo representativo del nuevo arte soviético.

viernes, 19 de septiembre de 2014

"EL CASO MAIAKOVSKI", NUEVO CÓMIC DE LAURA PÉREZ VERNETTI

El caso Maiakovski
Laura Pérez Vernetti
Editorial Luces de Gálibo
ISBN: 978-84-15117-28-5
52 págs.
17 x 24 cm
PVP: 18 euros
Junio de 2014


La dibujante adapta la vida y la obra del poeta de la revolución rusa
 
Vladímir Maiakovski (1893-1930) es una de las figuras más relevantes de la poesía rusa de comienzos del siglo XX, cuya vida y obra estuvo estrechamente unida a la Revolución Bolchevique. Y también fue uno de los fundadores del futurismo ruso. Pero tan interesante como su obra fue su corta vida (se suicidó a los 36 años).

Ahora Laura Pérez Vernetti, una de las grandes del cómic español, aúna su vida y su obra en una espectacular novela gráfica: El caso Maiakovski (Luces de Gálibo).

“Después de haber dibujado un álbum sobre Fernando PessoaPessoa & cia (Luces de Gálibo), cuya vida era insignificante comparada con su obra, me apetecía tratar un poeta cuya vida fulgurante fuera significativa para toda su poesía –asegura Laura-.

“Maiakovski tuvo una vida apasionante y ordené en mi libro sus poesías siguiendo el periplo de sus vivencias hasta su dramático suicidio”.

“El cómic –continua la autora- está dividido en dos partes: la primera es la narración de su vida y la segunda son sus poemas que van describiendo su apasionante vida”.

Una obra por y para la historia

La obra de Maikovski, es inseparable de los acontecimientos históricos que le tocó vivir, porque fue uno de los mayores defensores de la revolución bolchevique. De hecho, se dedicó a promocionarla por todo el mundo, cruzando Europa entera e incluso visitando los Estados Unidos y México.

“Su obra –asegura Laura- es particularmente interesante durante su juventud, en los años 1912, 1913, 1914 y 15 y más tarde nos interesan como registro de su vida llena de aventuras y comprometida con su tiempo”.

“A través de la vida y poemas de Maiakovski –continúa la dibujante- podemos conocer y participar en los acontecimientos más importantes de la Rusia de inicios del siglo XX y de su ebullición revolucionaria”.

“Con Pessoa estábamos al margen de la historia y los movimientos sociales, pero con Maiakovski estamos en el ojo del huracán a nivel social e histórico”.

Un cómic de vanguardia

A pesar de su larga trayectoria en el cómic (empezó a publicar en 1981 en la revista El Víbora y no ha parado), sorprende que Laura siga siendo una de las artistas más innovadoras y vanguardistas del cómic español. Y le sigue encantando hacer experimentos gráficos, como en este libro.

Por ejemplo, en la biografía de Maiakovski le viste con palabras en ruso. “Incorporé en algunas viñetas de su biografía palabras y el alfabeto ruso porque me parecen muy hermosas desde el punto de vista del diseño y porque quería incorporar al personaje Maiakovski en su época y en su propia lengua”.

Laura confiesa que su fuente de inspiración ha sido: “Como en el libro de Fernando Pessoa, los movimientos artísticos y estéticos de inicios del siglo XX, porque es un período que me interesa mucho y que sigue siendo, a inicios de nuestro siglo XXI, una fuente importante de inspiración para todos los creadores”.

Como en el caso de Pessoa, Laura ha vuelto a enfrentarse a la traslación de la poesía al cómic: “No es fácil traducir la poesía al lenguaje en secuencia del cómic porque con frecuencia elude la secuencia y la acción, necesarias ambas en la mayoría de las narraciones en historieta”.



Una historia en rojo y negro

En esta ocasión Vernetti utiliza el color rojo como un elemento narrativo más: “Utilicé el bitongo de negro y rojo porque es una gama que utilizaron mucho las vanguardias rusas de inicios del siglo XX y, en particular, Maiakovski y Rodchenko, en su agencia de creación y publicidad”.
“El bitongo rojo-negro tiene una gran fuerza expresiva gráfica con una marcada economía de medios en la utilización de los colores. Es un trabajo de síntesis y de elegir lo esencial para el dibujante de cómic. Es también una gama "fuerte e impactante" y poco "amanerada" como también lo era el propio Maiakovski”.

