SE CUMPLEN 52 AÑOS DE LA MUERTE DEL ARTISTA SOVIÉTICO IGOR GRABAR

Lenin dictando un telegrama en 1920 (Igor Grabar, 1929)

EN 1956 FUE CONDECORADO ARTISTA DEL PUEBLO DE LA URSS

Igor Emmanuilovich Grabar nació en Budapest (durante el imperio Austro Hungaro, hoy Hungría) el 23 de marzo de 1871. Sus padres y sus abuelos fueron participantes activos del movimiento de liberacion eslavo y fueron perseguidos por el gobierno. De niño veía a sus padres muy poco. En 1876 su padre tuvo que huir a Rusia; su mujer y el niño le siguieron en 1880. En 1882, despues de graduarse en educacion física en la ciudad de Egorievsk, Grabar estudio en Moscú, donde junto con sus estudios academicos estudio pintura, visitaba galerías e hizo amistades con artistas, galeristas y críticos. Sus compañeros y profesores fueron los primeros modelos para sus cuadros; tambien era aficionado a los paisajes.

En 1889, entró en la universidad de San Petersburgo, donde se licenció en derecho y filología. Tuvo que ponerse a trabajar y escribió historietas de humor para revistas ilustrandolas con dibujos. En 1894, despues de licenciarse entró en la Escuela de Bellas artes en San Petersburgo. Durante el verano de 1895 se fue al extranjero, visitando Berlin, Paris, Venecia, Florencia, Roma y Nápoles. En Italia se quedó muy impresionado con los maestros del renacimiento, y en Paris por los impresionistas y post- impresionistas. Despues de este viaje a Paris y conocer a colegas el arte europeo, la seca y rígida educación rusa de St. Peterburg ya no le satisfacía. Grabar abandonó el pais. Pasó de 1896 a 1901 en Munich, en la escuela de arte de Anton Azbè. Aunque este periodo de su trabajo se conoce como el periodo de Munich, visitaba Paris regularmente durante esta época, y los trabajos de los artistas contemporaneos parisinos influyeron en su obra.

A su vuelta a Rusia en 1901, Grabar se centró principalmente en paisajes, pintandolos con técnicas impresionistas. Realizaba la mayor parte de sus obras al aire libre.

Entre 1910 y 1923, pintó muy poco. El artista era multifacético, aficionado a la arquitectura, historia del arte, museística y conservación de sitios históricos. Planeó y publicó la primera Historia del Arte ruso (1909-1916), gran parte escrita por él mismo. Tambien publicó monográficos de Valentin Serov e Isaac Levitan.

Durante doce años (1913-25), Grabar dirigió la Tretyakov Gallery, la mayor colección de arte ruso en el mundo. En 1918, la tiendas de restauración centrales fueron organizadas debido a su iniciativa. Grabar participó en este trabajo hasta el final de su vida. Muchas obras de arte fueron restauradas y salvadas allí.

En 1924, volvió a pintar. Ya estaba más interesado en el retrato.

En 1944 lo nombraron Director of the Scientific Research Institute of Art History, el cual dirigió hasta su muerte, el 16 de mayo de 1960.

Fuente: ines

Lenin en su oficina (Igor Grabar, 1933)

UNA ARTISTA CREA UN "MURO DE BERLÍN" QUE DIVIDE A RICOS Y POBRES

La obra de Nada Prlja, que ha provocado reacciones encontradas, intenta subrayar la enorme diferencia de riqueza que vive la capital de Alemania, según su autora.

A pocos pasos de donde el muro de Berlín dividió alguna vez la zona comunista Oriental de la ciudad de la Occidental una artista macedonia ha erigido una nueva barrera, esta vez para separar a los ricos de los pobres.

El muro de piedra negro de Nada Prlja, denominado “Muro de la paz”, tiene 12 metros de largo y 5 de altura, y divide la arteria de Berlín Friedrichstrasse, justo al sur del Checkpoint Charlie, un famoso punto de acceso por el muro durante la Guerra Fría que hoy sigue siendo una gran atracción turística.

“El nuevo muro acentúa la brecha entre la parte alta de la Friedrichstrasse, caracterizada por sus tiendas de moda y lujosos apartamentos, y la parte sur, más pobre, integrada en el distrito multiétnico de Kreuzberg”, afirmó Denhardt von Harling, portavoz de la Bienal de arte de Berlín.

El Muro de la paz forma parte de la bienal, que este año se centra en el arte político y se prolongará durante dos meses.

La obra intenta desafiar el aburguesamiento que la zona ha vivido en los últimos años y subrayar la enorme diferencia de riqueza.

Los 3.3 kilómetros de la Friedrichstrasse atraviesan el reconstruido corazón de Berlín. Justo a la altura del muro, los bloques de oficinas de brillantes cristales se convierten en viviendas sociales de los años 70, las tiendas de lujo pasan a ser casas de empeño y las multitudes de turistas y ejecutivos desaparecen.

El repentino cambio es casi sobrenatural. “Un muro es un símbolo de división, y es capaz de subrayar los abismos invisibles por sí mismo”, afirmó Prlja. “Cuáles son las principales causas de diferencias en nuestra sociedad?, me preguntaba”, dijo la artista, añadiendo que identificaba la segregación racial, la pobreza y sus orígenes.

Nada Prlja

Sarajevo, 1971. Vive y trabaja entre Londres y Skoplie. Nada Prlja se licenció en Filosofía y Letras en el Royal College of Arts de Londres, después de haberse graduado en la Academia de Bellas Artes de Skoplie (Macedonia). Prlja es una artista cuya obra aborda las complejas situaciones de desigualdad e injusticia que se viven en las diferentes sociedades e incorpora aspectos políticos y económicos. Sus proyectos, en los que utiliza distintos medios, presentan siempre múltiples dimensiones y se crean para emplazamientos y situaciones concretas. 

11 BIENAL DE ARTE DE LA HABANA

La Habana, gigantesca galería

La conga de Los Carpinteros irrumpe y contagia el Paseo del Prado, baila en un sentido contrario al que suele hacerlo, pero aun así, es una conga, “Irreversible”, capaz de involucrar a quien pase por su lado, y quienes lo hacen son muchos. El Prado es una de las zonas de mayor movimiento en la ciudad.

 

Performance "Conga Irreversible", Los Carpinteros

Un día antes, los habaneros se sumaron también al performance “Las cabezas”, de Manuel Mendive, probablemente uno de los únicos artistas cubanos que ha asistido a todas las Bienales de La Habana desde que estas nacieran a mediados de los años 80. Cuerpos desnudos o semidesnudos, decorados con un body art que simulaba selvas o animales mitológicos africanos interactuaban con los espectadores, compuestos por aquellos que fueron en busca del performance y también por quienes habían sido, como transeúntes, testigos de ocasión.

Performance "Las cabezas", de Manuel Mendive

Mientras en el mundo de hoy, son la publicidad y el mercado, y no el arte, los que copan la mirada del transeúnte, en esta Isla, los artistas han logrado interactuar, participar, intervenir una ciudad, y cambiar y transformar su andar cotidiano, su ritmo, sus colores, aportando conceptos y proponiendo lecturas, también más plurales

Cuando en el Malecón se comenzaba la instalación de las obras de Detrás del muro, la gente apostaba curiosa por verse reflejada en el gran espejo o se sentaba bien entrada la noche en el gigantesco banco que parecía así cumplir su cometido, ser punto de encuentro, reminiscencia de aquellos bancos redondos donde se enamoraban nuestros abuelos.

Muestra colectiva Detrás del muro. "...happy ever affter", de Rachel Valdés Camejo

Desde muchos días antes que comenzara la Oncena Bienal de La Habana “El barco de la tolerancia”, de los rusos Ilya y Emilia Kabakov, había convocado a los niños de las escuelas de La Habana Vieja a pintar en las velas que, rodeadas de muchísimas personas, finalmente se izaron el viernes 11. 

“El barco de la tolerancia”, de los rusos Ilya y Emilia Kabakov

El Instituto Superior de Arte (ISA) acoge a grandes creadores como la serbia Marina Abramović , el austriaco Hermann Nitsch y el mexicano Gabriel Orozco, reconocidos en el mainstream internacional, quienes comparten sus proyectos con jóvenes estudiantes que se inician en el mundo del arte

En el Pabellón Cuba ubicado en la céntrica calle 23 en El Vedado se exhibe una exposición colectiva, Creaciones compartidas, donde también se podrá potenciar la participación de un público cada vez más activo.

Carlos Garaicoa, Centro Wifredo Lam

A las paredes de Centro Habana les han nacido fotos gigantescas de sus habitantes humildes, héroes anónimos, cotidianos, en las que el público y el vecindario se reconocen. Las fotos sirven entonces de pretexto para contarse unos a otros sus historias.

