"LIBERACIÓN DEL PEÓN", DE DIEGO RIVERA

Liberación del peón
Diego Rivera
1931
Fresco sobre cemento reforzado en estructura de acero galvanizado
185.4 x 239.4 cm
Philadelphia Museum of Art.

En Liberación del peón, Rivera desarrolló una narrativa aterradora sobre el castigo corporal. Un labriego, golpeado y abandonado a su muerte, es descendido de un poste por soldados revolucionarios comprensivos, que atienden este cuerpo quebrado. El peonaje —sistema de servidumbre a sueldo establecido por los colonizadores españoles para forzar a los indios a trabajar la tierra— persistió en México aún en el siglo XX. El mural presenta la injusticia de las condiciones sociales y económicas que prevalecieron como justificación de la Revolución mexicana

Rivera pareciera indicar que los hombres que cuidan del cuerpo del peón son revolucionarios, pues los representa con cananas y armas de fuego evidentes. Formados por grupos variopintos de rebeldes, muchos de los cuales jamás habían recibido entrenamiento, los soldados revolucionarios de México carecían de un uniforme fácilmente reconocible y con frecuencia luchaban en sus ropas de trabajo.

Antes de la Revolución mexicana, las haciendas —vastas propiedades agrícolas que pertenecían a mexicanos o extranjeros ricos —dominaron el panorama social y político del país. En el fondo de esta pintura, una hacienda se encuentra en llamas, incendiada por los rebeldes. A su alrededor, el paisaje agreste y desértico remite al norte del país, donde se inició la Revolución.

Liberación del peón se basó en un tablero que pintó Rivera para su serie de murales en la Secretaría de Educación Pública en la Ciudad de México. Ahí, la escena escalofriante que aparece en este mural se une a La maestra rural, que ensalza los esfuerzos recientes por ampliar los programas educativos manejados por el gobierno y destaca los beneficios de las reformas posrevolucionarias. Mostrado de manera aislada, el significado del mural portátil Liberación del peón cambia para centrarse en el sacrificio inherente a la lucha revolucionaria.
 

Diego Rivera. La liberación del peón. 1923. Fresco, aprox. 14' 4 3/8" x 11' 5" (4.38 x 3.48 m). Pared sur del Patio del Trabajo, planta baja, Secretaría de Educación Pública, Ciudad de México

Diego Rivera. La maestra rural. 1923. Fresco, aprox. 14' 4 3/8" x 10' 8 3/4" (4.38 x 3.27 m). Pared sur del Patio del Trabajo, planta baja, Secretaría de Educación Pública, Ciudad de México

Si bien el tema es secular, Liberación del peón evoca la imaginería cristiana, particularmente la lamentación sobre el cuerpo de Cristo después de la crucifixión. La composición muestra una poderosa influencia de la Lamentación de Giotto, en la Capella degli Scrovegni en Padua, Italia, que Rivera había estudiado de manera directa. Compartió esta estrategia de transformar imaginería religiosa en narrativa revolucionaria con muchos muralistas mexicanos, durante los primeros años del movimiento.

Giotto di Bondone (Italia, c. 1267–1337). La lamentación de Cristo. c. 1305. Fresco. Tablero aprox. 78 3/4 x 72 3/4" (200 x 185 cm). Cappella degli Scrovegni, Padua, Italia.

Fuente: MoMA

"AMANECIÓ DE GOLPE", PELÍCULA VENEZOLANA DE CARLOS AIZPURÚA

Titulo original: Amaneció de golpe
Duración: 100 min
Año: 1998
Pais: Venezuela
Director: Carlos Azpúrua
Guión: José Ignacio Cabrujas
Reparto: Dalila Colombo, Manuel Aranguiz, Mirtha Borges, Yanis Chimaras
Sinopsis: Madrugada del cuatro de febrero de 1992. El más estable de los sistemas democráticos de Latinoamérica se resquebrajó bajo el fuego y el combate. Una noche difícil de olvidar que dejó profundas huellas y marcó el camino que Venezuela vive hoy en día. Una parte del ejército, al mando de un militar golpista, asedió la residencia presidencial con la intención de tomar el poder por la fuerza. La insurrección fue sofocada a tiempo y la intentona golpista fracasó. Pero aquella noche “amaneció de golpe” y para nuestros personajes marcó un antes y un después en sus vidas. La rabia, el miedo y la angustia, les rebelaron aspectos de si mismos que hasta ese entonces desconocían.

Amaneció de golpe es una película que está basada en un hecho real de la historia contemporánea Venezolana y trata de plasmar, en el marco de los 40 años de democracia que van desde el derrocamiento del Dictador Marcos Pérez Jiménez hasta el golpe de estado dado por el entonces teniente coronel Hugo Chávez Frías el 4 de febrero de 1992.

