"LA RELIGIOSA", RESUCITANDO A DIDEROT

La obligación de una novicia forzosa, como la de cualquier preso, es fugarse, escapar (artículo 1º del décalogo del preso modelo).

Diderot –filósofo, escritor, personaje imprescindible de la Ilustración francesa del XVIII- lo tuvo muy presente cuando escribió La Religiosa. Igual que lo ha tenido en presente en todo momento el realizador francés Nicloux al convertir el texto del maestro de las Luces en una película que narra la historia de Suzanne, joven brillante y hermosa que lleva una agradable existencia en el seno de una familia burguesa venida a menos cuyo mundo se desmorona cuando sus padres la envían a un convento, para alejarla mientras buscan cómo casar a sus hijas mayores, que carecen de dote. Un desmoronamiento que se acentuará definitivamente cuando, en contra de su voluntad, la obligarán a hacer los votos definitivos, lo que le augura permanecer encerrada y en silencio, obedeciendo las órdenes más disparatadas y cumpliendo absurdas y dolorosas penitencias, hasta el último día de su vida.

Planteada como un hecho real, el polémico eco de la novela atravesó los siglos en Francia llegando hasta el XX cuando Jacques Rivette – uno de los realizadores más influyentes de la nouvelle vague– hizo en 1966 una primera adaptación para el cine, prohibida entonces por la censura francesa (*) y que se considera un clásico.

La Religiosa que hoy nos ocupa es una nueva adaptación del texto de Diderot, dirigida por Guillaume Nicloux (Valley of Love, El Elegido, El Secuestro de Michael Houllebecq), y protagonizada por la joven belga Paulinne Etienne (Edén, Dos otoños Tres inviernos) y la veterana Isabelle Huppert (Amour, La pianista, La desaparición de Eleanor Rigby).

Justamente en ese siglo XVIII que hizo evolucionar las ideas y cambió la orientación de la filosofía en media Europa, la joven Suzanne, de 16 años, es obligada por su familia a entrar en un convento, a pesar de que ella asegura que quiere vivir “en el mundo”. Allí tendrá que soportar las repetidas arbitrariedades de la jerarquía eclesiástica en forma de madres superioras, crueles o amantes en exceso, que intentarán por todos los medios impedir que la chica cumpla su deseo de recobrar la libertad. En Francia, país de origen tanto del autor del texto original como de los dos cineastas que se han atrevido a plasmarlo –el primero escandalizando a un país que, pese a declararse constitucionalmente laico, conserva muchos resabios de su larga historia de nación católica- los críticos consideran que ha resultado interesante resucitar la historia, justamente en el momento en que el hecho religioso es objeto de innumerables debates. Serán dos hombres –un obispo y un hombre de leyes- quienes salvarán a Suzanne de un destino rechazado, ayudándola literalmente a escapar del convento por una puerta escondida al final de un pasadizo (cuya llave, curiosamente, estaba en manos del prelado, lo que trae a la memoria tantas historias de nonatos muertos y enterrados en las paredes de los conventos de toda Europa).

Evidente y necesariamente anticlerical (por sus hechos los conoceréis) aunque no sea ése el propósito del realizador, quien en ningún momento cuestiona la fe de ninguno de los personajes, La Religiosa critica no tanto las creencias como el poder; en este caso el poder de los mandos en los conventos, inventores de rígidas reglas de comportamiento imponiendo siempre su voluntad –y sus deseos, incluidos los eróticos- a las novicias que ocupan el último escalafón en la cadena. Y así, aunque siempre hablando de catolicismo, por la pantalla vemos desfilar los fantasmas de los integrismos y fundamentalismos religiosos, las servidumbres sociales y conyugales, los regímenes políticos autoritarios, los fenómenos de las sectas y la aparición de jefecillos opresores cada vez que un grupo de individuos intenta llevar a cabo algún proyecto de vida en común.

El combate de la monja Suzanne, que en nuestros días recobra toda su actualidad, es tan existencial como político: una lucha tenaz y constante por recuperar la libertad y escapar de cualquier forma de tutela, tanto familiar como religiosa.

Fuente: Ilsa Lund (Crónica Popular)

(*) La película de Jacques Rivette, Suzanne Simonin la religiosa de Diderot, considerada blasfema, estuvo prohibida en el territorio francés entre marzo de 1966 y julio de 1967. La censura provocó muchas protestas, entre ellas una famosa carta que el cineasta Jean-Luc Godard dirigió al entonces Ministro de Cultura, André Malraux: “…Si no fuera prodigiosamente siniestro, resultaría prodigiosamente bello y emocionante ver como un ministro de la UNR (Unión por la Nueva República, gaullista) tiene miedo de una mente enciclopédica de 1789 (…)Nada sorprendente que usted no reconozca mi voz cuando le hablo de asesinato a propósito de la prohibición de Suzanne Simonin, la Religiosa de Dideror. No, nada sorprendente en esa profunda cobardía (…) ¿Cómo podría usted, André Malraux, oírme cuando le telefoneo desde el exterior, desde un país lejano, la Francia libre?”. Un post-scriptum precisa : “Leído y aprobado por François Truffaut, obligado a rodar en Londres, lejos de París, Farenheit 451, la temperatura a la que arden los libros”. 

http://espina-roja.blogspot.com.es/2015/09/la-religiosa-pelicula-de-jacques-rivette.html

SERIE "GUERNICA", DE EQUIPO CRÓNICA

En 1969 la Galería Grises de Bilbao exponía por primera vez la serie Guernica en la que este grupo de artistas de origen valenciano conjugó la obra picassiana con las fórmulas artísticas del Pop Art. El Equipo Crónica tiene su origen en el grupo de la Estampa Popular valenciana, un colectivo que pretendía que su arte, de fuerte crítica social y política, llegara a todo el público posible. De ella se escindirían Rafael Solbes, Manuel Valdés y Juan Antonio Toledo para formar el Equipo Crónica, que finalmente sería liderado por los dos primeros, después de que Toledo abandonara el grupo sólo un año después de la formación del mismo.

Activo entre 1965 y 1981, el Equipo Crónica plantea sus intenciones en el propio nombre dado al grupo: por una parte, critica el tradicional individualismo artístico y apuesta por un arte colectivo, en “equipo”, y de esa forma, anónimo; por otra parte, su arte es “crónica” de una realidad, una crítica social y política del momento con la que pretende hacer reaccionar y reflexionar al espectador. Y todo ello expresado de la misma manera que hiciera el Pop Art americano e inglés, es decir, mediante un arte cuyos temas, figuración y lenguaje proceden de la cultura visual de la sociedad: medios de comunicación, cómics, historia del arte…unas imágenes que manipulan y descontextualizan para mostrar, desde un punto de vista irónico y de denuncia, una realidad determinada.

Como ya hiciera con otros maestros de la pintura española, (Velázquez, Goya…), el Equipo Crónica se sirve de uno de los lienzos más influyentes y relevantes del siglo XX, el Guernica, para reinterpretarlo a través de las formas del Pop: en esta serie el dramatismo y violencia del cuadro bélico de Picasso, se fusionan con la ironía y el humor del Pop Art, tratando de mostrar así su oposición al régimen franquista y a la política de represión de entonces.

Uno de los principales recursos para el Equipo Crónica será el cómic, tal y como podemos comprobar en pinturas como El intruso. En ella un personaje ha irrumpido de repente en la obra de Picasso: es nada menos que el Guerrero del Antifaz, protagonista de la colección de tebeos que alcanzó enorme popularidad durante la España de los años cuarenta. Este héroe medieval que, espada en mano, arrasa con aquello que se interpone en su camino, parece alusión clara al franquismo y a la represión.

