El fondo fotográfico relativo a la Guerra Civil del Archivo Histórico del PCE está constituido por aproximadamente 3.200 fotografías y unos 2.000 negativos. Presentan un gran interés, no solo por la calidad de las mismas, si no también por la importancia de los autores de algunas de ellas: Mayo, Centellés, Alfonso, Torrents, Albero y Segovia, Gerda Taro, "Chim" (Seymour) y Robert Capa.
De la colección de negativos, destaca un conjunto formado por casi 1.300 imágenes, de las que la Universidad Complutense de Madrid presenta 800 en su colección digital. Este grupo de negativos sobresale por dos razones. Primero, debido al concepto mismo de fotografía que el autor o los autores introducen: la imagen como testimonio de hechos y como vehículo de implicación con la causa republicana. La mayoría son de una enorme contundencia, fuerza y proximidad, consiguiendo, en muchos casos, convertir al espectador en protagonista de los hechos que recogen. Segundo, por la originalidad del conjunto, al estar constituido exclusivamente por negativos originales consiguiendo que la credibilidad del documento sea total.
Están agrupados en diferentes series, como: Madrid, Valencia, bombardeos, propaganda, Frente de Aragón, la Batalla del Ebro, la Brigada Motorizada, las Brigadas Internacionales, manifestaciones, ...
Se pueden consultar y bajar libremente en este enlace: http://biblioteca.ucm.es/atencion/17952.php. A continuación, una muestra de lo que hay:
lunes, 23 de noviembre de 2015
domingo, 22 de noviembre de 2015
"SUEÑO Y MENTIRA DE FRANCO", DE PABLO PICASSO
SUEÑO Y MENTIRA DE FRANCO, EL CÓMIC POLÍTICO MÁS SATÍRICO
«La guerra de España es la batalla presentada por la reacción contra el pueblo, contra la libertad. Toda mi vida como artista no ha sido otra cosa más que una lucha continua contra la reacción y la muerte del arte. ¿Cómo podría pensar nadie ni siquiera por un momento que yo pudiera estar de acuerdo con la reacción y la muerte?... En el mural en el que estoy trabajando y al que llamaré Guernica, y en todas mis obras recientes, expreso con claridad mi aborrecimiento hacia la casta militar que ha sumido a España en un océano de dolor y de muerte». Palabras de Picasso expresadas con motivo de una exposición de carteles sobre la guerra civil española, celebrada en mayo y junio de 1937 en Nueva York.
Con estas palabras el artista manifiesta su controvertido compromiso político que reflejó en obras como Sueño y mentira de Franco, sátira contra el Golpe de Estado de julio del 36 y caricatura irónica del “Generalísimo”.
Entre el 8 y el 9 de mayo Pablo Picasso emprenderá así esta obra, realizando 12 de las 18 viñetas que conformarán dos planchas o estampas, en un primer momento pensadas como tarjetas postales individuales para el beneficio del Fondo de Ayuda a España Republicana, y cuya realización será retomada posteriormente por el artista.
Las evocaciones que sugieren los grabados son numerosas, desde el espíritu de Goya, siempre presente. esta vez en el El sueño de la razón produce monstruos, hasta su título original, Songe et Mensonge de Franco, perdiendo el juego de palabras al castellano, que nos remite a Calderón de la Barca y sus La vida es sueño o En esta vida todo es verdad y todo es mentira. Mas lo que destaca sobremanera en esta obra, y se aleja así de El Guernica, es el realismo figurativo y la claridad del mensaje en un formato muy revelador y cercano al del cómic: el general insurrecto debe ser ridiculizado y su acción caracterizada como inhumana y cruel.
La primera plancha, mucho más caricaturesca, presenta a un bufo Caudillo caracterizado por el servilismo a la Iglesia, al capitalismo y a la España más conservadora y trasnochada, realizando asimismo una denuncia de la destrucción del patrimonio artístico nacional.
Entre el 8 y el 9 de mayo Pablo Picasso emprenderá así esta obra, realizando 12 de las 18 viñetas que conformarán dos planchas o estampas, en un primer momento pensadas como tarjetas postales individuales para el beneficio del Fondo de Ayuda a España Republicana, y cuya realización será retomada posteriormente por el artista.
Las evocaciones que sugieren los grabados son numerosas, desde el espíritu de Goya, siempre presente. esta vez en el El sueño de la razón produce monstruos, hasta su título original, Songe et Mensonge de Franco, perdiendo el juego de palabras al castellano, que nos remite a Calderón de la Barca y sus La vida es sueño o En esta vida todo es verdad y todo es mentira. Mas lo que destaca sobremanera en esta obra, y se aleja así de El Guernica, es el realismo figurativo y la claridad del mensaje en un formato muy revelador y cercano al del cómic: el general insurrecto debe ser ridiculizado y su acción caracterizada como inhumana y cruel.
La primera plancha, mucho más caricaturesca, presenta a un bufo Caudillo caracterizado por el servilismo a la Iglesia, al capitalismo y a la España más conservadora y trasnochada, realizando asimismo una denuncia de la destrucción del patrimonio artístico nacional.
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| Pablo Picasso, Sueno y mentira de Franco, 1937. Aguafuerte y aguatinta al azucar con raspado, 38,9 x 57.1 cm. Las imágenes, al ser estampadas, aparecen invertidas en visión espejo. |
Si
realizamos un breve recorrido por las viñetas nos encontramos con una
primera escena en la que aparece el Caudillo como un caballero
cristiano, en una parodia de los héroes legendarios españoles El Cid o
Don Quijote, dando estocadas a su propio caballo. En la segunda escena,
el general con un enorme falo erecto hace pruebas en la cuerda floja,
caracterizando su machismo y sus alardes de combatiente, mientras que en
la tercera, Franco trata de destruir con un pico un busto de mujer,
caracterizando al insurrecto de amenaza
para la cultura. La cuarta muestra a Franco vestido de mujer,
simbolizando la cobardía. mientras que en el quinto cuadro es atacado
por un toro, símbolo quizás de la derrota del fascismo. En
el sexto cuadro, el Caudillo ora ante el tabernáculo del Capital,
rodeado de una alambrada de púas. La séptima escena, una parodia de la
Creación bíblica del mundo, muestra al general rodeado de insectos,
descansando después de acabada su obra, mientras que en la octava
escena galopa hacia el sol montado en un Pegaso. Franco atraviesa con el
asta de su bandera a la encarnación del arte poético, al Arte,
recordando quizá el doloroso bombardeo de Madrid y del Museo del Prado.
En la novena escena, el Caudillo cabalga montado en cerdo hacia el
sol,simbolizando su ocaso y la salvación de España.