La película se centra principalmente, en el ataque realizado a la residencia presidencial “La Casona” por un grupo de soldados rebeldes, durante la intentona golpista del año 1.992. Y paralelamente va presentado la vida de algunas familias vecinas de “La Casona” que quedan atrapadas durante la noche y la madrugada del fallido golpe de estado de ese año.

Sin muchos adornos esta película cuestiona directamente a un sistema de gobierno que se fue corrompiendo durante los últimos 40 años y que fue incapaz de dar respuesta a los principales problemas del país. Sin condenar las acciones de los golpistas, deja al juicio del espectador cualquier valoración del hecho; pero presenta por un lado imágenes de los saqueos del año 1.989, lo que se dio en llamar “El Caracazo” y que era una de las razones que esgrimieron los líderes de la intentona para justificar los hechos; y por otro lado presentaron en la película imágenes sangrientas de los muertos y heridos que dejo como saldo este levantamiento militar.

Al final de la película aparece estas pocas líneas que serian como un presagio de lo que vendría en el futuro para nuestro país:

“Siete años después de estos hechos el país se ha seguido deteriorando y los Venezolanos continuamos en la incertidumbre, buscando la manera de vivir en democracia sin corrupción y sin perder la dignidad”.

VER PELICULA:

LA ROYAL ACADEMY DE LONDRES CELEBRA EL ARTE DE LA REVOLUCIÓN RUSA EN SU CENTENARIO

"Revolución: Arte Ruso 1917-1932"

La Real Academia de las Artes (RA) de Londres conmemora el centenario de la Revolución Rusa de 1917 con un amplio repaso al arte que surgió en ese periodo, desde la vanguardia de los comienzos hasta el realismo socialista impuesto por Stalin.

"Revolución: Arte Ruso 1917-1932", que se presentó hoy a la prensa y abrirá al público del 11 de febrero al 17 de abril, toma como referencia la gran exposición organizada en 1932 en el Museo Estatal Ruso de la entonces Leningrado (hoy, San Petersburgo) por el conocido crítico de arte Nikolái Púnin, que acabó muriendo en el Gulag.

Evocando esa muestra, el montaje de la RA quiere reflejar la variedad de arte, artistas y medios que aparecieron en esos primeros quince años después de la revolución mediante unas doscientas obras de creadores como Chagall, Kandinski o Malévich y Deineka, Mujina o Samojválov, algunas nunca antes expuestas en el Reino Unido.

"Representa ese único periodo en la historia del arte ruso en el que, durante quince años, las barreras cayeron y se abrieron grandes posibilidades para construir un nuevo arte proletario para el nuevo Estado soviético", declaró una de las comisarias, Natasha Murray.

Murray destacó que otra de las particularidades de ese periodo es que, además de óleos, se produjeron multitud de trabajos en fotografía, escultura o vídeo, lo que también plasma esta exposición, con interesantes filmaciones de propaganda revolucionaria y también del estalinismo.

Pósters, cerámica, tejidos o papeles pintados se combinan con pinturas en las seis salas que componen la exposición, separadas por temáticas que a su vez fusionan diferentes sensibilidades y estilos artísticos.

Así, en la sala bautizada como Saludo al Líder se explora el ascenso al poder de Lenin, que aparece como un Dios en "Insurrección" de Kliment Redko o en su ataúd en una obra de Kuzmá Petrov-Vodkin, junto con el advenimiento de Iósif Stalin, inmortalizado, por ejemplo, en un imponente retrato de Brodsky.

"Hombre y máquina" reúne obras sobre trabajadores de fábricas y fuertes campesinos, elevados a héroes proletarios cuyo esfuerzo físico había de transformar la sociedad rusa.

Una recreación de "El Herrero" de Mayakovski, de 1921, aparece junto a una romántica fotografía tomada en 1928 por Arkadi Shaiket de la construcción del Centro telegráfico de Moscú o la maquinaria industrial captada por la cámara de Alexandr Ródchenko.

"El bolchevique", del artista discapacitado Borís Kustódiev, que muestra a un hombre gigante avanzando con la bandera roja entre la multitud, es la poderosa imagen que ilustra la muestra.

La sala "Valiente nuevo mundo" celebra la explosión cultural de la vanguardia encarnada por Kandinski, El Lisitski, Pável Filónov o Liubov Popova, el cineasta Serguéi Eisenstein -autor de "El Acorazado Potiómkin"- o el compositor Serguéi Prokófiev, pero recuerda que la innovación se vio truncada por un Estado cada vez más represor, como simbolizó la muerte del poeta Alexandr Blok en 1921.