Equipo Crónica, El intruso, 1969

En otra pieza de la serie, la serigrafía Guernica, el caballo, el candil y la lámpara del techo que aparecen en el lienzo del malagueño, se combinan con los colores brillantes propios del cómic y con un recurso fundamental de este tipo de publicaciones como es la onomatopeya (Whaam!). Un elemento éste que sin duda nos recuerda la de obra otros artistas pop, especialmente Lichtenstein, y que en la serigrafía del Equipo Crónica acompaña al dibujo para acentuar el tono violento y “explosivo” de la composición.

Equipo Crónica, Guernica, 1971

También La visita despierta cuanto menos la curiosidad del espectador: las figuras del cuadro de Picasso parecen intentar escapar del lienzo en que se encuentran, ante la llegada a la sala de miembros representantes del poder y de las instituciones políticas, que de nuevo se ven así cuestionadas.

Equipo Crónica, La visita, 1969

La serie Guernica (a la que también pertenecen Después de la batalla y El embalaje) aúna por tanto los recursos figurativos del Pop con una fuerte condena a la situación política y social, rasgo este último que caracteriza al Pop Art español frente al realizado en otros países. Y qué mejor que realizar esta condena recurriendo a Picasso y a su Guernica, denuncia por excelencia de las miserias y violencia que la dictadura y la guerra habían dejado a su paso.

Equipo Crónica, El embalaje, 1969

A pesar de la distancia artística e histórica que puede existir entre la obra de Picasso y el arte pop del Equipo Crónica, ambos parecen encarnar las palabras que en su día el pintor malagueño pronunciara a un periodista:

“¿Qué cree usted que es un artista? ¿Un imbécil que sólo tiene ojos si es pintor, oídos si es músico o una lira que ocupa todo su corazón si es poeta? Bien al contrario, es un ser político, constantemente consciente de los acontecimientos estremecedores, airados o afortunados a los que responde de todas maneras. No, la pintura no se hace para decorar pisos”.

Fuente: La estela de Picasso

"LA SÉPTIMA CRUZ", PELÍCULA DE FRED ZINNEMANN BASADA EN LA NOVELA DE LA ESCRITORA COMUNISTA ANNA SEGHERS

Título original: The Seventh Cross
Año: 1944
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Director: Fred Zinnemann
Guión: Helen Deutsch (Novela: Anna Seghers)
Música: Roy Webb
Fotografía: Karl Freund
Reparto: Spencer Tracy, Signe Hasso, Hume Cronyn, Jessica Tandy, Agnes Moorehead, Herbert Rudley, Felix Bressart, Ray Collins, Alexander Granach, Katherine Locke, George Macready, Paul Guilfoyle
Sinopsis: En la Segunda Guerra Mundial, siete prisioneros consiguen escapar de un campo de concentración nazi. El comandante del campo ordena que se claven siete cruces en siete árboles para enterrarlos cuando sean capturados.

Fred Zinnemann en 1944 lleva a la pantalla una de las novelas antifascistas más emblemáticas de todos los tiempos, La séptima cruz, de la escritora comunista Anna Seghers. Protagonizada por un convincente Spencer Tracy, esta película decepciona al lector de la novela, con todo se trata de uno de los títulos más combativos del cine antifascista norteamericano, y de las más difundidas.

En plena Alemania nazi, un grupo de siete prisioneros logra huir de un campo de concentración, el cual está al mando de un poderoso comandante. Este hombre inicia la búsqueda para dar con ellos a la vez que ordena la construcción de siete cruces destinadas al sacrificio de los prisioneros. Pero sólo uno de ellos, George Heisler, consigue terminar la operación, tras la cual se refugia en Meinz. Allí espera obtener documentación falsa que le permita salir de Alemania. Pero, uno tras otro, todos sus planes fracasan. Su contacto es detenido por la Gestapo, y sus amigos, temiendo las represalias nazis, se niega a ayudar a un fugitivo, ya que esta acción se paga con la muerte. Un modesto obrero le recoge en su vivienda, pero también cae en manos de la policía.

VER PELICULA EN CASTELLANO:

"DE LA NECROPOLÍTICA NEOLIBERAL A LA EMPATÍA RADICAL", NUEVA PUBLICACIÓN DE CLARA VALVERDE

De la necropolítica neoliberal a la empatía radical
Violencia discreta, cuerpos excluidos y repolitización
Clara Valverde Gefaell
Editorial Icaria
ISBN: 9788498886825
Año Publicación: 2015
Páginas: 144
PVP: 13 €

“La ‘necropolítica’ es la política basada en la idea de que para el poder unas vidas tienen valor y otras no". Esta contundente frase nos la dice Clara Valverde autora de De la necropolítica neoliberal a la empatía radical. Este libro nos desvela un exterminio silenciado: como los poderosos dejan morir a los excluidos. La necropolítica analiza la gestión de la muerte que practican nuestros gobernantes con recortes y políticas alimentan la desigualdad y la exclusión de nuestros cuerpos.

La necropolítica (del griego «necro», muerte) del neoliberalismo no necesita armas para matar a los excluidos. Mediante sus políticas, los cuerpos que estorban viven muertos en vida o se les deja morir porque no son rentables. Pero como no es suficiente con mantenerlos sin acceso a comida, a techo o a atención sanitaria, se desarrollan políticas y formas de violencia discreta que aceleran su muerte y que aseguran que estén al límite de la vida con el «privilegio» de sobrevivir. Porque aun desde su exclusión, desde los espacios «intermedios» en los que habitan, los marginados son una amenaza. Sin darse cuenta ni proponérselo, esos cuerpos resonantes actúan como altavoces que ponen en evidencia todas las injusticias del neoliberalismo. Y eso, los poderosos no lo van a tolerar porque tiene el potencial de inspirar, en el resto de la sociedad, la repolitización, una empatía radical que se podría convertir en revuelta.

Entre los cuerpos excluidos en los que se enfoca este libro, se profundiza de manera más detallada en la situación de los enfermos de Síndromes de Sensibilización Central como ejemplo de las motivaciones y consecuencias de la necropolítica del neoliberalismo.

Clara Valverde Gefaell, su autora, es una escritora, activista y conferenciante especializada en biopolítica y vinculada a movimientos sociales como el #15M. Estudió enfermería y Counselling en Canadá y ha sido profesora de enfermería durante décadas. Es, también, autora de Desenterrar las palabras y No nos lo creemos.

Entrevista a Clara Valverde en Rebelión (I): http://www.rebelion.org/noticia.php?id=206234

Entrevista a Clara Valverde en Rebelión (II): http://www.rebelion.org/noticia.php?id=206574


Santiago López Petit, autor del prólogo, ha sido catedrático de Filosofía en la Universidad de Barcelona. Formó parte de los movimientos obreros autónomos de los 70 y siempre ha mantenido una actitud crítica ante el presente. A continuación, adjuntamos el prólogo:

http://www.icariaeditorial.com/pdf_libros/Necropolitica.pdf

"EL ARTE DE NUESTROS DÍAS", TEXTO DEL ARTISTA COMUNISTA ALEKSANDER DEINEKA

"EL ARTE DE NUESTROS DÍAS" (1918)

Libremente y sobre lo libre queremos hablar hoy, en el día de la Unión de Trabajadores del Arte, en el día de la fiesta del arte. Vistamos entonces nuestras almas con galas festivas y pasemos este día alegre y agradablemente. No vamos a renegar hoy, ni tampoco a reírnos malévolamente de esos viejecitos con togas deshilachadas que de manera pomposa se hacen llamar “profesores”. Tendámosles mentalmente, pues, nuestra mano y apretemos con fuerza las suyas, pues estos viejos y pesados sueños son las mortecinas páginas de los libros del pasado. Mejor, olvidemos eso. A nosotros, que tenemos nuestros pensamientos en los días futuros, no nos resultan espantosos esos sueños tan pesados. Porque somos jóvenes, como la primavera, como nuestra libertad. Ahora, somos libres en el arte, libres no sólo en el exterior, de forma aparente, sin las protestas torcidas de los días pasados, cuando, con las caras maquilladas y las muecas de un payaso, gozábamos interiormente de los males del arte. No, ahora vemos la libertad, es nuestra y por eso creo profundamente en el gran arte de nuestros días. El hermoso arte de la contemporaneidad: es lo más juvenil, limpio y hermoso que personificamos en él.