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| Pablo Picasso, Sueno y mentira de Franco, 1937. Aguafuerte y aguatinta al azucar con raspado, 38,9 x 57.1 cm. Las imágenes, al ser estampadas, aparecen invertidas en visión espejo |
Cabe destacar asimismo que las planchas iban acompañadas de un poema manuscrito probablemente redactado entre el 15 y el 18 de junio, de aparente escritura automática, y en el que se dan cita prácticamente todas las características habituales de la primera poesía picassiana: el dinamismo, provocado por los gerundios o la ausencia de signos de puntuación (aparecen sólo de vez en cuando algunos guiones); la gastronomía, con el uso de prolijos términos culinarios, el españolismo, algunos elementos relacionados con el oficio de artista y, sobre todo, los chispazos de lujuria y de crueldad. A esto se podría sumar la exis- tencia en el texto de un particular y abundante bestiario, alguna referencia ridiculizante a la Iglesia y la Curia y alusiones a elementos gráficos propios de la obra: a las figuras yacentes, al caballo destripado, y referencias directas al sol o a las banderas, y una particular colección de gritos que entronca perfectamente con las últimas imágenes de la serie.
De acuerdo con Christian Zervoz, en Songe et Mensonge de Franco
Picasso ha descrito la crueldad, la estupidez y la incongruencia de un
ser que su ridiculez nadie podrá olvidar nunca. Ninguna fórmula será
capaz jamás de liberar a ese general-fantasma del círculo mágico en el
que el artista español lo ha encerrado.
Fuente: El Guernica: mito e icono
sábado, 21 de noviembre de 2015
"RED ARMY", DOCUMENTAL SOBRE LA SELECCIÓN SOVIÉTICA DE HOCKEY SOBRE HIELO
Título original: Red Army
Año: 2014
Duración: 85 min.
País: Rusia
Director: Gabe Polsky
Guión: Gabe Polsky
Música: Christophe Beck, Leo Birenberg
Fotografía: Peter Zeitlinger, Svetlana Cvetko
Sinopsis: Documental que narra los destinos cruzados de la Unión Soviética y del equipo de hockey sobre hielo conocido como "El ejército rojo": una dinastía única en la historia del deporte. El ex-capitán del equipo, Slava Fetisov, evoca su trayectoria fuera de lo común: primero adulado como un héroe nacional y luego condenado como enemigo político. Ese "Ejército rojo" es uno de los protagonistas de la historia social, cultural y política de su país: al igual que la URSS, pasa por una época de grandeza y luego llega la decadencia, y finalmente los cambios que trae la Rusia contemporánea. "Red Army", presentado por Werner Herzog y el productor Jerry Weintraub, cuenta la extraordinaria historia de la Guerra fría sobre el hielo y la vida de un hombre que se atrevió a enfrentarse al sistema soviético.
EJÉRCITO ROJO, LA PELÍCULA
Posiblemente muchos ya habríais oído hablar de ella, pero por si alguno se despista no está de más recordar el reciente estreno de Sony Pictures Classic, “Red Army”, la película. Como podéis apreciar en el cartel, no se trata de una película de cine bélico, sino de un documental deportivo, si bien, es necesario matizar que todos sus protagonistas, o la gran mayoría, son leales soldados del ejército soviético.
Como todos sabéis en los países del bloque socialista el servicio militar era obligatorio, y allá en la URSS lo más granado de sus soldados formaba parte del club deportivo CSKA. La traducción de CSKA es “Club Deportivo Central del Ejército”, es decir el club del ejército rojo. No me voy a detener en traducir las siglas y el origen de los clubs deportivos rusos, porque seguramente muchos de vosotros acabaríais comprando la elástica del Spartak o del Torpedo de Moscú por el simbolismo soviético que las mismas pueden contener.
Al caso, la película a pesar de ser un documental 100% americano en todos los sentidos, muestra con bastante detalle la que posiblemente fue la mejor selección nacional de Hockey de todos los tiempos. Con Fetisov, un jugador elevado a la categoría de leyenda, la selección soviética apenas conocería la derrota, 7 campeonatos del mundo y 2 oros olímpicos, en 12 años. Las imágenes no tienen precio, a lo largo del documental se pueden apreciar los entrenamientos de los jugadores, las escenas más emblemáticas de muchos de los partidos y nos guste o no, los testimonios aunque segados y seguramente manipulados de los propios protagonistas de la historia.
En los momentos finales del reportaje resulta interesante apreciar como la Perestroika empezó abriendo una puerta para que algunos jugadores jugaran en el extranjero y como esa puerta se acabó convirtiendo en un agujero negro que provocó la extinción de la élite deportiva del hockey soviético, deporte al que las autoridades soviéticas habían destinado tantos esfuerzos. Con la Perestroika de Gorbachov Fetisov y otros jugadores de aquella gloriosa selección de los años ochenta acabarían traicionando su patria por dinero, pero en ningún momento dejarían de demostrar que eran la élite mundial del Hockey consiguiendo también los más altos títulos en la famosa liga de hockey americano-canadiense, la NHL.
Muerta la URSS y finalizado el sueño americano Fetisov volvería a la Rusia de Putin para convertirse en político, llegando a desempeñar el cargo de Ministro de Deporte durante varios años y a presidir el CSKA. También sería capaz de ponerse la elástica del CSKA con 51 años para cubrir las bajas de los jugadores en los momentos más difíciles del club moscovita.
En resumidas cuentas, a pesar de ser una americanada merece la pena ver aquellos tiempos cada vez más lejanos en los que el deporte soviético no tenía rival.
Extraído de Vientos del Este (http://videosdeleste.blogspot.com.es/2015/10/ejercito-rojo-la-pelicula.html)
VER DOCUMENTAL CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:
http://gnula.nu/documental/ver-red-army-2014-online/
Año: 2014
Duración: 85 min.
País: Rusia
Director: Gabe Polsky
Guión: Gabe Polsky
Música: Christophe Beck, Leo Birenberg
Fotografía: Peter Zeitlinger, Svetlana Cvetko
Sinopsis: Documental que narra los destinos cruzados de la Unión Soviética y del equipo de hockey sobre hielo conocido como "El ejército rojo": una dinastía única en la historia del deporte. El ex-capitán del equipo, Slava Fetisov, evoca su trayectoria fuera de lo común: primero adulado como un héroe nacional y luego condenado como enemigo político. Ese "Ejército rojo" es uno de los protagonistas de la historia social, cultural y política de su país: al igual que la URSS, pasa por una época de grandeza y luego llega la decadencia, y finalmente los cambios que trae la Rusia contemporánea. "Red Army", presentado por Werner Herzog y el productor Jerry Weintraub, cuenta la extraordinaria historia de la Guerra fría sobre el hielo y la vida de un hombre que se atrevió a enfrentarse al sistema soviético.