"El destino de los campesinos" analiza el impacto de la colectivización del campo en la vida rural, con obras y vídeos de esforzados trabajadores de la tierra, y "Rusia eterna" expone trabajos que destilan nostalgia por tiempos pasados.

"Nueva ciudad, nueva sociedad" intenta captar la vida en las ciudades bajo la "nueva política económica" de Lenin en la década de 1920, y la sala "La utopía de Stalin" refleja a través de fotos, vídeos de desfiles y óleos sus grandes proyectos públicos y la oscura realidad de su visión.

Entre los puntos más destacados de la muestra figuran un espacio dedicado íntegramente a Malévich, donde una treintena de sus obras se disponen tal como se mostraron en la exhibición de 1932, y otro centrado en Kuzmá Petrov-Vodkin.

Junto a obras tan emblemáticas como "La Promenade" de Chagall o "Blue Crest" de Kandinski, la exposición londinense muestra también comunicados oficiales o tarjetas de racionamiento, en un intento de capturar la energía, dinamismo y contradicciones de ese periodo de la historia.

Fuente: EFE

'Campesinos' (1930), de Malévich

 Isaak Brodsky: «V. I. Lenin y Manifestación», 1919

Kuzma Petrov-Vodkin, Fantasía, 1925.

 

'Bolchevique' (1920), de Kustodiev

Alexander Deineka, 'Trabajadores textiles', 1927 

Wassily Kandinsky: «Cresta azul» (1917)

Andrey Golubev, Hilandera roja, 1930.

 

Kazimir Malevich, Dynamic Suprematism Supremus, c. 1915.

130 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DE IVÁN SHADR, EL ESCULTOR DE LA REVOLUCIÓN RUSA

Hijo de campesinos creó numerosas estatuas de Lenin. Fuente:RIA Novosti

Iván Shadr (1887-1941), hijo de un campesino de la diminuta ciudad de los Urales de Shadrinsk (a 2000 kilómetros al este de Moscú), a los 20 años llegó caminando a San Petersburgo. De todos sus variados talentos, este hijo de carpintero escogió la escultura. Tras pasar por la Escuela de Nikolái Rérij de San Petersburgo y después de un periodo de prácticas en la Académie de la Grande Chaumière de Rodin en París y en una academia de arte de Roma, volvió a Rusia para convertirse en una de las principales voces de la Revolución.

1. Las esculturas de Goznak

La joven república soviética necesitaba acuñar nuevas monedas y billetes en los que no aparecieran los retratos de personas concretas, sino los símbolos generales de las clases vencedoras: los obreros, los campesinos y los soldados del Ejército Rojo. Por encargo de Goznak, la empresa estatal encargada de la manufactura de los billetes, Shadr creó en 1922 una serie de esculturas “impersonales”. El “Campesino” y el “Soldado del Ejército Rojo” se utilizaron para los billetes de la URSS de 15.000 rublos y 25.000 rublos y entraron en circulación en 1923. La escultura del “Sembrador” apareció también entonces en los bonos estatales de préstamo a corto plazo de grano, y el “Trabajador” empezó a utilizarse en los bonos del tesoro de 5 rublos en 1925.

 
El “Campesino”, bronce, 1922. Foto: V. Nikíforov/RIA Novosti

2. Leniniana

El escultor pasó más de 40 horas en la Sala de Columnas de la Casa de los Sindicatos durante los últimos días de enero de 1924: en este lugar se dispuso el cuerpo del líder fallecido de la revolución rusa, Vladímir Lenin, y allí Shadr trabajó en su escultura a escala real titulada “Lenin en la tumba”. El escultor rechazó incluso los honorarios por este trabajo, considerando que en aquel momento habría sido un acto infame “dar un precio a esta obra”, y regaló la escultura al Instituto Lenin.
A principios de los años 30 comenzaron a aparecer monumentos a Lenin creados por Shadr en muchas repúblicas de la URSS y ciudades de Rusia. Cerca de Tbilisi, capital de Georgia, sobre la presa de la central hidroeléctrica Zemo-Avchalskaya, se erigió la escultura del líder más grande del mundo: una figura de bronce que medía 11 metros.

En 1930 Shadr participó en la creación del bajorrelieve para la medalla de una de las condecoraciones más importantes de la URSS, la orden de Lenin.

Foto: Eduard Pesov/RIA Novosti

3. “Adoquín, arma del proletariado”

La composición dramática “Adoquín, arma del proletariado” se mostró por primera vez en la Exposición Rusa dedicada al 10º aniversario de la revolución en 1928. El argumento de una de las obras más importantes de Shadr se tratan los acontecimientos revolucionarios de 1905 (una manifestación pacífica de obreros el 22 de enero en San Petersburgo que terminó con tiroteos del ejército zarista y que desencadenó en una ola de protestas masivas contra la monarquía). La escultura muestra el emotivo momento en que un trabajador arranca un adoquín de la calzada para lanzarlo contra su enemigo de clase.