Mientras en San Agustín, un barrio periférico, los vecinos sueñan y construyen su MAC, Museo de Arte Contemporáneo. El Laboratorio Artístico de San Agustín (LASA), que trabaja allí desde la Décima Bienal, les ha ayudado a moldear esas ideas.

Es cierto que los espacios galerísticos tradicionales han sido desacralizados desde hace mucho, pero no ha envejecido el argumento de pretender llevar el arte a las calles

Observar a las personas en sus entornos habituales, interactuando con la propuesta de creadores cubanos y extranjeros —así como lo hacen con libros y filmes en los otros dos grandes eventos multitudinarios en la Isla— da la medida de cuál es el rol de la cultura en Cuba. “El público cubano es el sueño de cualquier curador”, dice un afamado curador de arte, y no cabe duda sobre la rotundidad de la afirmación cuando se ve, como hoy, a La Habana convertida en una gigantesca galería. 

Fuente: La Jiribilla

OCCUPY BIENNALE, UNA ACAMPADA DE ARTISTA

La Biennale de Berlín convierte en objeto de consumo de “cultura alternativa” las acciones del movimiento Occupy/Indignados.

Llegamos a la galería de arte Kunst Werke, sede de la séptima edición de la Biennale de la capital alemana, en Auguststraße 69, uno de los barrios más exclusivos de Berlin. Lo primero que nos encontramos al entrar es un patio repleto de gente muy arreglada degustando una copa de vino o una cerveza. Al fondo del patio, una puerta nos conduce al espacio “Occupy Biennale”, que se puede visitar hasta el próximo 1 de julio.

La organización ha cedido este espacio al movimiento Occupy/Indignados para que expresen su creatividad y recreen su espíritu. Al entrar en la sala vemos la reproducción de una acampada: sacos de dormir, tiendas de campaña, paneles con las actividades y asambleas diarias, las pancartas, etc.

Podría ser cualquier plaza (fuera de las de la Primavera Arabe): Sol, parque Zuccotti o plaza de Catalunya. Pero nos encontramos dentro de una galería de arte y nos asaltan varias preguntas: ¿cuál es el sentido de encerrar toda la potencia y la creatividad desarrollada en las plazas en una sala de una galería de arte?, ¿Por qué la organización de la Biennale ha cedido el espacio?

Vemos a algunas “artivistas” que se afanan en decorar el espacio, otras explican las intenciones del mismo, otras organizan las asambleas y talleres, algunos se afanan en que los visitantes no hagan fotos. En su opinión, lo que está sucediendo dentro de la sala es real, es una plaza abierta a la participación de todas. Lo que no terminamos de comprender es cómo, si es un espacio de ese tipo, está encerrada dentro de la cegadora luminosidad de una galería de arte.

Las plazas significan justamente tomar sin permiso el espacio público del que se nos ha expulsado, reivindicar el común, resignificarlo entre todas. Y la Biennale no es el común: lo es la cultura y el pensamiento que generamos entre todas, sin marcas, sin modas, sin permisos, sin copyright.

Las personas que antes tomaban una copa en el patio entran en el espacio, donde pueden estar cerca de los indignados, verlos, tocarlos, olerlos, experimentar lo que es estar en una acampada sin los inconvenientes de las inclemencias meteorológicas o la represión policial. “Es fantástico, cómo no se le había ocurrido a nadie antes”, exclaman.

Al salir, no sabemos si lo que hemos visto es un espacio de encuentro del movimiento o si, por el contrario, es un simulacro que servirá para engordar los currículums de algunos “artivistas”, quienes trabajan con un pie dentro de los museos y otro fuera, fagocitando todo lo que pueden, auténticos coolhunters. Quizás sea justamente lo cool, lo trendy del movimiento Occuppy lo que la Biennale ha querido capturar en esta séptima edición. Parece que algunos, en sus intentos por elevar la acción directa a la categoría de las bellas artes (para nosotras la historia es más bien al revés, son las bellas artes las que se tienen que elevar a la categoría de la acción directa), están cosificando un repertorio de acción colectiva, un movimiento o un clima, como se ha definido en ocasiones, que ha cambiado la forma de entender y de estar en el mundo de miles de personas. Convertirnos en objetos de consumo de “cultura alternativa” nos debilita.

Nos vienen a la cabeza las palabras del viejo profesor Jesús Ibáñez: “Los ‘hippies’ atraen al turismo, los turistas se deleitan contemplando su putrefacción y compran como recuerdo los productos de su trabajo residual”. Quizás solo tengamos que cambiar la palabra hippie por activista y turista por artista, para tener una excepcional descripción de lo que puede verse durante estos días en el número 69 de la Auguststraße.

Richard Crowbar (Diagonal nº 174)

"MADRE RUSIA", DE MIRIAM SCHAPIRO

Miriam Schapiro
Madre Rusia

1994
Acrílico, mixtas, collage sobre tela

72x144 cm.
Santa Bárbara Museum of Art

Madre Rusia es un ejemplo perfecto de una obra del Patrón y el Movimiento de decoración. Se trata de una pintura semicircular de grandes proporciones que se lee como un abanico. Incorpora un patrón repetitivo y decoración femenina. Se trata de una pintura que rinde homenaje a mujeres rusas de la década de 1920. Al igual que Schapiro, las mujeres trabajaban en un momento importante y revolucionario dirigiendo sus esfuerzos artísticos hacia la meta de ayudar a crear el cambio social. A lo largo del borde exterior, la pintura presenta retratos de serigrafía de las catorce artistas. En el extremo derecho figura el autorretrato de la artista tomado de la portada de su primera exposición individual en 1971, que la representa con el vestido victoriano. Como hija de inmigrantes rusos, se identifica con estas trece artistas predecesoras. La segunda fila se compone de ejemplos figurativos de cada una de las obras del artista. La separación de estas dos líneas es un borde tejido con la palabra “viaje” en alfabeto cirílico repetida (alfabeto eslavo). El siguiente campo por debajo se describe con espiguilla, que recuerda los esfuerzos anteriores de la artista en la fundación del Movimiento de Patrones y Decoración. El alfabeto se utiliza de nuevo para deletrear la palabra rusa para la “cooperación” que indica que estas mujeres artistas de la época revolucionaria de Rusia trabajaron juntas para crear algo de la obra más duradera de los tiempos modernos. En el centro del semicírculo creado por la forma de abanico, se encuentran símbolos de la revolución rusa: gavillas de trigo, la estrella roja, hoz y el martillo. Los colores son un rojo vibrante, amarillo negro, blanco y pálido.

"LAS AFUERAS" ("OKRAINA"), PELÍCULA SOVIÉTICA DE 1933

Título Original: Okraina - Окраина
Dirección: Boris Barnet
Guión: Boris Barnet y Konstantin Finn.
Actores: Sergei Komarov, Yelena Kuzmina, Robert Erdman, Alexander Chistyakov, Nikolai Bogolyubov, Nikolai Kryuchkov, Hans Klering, Mikhail Zharov, Vladimir Uralsky.
País: U.R.S.S.
Idioma Original: ruso
Duración: 97 min
Año: 1933
Sinopsis: Okraina se encuadra en una aldea rusa de provincias durante la Primera Guerra Mundial. Hans Klering da vida a un prisionero de guerra alemán, puesto a trabajar en el taller del zapatero del pueblo. La película va articulando la relación entre el recluso y sus captores.

VER PELÍCULA CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO: http://www.pcoe.net/CINE/okraina.html

"ICH HABE DAS GESEHEN“ ("YO LO HE VISTO“).

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA EN BERLÍN DE ALEXANDRE SALDKEVICH EN CONMEMORACIÓN DEL 67 ANIVERSARIO DEL FIN DE LA II GUERRA MUNDIAL

Hace unos nueve años que comencé a tratar la Segunda Guerra Mundial. El resultado ha sido una trilogía. Al principio fotografié antiguos cuarteles alemanes y soviéticos en Berlín y Brandeburgo. Edificios abandonados, restos de murales, y también cuarteles militares reconvertidos.

El terreno de lo inanimado y mudo me dio el impulso a buscar a los participantes de ambos lados de la guerra -los ciudadanos soviéticos y alemanes-, a buscar a los testigos, y así que me fui en busca de personas que habían sufrido la guerra, que podían contarla. Para mirar a los ojos de los testigos, para observar el movimiento de sus manos, para sobrecogerse con sus lágrimas, no se puede comparar con un libro de historia descolorido.

Al principio no podía imaginar cuánto tiempo necesitaría para encontrar a todas estas personas y después transformar un cuaderno con apuntes indefinidos y decenas de fotografías en un libro.