EJÉRCITO ROJO, LA PELÍCULA
Posiblemente muchos ya habríais oído hablar de ella, pero por si alguno se despista no está de más recordar el reciente estreno de Sony Pictures Classic, “Red Army”, la película. Como podéis apreciar en el cartel, no se trata de una película de cine bélico, sino de un documental deportivo, si bien, es necesario matizar que todos sus protagonistas, o la gran mayoría, son leales soldados del ejército soviético.
Jugadores de la selección nacional de hockey con su uniforme de gala.
Como todos sabéis en los países del bloque socialista el servicio militar era obligatorio, y allá en la URSS lo más granado de sus soldados formaba parte del club deportivo CSKA. La traducción de CSKA es “Club Deportivo Central del Ejército”, es decir el club del ejército rojo. No me voy a detener en traducir las siglas y el origen de los clubs deportivos rusos, porque seguramente muchos de vosotros acabaríais comprando la elástica del Spartak o del Torpedo de Moscú por el simbolismo soviético que las mismas pueden contener.
Fetisov con la elástica del CSKA antes de desertar.
Al caso, la película a pesar de ser un documental 100% americano en todos los sentidos, muestra con bastante detalle la que posiblemente fue la mejor selección nacional de Hockey de todos los tiempos. Con Fetisov, un jugador elevado a la categoría de leyenda, la selección soviética apenas conocería la derrota, 7 campeonatos del mundo y 2 oros olímpicos, en 12 años. Las imágenes no tienen precio, a lo largo del documental se pueden apreciar los entrenamientos de los jugadores, las escenas más emblemáticas de muchos de los partidos y nos guste o no, los testimonios aunque segados y seguramente manipulados de los propios protagonistas de la historia.
Componentes de la mejor selección de Hockey de la historia.
En los momentos finales del reportaje resulta interesante apreciar como la Perestroika empezó abriendo una puerta para que algunos jugadores jugaran en el extranjero y como esa puerta se acabó convirtiendo en un agujero negro que provocó la extinción de la élite deportiva del hockey soviético, deporte al que las autoridades soviéticas habían destinado tantos esfuerzos. Con la Perestroika de Gorbachov Fetisov y otros jugadores de aquella gloriosa selección de los años ochenta acabarían traicionando su patria por dinero, pero en ningún momento dejarían de demostrar que eran la élite mundial del Hockey consiguiendo también los más altos títulos en la famosa liga de hockey americano-canadiense, la NHL.
Muerta la URSS y finalizado el sueño americano Fetisov volvería a la Rusia de Putin para convertirse en político, llegando a desempeñar el cargo de Ministro de Deporte durante varios años y a presidir el CSKA. También sería capaz de ponerse la elástica del CSKA con 51 años para cubrir las bajas de los jugadores en los momentos más difíciles del club moscovita.
En resumidas cuentas, a pesar de ser una americanada merece la pena ver aquellos tiempos cada vez más lejanos en los que el deporte soviético no tenía rival.
Extraído de Vientos del Este (http://videosdeleste.blogspot.com.es/2015/10/ejercito-rojo-la-pelicula.html)
VER DOCUMENTAL CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:
http://gnula.nu/documental/ver-red-army-2014-online/
viernes, 20 de noviembre de 2015
PIER PAOLO PASOLINI: "PROFECÍA" (1965). SOBRE EL FUTURO DE LA MIGRACIÓN AFRICANA A EUROPA
Alí de los Ojos Azules
uno de tantos hijos de los hijos,
llegará de Argelia, en nave
a vela y remos. Vendrán
con él millares de hombres,
cuerpecillos y ojos
de pobres perros de los padres
sobre barcas varadas en los Reinos del Hambre. Traerán consigo los niños,
y el pan y el queso, en papeles amarillentos del Lunes de Pascua.
Vendrán con las abuelas y los asnos, sobre trirremes robadas en puertos coloniales.
Desembarcarán en Crotone y en Palmi,
por millones, vestidos con harapos
asiáticos y camisas americanas.
De pronto, los calabreses dirán,
como de malandrín a malandrín:
“¡Ahí vienen los viejos hermanos,
con hijos y pan y queso!”
De Crotone o de Palmi partirán
para Nápoles, y de allí a Barcelona,
a Salónica y a Marsella,
a las ciudades de la Mala Vida.
Almas y ángeles, ratones y piojos,
con el germen de la Historia Antigua
volarán ante los valiatos.
¡Siempre humildes!
¡Siempre débiles!
¡Siempre tímidos!
¡Siempre ínfimos!
¡Siempre culpables!
¡Siempre súbditos!
¡Siempre parvos!
Ellos, que nunca quisieron saber, ellos, que sólo tenían ojos para implorar,
ellos, que vivieron como asesinos bajo tierra, ellos, que vivieron como bandidos
en el fondo el mar, ellos, que vivieron como locos en mitad del cielo,
ellos, que se construyeron
leyes fuera de la ley,
ellos, que se adaptaron a un mundo por debajo del mundo,
ellos, que creyeron en un Dios siervo de Dios,
ellos, que cantaban
las masacres de los reyes,
ellos, que bailaban
las guerras de los burgueses,
ellos, que oraban
a las luchas proletarias…
… deponiendo la honradez
de las religiones campesinas,
olvidando el honor
de la mala vida,
traicionando el candor
de los pueblos bárbaros,
tras su Alí
de los Ojos Azules – saldrán de debajo de la tierra para matar –
saldrán del fondo del mar para agredir – bajarán
desde lo alto del cielo para robar – y antes de llegar a París
para enseñarles el goce de vivir,
antes de llegar a Londres
para enseñarles a ser libres,
antes de llegar a Nueva York
para enseñarles a ser hermanos
– destruirán Roma
y sobre sus ruinas
depositarán el germen
de la Historia Antigua.
Luego, con el Papa y todos los sacramentos,
se las tendrán como gitanos
en dirección noreste,
banderas rojas
de Trotsky al viento…
El vídeo con el poema original recitado en italiano por Toni Servillo:
Traducción para www.sinpermiso.info: Antoni Domènech
Pier Paolo Pasolini (1922-1975). Resistente antifascista, comunista, escritor, poeta y cineasta italiano cuya multifacética obra le sitúa entre los intelectuales más importantes de su generación.
Fuente: www.sinpermiso.info, 15 de noviembre de 2015
jueves, 19 de noviembre de 2015
WRÓBLEWSKI O LAS DOS CARAS DE LA REALIDAD
'VERSO / REVERSO' SE PUEDE VISITAR HASTA EL 28 DE FEBRERO DE 2016 EN EL PALACIO VELÁZQUEZ DEL RETIRO.