Los historiadores y críticos acogieron esta obra con gran entusiasmo: debido a la tensión y a la masculinidad que emana, solía compararse en la URSS con el David de Miguel Ángel o el Discóbolo de Mirón.

4. Retrato de Maksim Gorki (“El petrel”)

En el retrato escultural del escritor y compañero de Lenin, autor de “La madre” (considerada la primera obra del realismo socialista) y “El canto del petrel”, Shadr utilizó el recurso de la asociación. En esta obra intentó transmitir una imagen romántica del escritor revolucionario soviético y colocó sobre su frente dos mechones de pelo con una silueta que recuerda a un petrel volando.

Shadr comenzó a trabajar en el monumento en 1939, pero no llegó a transformar su modelo de arcilla en una escultura de bronce.

 
Foto: Mijaíl Filimónov/RIA Novosti

Tras la muerte de Shadr en 1941 el monumento fue acabado por la legendaria escultora Vera Mújina, autora de la escultura “Obrero y koljosiana” del parque VDNJ de Moscú. Hasta el año 2000 la escultura de bronce de Gorki permaneció en la plaza de estación de Bielorrusia de Moscú, y actualmente se encuentra en el parque Muzeón.

Fuente: Rusia Hoy

EL MOMA CELEBRA EL CENTENARIO DE LA REVOLUCIÓN BOLCHEVIQUE DE 1917 CON LA EXPOSICIÓN "UN IMPULSO REVOLUCIONARIO: EL NACIMIENTO DE LAS VANGUARDIAS RUSAS"

El museo de Nueva York se adelanta a todos y muestra 300 obras de arte creadas a partir de uno de los momentos históricos clave del siglo XX.

'Un impulso revolucionario: el nacimiento de las vanguardias rusas' destaca los avances artísticos del suprematismo, el constructivismo, la poesía, el teatro...

Hay piezas de 'urgencia revolucionaria' de los grandes creadores bolcheviques: Goncharova, Lissitzki, Malevich, Vladimir Maiakovski, Popova, Rodchenko...


Primera toma del poder político, económico y social protagonizada por el pueblo mismo —campesinos, obreros y soldados—, la Revolución Rusa de 1917 es uno de los momentos más trascendentes y apasionados de la historia contemporánea. El colapso de la dinastía despótica de los zares, que reinaban sobre un país inmenso, empobrecido, hambriento y gestionado según un modelo medieval de siervos y señores feudales, conmocionó al mundo y trajo, con el triunfo sobre el absolutismo, la extensión del comunismo como esperanza para los desheredados del mundo.

El centenario de la revolución bolchevique, de la que se cumple un siglo en 2017, desplegará conmemoraciones de todo signo. Pese al derrumbe final, tras la perestroika, de la confederación de repúblicas soviéticas marxistas de la URSS y la caída del Telón de Acero y los bloques oriental-capitalista y occidental-comunista, la revolución bolchevique, con el objetivo claro de extender el marxismo por el mundo, sigue despertando pasiones.

Visión panorámica

La primera institución en prologar la efeméride de 2017 es el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), que se adelanta al centenario proponiendo una visión panorámica sobre el arte de vanguardia que brotó con un empuje abrasivo al pairo de la revuelta.

A Revolutionary Impulse: The Rise of the Russian Avant-Garde (Un impulso revolucionario: el nacimiento de las vanguardias rusa) aprovecha los fondos propios de la pinacoteca —una de las mejores del mundo en arte de la época— para destacar los avances artísticos de las escuelas surgidas directamente de la revolución, como el suprematismo y el constructivismo, y los avances en poesía, teatro, cine y artes visuales, diseño gráfico y fotografía.

Las muchas formas del arte revolucionario

Con la habitual profesionalidad del museo, la exposición, que estará en cartel desde el 3 de diciembre al 12 de marzo, presenta una rica selección de obras en todos los medios de los años previos e inmediatos a la Revolución —el arco temporal va de 1912 a 1935—, creadas como "respuesta a las cambiantes condiciones sociales y políticas" del país. Las casi 300 piezas en exhibición "sondean y sugieren las muchas maneras en que una revolución puede manifestarse en un objeto artístico", dicen desde el MoMA.

En la exposición se pueden disfrutar obras —pinturas, fotos, cartelería, publicaciones, libros ilustrados, poemarios...— de todos los grandes "innovadores artísticos" que respondieron al ambiente de bullicio, libertad y grandes expectativas.