Anoté sus recuerdos, los fotografié, porque cada uno de ellos debe contarlo, para que nunca más vuelva a suceder. En un momento dado me pregunté qué habrían contado los millones que no habían regresado, y comencé a fotografiar paralelamente los monumentos soviéticos en todo el mundo, creando así, junto con las otras dos series, un tríptico.

Alexandre Sladkevich

Alexandre Sladkevich es un fotógrafo, periodista y escritor nacido en Sverdlovsk (Ekaterimburgo), URSS, que actualmente vive en Berlín.

Fechas: Hasta el 30 de junio en la Fundación Rosa Luxemburgo (Berlín)

Más información: http://www.rosalux.de/index.php?id=23407

Información sobre el artista: http://www.sladkevich.com/


VER SERIE “ICH HABE DAS GESEHEN”: http://www.flickr.com//photos/rosalux/sets/72157629881200401/show/

VER SERIE: „SOVIET WAR MEMORIALS“: http://www.flickr.com//photos/rosalux/sets/72157629881189873/show/

VER SERIE „DIE HALB VERWICHSTE GRAVUR“: http://www.flickr.com//photos/rosalux/sets/72157629516831164/show/

EL OJO DE REUTER EN EL INSTITUTO OBRERO DE VALENCIA

La Asociación Instituto Obrero expone las instantáneas de este fotógrafo comprometido con el antifascismo y la II República

Walter Reuter (Berlín 1906-México 2005) llegó a España en 1933 huyendo del nazismo. Un año después participó en las Misiones Pedagógicas, que trataban de propalar la cultura por los pueblos de la España profunda. Al estallar la guerra civil, se enroló en las Juventudes Socialistas Unificadas. Pero el aporte más valioso de Reuter provino de sus fotografías, unas fotografías militantes y manchadas de barro democrático. El reportero alemán participó activamente, con su obra gráfica, en las campañas de propaganda lanzadas por el gobierno de la II República. Captó, por ejemplo, la actividad de los alumnos del Instituto Obrero de Valencia, uno de los legados de la gran apuesta educativa que encarnó la República.

La Asociación Cultural Instituto Obrero de Valencia expone hasta el 30 de mayo, en colaboración con la Sociedad Coral El Micalet, una serie de fotografías de Reuter en el Instituto valenciano; la reproducción de cuatro carteles de propaganda sobre los institutos de Madrid, Barcelona y Valencia (tres de Mauricio Amster y uno de Eduardo Vicente) y tres paneles: sobre “el ideario” de estos centros educativos; Walter Reuter, “maestro de la fotografía”; y otro panel sobre el rol, muy avanzado para la época, de las mujeres del instituto.

La muestra fotográfica capta momentos de la vida estudiantil en el Instituto Obrero de Valencia. Los visitantes pueden apreciar la maestría y el oficio de Reuter en las fotografías de alumnos jugando al ajedrez; tres alumnas jugando al baloncesto; en clase de dibujo, con material técnico; a la hora del descanso; o una alumna con uniforme deportivo leyendo al aire libre “La Ilíada”. Pero no sólo captura Reuter la vida cotidiana, la normalidad del Instituto. Algunas fotos nos acercan a la politización de estos centros que, por lo demás, estaba en la calle y en la época. Por ejemplo, la fotografía de alumnos en el aula distraídos por la presencia de Reuter, y con pinturas de la revolución mejicana al fondo; o en el comedor, con un retrato de Bakunin al fondo de la imagen.

No se inició pronto Walter Reuter en el mundo de la fotografía. A los 24 años empezó a adentrarse en el periodismo gráfico y en las prestaciones de las modernas cámaras. Pero de lo que no cabe duda es de su compromiso; se posiciona, abraza el ideario antifascista, no es neutral, como reclama Pascual Serrano de los buenos periodistas. Realiza numerosas fotografías para el Ministerio de Instrucción Pública de la II República y fue uno de los grandes fotógrafos que reveló, armado con una cámara, la guerra civil española.

A pesar de estos méritos, de embadurnarse en la contienda ideológica y poner su cámara al servicio de la democracia, “aproximarse a su obra no ha resultado fácil”, confiesa Cristina Escrivà, comisaria de la exposición y autora de la “Guía Didáctica. Los Institutos para Obreros 1936-1939”. “A Walter Reuter no se le da actualmente la misma repercusión que a grandes reporteros como Robert Capa y Agustí Centelles, pero a mi juicio habría de figurar junto a ellos; de hecho, se trata del único fotógrafo extranjero, entre los reporteros bélicos, que antes del inicio de la guerra civil ya conocía las costumbres y el idioma; esto era decisivo para desarrollar el oficio y cumplir con los fines propagandísticos de la II República”.

Reuter puso el objetivo de su cámara sobre el Instituto Obrero de Valencia. ¿Por qué? ¿Qué representaban los institutos obreros en el contexto de la II República? “El gran reto de conseguir una universidad al servicio de todos”, responde Cristina Escrivà. En otras palabras, facilitar el acceso de los trabajadores a los estudios superiores. El 1 de febrero de 1937, seis meses después de la asonada militar, arrancaron las clases en el Instituto Obrero de Valencia. Fue el valenciano el primero (después se inauguraron otros en Sabadell, Barcelona y Madrid) y el más relevante. En una época en que no era nada fácil, casi 900 jóvenes, de parecidas características, pudieron iniciar sus estudios (en los cuatro centros) siguiendo una misma metodología.

Escrivà resalta el papel de las mujeres en esta experiencia precursora: “su meta era la misma que la de sus compañeros: conseguir el progreso de una España justa y solidaria; Las enseñanzas se basaban en el principio de la Coeducación; ellas y ellos demostraban diariamente que estaban a la altura de las duras exigencias que implicaba estudiar en guerra. Sin embargo, la ilusión murió con el triunfo del franquismo”, explica la comisaria de la exposición.

Por lo demás, la muestra no descuida el contexto, el ambiente en el que brotan estas iniciativas pedagógicas. Un panel recoge el Decreto de la “Gaceta de la República” del 21 de noviembre de 1936 (con las rúbricas de Manuel Azaña y el ministro Jesús Hernández) en el que se declaran los principios que regirán los institutos y, sobre todo, se proclama “el acceso a los estudios superiores con independencia de los recursos económicos”. Una parte del articulado puede parecer más bien administrativa y regulatoria: se establece “una prueba eliminatoria de aptitud y cultura general”; se dice que la enseñanza “durará dos años, divididos cada uno de ellos en dos cursos semestrales”; o que se impartirán Lengua y Literatura españolas; Francés, Inglés, Historia, Economía, Matemáticas o Ciencias Físico-Químicas, entre otras materias.

Pero otros apartados del Decreto contienen una profunda carga ideológica. Por ejemplo, al afirmar que los alumnos contarán con representación en los órganos rectores; o que la matrícula no sólo será gratuita, sino que el estado facilitará a los alumnos todos los libros y material de enseñanza necesarios; y el estado también “proveerá los gastos de manutención de los alumnos y abonará una indemnización adecuada a los que, para cursar estos estudios, se vean obligados a abandonar un trabajo productivo con el que sostuviesen a su familia”. Este Decreto se firmó en Valencia en noviembre de 1936. Hoy, con la educación pública en almoneda, se elevan las tasas universitarias, aumentan las ratios de alumnos por aula y se recargan los horarios de los docentes. Otras medidas, también llenas de metralla ideológica.

Fuente: Enric Llopis (Rebelión)

Más información: http://www.institutoparaobreros.org/reuter/

67 ANIVERSARIO DEL DIA DE LA VICTORIA DE LA UNIÓN SOVIÉTICA SOBRE LA ALEMANIA NAZI

Mural del Día de la Victoria de 2012 en Minsk (Bielorrusia)

Hoy se celebra el 67 Aniversario de la Victoria de la Unión Soviética sobre la Alemania nazi, la Gran Guerra Patria había terminado.

Al igual que los soldados y el pueblo soviético defendieron su territorio venciendo al invasor, la Unión Soviética libraba por fin a Europa de la gran bestia nazi.

Fue mucha la sangre derramada y por eso hoy y siempre se recordara la hazaña de aquel pueblo y de su Ejército.

Este 9 de Mayo en muchas ciudades rusas y en otras que pertenecieron a la Unión Soviética y hoy pertenecen a distintos estados independientes como Ucrania, Bielorrusia, Georgia, Armenia, etc. se celebrarán desfiles y otros actos en honor de aquellos que dieron su vida por la Patria.