Andrzej Wróblewski (1927-1957) es, a pesar de su corta vida, uno de los artistas polacos más importantes del siglo XX. Esta muestra, la primera retrospectiva fuera de su país, permite contemplar su obra más allá de los tópicos reduccionistas del realismo socialista o del arte periférico, a través de los cuales se ha estudiado hasta época reciente el arte de los países en la órbita soviética.
Wróblewski fue un creador de experimentos formales a caballo entre la abstracción y la figuración. “Cambió nuestro mundo o por lo menos nuestra percepción del mundo”, explica Paweł Potoroczyn, director del Instituto Adam Mickiewicz, quien destaca como manifestó una visión excepcionalmente sugerente de la guerra, la posguerra y de la degradación humana, basada en su profundo compromiso político.
“Se suele enfatizar el lado oscuro de este artista pero no hay que olvidar que también tuvo un lado humorístico”, destaca Éric de Chassey, comisario de la muestra. “Wróblewski es un artista de su tiempo que está en diálogo con Picasso y otros contemporáneos, como Calder, Klein o Constant. Además fue historiador de Arte por lo que conoció la obra de diferentes artistas como Goya”.
Dos miradas al mundo
Este pintor realizó experimentos en los que abordó las contradicciones del periodo moderno y que hacen que su trabajo sea particularmente relevante en la actualidad. Esto se refleja en la exposición, que se basa fundamentalmente en los trabajos a doble cara de Wróblewski. “El trabajo a doble cara no es exclusivo del artista, pero él lo dotó de un significado especial”, explica De Chassey.La doble cara es una especie de sistema y un símbolo que define todo su trabajo: quiso que los dos lados se completaran el uno al otro pero también que se cuestionaran o complicaran mutuamente. “Esta fue su forma de expresar el mundo. Intentó no tomar partido sino mostrar las dos caras de un mismo tema. Por una parte presentaba la idea utópica del cambio y por otra mostraba toda la dureza de la realidad”, afirma Marta Dziewańska, comisaria de la exposición.
Este tipo de coexistencia dual, que alberga en la mayoría de las ocasiones diferentes discursos formales y de contenido, es también una forma de dirigir al espectador que, literalmente, debe tomar partido pero aceptar al mismo tiempo la existencia de las dos imágenes como dos complejos problemas y, a la vez, como dos soluciones. Se trata de una expresión de su convicción de que un artista participa activamente en la realidad, teniendo como objetivo que su arte sea una propuesta de soluciones temporales.
Recorrido cronológico
Verso / Reverso está compuesta por alrededor de 150 obras y abarca las dos fases del trabajo del artista. Por un lado sus inicios, cuando trataba de establecer su propio lenguaje pictórico (1948-1949), y por otro, su última época, que transcurre después de un período de fe en el realismo estalinista socialista y una voluntaria sumisión a sus imperativas directrices tras el que intentó redefinirse, como si comenzara de nuevo desde cero (1956-1957).Estas dos fases se conectan entre sí, tanto en la temática como en la forma, mediante una aproximación muy personal a la modernidad y a la vanguardia. Sus numerosas pinturas a doble cara y los trabajos en papel creados en ambos períodos constituyen la expresión material de su vida, entre el compromiso político y el experimento artístico. La muestra, que tienen un recorrido cronológico, se abre al visitante con algunos ejemplos de la serie Ejecuciones, que alude a los traumas de la guerra.
Wróblewski se interesó por los conductores de tranvías, en una interpretación personal de la imagen socialista del trabajador que lidera a la humanidad hacia un futuro mejor; pero también pintó, con el fin de mostrar la paulatina desaparición de las características humanas, filas de personas, retratos de figuras sentadas, a menudo con los ojos entrecerrados, figuras ocupadas en las tareas cotidianas que son a la vez un instrumento y un medio para privarlas de su identidad.
Durante toda su vida concibió lo íntimo como el lugar desde el que abordar los problemas colectivos. Sus escenas familiares de 1948-1949 (madre e hijo, parejas de amantes) examinan la omnipresencia que tras la guerra tenía la muerte, que queda simbolizada por el recurso al color azul, que se asigna indistintamente a una mujer, a un niño o a un hombre.
Realismo socialista
Con el advenimiento de lo que se conoce como el periodo de “deshielo” de 1956-1957, que siguió al periodo estalinista y a la muerte del líder polaco Bolesław Bierut, Wróblewski retomó esos temas, combinando una cáustica representación de situaciones cotidianas con invenciones formales y multiplicando su experimentación en varios tipos de formatos que incluyen pinturas sobre lienzo y obras sobre papel.La exposición también dedica una sala al tema político y más concretamente al realismo socialista. Entre el final de 1949 y el año 1955, en pleno apogeo del estalinismo, Wróblewski interrumpió la creación de obras en las que intentaba construir un nuevo lenguaje personal y creativo. Convencido de que el artista debe implicarse en la creación de un mundo nuevo, Wróblewski solicitó entrar en el Partido Obrero Unificado Polaco y adoptó el realismo socialista tal y como lo definiera la Conferencia de Artistas Plásticos organizada en febrero de 1949 por el Ministerio de Cultura polaco. Sin embargo, sus cuadros de aquel periodo no contaron con la aceptación plena de la autoridad.
Otros apartados de la muestra ofrecen al visitante los autorretratos pintados y fotografiados por el artista de 1949, 1954 y 1957, en los que se observa cómo Wróblewski corta artificialmente con el marco la figura, juega con los reflejos o contamina la imagen con unas inexplicables áreas de color, estrategias, todas ellas, con las que trata de mostrar que cualquier representación es capaz de aprehender un todo coherente.
También se recogen los nuevos temas que inventó durante el último año de su vida (las lápidas, los hombres desgarrados y de piedra, y las sombras de Hiroshima), cuando entró en un período de profunda renovación.
La retrospectiva se completa con documentación personal del artista así como dos vídeos realizados por Andrzej Wajda y Konrad Nałęcki, quienes mantuvieron una estrecha amistad con Wróblewski y participaron en el Grupo autoeducativo, una iniciativa estudiantil fundada en 1948 con el fin de combatir el conservadurismo de la Academia de Bellas Artes de Cracovia.