Parejas creativas

Hay piezas de, entre otros, Alexandra Exter, Natalia Goncharova, El Lissitzki, Kazimir Malevich, Vladimir Maiakovski, Liubov Popova, Alexandr Aleksandr Ródchenko, Olga Rozanova, Vladimir y Georgii Stenberg y Dziga Vertov. Entre ellos abundan las parejas creativas que eran a la vez sóviets, amantes y artistas, como los tándems de Goncharova y Mijaíl Lariónov, Varvara Stepánova y Ródchenko y Popova y Alexander Vesnin.

La censura siniestra del zarismo

Entre los artistas de vanguardia, sometidos hasta el derrocamiento del zar a una censura férrea y siniestra, los nuevos aires de libertad social y de pensamiento asociados al drástico cambio de régimen condujeron a una confluencia en proyectos de colaboración e integración de disciplinas. Desde la prerrevolución, la fertilidad artística fue notable y los logros de la generación de creadores aún asombran por radicalismo y valentía.

La revolución empapó todos los aspectos de la vida cotidiana La ideología de la revolución empapó todos los aspectos de la vida cotidiana, desde la economía a la educación. Los artistas más importantes de la época, de acuerdo con las directrices estatales, aplicaron tácticas de vanguardia para crear un trabajo propagandístico que fuera fácilmente comprensible para el público soviético en general, teniendo en cuenta que hablamos de un país que padecía cotas de analfabetismo de hasta el 80% de los ciudadanos.

Suprematistas y constructivistas

Entre las obras destacadas o curiosas de la muestra temática sobre arte bolchevique aparecen las iconoclastas pero espirituales pinturas de Malevich Suprematist Composition: Airplane Flying (1915) y Suprematist Composition: White on White (1918), y la serie de ocho cuadros del constructivista Rodchenko Non-Objective Painting no. 80 (Black on Black), lienzos totalmente negros que se presentaron como alternativa a los cuadros blancos del primero.

También pueden verse las construcciones espaciales y quinéticas en tres dimensiones presentadas en Moscú en 1921 en la exposición 5 x 5 = 25: An Exhibition of Painting (1921), que reunió obras del núcleo central constructivista —Rodchenko, Stepanova, Popova, Exter y Vesnin—. Entre 1919 y 1927, Lissitzki produjo una gran cantidad de pinturas, estampas y varios de los ejemplares de la serie de dibujos y estampas que llamó Proun, siglas en ruso para Proyecto para la Afirmación de lo Nuevo.

Fuente: 20minutos

'El vuelo de las formas', cuadro de Ivan Puni

Rayonism, Blue-Green Forest. 1913 Óleo sobre lienzo pintado por Natalia Goncharova en 1913

Memorial to Fallen Leaders. 1927 Fotomontaje de Gustav Klutsis para la cubierta de un libro

Pro eto. Ei i mne (About This. To Her and to Me),1923 Cubierta de un libro con foto y diseño de Aleksandr Rodchenko

Pioneer with a Bugle. 1930 Foto del 'padre' del constructivismo, Aleksandr Rodchenko

Symphony of a Big City. 1928 Fotomontaje de Vladimir y Georgii Stenberg

Lyubov Popova (Russian, 1889-1924). Untitled. c. 1916-17

Suprematist Composition: Airplane Flying. 1915 Cuadro 'suprematista' de Kazimir Malevich

Record. 1926 Fotomontaje del vanguardista soviética El Lissitzky

The Factory and the Bridge. 1913 Óleo de Olga Rozanova

Proun 19D. 1920 o 1921 Uno de los cuadros de Lissitzky de la serie 'Proyecto para la Afirmación de lo Nuevo'

FICHA POLICIAL DE PABLO PICASSO

FICHA POLICIAL DE PABLO PICASSO. DIRECCIÓN GENERAL DE SEGURIDAD, 1951

La ficha que la Dirección General de Seguridad abrió de Pablo Picasso revela que la policía franquista conoció muy tempranamente su ingreso en el Partido Comunista Francés, a pesar de estar llena de informaciones sin contrastar en las que se hacían conjeturas descabelladas. El documento se inicia con una anotación del 7 de diciembre de 1944 que hacía referencia a su participación en el envío de una carta al general De Gaulle, “en unión de otros significados elementos rojos para que se apoye a los españoles en contra de Franco y Falange”. También se menciona su elección como miembro del Consejo Mundial de la Paz en 1951, descrito como una “entidad dirigida e inspirada por el sovietismo”. Y por último, se incluye un recorte de prensa procedente de la revista norteamericana Life correspondiente al 30 de enero de 1950 en el que, bajo su fotografía, se decía: “Pablo Picasso, cuyo arte es denunciado por los críticos del Soviet, continúa políticamente adorando a los rojos”.