¿Quién se queda al margen de nuestros días? ¿Quién los vive con indiferencia? Los brillantes avances, los saltos titánicos del proletariado son como el sol: ¡cómo nos gustaría dibujar miles de piedras preciosas multicolores y tallar en ellas esta lucha heroica de las masas proletarias! ¡Qué triste parecía el artista en aquellos días grises y prosaicos de la vida! ¿Cómo pudo él encarnar y representar a nuestro pueblo? Y hablo de pueblo, pues el artista es sólo un miembro más de ese pueblo. ¡Y qué orgullosos de su propio pueblo deben sentirse los artistas de nuestros días al realizar su gran trabajo creativo! ¡Cómo nos gustaría hablar en términos luminosos del arte, de la belleza, de esa faceta de nuestra vida, cuando paseamos en sueños nuestra mirada por las líneas y colores bajo el ruido sordo de nuestro trabajo creativo, bajo el zumbido y los silbidos de las máquinas!

El colectivo artístico debe hablar límpida e infantilmente, con colores, de sí mismos y plasmar sus sentimientos en los templos de la modernidad. Nuestros pensamientos deben ser claros, claros y hermosos. Deben ser brillantes y alegres, deslumbrantes de sol, como la libertad. ¡Que no encuentren mezquindad en ellos como en esa fotografía de la vida, gris y repelente, como una eterna rumia! ¡Da igual que, vistos así, de manera superficial, se muestren insolentes, parezcan inacabados o resulten incomprensibles! ¡Que los gritos de las canciones, los colores y las líneas se alcen libremente desde el pincel y que a los pequeño-burgueses obtusos les parezcan absurdos! ¿Acaso están dotados para advertir ese baile festivo de colores que sale del pincel, esa esbelta retahíla de líneas que hablan de la belleza de las fábricas, del trabajo y la creación colectiva? Los cuadros de esta contemporaneidad son como un sueño, un claro y brillante sueño infantil, que no tiene cabida en el marco de la realidad. Son cuentos, cuentos del proletariado que crea su propia vida resplandeciente. Contemplen con mirada penetrante el alma de esos cuadros y verán con qué claridad, con qué fuerza se representa en ellos todo lo que crea el proletariado. Hemos amado nuestros días y nuestro arte. Se trata de nuestra vida y del gran, poderoso y creativo comienzo de nuestro pueblo creador.
[ ]

Tenemos ante nosotros un enorme trabajo. Amistosamente, codo con codo, nos ponemos a la tarea y comenzamos a tejer el gran e invisible tapiz de nuestras obras sobre el fondo rojo de nuestros días. Grande, sonoro y brillante como el Sol y rojo como el vivo emblema de la lucha revolucionaria.

¡Gloria a los creadores del pasado, a aquellos artistas que, como etapas brillantes de aquel camino largo y gris del arte burgués, nos regalaron grandes ejemplares de belleza! ¡Gloria a esos profetas que, viviendo en un entorno gris y superficial, supieron vislumbrar los sueños diamantinos del futuro! No caerán en el olvido y nosotros avivaremos su fe aún con más resplandor con la luz única, enorme y resplandeciente de la libertad. Su fe es la nuestra. Olvidemos ese pasado gris y sirvamos gozosos a nuestro Arte, pues ¿qué puede ser más resplandeciente que la libertad y el arte libre?

Publicación original en ruso: Deineka, Aleksandr, “Iskusstvo náshij dniey”, Nash dien (19 agosto 1918), p. 12.Traducción del texto original ruso de Rafael Cañete.

Fuente: Aleksander Deineka (1899-1969). Una vanguardia para el proletariado. Fundación Juan March

HIRU PUBLICA "CON LA GUERRILLAS DEL VIETCONG", DE MADELEINE RIFFAUD

Con las guerrillas del Vietcong
Madeleine Riffaud
Editorial Hiru Argitaletxea
1ª ed.(15/09/2015)
240 páginas
17x14 cm
Encuadernación: Rústica
15€

A los 40 años de la victoria de Vietnam sobre los EEUU hemos querido rendir un sencillo homenaje a este pueblo heroico, cuya sabiduría, fortaleza, coraje y resistencia han sido y siguen siendo ejemplo y referente para todos los revolucionarios del mundo.

Madeleine Riffaud, poetisa, periodista y corresponsal de guerra, nació en Arvillers (Somme, Francia) en agosto de 1924. Se incorporó a la Resistencia francesa con 18 años bajo el nombre de Rainer, y participó en muchas acciones contra la ocupación nazi. Capturada y entregada a la Gestapo, fue torturada por los alemanes, y después por los franceses, sin que lograran que rompiera su silencio, por lo cual fue condenada a pena de muerte, a la que escapó gracias a la insurrección de París, para reincorporarse nuevamente a la lucha de la Resistencia.

A partir de 1945 escribió para el diario L’Humanité, cubriendo distintas guerras, entre ellas la guerra de Argelia, en donde fue víctima de un atentado de la OAS. En cuanto se recuperó, partió para cubrir la guerra de Vietnam, viviendo en la selva codo a codo con la guerrilla del Vietcong, bajo los bombardeos americanos y relatando al mundo episodios de la guerra vividos sobre el terreno.

Este es un libro escrito en primera persona, un testimonio de primera mano que nos relata, con una fina sensibilidad, cómo era la vida en la jungla y la lucha de la guerrilla para enfrentar una guerra enormemente despiadada y destructiva, en la que el pueblo de Vietnam demostró al mundo que la tecnología poco podría hacer cuando ante sí se levantaba un pueblo que tenía muy claro por qué luchaba. Este libro fue publicado por primera vez en París en 1965.

La guerra de Vietnam marcó a varias generaciones. Este libro es un homenaje a los vietnamitas y también a todos los que lucharon desde sus respectivos países por acabar con esta guerra imperialista que sacudió al mundo.

"EVASIÓN O VICTORIA", PELÍCULA BASADA EN EL "PARTIDO DE LA MUERTE"

Título original: Victory
Dirección: John Huston
País: EE.UU.
Año: 1981
Duración: 116 min.
Guion: Evan Jones y Yabo Yablonsky
Música: Bill Conti
Fotografía: Gerry Fisher
Reparto: Michael Caine: Capitán John Colby, Sylvester Stallone: Capitán Robert Hatch, Max von Sydow: Major Karl von Steiner, Anton Diffring: Locutor de Radio, Julian Curry: Coronel Shurlock, Michael Wolf: Lang, Carole Laure: Renée, Gary Waldhorn: Mueller, Ferreux: Jean Paul y Clive Merrison: El falsificador
Sinopsis: La película está inspirada en un hecho real llamado El Partido de la Muerte. El 9 de agosto de 1942, el FC Start, un equipo de ex-jugadores del FC Dinamo de Kiev (en su mayor parte) se enfrentó al más potente equipo alemán, en la época en que Ucrania estaba ocupada por el III Reich. Los jugadores del FC Start, a pesar de ser advertidos de que, en caso de vencer, serían ejecutados, ganaron y humillaron a los alemanes para el delirio colectivo. Pocos días después las amenazas se cumplieron. A pesar de estar inspirada en este hecho real, la historia de la película varía un poco con respecto a la misma. La película está ambientada hacia 1943 en el campo de concentración de Gensdorff. Un oficial alemán visita el campo y ve a unos prisioneros jugar al fútbol, y, al recordar que había sido jugador antes de la guerra, se le ocurre organizar un encuentro entre una selección de futbolistas alemanes y los prisioneros.

