domingo, 28 de septiembre de 2014

"EL SOLDADO DEL EJÉRCITO ROJO", DE EUGEN SCHÖNEBECK




El soldado del Ejército Rojo
Eugen Schönebeck
Oleo sobre tela
220 x 184,5 cm
Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München- Pinakothek der Moderne

En 1965 se celebraba el 20 aniversario de la victoria del Ejército Rojo sobre Alemania en la II Guerra Mundial. Para conmemorar la derrota de Hitler, Der Spiegel publicó una serie en 9 partes de extractos del libro de Alexander Werth Rusia en Guerra 1941-1945. Nacido en San Petersburgo en 1901, Werth había emigrado a Gran Bretaña en 1917. El 2 de julio de 1941, él llegó a ser el primer corresponsal de guerra británico en llegar a Moscú. 

Schönebeck siguió la serie publicada con interés. Sus pensamientos volvieron indudablemente hacia atrás, a su propio encuentro con los soldados rusos, durante la marcha de regreso de su familia a Heidenau a principios de Mayo de 1945. La quinta entrega de la serie trata de la victoria del Ejército Rojo sobre el Sexto Ejército Alemán en Stalingrado a comienzos de 1943, la cual marcó el giro de la II Guerra Mundial. La reproducción en el artículo de una imagen de un soldado ruso sobre la recién conquistada colina Mamayev Kurgan sería la base de la pintura de Schönebeck de 1965 El soldado del Ejército Rojo

El victorioso luchador del Ejército Rojo llena el lienzo con su imagen jubilosa. Superior al tamaño natural, y con los pies truncados por el fondo del borde del lienzo, el soldado avanza vigorosamente hacia delante. Abandonada la bandera que agitaba, la montaña, y la ciudad que se extiende por debajo del soldado en la foto en blanco y negro, en su lugar se halla un paisaje abstracto: sus trazos y piezas de color y sus formas sugieren más un campo devastado que cualquier otra cosa. Aunque la pintura se muestra como una versión de Popa Art con una base comunista, también se puede considerar levemente parecido al postmodernismo de ciertas obras de arte del realismo socialista, tales como las realizadas por Alexander Deineka.

Fuente: Pamela Kort (Schönebeck 1957-1967)

sábado, 27 de septiembre de 2014

"EL CRIMEN DEL SEÑOR LANGE", DE JEAN RENOIR

Título Orig.- Le crime de Monsieur Lange.
Director.- Jean Renoir.
Argumento.- Jean Renoir y Jean Castanier.
Guión.- Jacques Prévert.
Fotografía.- Jean Bachelet (B/N).
Montaje.- Marguerite Renoir y Marthe Huguet.
Música.- Jean Wiener.
Intérpretes.- René Lefèvre (Amédée Lange), Florelle (Valentine Cardés), Jules Berry (Paul Batala), Sylvia Bataille (Edith), Nadia Sibirskaia (Estelle), Marcel Levesque (Beznard), Odette Talazac (portera).
Año de estreno: 1935
Duración: 84 min.
País: Francia.

EL CRIMEN DEL SEÑOR LANGE no podría comprenderse sin la influencia y aportación del Grupo Octubre, una compañía de teatro revolucionaria de carácter marxista creada en 1932 y dirigida por el poeta y dramaturgo Jacques Prévert que, a su vez, ayudó a Renoir en el guión del film. El realizador parisino se sirvió de la estrecha colaboración de todo el equipo, formando una pequeña cooperativa, al igual que les sucede a los protagonistas del film. En este sentido, el espíritu del rodaje del film guarda ciertas similitudes con el de Toni, aunque la temática es bien distinta: Renoir ya no nos habla de un drama pasional, sino de un canto pre-revolucionario de los más desfavorecidos ante el inminente ascenso del fascismo. EL CRIMEN DEL SEÑOR LANGE narra la historia, mediante un largo flashback, de un empleado de imprenta (llamado Amédée Lange) que se ve obligado a matar a su patrón (Batala), un rico sin escrúpulos que humilla a las mujeres y roba el dinero de los empleados, para salvar la cooperativa creada por los trabajadores de la editorial. La historia está contada por la compañera (Valentine) de Lange a los clientes de una posada donde la pareja (la propia Valentiney Lange) se refugia huyendo de la justicia. Finalmente, los oyentes se solidarizan con Lange y cubren su asesinato.