Ficha policial de Pablo Picasso,

Dirección General de Seguridad, Madrid, 1951

Fuente: Campo Cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939 - 1953

EL CÓMIC "VIDAS OCUPADAS" DESCRIBE LAS DIFICULTADES DIARIAS DE MÁS DE 4 MILLONES DE PALESTINOS

El autor José Pablo García publicará mañana 'Vidas ocupadas', un cómic de 88 páginas en el que describe y dibuja las dificultades diarias de 4,5 millones de palestinos para acceder a agua y medios de vida seguros.

García, según informó Acción Contra el Hambre, realizó este cómic tras realizar un viaje de 10 días desde Nablus hasta Gaza en el marco de un proyecto de sensibilización de la ONG financiado por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (Aecid).

El autor destacó que "lo poco que se dedica en los informativos al problema palestino está relacionado con acciones violentas, y esto repercute en la idea distorsionada que tenemos".

La directora de Comunicación y Fundraising de Acción contra el Hambre, Carmen Gayo, señaló que apostar por el arte "es una herramienta clave para acercar a la población la realidad que queremos transformar".

El lanzamiento de la obra, que estará en librerías a partir de mañana, coincide con el año en que se cumplirán 50 años de ocupación y 10 de bloqueo sobre Gaza.

Más de dos años después de la última ofensiva militar israelí en Gaza, los gazatíes siguen con restricciones para conseguir los materiales necesarios para reconstruir las estructuras dañadas.

El bloqueo está afectando a la economía de la franja y dificultando el acceso de los agricultores a las tierras más fértiles y a los recursos pesqueros. Respecto al agua, el 96% del acuífero está contaminado y sobreexplotado.

Por otro lado, la expansión de los asentamientos y la anexión de terrenos agrícolas están liquidando los medios de vida de las comunidades beduinas en la zona C de Cisjordania, consiguiendo que muchas personas se vean desplazadas a entornos urbanos a los que les cuesta adaptarse, indica la ONG.

Fuente: Servimedia - España

"CENA DE TRACTORISTAS", DEL PINTOR SOVIÉTICO ARKADI PLASTOV

Cena de los tractoristas
Arkadi Plastov
1951 
Oleo sobre lienzo
200 x 167 cm
Museo de Arte de Irkutsk

Plastov ha vivido siempre en el campo y todos sus lienzos los ha consagrado siempre a los campesinos y sus tareas; sin embargo, no deja de haber cierta poesía en estos cuadros, aunque haya que verla desde el campo de la épica más que de la lírica: es la poesía del trabajo o del descanso, de la vida cotidiana del campesino, del trabajo o de la fiesta popular, la fiesta de la cosecha, una concurrida feria, desbordante de alegría; en sus lienzos contrapone, particularmente en los que representan fiestas campesinas, vivas manchas de color, y sus trazos, enérgicos, tienen mucho de la fuerza y de la sencillez del verdadero realismo.

En Cena de los tractoristas, es innegable que el trabajo es el verdadero personaje del cuadro; y eso es lo nuevo que ha aportado Plastov al género campesino, diferenciándolo de sus maestros del siglo XIX y comienzos del XX. Plastov ha conservado el lirismo propio de aquéllos maestros en sus cuadros de la vida campesina y, al mismo tiempo, ha alcanzado en sus obras, que pintan lo sencillo y cotidiano de la vida del labrador, amplias síntesis que revelan en lo parcial lo común de la vida en esa faceta de la humanidad.

A diferencia de otros pintores viejos y modernos que se dedican al tema campesino, Plastov posee peculiaridades específicas que le distinguen de ellos. Sus obras no encaman todos los rasgos del tema campesino; él tiene los suyos preferidos y su propio sistema pictórico. Su talento particular le ha permitido transmitir la brillante riqueza cromática de la vida del pueblo, de los trajes y las caras, la belleza de la tierra; en cierto modo, el encanto de la vida.

Fuente: J.A. Kurz Muñoz (El Arte en Rusia. La era soviética)

"VAMPIROS EN LA HABANA", PELÍCULA DE ANIMACIÓN DEL DIRECTOR CUBANO JUAN PADRÓN

Titulo original: ¡Vampiros en La Habana!
Duración: 80 min
Año: 1987
Pais: Cuba
Director: Juan Padrón
Guión: Ernesto Padrón (dialogue), Ernesto Padrón (screen story), Juan Padrón (dialogue), Juan Padrón (screen story), Juan Padrón (screenplay)
Reparto: Carlos González, Frank González, Irela Bravo, Manuel Marín

Sinopsis de Vampiros en La Habana (1987)

¡Vampiros en La Habana! fue coproducida en 1985, por el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos, Radio Televisión Española y Durniock Producciones. El 4 de febrero de 2009, ocupó el lugar no. 50 en la primera encuesta mundial sobre los 100 mejores títulos del cine iberoamericano, realizada por Noticine.com —un portal dedicado a la información de cine—, además de ser la única película animada de la lista.