Medio en broma, medio en serio, Osvaldo Ardiles llegó a afirmar un día, que aquel fue "el mejor partido de su vida". Metido en la piel del prisionero de guerra Carlos Rey, el exfutbolista argentino abanderó junto a un lesionado Pelé la reacción de la escuadra aliada frente a una selección alemana de la Wehrmacht en el que sigue siendo, para una inmensa legión de cinéfilos amantes del balón, el mayor tributo que el mundo del celuloide le ha hecho al balompié: 'Evasión o victoria' (Escape to Victory), dirigida en 1981 por el genial John Huston.

En la película el memorable duelo quedaba situado en la ciudad de París, pero el rodaje se realizó en Budapest, donde el equipo de producción encontró una réplica casi exacta del que fuera escenario de la final del Mundial de 1938: el Nándor Hidegkuti Stadion, propiedad del Magyar Testgyakorlók Köre (Club de la Juventud Magiar) o MTK, uno de los grandes clubes del fútbol húngaro.

No obstante, fue el rodaje de aquel épico encuentro que combinó estrellas cinematográficas (Michael Caine, Sylvester Stallone y Max von Sidow) con una ristra magnífica de jugadores/artistas (Pelé, Bobby Moore, además de Osvaldo Ardiles, John Wark, Kazimierz Denya, Paul Van Himst, Co Prins, Mike Summerbee, Russell Osman, Soren Lindsted o Gordon Banks, que asesoró a Stallone en su papel de portero), lo que acabó por darle al estadio relevancia universal por ser el lugar elegido para que, entre otros detalles, O'Rei ejecutara la más perfecta de las chilenas que haya podido ver el gran público a través de la gran pantalla.

Pero los días de vino y rosas de este pequeño estadio, levantado en 1912 en el octavo distrito de Budapest, el de Józsefváros, y reconstruído después de la Segunda Guerra Mundial, tocaron a su fin recientemente con la demolición de sus graderíos para llevar a cabo la construcción del nuevo hogar del MTK.

Aunque nunca será comparable al mítico penalti de Antonin Panenka a Sepp Maier que dio el triunfo a Checoslovaquia en el Europeo de 1976, a buen seguro que los cinéfilos más nostálgicos guardan como oro en paño en su disco duro la imagen del estrambótico Hutch 'el Masajista' (interpretado por el histriónico Sylvester Stallone) deteniendo en el descuento una pena máxima a la estrella alemana Baumann (Werner Roth), lo que mantuvo el 4-4 en el marcador y fue el detonante de la invasión final de aficionados que se llevaron en volandas a sus nuevos héroes camino de la libertad.

Sobre el hecho real que inspiró la obra del gran John Huston, la sinópsis de la película aclara que se basó en el llamado Partido de la Muerte. Así, el 9 de agosto de 1942, el FC Start, un equipo de exjugadores del FC Dinamo de Kiev (en su mayor parte) se enfrentó al más potente equipo alemán, en la época en que Ucrania estaba ocupada por el III Reich. Los jugadores del FC Start, a pesar de ser advertidos de que, en caso de vencer, serían ejecutados, ganaron y humillaron a los alemanes para el delirio colectivo.

Fuente: Mariano Asenjo Pajares (Mundo Obrero)

VER PELÍCULA:

MONUMENTO AL "PARTIDO DE LA MUERTE", DE ANATOLY KHARECHKO

Monumento a los jugadores del "Partido de la Muerte"
Anatoly Kharechko
1981
Bronce
Start Stadium, Kiev (Ucrania)

En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Ucrania era una de las republicas socialistas soviéticas que formaban parte de la URSS. Kiev, la capital, fue ocupada por los nazis hasta el 6 de noviembre de 1943, y durante esos años la ciudad estuvo llena de refugiados de guerra que se les despojó de todos sus bienes y para los que sobrevivir a un nuevo día era toda una odisea.

Una de las cosas que suprimieron los alemanes fué el campeonato nacional de futbol, entre los más damnificados se encontraba el Dynamo de Kiev, pues estaba fundado por miembros de la policía comunista. Pero un panadero ucraniano de origen alemán llamado Josef Kordyk, y amante del futbol que había sido seguidor del prohibido equipo, reconoció enseguida en la calle a un mendigo ucraniano que no era otro que Nikolai Trusevich, portero y antigua estrella del Dynamo, su equipo favorito. Viendo su lamentable estado le ofreció trabajo para limpiar su panadería.

Disfrutando de las historias de los años dorados que le contaba el jugador de futbol, Kordyk tuvo el sueño de reunir a todos los antiguos jugadores de su equipo favorito y fundar un club de fútbol. Con la ayuda de Trusevich, localizó entre los mendigos al resto de caídas estrellas y les ofrecio trabajo para ocultarlos de los soldados nazis, pero no pudo completar del todo su equipo, de modo que también dio trabajo a algunos jugadores del Locomotiv, todos ellos recomendados por el guardameto Trusevich. La lista de jugadores estaba integrada por 8 jugadores del Dinamo Kiev (Nikolai Trusevich, Mikhail Svyridovskiy, Mykola Korotkykh, Oleksev Klimenko, Fedir Tyutchev, Mikhail Putistin, Ivan Kuzmenko y Makar Goncharenko) y 3 del Lokomotiv (Vladimir Balakin, Vasil Sukharev y Mikhail Mielnizhuk).

De manera clandestina, recuperaron la única pasión que podían tener, volver a jugar al fútbol, y para evitar el acoso nazi, cambiaron el nombre de Dynamo de Kiev. Así nació el FC Start, que jugaría contra los conjuntos que los alemanes habían formado en sus diferentes ejércitos.

Que los nazis contaran con los ucranianos para enfrentarse, era una política publicitaria sobre las dotes superiores de la raza aria y una forma de herir el orgullo del país invadido, ya que, al estar enfermos, soportar largas jornadas de trabajo y una deficiente alimentación los del Start eran carne de cañón para perder sus encuentros por goleada ante las mejor alimentadas escuadras alemanas. Hasta tres jugadores del Start habían sufrido neumonía y uno, Vladimir Balakin, llevaba dos semanas sin comer cuando fue reclutado por Trusevich . A los ucranianos les servía para obtener algún dinero, en tan desequilibrados partidos de fútbol. La liga la componían cinco equipos alemanes y el Start, formado por jugadores soviéticos. Pero los resultados empezaron a cambiar, pues los del Start gracias a su enorme calidad futbolistica comenzaron a ganar partidos.

El 7 de junio de 1942, el Start vapuleó por 7-2 al Rukh; días más tarde, derrotó por 6-2 a otro conjunto integrado por soldados alemanes y húngaros; después llegaría el 11-1 frente a un conjunto de soldados rumanos que apoyaban a los nazis. A los alemanes se les helaron las sonrisas displicentes del inicio, así que decidieron enfrentar al FC Start con el MSG de la ocupada Hungría. Era la mejor formación de cuantas había en las naciones ocupadas, pero volvieron a ganar por 5-1, haciendo que la fama del modesto equipo de panaderos corriera como la espuma.


Aquello supuso el principio del fin, a pesar de las restricciones informativas de los alemanes, los éxitos del Start corrían como la pólvora y elevaban la moral del pueblo y de los países limítrofes. Aquello se convirtió en una cuestión de Estado para las fuerzas invasoras, algunos nazis propusieron detener y fusilar a todos jugadores, pero los altos mandos sabían que aquello no haría más que aumentar la leyenda del modesto equipo, y decidieron antes de fusilarlos, organizar un partido oficial contra una selección compuesta por los mejores jugadores alemanes de las Luftwaffe (las fuerzas armadas nazis), así se confirmaría la supremacía alemana en el deporte, una obsesión del régimen, el equipo nazi fue denominado Flakelf, pese a ello, acabaron perdiendo 5-1 frente al Start.