La mayor parte de la acción transcurre en un patio circular de viviendas donde conviven los personajes del film. La idea de Jacques Prévert de centralizar la acción espacialmente confiere sentido al relato, ya que así se refuerza la idea de trabajo colectivo que promulgaban los postulados escénicos el Grupo Octubre. Por vez primera en su carrera cinematográfica, Renoir pone de manifiesto la idea de colectividad que se rebela frente a un individuo tiránico. Pero, a diferencia de Toni, en EL CRIMEN DEL SEÑOR LANGE se advierte una mayor planificación y rigor en la puesta en escena, en la que Renoir da rienda suelta a aquellos elementos que conformaban su búsqueda formal y estilística, esbozados en anteriores films como Nana, Escurrir el bulto o La Golfa. Los sutiles movimientos de cámara y los hermosos planos secuencia hacen de EL CRIMEN DEL SEÑOR LANGEuno de los mejores films de su autor. No obstante, François Truffaut lo definió como “el film más denso en milagros de interpretación y de cámara, el más cargado de verdad y de belleza puras, un film que, diríamos, está tocado por la gracia”.

La estilización de estos recursos técnicos (fundamentalmente, los movimientos de cámara) encuentra su justificación en el vínculo de la idea colectiva con la individualidad en varias escenas del film. El historiador Santos Zunzunegui, en un jugoso artículo escrito para la revista Nosferatu, nos habla de un juego de rimas internas (en relación a los movimientos de cámara utilizados por Renoir en diferentes momentos del film) que conecta lo individual y lo colectivo en EL CRIMEN DEL SEÑOR LANGE, en el que el realizador de La Golfa “encuentra una síntesis admirable entre los niveles temático y formal del film”. En este sentido, la secuencia del asesinato de Batala, el patrón de los trabajadores de la empresa, resulta ejemplar. Mediante un movimiento de cámara circular (un giro completo de 360º), que conecta al personaje del tirano (Batala) y a su asesino (Amédée Lange), Renoir quiere legitimar el acto del Sr. Lange, ya que, como dice Santos Zunzunegui, “la circularidad es una de las expresiones privilegiadas de la idea de unidad”. Esa unidad se manifiesta en la escena anterior del film, en la que la que los vecinos celebran con una fiesta la inauguración de la nueva cooperativa que acaban de crear. El famoso crítico y teórico cinematográfico André Bazin irá más allá al afirmar que el movimiento de cámara en EL CRIMEN DEL SEÑOR LANGE consiste en la “expresión espacial pura de toda la puesta en escena”. Sin duda, dicho movimiento de cámara sirve de ejemplo para entender la transición del espectáculo a la expresión que el cine de Jean Renoir experimentará a partir de entonces”.
 Texto:
Raúl Morales Osorio, La modernidad en el cine de Jean Renoir. Estudio crítico de “La Chienne”. Granada, Universidad de Granada, 2012.

VER PELICULA CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO:


viernes, 26 de septiembre de 2014

PALACIO NACIONAL DE LA CULTURA (NDK), DE SOFÍA


Fue diseñado por un equipo de arquitectos liderado por el búlgaro Alexander Georgiev Barov y en principio se denominó Palacio Lyudmila Zhivkova, en honor de la ministra de cultura de Bulgaria desde 1975 e hija de Todor Zhivkov, fallecida en 1981 debido a un tumor cerebral.

En el extremo sur del bulevar Vitosha, la principal calle comercial de Sofía, se alza el Palacio Nacional de la Cultura (Naroden Dvoretsna Kulturata o NDK), uno de los edificios modernos más emblemáticos de la ciudad. Su construcción comenzó en 1978 y se prolongó hasta 1981, año en que fue inaugurado durante la celebración del 1.300° aniversario del Estado búlgaro.

Este monumental hexágono con ocho plantas de cemento y vidrio domina el espacio empedrado y los arriates de flores de la plaza Bulgariya. En un principio el edificio fue bautizado en honor a Lyudmila Zhivkova, hija del presidente comunista Todor Zhivkov y ministra de Bulgaria entre 1975 y 1981. Zhivkova murió de un tumor cerebral en 1981 y fue muy añorada por los intelectuales búlgaros, pues había logrado ampliar los horizontes culturales del país más allá de las limitaciones ideológicas impuestas por el Partido Comunista. También favoreció la promoción de la cultura búlgara en el extranjero.