VIDEO DE LA CELEBRACIÓN EN BERLÍN DE LA VICTORIA DEL EJÉRCITO ROJO, CON IMÁGENES DE SOLDADOS DEL BATALLÓN ARMENIO BAILANDO DANZAS DE SU PAÍS



GALERÍA FOTOGRÁFICA DEL DIA DE LA VICTORIA

Berlín. Un brindis "por la victoria" cerca del Reichstag. M. Redkin, 1945

En las calles de Moscú. A. Ustinov, 1945

Praga celebrando el día de la Victoria. A. Egorov, 1945

Desfile militar en la Plaza Roja. M. Trachamn, 1945

Recibimiento en Moscú a los conquistadores. G. Petrusov, 1945

Júbilo de la victoria. M. Grachev, 1945

Un saludo de victoria sobre el Reichstag. Y. Rumkin, 1945

Celebración de la victoria en Moscú. M. Grachev, 1945

"Alegría con lágrimas en los ojos". M. Grachev, 1945

 

"La Espina Roja" agradece a Siranush su colaboración en este artículo.

DECLARACIÓN DE VOINA SOBRE LA BIENAL DE BERLÍN

Nos encontramos con Artur Żmijewski [comisario de la Bienal de Berlín] en San Petersburgo en la primavera de 2011. Ese verano nos invitó a ser curadores de la 7ª Bienal de Berlín. Él nos dijo que necesitaba nuestra ayuda para transformar el arte en política. Esto no quiere decir que como comisarios de la Bienal vayamos a ocuparnos de la gestión de la exposición, lo que en nuestra opinión es más bien inútil: las exposiciones de arte contemporáneo son dañinas. Todo lo que los artistas piensan hoy en día es qué pueden exponer y dónde. Por lo tanto, cuantas menos obras de arte haya en la Bienal mejor. La base de nuestra actividad curatorial en la Bienal de Berlín es la siguiente: trabajamos sin ningún tipo de limitaciones y la Bienal de Berlín no nos ha impuesto ningún marco de actuación.

Hemos tenido un estrecho intercambio con Artur. Él sabe de las dificultades que enfrentamos y lo agotador que es vivir en la clandestinidad. Que trabajemos con la Bienal de Berlín no quiere decir que abandonemos nuestro país. Nuestras actividades, aquí en Rusia, forman parte de nuestro trabajo para la Bienal. Todas nuestras acciones como curadores tienen un carácter oficial, actuamos como curadores asociados de la Bienal, y el gobierno tiene que aceptar esto. Nuestras acciones cada vez son más radicales. Los gobernantes no se atreven a presentar cargos en contra de nosotros, porque probablemente no podrían arrestar a toda la Bienal de Berlín. Tratar de salir del país no sería algo difícil en absoluto, pero vivir en San Petersburgo - donde la "Comisión de lucha contra el extremismo", la policía criminal, y el departamento ruso de la Interpol nos buscan, y donde nuestras fotos policiales incluso se han colgado en las recepciones de los museos-, vivir en estas condiciones es mucho más peligroso que el tipo de aventura elegante que supone cruzar una frontera. En principio, nuestra posición es la siguiente: Nos quedamos aquí. El gobierno ruso está en guerra contra su propio pueblo. Muchos rusos, particularmente aquellos con una buena educación, ya han abandonado Rusia. Millones de personas nunca han sido capaces de alcanzar sus metas en la vida. Esto es culpa del gobierno. Es por eso que no queremos salir. Nuestra línea del frente está en Rusia. Y esta es también nuestra posición estética: permanecer en la ciudad más bella del mundo. En nuestra opinión, es parte de la ética de un artista resistir contra el sistema dominante y también hacer que este objetivo esté al alcance del público. Es por eso que tratamos de hacer que brille nuestra meta de la mejor manera posible. Hay una anécdota o quizás es sólo el recuerdo de alguien, de Kazimir Malevich: después de la revolución en Petrogrado, armado con una pistola, pasó por los estudios de los artistas preguntando quiénes seguían pintando abedules y exigiéndoles que crearan arte verdadero. Con un arma. Esto es arte de verdad.

La estética es la condición previa de la ética. Hoy en día, la ética es mucho más importante para el arte. Voina no tolera la cobardía, ni la codicia, pues son la fuente de la traición, que es lo peor y lo más imperdonable de la mayoría de los artistas activistas. Nosotros personalmente no podemos soportar la apatía o la ineptitud. Cuando ambas se producen, además, en combinación de una exagerada auto-estima, nos convertimos en una compañía muy desagradable.

Queremos hacer un tipo de arte que no inspire a nadie a la idea de otorgarnos un premio. Pero si los museos y las instituciones no pueden dejarnos ir y quieren seguir con nosotros, proponiendonos para sus estúpidas competiciones, van a lamentarlo. Es imposible sobornar al arte revolucionario, y jugar con los genios es peligroso. Es un consejo amistoso que deberían tomar muy en serio. Para nosotros, el arte no es la medida de la vida. Creamos una nueva vida, nuevos acontecimientos, a los que uno se puede referir. Nuestros fusiles están cargados y apuntan al arte para que se mantenga a distancia y no extienda su hedor cerca nuestro. Odiamos las relaciones públicas. Somos un grupo clandestino. Voina se ha vuelto muy popular. Libros y películas sobre nosotros están en todas partes, la gente copia nuestras acciones y nada de esto tiene nada que ver con nosotros. Es otra gente jugando a la imitación. Pendejos perezosos que se hacen pasar por nosotros ... esto no tiene nada que ver con nuestro futuro.

En la prensa rusa casi nada se ha publicado sobre nosotros, lo que da una imagen fiel de la realidad. En este caso, la escritura fraudulenta de los lacayos se ha convertido en la ideología del trabajo periodístico. Si de la tercera parte de lo que escriben una es correcta, ya es un gran éxito. Un ejemplo típico de esto es cómo la prensa escribía artículos serios acerca de nuestra participación en la corrupta Bienal de Moscú, a pesar de nuestro fuerte boicot público. Desde 2005, cuando nos constituimos como grupo, se ha producido un importante flujo de desinformación acerca de nosotros. Pero a veces esto también tiene aspectos positivos: cuando la policía intentó investigar sobre nuestra acción "Palacio de la Revolución" no pudieron encontrar ninguna evidencia, salvo los rumores de los medios de comunicación e interpretaciones artísticas en los blogs tremendamente contradictorias. Así que toda la investigación colapsó.

Ahora nuestro objetivo es presentarnos ante la gente con una impresión convincente a través de acciones decisivas. La protesta pasiva y acciones simbólicas -ahora que está de vuelta la "gran historia", son inmorales. Los acontecimientos de diciembre de 2011 y febrero 2012 en Rusia nos muestran que el gobierno y la oposición (que se humilla ante el gobierno) ridiculizan las protestas de la gente y las degradan al nivel de los memes de Internet que consumen. Hay risas e ironías pero nosotros nos armamos para la lucha callejera. Hemos tomado Berlín. El siguiente paso es la Revolución rusa.

Voina

Fuente: www.contraindicaciones.net

EN EL 67 ANIVERSARIO DE LA LIBERACIÓN DE MAUTHAUSEN, EL DOCUMENTAL "FRANCISCO BOIX, UN FOTÓGRAFO EN EL INFIERNO"

“Francisco Boix, un Fotógrafo en el Infierno” (Francesc Boix, un Fotògraf a l’Infern) es el título de un documental escrito y dirigido por Llorenç Soler en 2001 que muestra, a través de la historia del fotógrafo catalán Francesc Boix, una pizca de lo que fue la experiencia terrible de miles de republicanos españoles en el campo de exterminio de Mauthausen.
 
Francesc Boix tuvo que cruzar la frontera entre España y Francia tras la derrota republicana en 1939. Tenía 19 años cuando conoció el exilio y 21 cuando entró en el campo de concentración de Mauthausen. Los republicanos españoles habían sido calificados por los nazis como “presos cuyo retorno no interesa” y Boix y sus compañeros comprendieron pronto que salir vivos de Mauthausen era casi imposible, por lo que decidieron organizarse para conseguir que, al menos un puñado de ellos, sobreviviera para poder contar al mundo su historia.

El 22 de junio de 1941 crearon el clandestino Comité de Resistencia que tenía como objetivo salvar la vida de los más posibles mediante la solidaridad, el robo de comida y, sobre todo, intentando desplazar de los puestos de responsabilidad a los presos comunes alemanes. Tardaron tiempo y muchos murieron en el intento pero, poco a poco, consiguieron introducir españoles en la oficina, la sastrería, la cocina, etc. El fotógrafo Antonio García fue destinado al departamento de identificación y Francesc Boix logró entrar en el servicio fotográfico del campo.