El Flakelf muy ofendido y con los altos cargos alemanes muy enfadados pidió la revancha, y se preparó a conciencia sabiendo todo el prestigio que se jugaban, y llegó el gran día, el 16 de agosto de 1942, en el estadio Zenit, y con los palcos repletos de autoridades y mandos nazis, iba a comenzar un partido que desafiaría a todo el régimen de Hitler y sería conocido a partir de ese día como “El partido de la muerte”.


Anuncio del partido

Un oficial de las SS fue nombrado árbitro y en el vestuario aconsejó a los componentes del FC Start que perdieran el partido e impuso como condición esencial que el Start efectúe el saludo nazi. La respuesta de los ucranianos fue rotunda: se negaron a realizar el saludo nazi durante la presentación de los equipos, y nada mas empezar el partido, los jugadores saludan con la mano en el corazón ante el asombro de los presentes, en lugar de decir “!Heil Hitler¡”, gritaron “!Fizculthura¡”, un eslogan soviético que proclamaba la cultura física.



Con el pitido inicial, los alemanes empiezan de manera más que agresiva golpeando indiscriminadamente y sin disimulo a los jugadores del Start ante la impasividad del colegiado. Al descanso, los alemanes se adelantaron en el marcador, el gol nazi llegó después de que a Trusevich le hubieran dado una patada en la cabeza y se encontrara tendido en el césped, Kuzmenko y Goncharenko daban ventaja por 2-1 a los panaderos. El comandante de ocupación, Eberhardt, baja al vestuario local y tras decir a los jugadores del Star que Alemania nunca ha perdido en un territorio ocupado, advierte con su arma en la mano que ganar traerá consecuencias, pero eso no parece asustar al equipo que vuelve en el segundo tiempo con mas fuerza que nunca, y a pesar de las duras entradas, los ucranianos meterían 3 goles más. Hacia el final del partido, con el 5-3 en el marcador, Klimenko cogió el balón en la defensa y sorteó a cuantos nazis le salían al paso, incluido el portero. En la misma línea de gol, se paró, cambió la orientación y chutó al centro del campo mientras se reía de los alemanes, un gesto de desprecio que hizo que la delegación alemana se retirase. El destino estaba escrito.

Una semana después del partido, la mayoría de jugadores del FC Start fueron arrestados y torturados cruelmente por la Gestapo (policía secreta alemana), acusandoles de pertenecer a la policía comunista. Uno de los futbolistas, Mykola Korotkykh murio mientras era torturado. El resto del equipo fueron mandados al campo de concentracion de Syrets, cerca de Kiev. Alli fueron ejecutados Ivan Kuzmenko, Oleksev Klimenko y el guardameta Nikolai Trusevich, que murió con la camiseta puesta, en febrero de 1943.

Kiev fue liberado en noviembre de ese año, pero no fue hasta después de la caída de la antigua URSS, que esta historia no se divulgó. El 16 de noviembre de 1943, Izvestia fue el primer periódico en informar de la ejecución de los deportistas por los alemanes, aunque el partido en sí no fue mencionado. Solo tres, Fedir Tyutchev, Mikhail Sviridovskiy y Makar Goncharenko lograron sobrevivir para contar una historia que sigue viva en los aledaños del estadio Lobanovsky donde una estatua rinde homenaje a aquellos héroes del Start.

Hoy en día hay un monumento frente al estadio Zenit, rebautizado como estadio Start en 1981 en su honor. Los jugadores son considerados héroes, y su historia se enseña en los colegios. Los que conservan una entrada de aquel día tienen un pase especial para ver de por vida al Dynamo de Kiev.

La historia fue contada en el libro “El partido de la muerte”, y el cineasta John Huston se basó en dichas anécdotas para realizar “Evasión o Victoria”, que contaba con grandes interpretes como Sylvester Stallone, Michael Caine, Max Von Sydow, Pelé, Bobby Moore o Osvaldo Ardiles, aunque también hay tres películas soviéticas inspiradas en estos hechos: “Dos mitades llamadas infierno”, Tercer Tiempo y “El Partido de la Muerte”.

TRINCHERA TEATRAL PRESENTA EN LA SALA MIRADOR "TRILOGÍA REPUBLICANA", UN VIAJE POR LA HISTORIA Y EL RECUERDO DE LOS OLVIDADOS

LA REPÚBLICA Y EL EXILIO, A ESCENA

Seis mujeres, tres colores, tres obras y tres maletas. Las seis mujeres son seis jóvenes españolas que montaron una compañía teatral en Argentina, Trinchera teatral, y que ahora vuelven a su tierra. Los tres colores —el rojo, el amarillo y el morado— son los de la bandera republicana con los que quieren dar voz, a partir de tres obras dramatúrgicas, a los silenciados y olvidados. En las maletas cabe toda la escenografía de cada una de las obras que a partir de hoy, y de manera consecutiva cada semana, se representarán en la Sala Mirador de Madrid. Trilogía republicana, con dramaturgia y dirección de Susana Hornos y Zaida Rico, engloba los tres espectáculos, Granos de uva en el paladar, centrado en la memoria, Pinedas tejen lirios, sobre la lucha de las mujeres a lo largo de la historia, y Auroras, en el que se pone el acento en el exilio.

El teatro ideológico, comprometido y valiente es lo que les ha unido en busca de obras que, afirman, hagan recordar nuestra historia, despierten la memoria y rebusquen en todo aquello que nos quieren ocultar de una manera u otra. Formada por Silvia Barona (productora), Clara Díaz, Maday Méndez y Ana Noguera (actrices) y Susana Hornos y Zaida Rico (actrices y directoras), esta compañía, que se presentó ayer en Madrid con vestuario de los colores republicanos, indaga en la memoria como forma de entender nuestro presente y nuestra propia identidad. Es todo un viaje de ida y vuelta para estas mujeres que en Buenos Aires escribieron y crearon las obras que hablan de España. “Todo nació del silencio en torno a nuestra historia y nuestra memoria. Hemos rascado y levantado alfombras en nuestras propias familias para dar voz a todos aquellos que se vieron obligados a callar, que fueron silenciados durante años y años”, explica Susana Hornos, autora de los cuentos en los que están basados las dos primeras obras.

El germen, el disparadero de esta trilogía, comenzó con Granos de uva en el paladar, la única que se ha visto aquí el año pasado, y en la que, envuelta en el color rojo de la bandera, habla de un pasado abierto y sin cerrar, de preguntas nunca respondidas. Centrada en más ochenta años de historia de España (los que transcurren desde la Segunda República hasta la actualidad) es una representación en torno al sin sentido de la guerra y la injusticia del olvido. Esta primera obra fue el detonante de la siguiente, Pinedas tejen lirios, en homenaje a Mariana Pineda, la mujer que en 1831 fue sentenciada a garrote vil por bordar una bandera con las palabras libertad, igualdad y ley. ¿Quiénes serían las Marianas Pinedas de hoy?, es la pregunta que late detrás de este segundo espectáculo, con fondo de color amarillo, por el que van apareciendo desde una mujer maltratada hasta una montonera argentina o una joven mexicana en Ciudad Juárez. “Todas ellas, atravesadas por las mismas ganas de vivir”, advierten las dramaturgas. Finalmente, Auroras se centra en el exilio republicano desde la mirada de cuatro niños de la guerra que se vieron obligados a viajar lejos de su patria y sus familias. El color morado guía este viaje hacia países distintos, costumbres y en ocasiones idiomas diferentes, en los que el destino de estos niños cambió para siempre.