En su interior el NDK alberga una gran sala de conciertos, con capacidad para 5.000 espectadores, junto a otros auditorios. Junto al edificio se sitúa una galería con puestos de ropa. Un puente peatonal nace en la parte trasera del NDK, atraviesa el bulevar Bulgariya y llega hasta el hotel Hilton y el parque Yuzhen (parque Sur), una zona con césped, arriates de flores y espacios silvestres que se extiende 3 km hacia los densos bosques. En el extremo norte del parque destaca la presencia del monumento de los mil trescientos años, una escultura modernista que recuerda los 1.300 años de opresión. Sobre ella se lee la inscripción "Nosotros permanecemos en el tiempo y el tiempo permanece en nosotros", atribuida a Vasil Levski.

Fuente: El País-Aguilar

jueves, 25 de septiembre de 2014

"RAVISHED ARMENIA", PRIMERA PELÍCULA SOBRE EL GENOCIDIO ARMENIO


Ravished Armenia es una película muda que expuso los horrores del Genocidio Armenio -perpetrado entre los años 1915 y 1923- en momentos que dicho crimen de lesa humanidad sufrido por el pueblo armenio estaba en pleno desarrollo.

Este fue el primer documental filmado sobre el Genocidio Armenio, fue dirigido por Oscar Apfel, y se estrenó el 16 de febrero de 1919 en el Hotel Plaza de Nueva York.

Considerada una película de "época", el film se basa en los relatos de una sobreviviente: Arshaluis (Aurora) Mardiganian, que también es una de las protagonistas del film.

La película llevó a la pantalla grande su difícil historia de vida y su supervivencia a la masacre llevada a cabo por el Imperio Otomano turco. Mardiganian, una niña del pueblo de Chmshkatsag había logrado escapar a la edad de 14 años para ser luego capturada por un haren turco donde fue brutalmente torturada y maltratada. Ella encontró finalmente su salvación en los Estados Unidos donde pudo escribir sus memorias.

Por desgracia, gran parte del film de 85 minutos de duración se ha perdido. Algunas versiones indican que sus rollos se hundieron a bordo de un buque que iba rumbo al puerto georgiano de Batumi. Otras dicen, en cambio, que el film fue robado por encargo.

Durante ocho décadas los historiadores buscaron por todo el mundo copias de la película. Pero apenas se pudo recuperar un segmento de veinte minutos de extensión. La fracción rescatada fue hallada merced a los esfuerzos de Eduardo Kozanlian, un estudioso argentino de origen armenio, quien llevó a cabo una extensa investigación.

Kozanlian donó la película recuperada al Museo del Genocidio de Dzidzernagapert, donde permanece hasta el día de hoy.

Como hasta el momento no había encontrado una versión de Ravished Armenia subtitulada en español, decidí conmemorar los 97 años del Genocidio Armenio agregándoles dichos subtítulos, con el fin de que este documento histórico pueda llegar a un público más amplio.

Carala Serafini

miércoles, 24 de septiembre de 2014

LA EDITORIAL GALLO NERO PUBLICA "NEBULOSA", UN GUIÓN INÉDITO DE PIER PAOLO PASOLINI

Título: Nebulosa
AUTOR: Pier Paolo Pasolini
TRADUCTOR: Marta Pino
Editorial: Gallo Nero
FORMATO: 14x19 cm
ISBN: 978-84-942357-2-6
Año: 2014

Pier Paolo Pasolini resucita para ajustar cuentas con la burguesía


El 2 de noviembre de 1975 era asesinado uno de los cineastas (y escritores) más importantes de la historia del séptimo arte: Pier Paolo Pasolini. Casi cuarenta años después el mundo editorial y cinematográfico vive una nueva pasión por su obra.

Hace unos meses era la editorial Seix Barral, la que recuperaba Amado mío y Actos impuros, dos de los textos más provocadores del autor, que en este caso centraban su mirada en el mundo de la homosexualidad. Pasolini trató el tema en estas obras –que ya se han editado anteriormente- sin tapujos, de forma abierta, y con muchos tintes autobiográficos.

Para escribir la historia de amor de Benito y Desiderio reconocía haber “arriesgado mucho”. El propio Pasolini supo lo que era vivir como homosexual en un país y una época que excluían al diferente, de hecho fue por su condición sexual por lo que fue expulsado del Partido Comunista Italiano.