Bajo las órdenes de los SS, Boix realizó miles de fotografías de los eventos de Mauthausen, de la vida cotidiana en el campo y de la también cotidiana muerte. Por sus manos pasaban a diario numerosas pruebas de la barbarie y pensó que podría robarlas, para que sirvieran de testimonio en el futuro. Así lo propuso a sus compañeros.

El Comité de Resistencia consideró que valía la pena jugarse la vida por aquellas fotografías y rápidamente organizó su sustracción: Francisco Boix debería realizar un cliché de más de cada foto que le fuera encargada y él y Antonio García las descolgarían por la ventana del laboratorio a una hora determinada. Bajo la ventana, esperaba otro español que llevaba el paquete con los clichés al barracón de desinfección, donde lo escondían otros compañeros hasta que podían pasárselo a los españoles que trabajaban en la carpintería y que iban ocultando los clichés en las molduras de las puertas. El Comité de Resistencia era consciente de que no había ningún lugar lo bastante seguro para aquellas valiosas pruebas dentro del campo: tenían que pasarlas al exterior…

Como la mayoría de los alemanes en edad de trabajar se encontraba en el frente, muchos industriales alemanes y autríacos utilizaban mano de obra procedente de los campos de concentración. La empresa Poschacher era una de ellas. Estaba cerca del campo de Mauthausen y entre los prisioneros que eran enviados a trabajar allí, había un grupo de adolescentes (de entre 13 y 17 años) hijos de republicanos españoles y que habían sido hechos prisioneros junto con sus padres. Sus compatriotas adultos los llamaban “Pochacas” y pensaron en ellos para sacar los clichés del campo. Los “Pochacas” no sólo aceptaron la misión con entusiasmo, además buscaron un lugar seguro para los clichés: contactaron con una mujer, la Sra. Pointner, miembro de la Resistencia que estuvo de acuerdo en esconder el paquete en un hueco disimulado del muro de su jardín hasta el fin de la guerra.

 Y allí estuvieron los clichés hasta la liberación del campo de exterminio de Mauthausen en mayo de 1945, cuando Francesc Boix fue a recogerlo. Algunas de esas fotos sirvieron de prueba en los Juicios de Nuremberg y, gracias a ellas, se pudo demostrar la culpabilidad de algunos nazis que negaban su participación en el horror de los campos de concentración.

Lamentablemente, la salud del joven Francesc Boix había quedado quebrantada por su paso por Mautahusen y murió, con sólo 30 años el 4 de julio de 1951.

"Francisco Boix, un Fotógrafo en el Infierno" nos cuenta esta historia a través de muchas de las fotos que el protagonista salvó, de imágenes de archivo y del testimonio de varios de aquellos republicanos españoles prisioneros, que arriesgaron la vida para que el mundo pudiera saber lo que pasó en el infierno del campo de exterminio de  Mauthausen.

Fuente: Reflexiones de una guionista

VER DOCUMENTAL https://zoowoman.website/wp/movies/francisco-boix-un-fotografo-en-el-infierno/

"LA ACCIÓN ENCADENADA", MONUMENTO A BLANQUI DEL ESCULTOR ARISTIDE MAILLOL

La acción encadenada
L'Action enchaînée
Aristide Maillol
1905
Bronce
Jardín de las Tullerías (París)

Además de un gran número de encargos de coleccionistas particulares, en 1905 Maillol recibe finalmente la primera encomienda pública: la realización de un monumento a la memoria de Louis-Auguste Blanqui (1805-1881), político socialista de convicciones revolucionarias y antimonárquicas que pasó la mayor parte de su vida en prisión

Maillol acepta la insignificante cantidad de que disponía Clemenceau, uno de los organizadores, y realiza, casi gratis, la acción encadenada, erigida en la plaza de Puget-Théniers. El cura de la localidad se niega a decir misa mientras no sea retirada la escultura.

Maillol opta por la idea de una mujer encadenada que intenta romper unas cadenas invisibles volviendo lateralmente su poderoso torso. Al representar a un político mediante la figura de una mujer desnuda, el artista propone una nueva concepción del monumento público.

La Acción  encadenada —o Monumento a Auguste Blanqui— originó un gran escándalo, porque su concepción profundamente moderna ofendió al gusto reaccionario de los poderes públicos de la época.

La escultura está instalada desde 1964 en los jardines del Carrousel en las Tullerías en el 1er Distrito de París. Es parte de una serie de estatuas de Maillol expuestas a la intemperie.

"EL HOMBRE DE LA CÁMARA", PELÍCULA DEL DIRECTOR SOVIÉTICO DZIGA VERTOV

Título Original: Chelovek S Kino - Apparatom

Dirección: Dziga Vertov

Guión: Dziga Vertov

Actores: Dziga Vertov, varios (actores no profesionales)

País: URSS

Idioma Original: muda

Duración: 68 min.

Año: 1929

En esta cinta Vertov sencillamente exprime al máximo el lenguaje audiovisual de la época que, siendo francos, todavía no tenía el rótulo de lenguaje totalmente ganado. Sin embargo, este cineasta supo aprovechar las recursos que el gobierno ruso les brindaba a los realizadores que estabana a favor de la causa para experimentar a sus anchas su teoría del cine-ojo.

La teoría del Cine-ojo fue desarrollada por Vertov durante los años 1922 y 1923 en la que llega a plantear algunas pautas para la realización del cine más objetivo posible. Si se sigue el espíritu de la época podemos apreciar que muchos de los cineastas rusos (como Eisenstein o Kulechov) tratan de definir lo que es la producción cinematográfica a su manera, pero los grandes paraguas que los contenían eran la representación de la realidad tal cual es y el uso del montaje (edición) como herramienta principal de sus productos. En este sentido, Dziga Vertov define que todo realizador que quiera reflejar un trabajo que esté lo más cercano a la realidad debería cumplir con algunas de sus pautas:

- No usar puesta en escena, ni actores ni guión.
- Conseguir la mayor objetividad posible
- Captar imágenes sin preparación
- Usar el montaje como principal nexo de conexión

Todas estas herramientas están dispuestas en El hombre con la cámara. Estrenada en 1929 y que en su primera escena muestra imágenes del estreno de ese mismo documental dentro de una sala de cine.

El hilo conductor de esta historia que retrata la vida de un camarógrafo durante todo un día de trabajo, sin embargo, limitar todo el sentido de esta producción de Vertov sería negar la magnitud de su experimento.

El proyecto del realizador toma imágenes de la realidad captadas con anterioridad para, a partir del montaje, construir una historia que respeta la objetividad de las imágenes y que luego cumple con la estructura narrativa dispuesta por el director. Vertov logra crear un discurso sobre las interrelaciones sociales bajo el régimen socialista. Es el desarrollo de las descripciones sociales que Marx desarrolla como base del socialismo y que Vertov retrata fielmente en el estilo de vida de un día en San Petersburgo de la época (1929).

La representación de la ciudad industrial y de las relaciones entre burguesía y proletariado en sus diferentes facetas retratan la sociedad que existía en su medio inmediato. Se puede ver la vida industrial, el descanso, el deporte, el relax y otras actividades humanas que pueden ser desarrolladas al mismo tiempo, en el mismo espacio; pero que las diferencias sociales determinan de qué manera realmente se presentan en el día a día.

Vertov, luego de desarrollar su tema, nos pone ante los ojs una pequeña reflexión a partir del montaje: no importa tanto la condición social, ni los eventos, ni las ventajas o desventajas de ciertos grupos sociales; lo que importa es que todos pertenecemos a la misma sociedad y nos desarrollamos en el mismo espacio. Somos un todo y, aunque la sociedad como medio masivo ya casi ha desaparecido como la mayoría, para la época este mensaje retrataba lo escencial de los procesos industriales. Vertov va más allá con su propuesta y demuestra que, a partir de lo audiovisual, se puede lograr transmitir mensajes sociales sin usar las descripciones textuales de los conceptos.

Fuente: Ensartes

"THE CUBAN WIVES" SE ESTRENA MAÑANA EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DEL SÁHARA (FISÁHARA)

Coincidiendo con la clausura de su IX edición, miles de refugiados saharauis serán mañana el primer público ante el que se exhiba el documental The Cuban Wives (Esposas cubanas), dedicado a Los Cinco revolucionarios cubanos, presos en EEUU por luchar contra el terrorismo.

Antes de llegar a FISÁHARA, la cinta, del director italiano Alberto Antonio Dandolo (1) ha pasado por el festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale), pero allí sólo en sección oficial.

Un mes después y tras ser preseleccionada para la cátedra Josefina de la Torre, del Festival Internacional de Cine de las Palmas 2013, los hombres, mujeres y niños de la RASD serán los que bauticen, desde las alfombras y la arena del desierto, esta coproducción italo-austriaca.