Fuente: El País

WEB OFICIAL: http://www.fcnc.es/cnc-sala-mirador-programacion/1/en-cartel/116/trilog%C3%ADa-republicana_-auroras

LA LINTERNA SORDA PUBLICA LA OBRA DE TEATRO POLÍTICO "EL PODER SE TAMBALEARÁ"

El poder se tambaleará.
Orson Welles, Marc Blitstein.
Editrorial La Linterna Sorda
Septiembre de 2015
Precio 20€
304 páginas
Tamaño: 15 x 20cm
ISBN: 978-84-944633-0-3

En la obra ‘THE CRADLE WILL ROCK’ (EL PODER SE TAMBALEARÁ) de Marc Blitzstein confluyen cuatro de los más grandes genios del siglo XX: Bertolt Brecht, que definió los rasgos de ese nuevo teatro diseñado para intervenir en la sociedad y transformarla radicalmente, de la cual esta obra es digna heredera; Orson Welles, que la llevó a escena en una aventura política, artística y social sin precedentes y de la que dio cuenta en un guión publicado años después que se incluye en esta edición; la inteligencia colectiva del movimiento obrero que en medio de la primera gran crisis del capitalismo llevó infatigablemente su aliento emancipador hasta las partituras y los diálogos de esta pieza que publicamos; y, finalmente, Tim Robbins, que supo hacer un gran fresco del tiempo de Blitzstein, que sigue siendo aún el nuestro, en 'Abajo el telón', una película emblemática (de la que se publican aquí varias escenas) capaz de representar la energía de toda una sociedad movilizada contra la explotación y el poder.

Blitzstein escribió 'The Cradle Will Rock' para todos y, por eso, hizo una obra ágil, rica, llena de humor e ironía, sencilla, rigurosa y entusiasta. Lo necesario para abrir el camino hacia el futuro. "Cuando estalle la tormenta... el poder caerá".

El contenido completo de este libro que divulgamos es inédito. Por primera vez se traducen al castellano la obra de teatro, el guión cinematográfico y los variados artículos que se incorporan, incluyendo, además, abundante material gráfico de la época y de las obras que se abordan.

CINE PALESTINO: CREACIÓN Y RESISTENCIA

La sexta edición de la Muestra de Cine Palestino de Madrid abre sus puertas el 1 de diciembre para volver a generar un espacio que proyecte las voces palestinas habitualmente ignoradas en Occidente.

'The wanted 18', una de las películas de la VI Muestra de Cine Palestino de Madrid.

En diciembre y enero, el Cine Doré acoge la Muestra de Cine Palestino de Madrid por sexto año consecutivo. Pero, ¿qué es el cine palestino? ¿y por qué sigue teniendo sentido pensar en términos de cines nacionales? No existen criterios fijos e inamovibles para delimitar un cine nacional, dado principalmente que dichos criterios no existen tampoco para delimitar una identidad nacional o cualquier otro tipo de identidad.

Pero sí se puede pensar en cine palestino (como en otros cines nacionales) como algo distinto de los cines hegemónicos y normalizadores.

Reel Bad Arabs, cómo Hollywood demoniza a un pueblo, un documental de 2006 de Sut Jhally, explora los estereotipos que construyen la figura de "los árabes" a través de la historia del cine estadounidense: desde el misticismo exótico hasta el terrorista o el machista incivilizado.



A este cine hegemónico, como apunta Pierre Sorlin, no se le añaden etiquetas nacionales, "es Cine a secas". La alternativa a esa visión estereotipada es el borrado sistemático de la población palestina: las primeras películas rodadas en territorio palestino –los hermanos Lumière fueron los primeros en hacerlo– trataban a sus habitantes como parte del paisaje, sin voz ni cultura. Recordemos la célebre frase sionista de principios de siglo XX: "una tierra sin pueblo para un pueblo sin tierra".

El cine palestino negocia entre lo hipervisible (la kufiyya, el terrorismo, el niño que lanza piedras a los tanques) y lo invisible (una tierra sin pueblo)

Así, el cine palestino negocia entre lo hipervisible (la kufiyya, el terrorismo, el niño que lanza piedras a los tanques) y lo invisible (una tierra sin pueblo); y, mediando entre ambos polos, aporta una alternativa visual, una articulación posible de la existencia y experiencia palestinas, una práctica de resistencia, como diría Hamid Dabashi en una de las pocas monografías que existen sobre ello.

El cine palestino, lejos de construir una identidad monolítica o de homogeneizar sus discursos en pos de la lucha contra la ocupación, expresa una multiplicidad de relatos y formatos, reflejo de la heterogeneidad de la comunidad palestina.

Y gran parte de la responsabilidad de esta diversidad la tienen las mujeres cineastas. El debate sobre nación va unido siempre al debate sobre género, y las artistas palestinas, como muchas otras de naciones no occidentales, han sabido agrietar el sujeto monolítico de la revolución, sin por ello caer en las trampas de la narrativa neocolonial, haciendo malabares entre, por un lado, las acusaciones patriarcales y nacionalistas de 'traición a la raza' y, por el otro, la fantasía orientalista de salvación occidental.



La Muestra de Cine Palestino de Madrid intenta recoger esta variedad de discursos y, en su sexta edición, sigue teniendo la misma filosofía que tenía al principio: priorizar el trabajo de mujeres y jóvenes; y no ocupar nunca la posición de "hablar sobre Palestina" o "en nombre de Palestina", sino colaborar en la generación de un espacio donde se proyecten más las voces que ya tienen de por sí los y las palestinas.

Cinco largos, dos mediometrajes, seis cortos, documental, ficción, cine experimental, animación, videoarte… que comienzan a proyectarse el martes 1 de diciembre con el galardonado documental animado The Wanted 18, sobre el secuestro de dieciocho vacas por parte del estado israelí, dado su condición de amenaza contra la seguridad nacional. Su director, Amer Shomali, ironiza: "para la gente, simpatizar con una vaca es más fácil que simpatizar con la población palestina".



Decía Deleuze en una entrevista con Toni Negri: "Pregunta usted si las sociedades de control o de comunicación no suscitarán [otras] formas de resistencia. Yo no sé, quizá. Pero no en la medida en que las minorías puedan tomar la palabra. Tal vez la palabra, la comunicación, están podridas. Crear siempre ha sido una cosa distinta que comunicar".

El cine no sólo abre una ventana a otras intimidades, sino que permite participar de ellas. No se trata sólo de 'decir', de 'comunicar' algo distinto, sino de construir la posibilidad de otras realidades diferentes de las hegemónicas, la posibilidad de crearlas, de habitar las grietas que se abren en los márgenes: cine que es más que cine, que es resistencia y supervivencia.

Fuente: Loreto Ares, Diagonal Periódico

WEB VI MUESTRA DE CINE DE PALESTINO DE MADRID 2015: http://muestracinepalestino.com/mcp-madrid-2015/

"MI GUERRA DE ESPAÑA", DE MIKA ETCHEBÉHÉRÉ, DESCARGABLE EN INTERNET

Mika Etchebéhère (Mika Feldman), argentina de padres rusos, llegó a Madrid el 12 de julio de 1936 para reunirse con su marido. Seis días después de su llegada se produce el levantamiento del ejército, y la pareja de revolucionarios, de inspiración trotskista, se une a la Columna del POUM. En el frente de Guadalajara, muerto su marido, Hipólito Etchebéhère, al mes de entrar en combate, Mika asume la responsabilidad de la columna donde, con la posterior militarización de las milicias, alcanzará el grado de capitana (única mujer con mando de tropa en la guerra de 1936-39). Pero el relato de ese periodo va mucho más allá de la exposición del horror de la guerra. "Mi guerra de España" es, sobre todo, la narración lúcida y emocionada de una mujer que no sólo tuvo que enfrentar los prejuicios de sus propios camaradas, sino las intrigas y persuciones de los agentes de Stalin contra el proceso revolucionario que se desarrollaba en el bando republicano. Sin embargo, en estas memorias no hay la mínima concesión al heroismo militarista. Al contrario, la prosa directa e intensa de este libro nos pone ante el testimonio de una mujer que no esconde sus vacilaciones, sus decepciones, sus contradicciones; sentimientos todos de una capitana atípica, como no podía ser de otro modo, en una mujer "carente del mandamiento del odio", pero imbuida de un insobornable espíritu revolucionario que mantendría hasta el final de sus días en París, en 1992.