Actividades paralelas
Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía ha programado para el 18 de noviembre, a las 19.00 h, un encuentro entre los comisarios de la muestra, Éric de Chassey y Marta Dziewańska, que hablarán sobre el artista y su trayectoria. La exposición se completa con un catálogo que incluye ensayos de Éric de Chassey, Marta Dziewańska, Rachel Haidu, Tom McDonough y Ulrich Loock, así como textos del propio artista.Fuente: hoyesarte
Chófer (Chófer azul), 1948
La liquidación del gueto, 1949
Ejecución contra un muro, 1949
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Arte,
Polonia,
Realismo Socialista
miércoles, 18 de noviembre de 2015
PABLO NERUDA: SECRETOS DE LOS ARCHIVOS DE LA URSS
Pablo Neruda fotografiado en París en 1949, el año en que viajó a la Unión Soviética / Marcos Chamudes
El 8 de junio de 1949 Neruda llegó a Leningrado. Hacía tan solo un mes y medio que había aparecido de manera sorpresiva en París, en la clausura del primer Congreso del Movimiento Mundial de Partidarios de la Paz, celebrado en la Sala Pleyel, en el que participaron casi tres mil delegados de los cinco continentes, entre ellos Charles Chaplin, Pablo Picasso, el general Lázaro Cárdenas, Diego Rivera, Jorge Amado, Howard Fast o Paul Éluard. Después de haber sido desaforado como senador por la justicia chilena por sus duras críticas a González Videla y de vivir un año en la clandestinidad (periodo en el que concluyó su monumental Canto general), logró burlar la persecución policial y salir a Argentina a través de un paso en la cordillera en la provincia austral de Valdivia. Fue invitado a la URSS para asistir a los actos de conmemoración del 150º aniversario del nacimiento de Alexander Pushkin, considerado el fundador de la literatura rusa moderna. A él dedicaría el poema El ángel de la poesía, que formaría parte de su libro Las uvas y el viento (1954).
El 15 de junio, en la ciudad que acogió las jornadas decisivas de la Revolución de Octubre, el poeta chileno, militante comunista desde el 8 de julio de 1945, se entrevistó con el subdirector de la Sociedad para las Relaciones Culturales con el Exterior, E. P. Mitskevich. Un funcionario de apellido Ermolaev tomó nota de la conversación y preparó un informe que fue elevado al Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). Este valioso documento histórico forma parte del amplio dossier en ruso sobre Neruda que se conserva en el Archivo Estatal de Historia Política y Social de Moscú, que ha permanecido inédito hasta ahora.
En Leningrado habló en representación de la dirección del Partido Comunista de Chile. Destacó que el viraje de González Videla (elegido Presidente en 1946 con el apoyo decisivo del PC) les había tomado por sorpresa en 1947 y transmitió una valoración crítica de la larga década de apuesta por la confluencia con el centro político, representado por el Partido Radical: “Me parece que nuestro Partido se contagió demasiado con el espíritu de la legalidad y el parlamentarismo. Le hemos dado demasiada importancia a la lucha por los puestos en el Senado, en el Parlamento y en los municipios y hemos dejado de movilizar a las masas en la lucha activa. Nosotros educamos a las masas en el espíritu de lucha contra el imperialismo norteamericano, pero hablamos poco de la reacción interna. Es por ello que ni el Partido Comunista, ni los sindicatos ofrecieron la resistencia que debían a la ofensiva de la reacción. El espíritu de legalidad del Partido disminuyó su capacidad combativa. Nos quejamos mucho y cometimos muchos errores”.
En los albores de la Guerra Fría, agregó a sus interlocutores soviéticos que González Videla les había traicionado para unirse a los sectores reaccionarios, que defendían los intereses del capital estadounidense en Chile. Logró asfixiar la huelga de los mineros del carbón de octubre de 1947 y así pudo iniciar la represión contra el Partido Comunista hasta su proscripción con la aprobación de la Ley de Defensa Permanente de la Democracia y la reclusión de centenares de sus militantes en campos de concentración como el de la caleta septentrional de Pisagua, donde entonces sirvió el joven teniente Augusto Pinochet. Señaló que, pese a ello, mantenían una estructura partidaria sólida, con unos cincuenta mil militantes, y que habían reestructurado sus órganos de dirección, con un secretariado clandestino integrado por Galo González, Luis Reinoso y Luis Valenzuela en la cima. El legendario dirigente Elías Lafertte mantenía un estatus especial, puesto que conservaba su actividad como senador, aunque no expresaba públicamente su condición de presidente del partido. Otra laguna que mencionó fue la ausencia de trabajo político entre las masas campesinas, aunque también destacó la buena relación del PC con la Falange Nacional, de orientación socialcristiana, que les había apoyado ante la represión desatada por el Gobierno (y que en 1957 participaría en la fundación del Partido Demócrata Cristiano).
El 25 de junio Neruda llegó a Moscú, donde dos días después la Unión de Escritores Soviéticos celebró una velada en su honor en la Gran Sala del Conservatorio. Fue presidida por Alexander Fadieiev, autor del himno revolucionario La joven guardia, y participaron escritores como Semión Kirsánov (discípulo de Maiakovski), Nikolai Tíjonov, Constantín Símonov y Ehrenburg, quien pronunció el discurso principal. También visitó la ciudad a orillas del Volga que no pudo conquistar Hitler en 1942-1943, a cuya reconstrucción dedicaría su Tercer canto de amor a Stalingrado. En el libro de visitas del Museo de la Defensa, anotó: “Nací para cantar a Stalingrado”. Allí pidió que depositaran, en su nombre y en el de su partido, una corona de flores en la tumba de Rubén Ruiz Ibárruri (hijo de Pasionaria), teniente del Ejército Rojo que cayó abatido en septiembre de 1942.
El 3 de agosto de 1949, un documento del PCUS catalogado como “secreto” hizo balance de su visita. El escrito subrayó la “gran impresión” que le había causado Stalingrado, principalmente los lugares donde se desarrollaron los combates contra las tropas nazis y la magnitud de los trabajos de reconstrucción de la ciudad, y que en todas sus intervenciones glosó la fortaleza de su partido y la lucha contra González Videla. En abril de 1950 en Ciudad de Guatemala, en la lectura pública del que sería cuarto texto de su libro Viajes (1955), titulado El esplendor de la tierra, evocó su estancia en Leningrado, Moscú, Stalingrado y Púshkino, la ciudad natal de Pushkin: “Venid conmigo, poetas, a los bordes de las ciudades que renacen: venid conmigo a las orillas de la paz y del Volga, o a vuestros propios ríos y a vuestra propia paz. Si no tenéis que cantar las reconstrucciones de esta época, cantad las construcciones que nos esperan. Que se oiga en vuestro canto un rumor de ríos y un rumor de martillos”. En la que fue su segunda visita al bello país centroamericano relató también sus impresiones de Polonia y Hungría, ya que llegó a Budapest el 23 de julio de 1949, invitado por el gobierno comunista para participar en los actos por el centenario del gran poeta nacional Sandor Petöffi. En aquellos días apareció una antología de su poesía traducida al húngaro.