Una vida tumultuosa, marcada por su presencia en la Segunda Guerra Mundial, su captura por el ejército alemán y la muerte de su hermano, Guido. Las últimas 48 horas de su existencia son el leit motiv de Pasolini,  la última película de Abel Ferrara, en la que William Dafoe interpreta al italiano. El propio Ferrara hablaba de Pasolini al presentar el filme en el Festival de Venecia: “Fue un hombre de otro tiempo, que convivió con el fascismo en un país que le quería destruir. Pasolini habitó en Salò cada día de su vida”, apuntaba.

La última en sumarse a la fiebre por Pasolini ha sido la editorial Gallo Nero con Nebulosa, un guion inédito del director. No es que se ignorara de la existencia de este trabajo, sino que se creía perdido hasta que en 1995 la revista Filmcrítica anunciaba su existencia.

Nebulosa es un guion cinematográfico escrito en 1959, dos años antes de que Pasolini saltara a la dirección. Un encargo para un productor desconocido, Renzo Tresoldi, y dos directores, Gian Rocco y Pino Serpi, que destrozaron el trabajo de Pasolini en una adaptación titulada Milano Nera, estrenada en una sala en 1963. Un filme que posteriormente ha adquirido la categoría de culto y en el que el autor fue incluido en los títulos casi a la fuerza.

El italiano reconocería después al diario Paese Sera que pasó “veinte días atroces encerrado en un hostal, trabajando como un perro”. Una experiencia más como guionista frustrado tras las sufridas con Federico Fellini y Sergio Citti.

El azote de la burguesía

En Nebulosa se aprecia una de las obsesiones del cineasta: la burguesía. Una burguesía dominante que, a finales de los 50 y durante los 60, comienza a solidificar en Italia. Los prólogos de Nebulosa, escritos por Alberto Piccinini y César Rendueles, inciden y subrayan esta ofuscación de Pasolini por la burguesía, a la que culpa de los males de la Europa moderna.

Como manifiesta Rendueles, en Nebulosa se refleja lo que luego se verá en su obra: “Durante los años cincuenta la burguesía italiana había mantenido la segregación de los subproletarios que habitaban las periferias de las grandes ciudades industriales. Ellos, a su vez, habían logrado preservar sus valores sociales, procedentes de la cultura campesina del sur”.

Sin embargo, durante los sesenta con el desarrollismo se acaba la materia prima del cambio, se consuma un genocidio cultural. El proletariado se convierte en una imitación de la burguesía.
Para hablar de todo ello, Pier Paolo Pasolini recurre a las teddy boys, bandas de adolescentes con ganas de armar gresca en el contexto de una Milán violenta y oscura.

Para Pasolini estos salvajes eran pequeños burgueses, hijos de exfascistas del norte, procedentes de familias con dinero que utilizan la violencia como forma de expresión. Nebulosa es una novela iniciática dentro de una de estas bandas, y el autor utiliza a los hijos de una generación para ajustar cuentas con la burguesía.

“Con semejantes padres ideales, es natural que los hijos alimenten el desprecio por la moral vigente: un desprecio nada crítico, por supuesto, y por tanto anárquico, improductivo, patológico. Responden a la superficialidad con la superficialidad, a la crueldad con crueldad. En realidad, los teddy boys son precisamente los verdaderos hijos de nuestros abogados, de nuestros profesores, de nuestras lumbreras”, criticaba Pasolini en Vie Nuove en octubre de 1959.

Los teddy boys fueron un verdadero problema en Italia, tanto que incluso se preparó un proyecto de Ley para frenar el fenómeno en 1959. Pero Pier Paolo Pasolini no centra todas sus iras en ellos. Como indica César Rendueles en el prólogo, el italiano sabe que las subculturas juveniles “tienen un pequeño germen de desafío a la vida burguesa. Hay potencial anticonformista para cuestionar el orden establecido”.

Por ello el autor parece disfrutar con alguna de las fechorías de esta banda que montan orgías con señoras pudientes de la sociedad italiana y luego las ridiculizan. De hecho convivió con dos auténticos teddy boys para aportar autenticidad al texto, al cual dota de un gran número de frases y expresiones en dialecto milanés (algo que se pierde en la traducción aunque se marquen en cursiva).
La ciudad es una protagonista más de Nebulosa. Un monstruo lleno de rascacielos y edificios modernos que contrastan con las carreteras llenas de fango por las que circulan la banda de Rospo, Gimkana y compañía. Un mar de cristales y modernidad que Pasolini critica con sutileza, y que observa siempre desde la mirada de los protagonistas, como si de una ciudad futurista se tratara. Como el mismo director dijo a Il Corriere della Sera en 1975: “El consumismo ha destruido cínicamente un mundo real transformándolo en una irrealidad total, en la que no hay elección posible entre el bien y el mal”.