DESCARGAR LIBRO COMPLETO EN PDF: http://descargas.localcambalache.org/mi_guerra_de_espana.pdf

LA EDITORIAL SEXTO PISO PUBLICA LA NOVELA GRÁFICA "CHE GUEVARA. UNA VIDA REVOLUCIONARIA"

Che Guevara. Una vida revolucionaria
Jon Lee Anderson, José Hernández
Año de publicación: 2015
Autor: Jon Lee Anderson y José Hernández
Formato: 21 x 27 cm.
Páginas: 172
ISBN: 978-607-9436-15-5

El Che Guevara es sin duda uno de los personajes más relevantes e icónicos del siglo XX. De entre las muy numerosas biografías y aproximaciones a una figura tan fascinante y enigmática como la suya, sin duda la biografía escrita por Jon Lee Anderson, Che Guevara. Una vida revolucionaria, es ampliamente considerada como la mejor y la más completa, pues entre muchas virtudes, contó con acceso privilegiado a diarios del Che y a otros materiales que ningún periodista había podido consultar jamás.

En esta adaptación a versión de novela gráfica realizada por el gran monero, novelista gráfico y caricaturista político José Hernández, la vida y obra del Che, así como los acontecimientos que produjeron la Revolución cubana, adquieren una nueva dimensión. A través de un trazo prodigioso y una narrativa que rinde justicia a las virtudes y contradicciones de un personaje a la vez tan heroico y trágico como el Che Guevara, esta primera entrega titulada Libro 2: Cuba, revive con asombrosa precisión, colorido y dramatismo el periodo que abarca desde el embarco con destino incierto, a bordo del legendario Granma, hasta la partida del Che rumbo al Congo, para dar cauce a su inextinguible deseo de trastocar para siempre el orden del mundo.

GALERÍA DE IMÁGENES DE "CHE GUEVARA. UNA VIDA REVOLUCIONARIA": http://elpais.com/elpais/2015/11/28/album/1448751455_750216.html#1448751455_750216_1448752215

"BERLIN, DUTSCHKE!", DEL ARTISTA COMUNISTA EMILIO VEDOVA

Berlin, Dutschke!

Emilio Vedova

1968

Offset

81,5 x 60 cm

Este poster pertenece a una serie de seis en los cuales Vedova yuxtapone partes de diversos conflictos del mundo. 

Rudi Dutschke, fue un sociólogo marxista, político e importante representante del 'movimiento del 68', una serie de emblemáticas movilizaciones civiles y estudiantiles en Alemania. El 11 de abril de 1968, Dutschke fue atacado por un joven de ultraderecha que le disparó tres veces a la cabeza. Sobrevivió, pero nunca pudo superar las secuelas. El 24 de diciembre de 1979, mientras tomaba un baño, sufrió un ataque de epilepsia consecuencia de las secuelas del atentado, muriendo ahogado. 

Un año antes también fue tiroteado en Berlín el estudiante Benno Ohnesorg el 2 de junio de 1967.

Estos collages eran sorprendentemente diferentes de las obras abstractas de pintura de Vedova. Sin embargo, el artista ha mantenido su preferencia por el contraste de blanco y negro, que también impregna sus pinturas.

"VENEZUELA DESDE ABAJO", DOCUMENTAL DE DARIO AZZELLINI Y OLIVER RESSLER

Venezuela desde abajo
Autores: Dario Azzellini & Oliver Ressler
Duración: 67 Minutos
Año: 2004

En Venezuela, desde que el presidente Hugo Chávez ganó las elecciones presidenciales en 1998 y asumió el gobierno, se da una profunda transformación social denominada "Proceso bolivariano". Se trata de un amplio proceso de auto-organización, desde el cual se desarrollaron una nueva constitución progresista, unas leyes de trabajo, nuevas posibilidades de educación y formación y muchas más reformas a favor de la mayoría pobre de la Venezuela potencialmente rica. La política de gobierno, opuesta abiertamente a muchos paradigmas neoliberales, es fuertemente combatida por los grandes empresarios venezolanos y el gobierno de EEUU, lo cual se manifestó en dos intentos de golpe de estado. Sin embargo, Chávez y su gobierno gozan de la confianza de la mayoría de la población. La sociedad está fuertemente politizada: muchas personas, que anteriormente nunca pensaron en que quisieran cambiar, hoy son parte de la transformación profunda que vive el país.

En el documental "Venezuela desde abajo" hablan los verdaderos actores del proceso social: la base. Después de una introducción del filósofo Carlos Lazo, algunos obreros de PDVSA, en la ciudad de Puerto La Cruz, describen cómo, durante el golpe petrolero del 2002/2003, evitaron que cerrara la refinería y lograron reanudar la producción. Algunas campesinas de una nueva cooperativa en Aragua cuentan de su proceso de auto-organización, la campaña de alfabetización y cómo se orienta esta misión, que muchos desean que continúe.

Las imágenes describen el proyecto del Banco de la Mujer, en el estado Miranda, y algunas de sus beneficiarias quienes reciben créditos en el sector del 23 de Enero, luego de presentar sus proyectos. Una comunidad indígena del Orinoco, en el estado Bolívar, habla sobre cómo la constitución refleja sus demandas y luchas y qué ha cambiado para ellos. Obreros que tomaron la fábrica nacional de válvulas en el sector de Los Teques, de Miranda, y la fábrica de papel Venepal, en el estado Carabobo -ocupada por 350 obreros que han reasumido una parte de la producción después que el dueño la llevara a la quiebra- relatan sus experiencias con sindicatos corruptos, control obrero y sus luchas.

También tienen espacio en este video el Movimiento Revolucionario Tupamaro, la Fundación Cultural Simón Bolívar, los conductores de la página de internet www.23.net y el círculo bolivariano "Abrebrecha" del 23 de Enero. Describen su trabajo y cómo ha repercutido en ellos la transformación social. Es la gente de la base, desde abajo, que nos habla de lo hecho y de lo que está haciendo, de cómo ve el proceso bolivariano, de cuáles son sus ideas y esperanzas. Ellos se ven como parte del proceso y, sin embargo, hablan sobre problemas. La búsqueda de modelos sociales y económicos más allá del modelo neoliberal no constituye una tarea fácil ya que hasta ahora no hay alternativas desarrolladas exitosamente. Sin embargo, para los protagonistas del proceso bolivariano se ha tomado un rumbo, sin vuelta atrás.

VER DOCUMENTAL:

EL REINA SOFÍA CEDE AL CONGRESO "EL ABRAZO", DE JUAN GENOVÉS

El patronato del Museo Reina Sofía ha decidido ceder en depósito al Congreso de los Diputados el cuadro "El abrazo" de Juan Genovés, una obra pintada en 1976 que se conoce también como "Amnistía" y que está considerada un símbolo de la Transición española, han informado a Efe fuentes de la pinacoteca.

El patronato del museo ha decidido en su reunión de esta tarde acceder a la petición y ha establecido que la cesión será por tres años "renovables".