Visitó, asimismo, Checoslovaquia, a propuesta de la Unión de Escritores, y el 15 de agosto ofreció una conferencia de prensa en Praga. “Soy originario y ciudadano de América, un continente al que muchos por error siguen llamando el Nuevo Mundo. Este nombre no se corresponde con la realidad. El nuevo mundo comienza con la Unión Soviética y se expande por los países de democracia popular. América es un lugar de incendiarios de la guerra, un mundo de naciones oprimidas”, proclamó ante los periodistas checos y los corresponsales extranjeros, en declaraciones recogidas por la Agencia Tass. “En las naciones del continente mandan los representantes más rapaces y salvajes del imperialismo estadounidense. Todas las riquezas naturales de América Latina, el petróleo, el cobre, el hierro… no pertenecen a los pueblos, sino a los imperialistas de Estados Unidos. Ellos dominan de facto todas las riquezas de la región. El hambre y la pésima situación material, la injusticia y las persecuciones, son el verdadero patrimonio de los pueblos de nuestro continente”.
Pablo Neruda fue “el más grande poeta del siglo XX”, según las tantas veces citadas palabras de Gabriel García Márquez, pronunciadas ante las cámaras de Televisión Nacional de Chile la tarde del sábado 23 de octubre de 1971 en la Embajada chilena en Francia, dos días después de obtener el Premio Nobel de Literatura.
También fue uno de los grandes intelectuales comunistas. Durante más de dos décadas formó parte del Comité Central del Partido Comunista de Chile, que incluso le eligió candidato a La Moneda el 30 de septiembre de 1969, hasta que en enero de 1970 renunció en favor de Salvador Allende. Desde junio de 1949 y hasta su última estancia en abril de 1972, el autor de Veinte poemas de amor y una canción desesperada visitó prácticamente cada año la Unión Soviética. Fue parte del jurado del Premio Stalin por el Fortalecimiento de la Paz entre los Pueblos (posteriormente, rebautizado como Premio Lenin), instaurado en 1950 y que él mismo recibió en su edición de 1953, y uno de los principales representantes del Movimiento Mundial de Partidarios de la Paz, organización vinculada al bloque soviético y en el mundo capitalista a los diferentes partidos comunistas.
Las revelaciones del XX Congreso del PCUS, en febrero de 1956, sobre los crímenes del estalinismo no alteraron su compromiso político, que reafirmó de manera crítica, pero solemne, en 1964 en el largo poema El Episodio, de Memorial de Isla Negra. Sin embargo, como escribió el profesor Hernán Loyola en el prólogo al cuarto volumen de la última edición de sus obras completas, “fue su poesía la que cambió”, ya que desapareció el “utópico horizonte político” que había impregnado su visión del mundo en Las uvas y el viento y en las Odas elementales. En 1958, Estravagario inauguró una nueva época en su escritura poética y delineó las direcciones esenciales que sus versos asumirían en el otoño de su existencia. En su obra posterior encontramos sonoras críticas al estalinismo, como el durísimo perfil de Stalin que trazó en el poema El culto (II), o el rechazo a la invasión de Checoslovaquia por las tropas del Pacto de Varsovia que expresó en el poema 1968, ambos incluidos en su libro Fin de mundo (1969). Pero jamás desmayó en su defensa pública de la Unión Soviética y del papel que creía que desempeñaba en aquel mundo que se derrumbaría a partir de 1989.
Y manifestó siempre el orgullo más hondo por su militancia comunista, en las filas de un partido de masas equiparable por su prestigio e influencia a los PC de Italia y Francia de la época (y que hoy forma parte con los ministros Marcos Barraza y Claudia Pascual –nieta de dos pasajeros del Winnipeg- del Ejecutivo de Michelle Bachelet). Así lo expresó el 13 de diciembre de 1971 en el bellísimo discurso que pronunció en el corazón del barrio medieval de Estocolmo, en el viejo edificio de la Bolsa (sede de la Academia Sueca), cuando proclamó que había llegado hasta allí para recoger la mayor distinción literaria, después de una larga y sin duda azarosa existencia, “con mi poesía y también con mi bandera”. Señaló los “deberes del poeta” y afirmó su fe en la profecía formulada cien años atrás por Arthur Rimbaud: “Solo con una ardiente paciencia conquistaremos la espléndida ciudad que dará luz, justicia y dignidad a todos los hombres…”.
Aquel compromiso lo había asumido, para siempre, en España entre 1934 y 1936. La luz y la sangre de la Segunda República marcaron la evolución de su vida y su poesía.
Mario Amorós, periodista y doctor en Historia, acaba de publicar Neruda. El príncipe de los poetas. Biografía (Ediciones B).
Fuente: Mario Amorós (El País)
martes, 17 de noviembre de 2015
PRESENTADO EL LIBRO "ATRACO A LA MEMORIA", DE JULIO ANGUITA Y JUAN ANDRADE
Atraco a la memoria. Un recorrido histórico por la vida política de Julio Anguita
Julio Anguita / Juan Andrade
Editorial Akal
ISBN 978-84-460-4243-3
Dimensiones 14x22
N.° páginas 496
Año edición 2015
Precio 26,00 €
Este libro es un recorrido por la vida política de una de las figuras más relevantes y sin duda atípicas de la izquierda española, Julio Anguita. En él, el antiguo coordinador general de Izquierda Unida y actual impulsor del Frente Cívico «Somos Mayoría», recuerda y valora sin tapujos su propia experiencia política, el proyecto que quiso desarrollar y el tiempo hostil al que tuvo que hacer frente. Lo hace a partir de las incisivas preguntas que le formula el historiador Juan Andrade, quien, además de contextualizar cada uno de los episodios sobre los que dialogan, ofrece un esbozo biográfico y un ensayo crítico acerca de la concepción política de Julio Anguita.
Según avanza la lectura van surgiendo las sombras del franquismo, las expectativas y frustraciones de la transición, la alcaldía de Córdoba, la vacuidad del discurso de la modernización de los ochenta, la caída de la URSS, la hegemonía del neoliberalismo en los noventa, el Tratado de Maastricht, la teoría de las dos orillas, el sorpasso, los gobiernos de Felipe González y José María Aznar y las múltiples crisis de Izquierda Unida.