The Cuban Wives (Esposas cubanas, en su traducción al español) narra la historia de Los Cinco cubanos que han estado encarcelados en EEUU desde 1998. Cometieron el crimen de recabar información destinada a proteger a su país y a su pueblo de los actos terroristas planeados por las organizaciones mafiosas que operan desde el Sur de La Florida, concretamente desde la ciudad de Miami.

El conjunto de todo lo investigado por Los Cinco fue enviado al FBI y al Gobierno de EEUU, e, inmediatamente, esas informaciones fueron clasificadas como alto secreto, de modo que su contenido no pudo usarse en la defensa de los antiterroristas cubanos.

The Cuban Wives cuenta esta historia, trágica, dolorosa, desde el transcurso cotidiano de la vida de las esposas, las madres y los hijos de estos cinco hombres, plasmando, a través de la cámara, el amor y la resistencia de todos ellos.Como si de un protagonista más se tratara, el trabajo de Dandolo muestra al pueblo cubano como columna vertebral de la lucha de estas familias por lograr la libertad de los suyos.

Los Cinco, cabe concluir del relato fílmico, son hijos de Cuba, hermanos de cada mujer y cada hombre de Cuba, y han sido arrancados de cada casa, en cualquier rincón de Cuba.

Importante presencia de España y México

Aitana Sánchez Gijón, Juan Diego Botto, Eduard Fernández, Malena Alterio y Gerardo Herrero son algunos de los nombres destacados del cine español que han acudido a este certamen. Los visitantes hicieron un recorrido por Dajla y visitaron la escuela primaria y secundaria, el Huerto Extremadura y el palmeral.

"Estamos aquí para apoyar a la población saharaui y para recordar al mundo que esta crisis política y humanitaria requiere una solución inmediata", dijo el actor Willie Toledo, co-director del festival.

Como país invitado, México estrenó el documental Los rollos perdidos de Pancho Villa, cuyo director, Gregorio Rocha, fue el encargado de presentar la película. Otros títulos que ya se han visto en el Festival incluyen películas como Eva, La voz dormida o No habrá paz para los malvados, la más laureada de los últimos Premios Goya, las cuales, junto a trabajos como El maestro saharaui , Saharuiya o el documental Hijos de las Nubes, de Álvaro Longoria, y con Javier Bardem como figura principal, han ido llenando las noches del desierto, en el campamento de Dajla.

Y, al fin, Cuba

The Cuban Wives cerrará mañana el FISÁHARA 2012, haciendo su presentación inaugural al público, entre gentes que sienten muy cerca a Cuba.

Como explicara el ensayista José Antonio Monje (2), "... la presencia de Cuba se respira en muchos de los rincones de la Hamada. De manera sorprendente, la mayor de las Antillas da nombre a locales públicos, salones educativos y restaurantes. La bandera cubana y los líder es de su Revolución, Fidel Castro, Ernesto Che Guevara y Camilo Cienfuegos, son identificados casi de inmediato por la mayoría de los saharauis. Sin embargo, el colectivo que evidencia de mejor manera lo que significa Cuba para los saharauis es aquel conocido como los “caribeños” o “cubarauis”. Este grupo está integrado por todos aquellos hombres y mujeres que marcharon a estudiar a Cuba desde muy jóvenes, pasando su adolescencia y parte de su juventud integrando un conjunto muy compacto de compañeros, desde el cual se educaron cada cual en sus respectivas profesiones y todos juntos en el espíritu internacionalista revolucionario. Los cubarauis se sienten muy orgullosos de haber formado parte de esa experiencia intercultural y solidaria, convirtiéndose en una etapa de sus propias vidas que los ha marcado para siempre. Y aunque muchos de los cubarauis ya instalados nuevamente en los campamentos han perdido el acento cubano adquirido durante sus largos años de estancia por el Caribe, mantienen aquel espíritu festivo, tan cercano y humano que caracteriza a la población cubana.

Para los saharauis en general, más allá de haber tenido la oportunidad de compartir algunos años de sus vidas con la población isleña o no, Cuba es un símbolo de resistencia, de exitoso desafío, de dignidad y rebeldía inaceptable para los poderosos. En resumidas cuentas, Cuba (que coopera con el Estado saharaui, partiendo del reconociendo a la RASD, desde 1980) es la mayor inspiración para la causa saharaui y, porque no decirlo, para todos los pueblos que buscan su autentica liberación".

The Cuban Wives unirá mañana las ansias de dos pueblos hermanos; el uno por liberar a cinco de sus hijos de las garras del imperialismo yanqui, el otro por liberarse a si mismo del yugo imperial marroquí. Al fin, lo que es seguro es que los hombres, mujeres, niños, y mayores saharauis que verán mañana el documental de Alberto Dandolo mirarán las imágenes de las calles de Cuba y repasarán su Historia como la que algún día será propia: la historia de un país libre, independiente, soberano, cueste lo que cueste.


Notas:
(1) The Cuban Wives. Alberto Antonio Dandolo. Italia-Austria. 2012. Duración: 70 min. www.thecubanwives.com
(2) Solidaridad con nombre de isla y arena. Las lecciones del internacionalismo cubano en la RASD. Ensayo publicado en “Pensar a Contracorriente VIII. Concurso Internacional de Ensayo”. Editorial de Ciencias Sociales. La Habana, 2011
En Rebelión: http://www.rebelion.org/noticia.php?id=145779
Artículo relacionado:
Reseña breve de The Cuban Wives en la Jornada Internacional 5 Días los Cinco. Toda la gloria, en un pedacito de lápiz
(http://www.rebelion.org/noticia.php?id=148313)
Fuente: Rebelión

"FRIDA KAHLO. LA BELLEZA TERRIBLE", NUEVO LIBRO SOBRE LA PINTORA COMUNISTA MEXICANA

Título: Frida Kahlo. La belleza terrible 
Autor: Gérard de Cortanze
Traductora: Núria Petit Fonserè
Editorial: Paidós
184 páginas
ISBN: 978-84-493-2305-8
Año: 2012
Precio: 17 €

Sinopsis

Como bien dice Gérard de Cortanze en la introducción del libro: «En realidad, Frida Kahlo es una de las artistas más enigmáticas que existen, una de las más íntimas, como abrasada por sus opciones políticas, su dolor físico, su amor por Diego. Esto es lo que interesa de su pintura. Pero más allá de lo que Carlos Fuentes llama sus «treinta y nueve años de sufrimiento», tenemos a una mujer que crea un universo pictórico vigoroso y colorido, cuyo grito adopta una forma emocional y visible. Es ese viaje hacia un mundo impresionante, muy particular, muy vivo, único en la historia de la pintura, lo que he tratado de describir en este libro, que no es ni un ensayo ni una biografía en el sentido clásico de la palabra, sino más bien un recorrido por los meandros de una obra y una vida, que descubrimos detrás de una falsificación en la que el creador siempre nos abre su diario auténtico.

En algunos bocetos y en algunas pinturas de Frida Kahlo aparece un verde a veces profundo, un amarillo desvaído, color éste último al que ella le da una definición particular: Locura y misterio. Esa locura y ese misterio son exactamente lo que me emociona de Frida Kahlo.»

Esta obra nos adentra en la vida de aquella joven mexicana que en septiembre de 1925 sufre un accidente que trastornará por completo su porvenir. Bella e independiente, se casa en 1929 con Diego Rivera, el célebre pintor muralista. Esa joven era Frida Kahlo y este libro es su historia, que nos cuenta cómo una de las máximas de su vida fue no cerrar jamás los ojos a la fealdad, sino, por el contrario, abrirlos para presenciar así el nacimiento de una belleza terrible, para la que ella inventa otra realidad. Torturada por el dolor físico, pero arrebatada por sus compromisos políticos y amores tumultuosos, con el paso de los años construyó una obra pictórica poderosa y singular. La última de sus obras, Viva la vida, es un canto a la luz y a la alegría de vivir.

ARTISTAS QUEMAN SUS OBRAS EN BERLÍN EN PROTESTA POR LOS RECORTES PRESUPUESTARIOS

Nueve artistas quemaron sus obras de arte en Berlín para protestar por los recortes presupuestales que afectan al arte independiente en toda Europa, y en particular a dos casas de arte en Berlín.

La quema se realizó en la casa de arte Tacheles, ocupada desde 1989 por unos 100 artistas de varias disciplinas. El edificio fue adquirido hace años por inversores privados que no han podido desalojar a los artistas.

Los artistas también quieren llamar la atención sobre la frágil situación del Museo de Arte Contemporáneo de Nápoles, amenazado por los recortes presupuestales.