La película trata de una conspiración por parte de las dos bandas organizadas de vampiros (“Capa Nostra” en Estados Unidos y “Grupo Vampiro” en Europa) por apoderarse de una fórmula que les permite resistir el sol. En realidad, se trata de una crítica al capitalismo, pues es obvio como los vampiros de ambas mafias son representados por diferentes caricaturas de la burguesía, y el conflicto interimperialista entre ellos busca apoderarse de la fórmula que les permita dominar todo el mundo sin tener que esconderse de la luz.

Vampiros en La Habana (1985) es una película animada dirigida por Juan Padrón que usa los vampiros para una declaración política. La trama describe los esfuerzos de un científico (quien también es un vampiro) por inventar una fórmula antisolar, “Vampisol”. Dos grupos de vampiros quieren usarlo para sus propios intereses económicos. Un grupo de vampiros de Europa quiere obtener la receta para la fórmula y venderla para hacer dinero. Otro grupo de vampiros de los Estados Unidos quiere destruir la receta para prevenir obstáculos de su negocio de playas artificiales para los vampiros. Ajeno a los dos lados, el científico usó a su nieto, el cubano Pepe, como el sujeto de sus experimentos. Mientras tanto, Pepe forma parte de un grupo de la resistencia contra el dictador Machado.

La película se podría haberse llamado también El vampirismo capitalista, y es una sátira política que muestra la corrupción del gobierno cubano durante la época previa a la Revolución, con un gobierno servil a los intereses de las potencias económicas. El vampirismo es una representación del capitalismo: igual que un vampiro es sostenido por la vida y la sangre de sus víctimas, los Estados Unidos y Europa usaron los recursos de Cuba para su propio beneficio.

Aunque los vampiros estadounidenses y los vampiros europeos son competidores, interimperialistas, los motivos de los dos grupos son los mismos: hacer dinero a cambio de la vida y los recursos de los trabajadores y los pueblos.

Al fin de la película, Pepe decide compartir la receta de la fórmula con la comunidad de vampiros en forma de una canción por la radio. Este acto parece representar triunfo de la Revolución. En esta última escena Pepito está dando un recital de trompeta mientras su esposa Lola y su hijo vampiro lo miran. La escena termina con un narrador diciendo que ahora todos los vampiros pueden disfrutar del sol gracias a Pepito.

Además la película es una celebración de la cultura cubana: muchas de las escenas incluyen música y baile tradicional. Todos los personajes son de las raíces que también son una representación de la población cubana: blancos, negros, mulatos, y mestizos trabajan juntos contra los vampiros europeos y estadounidenses.

¡Vampiros en La Habana! se desmarca de las conjuras típicas de Hollywood. Estéticamente, deja en evidencia esta tradición, en el primer minuto la joven Lola trata de ahuyentar a los nosferatus formando un crucifijo pero ellos no solo se ríen de esto sino que, además, la ridiculizan encendiendo un puro con una cruz. Ese desmarque, también, se subraya con la ambientación, a pesar de la ficción de la obra, que está construida sobre un campo objetivo mostrando la diferenciación de clases, la pobreza de La Habana, el adulterio, la mafia y otras verdades generalmente tabúes en el cine de animación. Ya no se idealizan las situaciones, sino que se dotan de un realismo con el que la masa puede identificarse.

Fuente: Moscofilms


Vampiros en La Habana (1985) from erick benjamin on Vimeo.

ELLAS LUCHARON POR LA DEMOCRACIA EN ESPAÑA

Una de las dos autoras, Anita Kochnowski, junto al editor Frank Schumann en la presentación

Publican una suerte de enciclopedia de mujeres que lucharon por la República española y contra el fascismo de Franco. La obra es fruto del trabajo de casi una década de dos hijas de un brigadista alemán que luchó en España durante la guerra

Mujeres que estuvieron luchando en la guerra, que apoyaron a la República con su trabajo como médicas, enfermeras o periodistas. Mujeres que dentro y fuera del país se opusieron al golpe de estado de Franco. Mujeres que después de la guerra fueron condenadas a penas de cárcel o a la pena de muerte por haberse rebelado. Y otras que tras la guerra fueron deportadas a campos de concentración alemanes. También aquellas que una vez acaba la dictadura fundaron la asociación Las mujeres del 36 (Dones del 36 en catalán). Todas esas mujeres aparecen en un listado simbólico pero abundante recogido por dos hermanas alemanas cuyo padre, checo de ascendencia alemana, luchó como voluntario en España en la batalla del Jarama y en la de Pozoblanco. A diferencia de otros muchos brigadistas o voluntarios, permaneció hasta el final de la contienda.