Esta remisión al pasado, cruce de historia y memoria, resulta urgente para quienes como Julio Anguita piensan que intervenir políticamente en estos momentos de crisis integral del país y posibilidad de cambio pasa por responder en primer lugar a una pregunta muy clara: ¿cómo ha sido posible que hayamos llegado hasta aquí? Por eso, y porque también se habla expresamente de él, este libro trata del presente: de la crisis del llamado Régimen del 78, la Unión Europea, la irrupción de Podemos, la agonía de Izquierda Unida y sobre cómo promover un cambio de país a la luz de varias décadas de avances y derrotas de los proyectos de cambio.
Presentación íntegra de 'Atraco a la memoria' en el Círculo de Bellas Artes de Madrid:
Julio Anguita / Juan Andrade
Editorial Akal
ISBN 978-84-460-4243-3
Dimensiones 14x22
N.° páginas 496
Año edición 2015
Precio 26,00 €
Este libro es un recorrido por la vida política de una de las figuras más relevantes y sin duda atípicas de la izquierda española, Julio Anguita. En él, el antiguo coordinador general de Izquierda Unida y actual impulsor del Frente Cívico «Somos Mayoría», recuerda y valora sin tapujos su propia experiencia política, el proyecto que quiso desarrollar y el tiempo hostil al que tuvo que hacer frente. Lo hace a partir de las incisivas preguntas que le formula el historiador Juan Andrade, quien, además de contextualizar cada uno de los episodios sobre los que dialogan, ofrece un esbozo biográfico y un ensayo crítico acerca de la concepción política de Julio Anguita.
Según avanza la lectura van surgiendo las sombras del franquismo, las expectativas y frustraciones de la transición, la alcaldía de Córdoba, la vacuidad del discurso de la modernización de los ochenta, la caída de la URSS, la hegemonía del neoliberalismo en los noventa, el Tratado de Maastricht, la teoría de las dos orillas, el sorpasso, los gobiernos de Felipe González y José María Aznar y las múltiples crisis de Izquierda Unida.
Esta remisión al pasado, cruce de historia y memoria, resulta urgente para quienes como Julio Anguita piensan que intervenir políticamente en estos momentos de crisis integral del país y posibilidad de cambio pasa por responder en primer lugar a una pregunta muy clara: ¿cómo ha sido posible que hayamos llegado hasta aquí? Por eso, y porque también se habla expresamente de él, este libro trata del presente: de la crisis del llamado Régimen del 78, la Unión Europea, la irrupción de Podemos, la agonía de Izquierda Unida y sobre cómo promover un cambio de país a la luz de varias décadas de avances y derrotas de los proyectos de cambio.
Presentación íntegra de 'Atraco a la memoria' en el Círculo de Bellas Artes de Madrid:
lunes, 16 de noviembre de 2015
"LA MARSELLESA", EN HOMENAJE A LAS VÍCTIMAS DEL ATENTADO DE PARÍS
Historia de La Marsellesa
La Marsellesa fue escrita en plena Revolución Francesa. Su letra es una letra de combate en plena guerra presentada como una guerra entre los oprimidos y los opresores. La Francia a la que apela, y está es la gran diferencia con otros himnos, es la Francia de los oprimidos. Francia y la Humanidad, – su continuación lógica -, son sólo y únicamente los oprimidos. La nacionalidad que surge se basa en la pertenencia a la Revolución y no en el lugar de nacimiento. Así la revolución no consideraba franceses a los nobles huidos y sí a aquellos extranjeros que había llegado a Francia para combatir el Antiguo Régimen.
El espíritu internacionalista de la canción viene ya en su nacimiento, ya que Rouget de Liste, el oficial que escribió la letra lo hizo en Estrasburgo, en pleno corazón de esa Europa mestiza y poliglota, en 1792. La letra llevaba por título “Chant de guerre pour l’armée du Rhin”. Sin embargo, serán los representantes de Marsella que participaron en la insurrección del 10 de agosto quienes popularizarán la canción, dándole el nombre que la hará famosa. El éxito fue tal que el 14 de julio de 1795 la Marsellesa es declarada “canto nacional”. El moderno concepto de himno, como el de nación, estaban naciendo y ya la fuerza aglutinadora de la Marsellesa era evidente.
Napoleón muy pronto va a cambiar esa orientación oprimiendo a bávaros, prusianos, piamonteses, holandeses que esperaban con los brazos abiertos la llegada de la Revolución. Kant cuyos hábitos rutinarios eran inamovibles, no fue de paseo el día que la noticia de la caída de la monarquía llegó a la lejana Königsberg. Pero Napoleón deshizo con su Imperio las esperanzas de Europa y otros himnos surgirán como reflejos nacionales de la revolucionaria Marsellesa.
Napoleón, en sus fallidos retornos utilizará la Marsellesa a pesar de que no le gustaba, mostrando bien como los símbolos nacionales se convierten en elementos galvanizadotes de la población. La Restauración llevará incluso a la cárcel al autor Rouget de Lisle en 1826. Y Carlos X desterrará la Marsellesa con sus leyes tras haber visto las barricadas arder en la Revolución de 1830. En ese momento comienza una época donde la Marsella deberá imponerse en Francia, donde es considerada como un himno eminentemente revolucionario. En el exterior, en cambio su popularidad será total, entre los grupos y partidos revolucionarios, y la Revolución de 1848 hace tronar la Marsellesa en toda Europa.
Napoleón III no consigue que su nuevo himno imperial la substituya, recurriendo al final de su reinado a la Marsellesa, previa modificación de letra, en la guerra franco prusiana. Estamos en 1870 y la necesidad de convencer y encauzar a las masas es evidente, ya sea con la posibilidad del voto o con la integración en la nación. Todo suena muy actual.
La Marsellesa de los obreros
Para el movimiento revolucionario europeo de la primera mitad del siglo XIX, la Marsellesa era el canto de combate. Burgueses, obreros, lumpen urbano y campesinos caminan juntos en Varsovia, en Bruselas, en Hamburgo o en Milán y todos cantan la Marsellesa. Hasta 1848 la unidad revolucionaria se hace bajo la canción de Rouget de Liste. Los communards de la desgraciada Comuna de 1871 morirán cantando la misma canción que los soldados que les fusilaban.
Más tarde los socialistas, los marxistas, los primeros comunistas de la Europa de final del XIX cantarán la Marsellesa que seguirá siendo un himno de revolución, si bien, la Internacional irá substituyéndola. Esto se hará a medida que La marsellesa se nacionalice. El hecho de ser nombrada himno nacional por la III República en 1878 dará mayor ímpetu a su carácter “francés”. Franceses de todas las clases e ideologías la cantarán desde el colegio, lo que le restará parte de su valor social y revolucionario. Al mismo tiempo el que la Republica francesa se yerga sobre bases revolucionarias y sociales obligará al Estado a cumplir algunas de esas premisas, al menos en la metrópoli. Como en el caso de Napoleón, las mejoras que la República podía aplicar en Francia no se cumplirán en las colonias, donde los valores esenciales del republicanismo francés eran substituidos por conductas muchas veces inhumanas.