Reseña de Javier Zurro (El Confidencial)

martes, 23 de septiembre de 2014

LA EDITORIAL NORCOREANA KORYOLIBROS OFRECE PUBLICACIONES GRATUITAS EN PDF




Estos libros están disponibles en formato PDF de forma gratuita. Koryolibros los envía previa petición por correo electrónico, por lo que no se descargan directamente (info@koryolibros.com)

















"Por fin tenemos Koryolibros, nacido de la iniciativa popular para hacer llegar las obras originales de la República Popular Democrática de Corea a todos los países hispanoparlantes. Cada libro en sí no es sólo una joya de conocimiento sino un preciado objeto de colección".

Alejandro Cao de Benós
Delegado Especial para el Comité de Relaciones Culturales con el Extranjero
Gobierno de la RPD de Corea
Presidente de la KFA


lunes, 22 de septiembre de 2014

PROGRAMA DE MÚSICA SOVIÉTICA EN LA NUEVA TEMPORADA DE LA ROSS EN EL TEATRO DE LA MAESTRANZA DE SEVILLA



 Prokófiev (izqda.) y Shostakóvich (dcha.)

La temporada de abono 2014-2015 de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) se presenta con un marcado aire ruso, en el que destaca la importante presencia de los dos músicos soviéticos más conocidos: Shostakóvich y Prokófiev.

Así, el 3° de abono 16 y 17 de octubrecon Xu Zhong, pianista y director, considerado uno de los músicos emergentes con más proyección de Asia, inicia el periplo de los compositores soviéticos, con una obra de Shostakóvich: el inusual, pero interesantísimo Concierto para piano, trompeta y cuerdas, n° 1.

El 23 y 24 de octubre 4° de abono Pedro Halffter descubre los perfiles cinéticos e industriales de la música soviética en obras de Mosólov la maquinal Fundición de Acero, y la Tercera Sinfonía, de perfiles expresionistas como la ópera en la que está inspirada, El ángel de fuego, de S. Prokófiev.

En el 5° de abono —27 y 28 de noviembre—, Pedro Halffter reivindica un factor poco prestigiado en la música clásica, el humor, en la Novena Sinfonía de Shostakóvich, de 1945, que según el músico provocó la indignación de Stalin, el cual hallaría una obra ligera donde creía que encontraría una magna sinfonía apoteósica.

El 7° de abono —15 y 16 de enero de 2015— nos trae una selección de la extraordinaria música para el ballet de Romeo y Julieta (1935) de Prokófiev, dirigida por el gran maestro polaco Antoni Wit.

El clasicismo de Haydn —Sinfonía 94, de 1791, muestra de su arte exultante, libre y maduro— encontró en 1917 en Prokófiev a un inesperado "versioneador" en su Primera Sinfonía "clásica", un homenaje a la transparencia, chispa y ligereza de Papá Haydn, que será interpretada en el 8° programa de abono, los días 12 y 13 de febrero.

Un tributo a las músicas de origen clásico que han abastecido las bandas sonoras de multitud de películas enhebra el 11° programa de abono, los días 23 y 24 de abril. Lorenzo Viotti, ganador del Premio Cadaqués 2013, que ha catapultado a importantes batutas internacionales, dirigirá la partitura de Shostakóvich para Hamlet, película de 1964.

El 14° programa de abono —11 y 12 de junio— eleva la temperatura musical y emocional de la temporada con el Segundo Concierto para piano de D. Shostakóvich, estrenado en 1957, con un final virtuosista y espectacular —al teclado, la nueva estrella del piano británico, Benjamín Grosvenor—. Dirige Pedro Halffter.

Aparte de los músicos soviéticos, destacamos en el resto de la temporada el programa musical del 25 y 26 de junio, formado por Un superviviente en Varsovia de Schónberg, una obra estremecedora, de 1947, para recitador, coro masculino y orquesta que rinde homenaje a las víctimas del Holocausto con una partitura que trata de describir el horror y la crudeza del exterminio nazi. Y, en la segunda parte, la obra que despide la temporada con un himno de fe y esperanza en la Humanidad: la Novena Sinfonía de Beethoven. Pedro Halffter dirige a la ROSS y el Coro de la A.A. del Teatro de la Maestranza.