"La amenaza parte de una red de inversores, bancos, abogados y algunos políticos que no están interesados en este tipo de propuestas sino en hacer dinero, nos han tratado de echar con la policía, han destruido nuestro arte y esta es una de las razones por las que los artistas han quemado su trabajo antes que lo haga el mercado", dijo la portavoz de Tacheles, Linda Cerna.

"Defendemos Tacheles como lugar para la producción y presentación de arte contemporáneo independiente y sin fines de lucro, artistas y público necesitan lugares para entrar en contacto con el arte que está orientado a la gente y no al mercado", destacó.

Los artistas quieren que la ciudad compre el lugar para preservarlo como un espacio de creación de arte contemporáneo, y no para construir un centro comercial, detalló Barbara Fragogna, artista y comisaria de Tacheles.

Los artistas temen que la cultura se privatice, lo que generaría incertidumbre sobre la libertad de expresión en plazas públicas, según Fragogna.

"Quemar una obra de arte es muy fuerte, es parte de tu cuerpo, como un hijo, una criatura de tu mente", explicó la artista italiana que hace cuatro años trabaja en Tacheles.

Tras la caída del Muro de Berlín, en 1989, las autoridades locales quisieron destruir el edificio del Tacheles para construir una calle pero hasta la fecha unos 100 artistas tienen allí sus estudios y lugares de exhibición y se niegan a abandonar la enorme casa en el barrio de Mitte, una creciente zona comercial de la capital alemana.

En el lugar se practican todo tipo de técnicas artísticas, pinturas, serigrafías, esculturas, así como música, danza y teatro. También hay espacios para fiestas nocturnas, y acceso libre a la comunidad.

Fuente: EFE

1 DE MAYO, DÍA DEL TRABAJO

Poesía de Rafael Alberti publicada el 1 de Mayo de 1933 en el Adelanto de la revista “Octubre” editada por los Escritores y Artistas Revolucionarios, Madrid. Junto a esta poesía aparecía el siguiente texto: “Todos, escritores, artistas, intelectuales de todas clases, todos en auxilio de los parados de la Tierra, de los trabajadores que luchan por la revolución y se mueren de hambre”.

S. O. S.

6  millones de hombres,
12 de manos muertas,
de ojos descejarrados por la angustia,
la miseria y el hambre que agrandan por las noches la invasión de las horas lentas de         
         insomnio.

Y el cielo se pregunta por el humo
y el humo por el fuego
y el fuego de las fábricas por el carbón que espera dejar de ser al fin paredón muerto
         de las minas.

Los parados del mundo se levantan,
crecen,
se empinan los parados como el mar,
se derrumban,
se levantan
y crecen.

10 millones de hombres,
20 de brazos tristes,
como ramas sin lluvia,
caídos,
secos como ramas.
Y hay un medio planeta sin cultivo
y hay barreras que impiden la posesión común del sol agrario de las granjas
y hay ríos que quisieran desviarse,
erguirse hasta regar el lecho de los trigos.
No hay trabajo
Y hay manos.

El capital prefiere dar de comer al mar.
En Brasil el café se quema y es hundido entre las algas,
el azúcar en Cuba arrojada en las olas se disuelve salada,
las balas de algodón en Norte América
y los trenes de harina son volcados en la prisa invasora de los ríos.

Y mientras,
ellos crecen,
se empinan,
se derrumban,
se levantan.
15 millones,
20,
40 de pies fijos,
de pies parados en la tierra,
de cuerpos que no duermen,
de hombres que desesperan y muertos que se matan.
Amigos,
Escuchad
         ¿Qué?
                  Nos llaman.
                                                                           Rafael ALBERTI

Fuente: Dazibao Rojo

EL 1 DE MAYO DE 1978 NOS DEJÓ EL COMPOSITOR DE LA ARMENIA SOCIALISTA ARAM KHACHATURIAN

ARAM KHACHATURIAN, UNO DE LOS MÁS GRANDES COMPOSITORES SOVIÉTICOS

Aram Khachaturian es un talentoso compositor cuyas creaciones se convirtieron en parte de los clásicos de la música del siglo XX. Su nombre es reconocido en todo el mundo y las composiciones se interpretan a lo largo y ancho del planeta, en los mejores escenarios y en los más importantes conciertos. Hoy en día, la música de Khachaturian se escucha en la radio, televisión y cine. La UNESCO pone el nombre de Khachaturian entre los compositores más renombrados del siglo XX y su "Danza de los Sables", del reconocido ballet "Kaiané" ocupa uno de los primeros lugares en la lista de composiciones más populares de nuestra época.

Aram Khachaturian nació en Tiflis, Georgia, el 6 de junio de 1903, en el seno de una familia armenia.
En sus memorias decía: “Tiflís es una ciudad de sonidos, una ciudad musical. Paseando por sus calles y callejuelas te sumerges en un increíble ambiente musical creado por sus innumerables fuentes…”.
Esta particularidad, más la existencia allí de una representación de la Sociedad Musical Rusa, de una escuela musical y un Teatro italiano de Ópera, fueron determinantes para el futuro de Khachaturian.
Esta original "aleación" multinacional hizo que la música de Khachaturian jamás se viera limitada por los marcos de la nacionalidad, siendo un artista desprovisto de cualquier manifestación de nacionalismo rígido. Tenía un profundo respeto e interés por la música de varias naciones. El internacionalismo fue una de las características y peculiaridades de su percepción del mundo, y es parte de la obra creadora de Khachaturian.
A pesar de su temprana demostró habilidades musicales, Aram Khachaturian se familiarizó con la alfabetización de la música por primera vez a la edad de 19 en 1922, cuando llegó a Moscú y se matriculó en una clase de violoncello en la Escuela de Música Gnesin. Al mismo tiempo, el compositor se licenció en biología en el Departamento de Física y Matemáticas en la Universidad Estatal de Moscú.

El desarrollo musical de Khachaturian tuvo un ritmo acelerado. Siendo uno de los mejores estudiantes, obtuvo el derecho a realizar conciertos de alumnos en las pequeñas y grandes salas del Conservatorio de Moscú.
El destino de Khachaturian como compositor se definió en 1925, cuando se abrió la cátedra de composición en la escuela. En 1929 fue admitido en el Conservatorio Nacional de Moscú, donde bajo la tutela de Nikolai Yakovlevich Myaskovsky se formó como compositor.
La primera composición publicada de Khachaturian fue "Danza" para violín y piano, que ya abarca algunos de los rasgos característicos de la estilística del compositor: la improvisación, la diversidad de las técnicas de variación, así como la imitación de los efectos de timbre.
En 1932 creó la Suite para piano "Toccata", obra ampliamente reconocida e incluida en el repertorio de muchos pianistas, que ha superado la prueba del tiempo. Creada por Khachaturian en su juventud, "Toccata" ha conservado su encanto y poder de influencia hasta ahora.
En 1933, dio a luz una nueva composición: "Danza en Suite", para orquesta sinfónica. El compositor Dimitri Kobalevskiy escribió: "El estreno de esta composición, que emite la luz del sol, la alegría de la vida y poder espiritual, fue un gran éxito para el joven compositor, que siendo aún un estudiante, se ubicó inmediatamente entre los principales compositores soviéticos".
Ya en la etapa de su madurez como hombre y artista, Khachaturian comenzó a priorizar la composición de música para dramas muscicales como “La Viuda Valenciana” (1940) y “Mascarada” (1941).
Khachaturian también prestó atención a la cinematografía. Entre las varias películas donde pueden oirse sus obras, sobresalen los films “Bebo” y Zanguezur”.