Dentro de ese afán de experimentación le Laura, destacamos los retratos del poeta con los que abre cada capítulo del libro: “Los hice con la técnica del graffiti -asegura- porque quería incluir esta estética poco cursi, callejera y popular a un cómic dedicado a Maiakovski”.

El retrato duro de este poeta requería un tratamiento de técnica y estilo de este tipo. El graffiti no se suele utilizar en cómic porque tienes que trabajar con una plantilla en acetato, sprays de diferentes colores y hacer reservas separadas para cada color. Además el graffiti se trabaja mejor en un tamaño que no sea demasiado pequeño y me convenía para el rostro de Maiakovski y su poesía y obra que reivindicaban los lenguajes "duros", populares, callejeros, etc., como la técnica del graffiti”. (Tenéis esos retratos al final del artículo)

Fuente: RTVE

jueves, 31 de julio de 2014

"DECLARACIÓN PROGRAMÁTICA" DE KOMFUT, A LOS 95 AÑOS DE LA CREACIÓN DEL COLECTIVO COMUNISTA FUTURISTA




Komfut. Declaración programática. 1919

Komfut (una abreviatura de comunistas y futuristas) se organizó oficialmente en Petrogrado en enero de 1919 como un acto de oposición a los futuristas italianos, cada vez más vinculados al fascismo. De acuerdo con el código de la organización, los aspirantes a formar parte de ella tenían que pertenecer al Partido Comunista Ruso (bolchevique) y tenían que dominar los principios de la “ideología cultural comunista” esclarecidos en la escuela de la propia sociedad. Miembros destacados de Komfut eran Borís Kushner (presidente), Osip Brik (jefe de la escuela ideológica cultural), Natán Altman, Vladímir Mayakovski y David Shtérenberg. Komfut preparó varios folletos para publicación, entre los que cabe destacar “La cultura del comunismo”, “Futurismo y comunismo”, “Inspiración” y “Belleza” pero, al parecer, ninguno llegó a publicarse.
El texto de esta pieza, “Prográmnaya deklarátsiya”, aparece en Iskusstvo kommuny.
Un segundo manifiesto de Komfut, en el que se detallaban propuestas de conferencias y publicaciones, se publicó en Iskusstvo kommuny, nº 9 (2 febrero, 1919), p. 3. Las intenciones destructivas e incluso anárquicas de Komfut —aunque fueran defendidas inmediatamente después de 1917 por muchos artistas de izquierdas, incluido Kasimir Malévich— por supuesto no eran compartidas por Lenin o Anatoli Lunacharski, quienes creían que, en su gran mayoría, debía conservarse la herencia cultural anterior a la Revolución. En su rechazo hacia el arte burgués, Komfut era próximo a Proletkult, a pesar de que la política radicalmente proletaria del último excluía la idea de una ulterior fusión ideológica esencial de los dos grupos. Los artículos de 1918-19 de Altman, Kushner y Nikolái Púnin se pueden considerar, en muchos casos, como manifiestos de Komfut.
J. B.


COMUNISTAS – FUTURISTAS
¡Proletarios de todo el mundo, uníos!

En la Agrupación del Distrito de Viborg del Partido Comunista Ruso (bolchevique) en
San Petersburgo se ha constituido el Colectivo de Comunistas – Futuristas: “Kom-Fut”
En las dos primeras asambleas organizativas, los días 13 y 19 de este mes, fueron redactados y aprobados la Declaración programática y el esquema organizativo.
Se establecieron las tareas prácticas inmediatas y la responsabilidad de su ejecución se repartió entre los distintos miembros del Colectivo.