El Congreso de los Diputados inició a mediados del pasado mes de octubre el procedimiento correspondiente para solicitar al Reina Sofía la cesión en depósito del cuadro para ser expuesto de forma "permanente" en las dependencias de la Cámara baja.
Las gestiones se habían iniciado, a propuesta de IU, la anterior legislatura al considerar que la obra era un "símbolo de convivencia democrática" que debe verse en un "lugar destacado" del Congreso.

Existe una réplica del cuadro en escultura en la plaza de Antón Martín, frente al despacho de la calle Atocha, en memoria de los cuatro abogados y un administrativo que fueron asesinados por unos pistoleros de ultraderecha hace tres décadas.

Fuente: EFE

"B (LA PELÍCULA DE BÁRCENAS)", DE DAVID ILUNDAIN

Título: B (la película de Bárcenas).
Dirección: David Ilundain.
País: España. Año: 2015.
Duración: 78 min.
Género: Drama.
Intérpretes: Pedro Casablanc, Manolo Solo.
Guion: David Ilundain; adaptación de la obra “Ruz Bárcenas” de Jordi Casanovas.
Distribuidora: Avalon.
Estreno en España: 18 Septiembre 2015.

Luz y taquígrafos sobre la indecencia

597 “mecenas”, cuyos nombres figuran en los créditos finales, ayudaron a que una pequeña obra montada y dirigida por Alberto San Juan en el Teatro del Barrio de Madrid se convirtiera en una pequeña gran película, de las que consiguen abrirse paso en la jungla de las salas con un puñado de copias y sobreviven algún tiempo a los embates de un cine adocenado en poderosa competencia. El dramaturgo Jordi Casanovas había renunciado a cualquier aparato escenográfico y situó a sus dos actores, gigantes en un espacio virtualmente vacío, cara a cara con una transcripción sumarial por único libreto y herramienta dramática. Manolo Solo, como el juez Ruz y Pedro Casablanc personificando al encausado Bárcenas, el extesorero de un partido corrompido hasta la médula, se enfrentaban en un diálogo en el que el lenguaje burocrático y técnico perdía sus contornos oscuros y se tornaba milagrosamente en alegoría de la podredumbre, en reconocimiento límpido de la depravación, en confesión a las claras del envilecimiento político no castigado ni por las urnas ni por el sistema judicial.

Gracias a aquella campaña de micromecenazgo David Ilundain ha trasladado a la pantalla la palabra y el gesto de los actores principales y les ha arropado con algunos otros que estaban ausentes sobre las tablas. Fiscal del Estado, abogados defensores y de la acusación, secretaria, técnico de la grabación… en síntesis aportan sólo –en apariencia- algunas pinceladas con las que decorar una sala reducida a la máxima abstracción en la pieza teatral y algunas líneas de diálogo añadidas que enriquecen la dialéctica de la sociedad contra el acusado, pero sobre todo empañan y atenúan el carácter mítico del enfrentamiento entre el bien y el mal encarnados en el juez y el reo que adquiría la obra teatral.

Con estas mínimas diferencias visuales y argumentales el personaje de Bárcenas agranda sus dimensiones y el ímprobo trabajo de Pedro Casablanc brilla aún con más fuerza. Bárcenas es un villano arrogante que adoptando la pose de quien hasta hace nada era poderoso y se sentía intocable admite con descaro haber mentido en su primera declaración (estamos en julio de 2013 y su salida del juzgado le devuelve a la prisión de donde ha llegado) y se desdice sin ningún pudor de afirmaciones que ahora reconoce como falsas; es el hombre frío de memoria paquidérmica que va desgranando desmanes y tropelías cometidas por las máximas autoridades de su partido y de la nación, se siente herido por las amenazas sutilmente mafiosas proferidas por los abogados del PP, mensajeros de su camada política, y se muestra colérico al evocar el trato recibido de María Dolores Cospedal. Casablanc convierte a Bárcenas en un ángel del mal caído en desgracia y abandonado por su pérfido dios, una figura fascinante y odiosa, un lujo de personaje. Un lujo de interpretación. ¿Lo recordarán los académicos el próximo mes de febrero en la gala de los Goya?

Y David Ilundain proporciona al cine español algo de lo que anda tan escaso, un género tan infértil como imprescindible para la salud de una sociedad controlada y manipulada, el cine político. Un cine que no sólo habla de cuestiones de la máxima gravedad sino que se atreve a ponerle nombre y apellidos, arrebatando la máscara de la impostura a una clase política gobernante agazapada tras el control de los medios de comunicación públicos y el control de los mecanismos judiciales.

David Rivas Fraile

Fuente: Mundo Obrero


B (la película) from b la pelicula on Vimeo.

PRESENTACIÓN EN SEVILLA DEL LIBRO "THE PCI ARTISTS: ANTIFASCISM AND COMMUNISM IN ITALIAN ART", DE JUAN JOSÉ GÓMEZ

The PCI Artists: Antifascism and Communism in Italian Art, 1944-1951
Autor: Juan José Gómez Gutiérrez
Tapa dura: 255 páginas
Editor: Cambridge Scholars Pub; Edición: 1st(15 de septiembre de 2015)
Idioma: Inglés
ISBN-10: 1443880035
ISBN-13: 978-1443880039

El miércoles 25 de noviembre, a las 21h, se presenta en la librería sevillana La Fuga el libro The PCI Artist. Antifascism and Communism in Italian Art, de Juan José Gómez. El autor estará acompañado por José Luis Moreno Pestaña, profesor de filosofía en la Universidad de Cádiz

Este libro propone un marco histórico para reflexionar sobre las relaciones entre arte y política. Tras la derrota del fascismo y el inicio de la Guerra Fría, el Partido Comunista Italiano se había convertido en la mayor organización marxista de Occidente. Aunque el escenario posbélico, con el mundo dividido en dos bloques antagónicos y sus correspondientes zonas de influencia, hacían imposible un gobierno comunista en el país. Así, el objetivo inmediato del PCI no era la revolución, sino la derrota definitiva del fascismo y el establecimiento de un marco democrático desde el cual pudiese superarse la política de bloques hacia una genuina vía nacional al socialismo. Tomando como base la filosofía de Gramsci y en particular su concepto de hegemonía, el PCI pretendía alcanzar un amplio consenso en la sociedad civil como paso previo a la toma del poder y, para ello, necesitaban la colaboración de los intelectuales.

Las políticas artísticas del PCI se diseñaron según estos objetivos, incorporando representantes de todas las tendencias del momento en frentes amplios por la cultura y la democracia. En particular, las jóvenes generaciones que, en los años treinta, habían abandonado el clasicismo imperialista y autárquico característico de gran parte del arte fascista. Por entonces el modernismo internacional había servido a muchos como vía de escape de la opresiva atmósfera cultural italiana, dando lugar a una constelación de grupos locales con orientaciones variadas y distintos grados de implicación política. A finales de la década, Picasso y el Guernica marcan el camino de la confluencia de estos grupos sobre la base del compromiso político explícito y la renovación formal. Tras la II Guerra Mundial estos artistas se integraron en el aparato cultural del PCI donde entraron en relación con la cultura comunista internacional y el realismo socialista en particular. Ello no solo implicaba cambios respecto al contenido de sus obras. También supuso una transformación radical de sus recursos expresivos y su propia autoimagen como artistas.

La originalidad del arte italiano de posguerra se encuentra en los esfuerzos por integrar este complejo de influencias y debates. En tiempos donde el mundo tendía a dividirse en campos opuestos apoyados por poderosos aparatos de propaganda, los artistas comunistas italianos fueron protagonistas de un original proyecto político-cultural, a la búsqueda de la superación crítica de la cultura de bloques.

Miércoles 25 de noviembre, 21:00 h.
Librería La Fuga,
C/ Conde de Torrejón, 4, Acc.
41003 Sevilla
Tfno.: 954 38 23 40
lafuga@nodo50.org