Mientras era reconocido como uno de los músicos más talentosos de la URSS, comenzaba la Gran Guerra Patria en 1941. En 1942, la partitura del ballet "Kaiané", con el guión de K. Derzhavin, ya estaba terminada. En esta composición el autor sintetiza magistralmente la tradición del ballet clásico con la música folklórica nacional y el arte coreográfico. El ballet "Kaiané" fue incluido en el repertorio de varios teatros nacionales y extranjeros.
En 1944, Khachaturian compuso la música del Himno Nacional de la República Socialista Soviética de Armenia, siendo ésta una de sus creaciones que aún despiertan admiración y elogios. Un año más tarde la guerra terminó y aparecía su “Tercera Sinfonía: Victoria”, una emocionada oda, un verdadero himno a los vencedores.
1954 fue el año de creación de la composición más importante de Aram Khachaturian: el heroico y trágico ballet "Espartaco", que merecidamente ocupa un lugar entre los mejores ballets del siglo XX por la profundidad de su idea, el brillo de la ejecución artística, la magnitud del arte dramático y la forma, y finalmente, por la audacia de la resolución de problemas reales relacionados con la creación musical contemporánea y el arte coreográfico.
Durante los años 60 aparecieron uno tras otro el Concierto-Rapsodia para violín y orquesta (1961), Concierto-Rapsodia para violonchelo y orquesta (1963), y el Concierto-Rapsodia para piano y orquesta (1968).
En 1971, recibió el Premio Estatal por esta tríada de Concierto-Rapsodias.
Khachaturian dedicado mucho esfuerzo a la labor pedagógica. Durante un largo período dirigió la clase de composición en el Conservatorio de Moscú.
La vida privada del compositor también fue rica en acontecimientos. Khachaturian tenía una hija de su primer matrimonio, Nuné, que era pianista. En 1933, Khachaturian se casó por segunda vez con Nina Makarova, una estudiante de la clase Myaskovsky, que se había convertido en una compañera fiel del compositor. Juntos tuvieron un hijo, Karén Khachaturian, reconocido crítico de arte.
Una gran cantidad de premios nacionales e internacionales dan testimonio del reconocimiento mundial hacia la obra creativa de Aram Khachaturian.
En 1963, Khachaturian fue elegido miembro de pleno derecho de la Academia de Ciencias de la república Socialista Soviética de Armenia; académico honorario de la Academia de Música "Santa Cecilia", de Italia (1960); profesor honorario del Conservatorio de México (1960); miembro correspondiente de la Academia de Artes de la República Democrática Alemana (1960).
Aram Khachaturian tenía los títulos de Profesor y Doctor en Crítica de Arte (1965).
Actualmente, la Gran Sala Filarmónica del Teatro de la Opera en Ereván, un cuarteto de cuerda y un concurso anual de pianistas y compositores reciben el nombre de Aram Khachaturian.

TITULOS RECIBIDOS

1938 Título de Artista Emérito de la RSS de Armenia
1939 Medalla Lenin
1941 Premio Estatal de la URSS-Medalla Stalin (por el Concierto para violín)
1943 Premio Estatal de la URSS-Medalla Stalin (por el ballet "Kaiané")
1944 Título de Artista Emérito de la Rusia Soviética
1945 Orden de la Bandera Roja del Trabajo
1946 Premio Estatal de la URSS-Medalla Stalin (por la Segunda Sinfonía)
1947 Título de la Artista del Pueblo de la Rusia Soviética
1950 Premio Estatal de la URSS-Medalla Stalin (por la música de la película "La Batalla de Stalingrado")
1954 Título de la Artista del Pueblo de la URSS
1955 Título de la Artista del Pueblo de la RSS de Armenia
1956 Medalla "En memoria de Franz Liszt" (Viena)
1956 Medalla "En memoria de Bedrich Smetana" (Praga)
1956 Medalla "En memoria de Bela Bartok" (Budapest)
1959 Premio Lenin (por el ballet "Espartaco")
1959 Medalla "En memoria de los Joliot-Curie" del Consejo Mundial de la Paz
1961 Orden de la "Ciencia del Arte de la República Árabe Unida" ("por sus extraordinarias prestaciones musicales")
1963 Premio Lenin
1963 Diploma del Soviet Supremo de la República Socialista Soviética de Azerbaiyán
1963 Título de la Artista del Pueblo de la República Socialista Soviética de Georgia
1963 Medalla del Papa Juan XXIII (del Vaticano)
1963 Doctor en Artes
1965 Medalla del Sha de Irán
1966 Orden de la Bandera Roja del Trabajo
1966 Medalla "En conmemoración del 400 º aniversario de la constitución de la Academia Italiana Nacional de Arte Musical Santa Cecilia" (Roma)
1967 Título de Artista Emérito de la República Socialista Soviética de Uzbekistán
1971 Premio Estatal de la URSS (por la Tríada del Concierto-Rapsodias)
1971 Medalla de la Revolución de Octubre
1972 Título Honorable de Artista Emérito de Polonia ("por su contribución a la cultura polaca")
1973 Medalla Héroe del Trabajo Socialista; Orden de Lenin y Medalla de oro "hoz y el martillo"
1973 Título de Artista del Pueblo de la República Socialista Soviética de Azerbaiyán
1974 Orden de la República Francesa "por méritos musicales" y el título de "Comandante"

Fuente: La Voz Armenia

HIMNO NACIONAL DE LA REPÚBLICA SOCIALISTA SOVIÉTICA DE ARMENIA, DE ARAM KHACHATURIAN, USADO DESDE 1944 HASTA 1991



Letra en armenio

Սովետական ազատ աշխարհ Հայաստան,

Բազում դարեր դաժան ճամփա դու անցար,

Քաջ որդիք քո մաքառեցին քեզ համար,

Որ դառնաս դու մայր հայրենիք հայության:

Փառք քեզ, միշտ փառք, Սովետական Հայաստան,

Աշխատասեր, ճարտարագործ-շինարար,

Ժողովրդոց սուրբ դաշինքով անսասան՝

Դու ծաղկում ես և կերտում լույս ապագադ:

Լենինն անմահ մեզ հուրն անշեջ պարգևեց,

Մեր դեմ շողաց երջանկաբեր այգաբաց,

Հոկտեմբերը կործանումից մեզ փրկեց

եվ տվեց մեզ նոր, պայծառ կյանք փառապանծ:

Փառք քեզ, միշտ փառք, Սովետական Հայաստան,

Աշխատասեր, ճարտարագործ-շինարար,

Ժողովրդոց սուրբ դաշինքով անսասան՝

Դու ծաղկում ես և կերտում լույս ապագադ:

Մեծ Ռուսիան մեզ եղբայրության ձեռք մեկնեց,

Մենք կերտեցինք ամրակուռ նոր պետություն,

Լենինյան մեր կուսակցությունն իմաստուն

Հաղթորեն մեզ դեպ կոմունիզմ է տանում:

Փառք քեզ, միշտ փառք, Սովետական Հայաստան,

Աշխատասեր, ճարտարագործ-շինարար,

Ժողովրդոց սուրբ դաշինքով անսասան՝

Դու ծաղկում ես և կերտում լույս ապագադ:

Transliteración latina

Sovetakan azad ashkharh Hayastan,

Bazum darer dazhan champa du antsar,

Qadj vordiq qo maqarecin qez hamar,

Vor darnas du mayr Hayreniq hayutyan

Pharq qez, misht pharq Sovetakan Hayastan,

Ashxataser, chartaragorc-shinarar,

Zhogovrdoc surb dashinqov ansasan,

Du tsaxkum es u kertum luys apagad.

Lenin'n anmah mez hurn anshedj pargevets,

Mer dem shoxats erdjankaber aygabats,

Hoktember'e kortsanumits mez ph'erkets

Ev tvec mez nor, paytsar kyanq pharapantz.

Pharq qez, misht pharq Sovetakan Hayastan,

Ashxataser, chartaragorc-shinarar,

Zhogovrdoc surb dashinqov ansasan,

Du tsaxkum es u kertum luys apagad.

Mets Rusian mez yeghbayrutyan dzerq meknets,

Menq kertecinq amrakurh nor petutyun,

Leninyan mer kusaktsutyun'n imastun,

Hakhthoren mez dep komunizm e tanum.

Pharq qez, misht pharq Sovetakan Hayastan,

Ashxataser, chartaragorc-shinarar,

Zhogovrdoc surb dashinqov ansasan,

Du tsaxkum es u kertum luys apagad.

Traducción aproximada al castellano

En el mundo libre soviético, ¡Armenia!

A través de muchos siglos crueles pasaron,

tus bravos hijos luchando por ti,

para que te conviertas en la madre de los armenios.

¡Gloriosa, gloriosa siempre, Armenia soviética!

Trabajando con amor en el edificio,

de la irrompible y santa alianza de los pueblos,

¡que florece y crea tu brillante futuro!

El inmortal Lenin nos presentó el fuego eterno,

y la felicidad de un brillante amanecer sobre nosotros,

a los que Octubre rescató de la destrucción

para darnos una nueva, luminosa y gloriosa vida.

¡Gloriosa, gloriosa siempre, Armenia soviética!

Trabajando con amor en el edificio,

de la irrompible y santa alianza de los pueblos,

¡que florece y crea tu brillante futuro!

Rusia nos extendió la mano de la amistad

y creamos un nuevo y fuerte Estado.

Nuestro sabio partido leninista,

victoriosamente nos lleva al Comunismo.

¡Gloriosa, gloriosa siempre, Armenia soviética!

Trabajando con amor en el edificio,

de la irrompible y santa alianza de los pueblos,

¡que florece y crea tu brillante futuro!

Artículo de "La Espina Roja" dedicado especialmente a Siranush.