DECLARACIÓN PROGRAMÁTICA

El régimen comunista exige una conciencia comunista. Todas las formas de la vida social, la moral, la filosofía y el arte deben ser reelaboradas sobre principios comunistas.
Sin esto es imposible que siga desarrollándose nuestra revolución comunista.
Los órganos culturales y formativos de los órganos del poder comunista dejan translucir en su actividad una absoluta incomprensión de las tareas revolucionarias que se le han asignado. La ideología social-demócrata, amalgamada a toda prisa, no es capaz de contrarrestar la experiencia multisecular de los ideólogos burgueses, que explotan en su interés las organizaciones culturales y formativas proletarias.
Bajo la apariencia de verdades inmutables, se presenta a las masas el estudio de la falsa doctrina de Dios.
Bajo la apariencia de verdades comunes a todos los hombres, se presenta a las masas la moral de los explotadores.
Bajo la apariencia de leyes seculares de la belleza, se presenta a las masas el gusto pervertido de los estupradores.
Por todo ello:
Es imprescindible comenzar de inmediato la construcción de nuestra ideología comunista.
Es imprescindible declarar una guerra sin cuartel a todas las falsas ideologías del pasado burgués.
Es imprescindible someter los órganos culturales y formativos soviéticos a una nueva dirección, que a partir de ahora se alimente sólo de la ideología cultural comunista.
Es imprescindible abandonar resueltamente, en el campo cultural y también en el artístico, todas esas ilusiones democráticas que ocultan abundantes reminiscencias y prejuicios burgueses.
Es imprescindible convocar e incitar a las masas a que alcancen su independencia creativa.

ESTATUTOS

1. Podrá ser miembro de este colectivo cualquier afiliado del Partido Comunista Ruso
(bolchevique) que acepte el programa cultural e ideológico del Colectivo y sus Estatutos, y que esté dispuesto a participar activamente en su trabajo.
2. Cada persona que ingrese en el Colectivo deberá estudiar las bases programáticas culturales de la ideología comunista, impartidas por la escuela partidista del Colectivo.
Durante la duración del curso escolar, sus alumnos serán considerados como candidatos a miembros del Colectivo.
3. Los nuevos candidatos y miembros del Colectivo deberán ser confirmados por su Asamblea General.
4. Cada miembro del Colectivo deberá adecuarse en su trabajo a lo que dicten las resoluciones y la Dirección del Colectivo, ejercida por la Asamblea General o Presídium.
5. Cada persona que deje de ser miembro del Partido Comunista Ruso (bolchevique) dejará automáticamente también de ser miembro del Colectivo.
6. Será la Asamblea General la competente para resolver la exclusión de un miembro del Colectivo, previa propuesta del Presídium o de al menos tres miembros del Colectivo.
____

Como Presidente del Colectivo y organizador responsable del mismo ha sido nombrado el camarada Kushner y como Secretario el camarada Natanson.
De la organización y dirección de la Escuela de ideología cultural comunista ha sido encargado el camarada Brik.
La organización de la actividad literaria y editorial del Colectivo ha sido depositada sobre el camarada Kushner.
La difusión de la producción literaria y teórica del Colectivo será competencia del camarada Krasavin.
El camarada Natanson será el responsable del trabajo organizativo relacionado con la agitación y la propaganda oral.
La creación y organización de la Oficina del Colectivo se encarga al camarada Mushtakov.
El órgano colegial integrado por los camaradas responsables de una y otra rama de actividad del Colectivo conforma el Comité Ejecutivo del mismo.
En las próximas asambleas se dará lectura y se debatirán una serie de importantes informes sobre cuestiones básicas y prácticas del Colectivo.
Toda la información sobre el Colectivo Kom-Fut se podrá obtener en el Despacho del mismo, con el camarada Mushtakov a la cabeza, que se ubica en el callejón Lománsky (del lado del distrito Viborg), nº 17, 4º piso. Tel: 4-11-93.

Publicación original en ruso: “Komfut (Kommunisty – Futuristy). Prográmnaya deklarátsiya”, Iskusstvo kommuny, nº 8 (Petrogrado, 26 enero 1919), p. 3. Reproducido en Matsa, Iván et al., Sovétskoye iskusstvo za 15 let. Moscú; Leningrado, 1933, pp. 159-160. Para la traducción inglesa cf. John E. Bowlt (ed. y trad.), Russian Art of the Avant-Garde: Theory and Criticism 1902-1934. Londres: Thames & Hudson, 1988, ed. rev. y ampl., pp. 164-166, de donde procede la nota de J. B. (Traducción del inglés de Paloma Farré). Traducción del texto original ruso de Rafael Cañete.
Fuente: Aleksandr Deineka (1899-1969) Una vanguardia para el proletariado. Fundación Juan March.