En ese contexto, “en una familia antifascista”, como explica Anita Kochnowski, crecieron ella y su hermana Ingrid Schiborowski, que se han pasado los últimos ocho años recabando información sobre las grandes olvidadas de la guerra civil española. Incluso cuando se habla de las brigadas internacionales compuestas por voluntarios de mas de 50 países que llegaron a luchar codo a codo con el gobierno legítimo de la República contra los sublevados, la historiografía tiende a recordar a los hombres. Más de 3.300 mujeres ven de este modo honrada su memoria. Casi un tercio de las mismas son brigadistas internacionales, muchas de ellas alemanas. Una de las indudables aportaciones de esta voluminosa recopilación es el valor de dar a conocer al lector alemán la vida de muchas mujeres valientes y comprometidas que, de otro modo, caerían en el olvido y que, sobre todo, son en la mayoría de los casos completas desconocidas.
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El libro se titula 'Frauen und der spanische Krieg 1936-1939' (Ed. Verlag Am Park), en español 'Mujeres y la guerra civil española 1936-1939', y es una recopilación de más de 600 páginas con nombres y biografías de mujeres que han sido facilitados por varios archivos de asociaciones de la memoria, a quienes las autoras agradecen su aportación. No se trata de un ensayo, ni tampoco de un texto científico. Es más bien una especie de diccionario. Sus autoras no son historiadoras y sin embargo, su interés personal por el tema hace que en cierto modo sean expertas. La idea surgió tras la realización de una exposición de fotografías que organizaron sobre este tema.

Aunque la mayor parte del libro está dedicada a mujeres anónimas, en el caso de algunas mujeres famosas se cita asimismo su implicación en la lucha contra Franco. Hay capítulos poco recordados, como la visita de Indira Gandhi en 1938, que acompañó a su padre en una cita con el presidente de la República Manuel Azaña, y a las brigadas internacionales, visita que tuvo lugar en el frente y durante la cual hubo ataques aéreos. En otros casos resaltan datos poco conocidos, como que la fotógrafa Tina Modotti trabajó de enfermera en un hospital de Madrid.

Son cientos de historias telegráficas, como la de la portuguesa Mariana de Lazo Chaves, una pescadera que luchó del lado de la República y que murió de tuberculosis en una cárcel franquista. A veces solo ha quedado el nombre de las mujeres. En otros muchos casos han podido rescatar una esbozo más completo del origen socio-político, de la actividad concreta por la república y del destino de estas mujeres tras la guerra. Incluso han podido hablar con alguna superviviente, explica Kochnowski. De las historias más largas, se desprende que estas mujeres fueron un ejemplo de independencia y autonomía. Eran mujeres que en muchos casos viajaron solas.

La periodista Karla Popp, que ha corregido el libro y que es a su vez hija de otro brigadista que defendió la República, explica que la intención de la obra no es la de ser una referencia científica, sino mas bien una obra de consulta con la que recordar el importante papel de las mujeres en la guerra civil española. Popp recuerda que las mujeres estuvieron luchando con armas en el frente, aunque solamente hasta julio de 1937, después de que el gobierno decidiera que debían dedicarse a otros quehaceres. “Fue una decisión machista”, sentenciaba Popp este martes en Berlín.

La presentación del libro en sociedad tuvo lugar este martes en la librería que posee el diario marxista 'junge Welt'. El volumen es un proyecto de la asociación de Combatientes y Amigos de la Segunda República 1936-1939, de la que las autoras y la correctora forman parte. En octubre de 2016 esta asociación realizó un homenaje en Berlín que contamos en eldiario.es y en el que la hija de otro brigadista criticó que el estado alemán continúa pagando jubilaciones a los combatientes de la división azul que Franco envió para apoyar a Hitler.

El editor de la obra realizó una interesante pregunta a un antiguo diplomático de la República Democrática Alemana que se encontraba entre el público, en relación al reconocimiento del estado español a principios de los años '70, cuando Franco aún estaba en el poder. Esta cuestión es especialmente notable teniendo en cuenta que en la dirección del país había numerosos ex-combatientes de las brigadas internacionales. El diplomático contestaba que “lo decidió el partido y no se puso en cuestión”, añadiendo a continuación que probablemente la decisión se tomó por el afán imperante de abrirse al exterior en las últimas décadas además del hecho de tratarse de “un país europeo”.

Fuente: eldiario.es