Ese doble cariz, esas raíces revolucionarias de los símbolos franceses y la complicidad de una buena parte de las élites, educadas en esos precepto, permitirán la existencia de lideres como Jules Ferry, Jean Jaures o Clemenceau que lucharán, cierto es que a su manera, por la mejora de la educación, las reformas sociales, el laicismo y el bienestar.
En la Primera Guerra Mundial, la Marsellesa se teñirá de la sangre de los casi dos millones de franceses que murieron en su nombre, la mayoría en absurdas ofensivas o como consecuencia del hambre y de las enfermedades. Y sin embargo, el apogeo del nacionalismo estaba aún por llegar.
En el extranjero su éxito es grande entre los reformistas y revolucionarios. El gobierno provisional salido de la Revolución Rusa de febrero de 1917, utilizará una versión de la Marsellesa como himno hasta la revolución de octubre. En España el partido socialista y los republicanos la utilizarán junto al himno de Riego y en la Guerra Civil los anarquistas y los republicanos tendrán sus propias versiones.
En los años 30 y 40 el fascismo y el nazismo provocan la II Guerra Mundial y Francia es derrotada casi sin luchar. La drole de guerre da paso al régimen de Vichy y al colaboracionismo. La Marsellesa es prohibida, transformándose de nuevo gracias a la clandestinidad en un símbolo contra la opresión. Como en Casablanca, donde el apátrida húngaro Viktor Laszlo dirige la ofensiva musical contra el invasor nazi. La resistencia de De Gaule y de los comunistas la cantará unida otra vez.
Fuente: Blog-Francia
La Marsellesa fue escrita en plena Revolución Francesa. Su letra es una letra de combate en plena guerra presentada como una guerra entre los oprimidos y los opresores. La Francia a la que apela, y está es la gran diferencia con otros himnos, es la Francia de los oprimidos. Francia y la Humanidad, – su continuación lógica -, son sólo y únicamente los oprimidos. La nacionalidad que surge se basa en la pertenencia a la Revolución y no en el lugar de nacimiento. Así la revolución no consideraba franceses a los nobles huidos y sí a aquellos extranjeros que había llegado a Francia para combatir el Antiguo Régimen.
El espíritu internacionalista de la canción viene ya en su nacimiento, ya que Rouget de Liste, el oficial que escribió la letra lo hizo en Estrasburgo, en pleno corazón de esa Europa mestiza y poliglota, en 1792. La letra llevaba por título “Chant de guerre pour l’armée du Rhin”. Sin embargo, serán los representantes de Marsella que participaron en la insurrección del 10 de agosto quienes popularizarán la canción, dándole el nombre que la hará famosa. El éxito fue tal que el 14 de julio de 1795 la Marsellesa es declarada “canto nacional”. El moderno concepto de himno, como el de nación, estaban naciendo y ya la fuerza aglutinadora de la Marsellesa era evidente.
Napoleón muy pronto va a cambiar esa orientación oprimiendo a bávaros, prusianos, piamonteses, holandeses que esperaban con los brazos abiertos la llegada de la Revolución. Kant cuyos hábitos rutinarios eran inamovibles, no fue de paseo el día que la noticia de la caída de la monarquía llegó a la lejana Königsberg. Pero Napoleón deshizo con su Imperio las esperanzas de Europa y otros himnos surgirán como reflejos nacionales de la revolucionaria Marsellesa.
Napoleón, en sus fallidos retornos utilizará la Marsellesa a pesar de que no le gustaba, mostrando bien como los símbolos nacionales se convierten en elementos galvanizadotes de la población. La Restauración llevará incluso a la cárcel al autor Rouget de Lisle en 1826. Y Carlos X desterrará la Marsellesa con sus leyes tras haber visto las barricadas arder en la Revolución de 1830. En ese momento comienza una época donde la Marsella deberá imponerse en Francia, donde es considerada como un himno eminentemente revolucionario. En el exterior, en cambio su popularidad será total, entre los grupos y partidos revolucionarios, y la Revolución de 1848 hace tronar la Marsellesa en toda Europa.
Napoleón III no consigue que su nuevo himno imperial la substituya, recurriendo al final de su reinado a la Marsellesa, previa modificación de letra, en la guerra franco prusiana. Estamos en 1870 y la necesidad de convencer y encauzar a las masas es evidente, ya sea con la posibilidad del voto o con la integración en la nación. Todo suena muy actual.
La Marsellesa de los obreros
Para el movimiento revolucionario europeo de la primera mitad del siglo XIX, la Marsellesa era el canto de combate. Burgueses, obreros, lumpen urbano y campesinos caminan juntos en Varsovia, en Bruselas, en Hamburgo o en Milán y todos cantan la Marsellesa. Hasta 1848 la unidad revolucionaria se hace bajo la canción de Rouget de Liste. Los communards de la desgraciada Comuna de 1871 morirán cantando la misma canción que los soldados que les fusilaban.
Más tarde los socialistas, los marxistas, los primeros comunistas de la Europa de final del XIX cantarán la Marsellesa que seguirá siendo un himno de revolución, si bien, la Internacional irá substituyéndola. Esto se hará a medida que La marsellesa se nacionalice. El hecho de ser nombrada himno nacional por la III República en 1878 dará mayor ímpetu a su carácter “francés”. Franceses de todas las clases e ideologías la cantarán desde el colegio, lo que le restará parte de su valor social y revolucionario. Al mismo tiempo el que la Republica francesa se yerga sobre bases revolucionarias y sociales obligará al Estado a cumplir algunas de esas premisas, al menos en la metrópoli. Como en el caso de Napoleón, las mejoras que la República podía aplicar en Francia no se cumplirán en las colonias, donde los valores esenciales del republicanismo francés eran substituidos por conductas muchas veces inhumanas.
Ese doble cariz, esas raíces revolucionarias de los símbolos franceses y la complicidad de una buena parte de las élites, educadas en esos precepto, permitirán la existencia de lideres como Jules Ferry, Jean Jaures o Clemenceau que lucharán, cierto es que a su manera, por la mejora de la educación, las reformas sociales, el laicismo y el bienestar.
En la Primera Guerra Mundial, la Marsellesa se teñirá de la sangre de los casi dos millones de franceses que murieron en su nombre, la mayoría en absurdas ofensivas o como consecuencia del hambre y de las enfermedades. Y sin embargo, el apogeo del nacionalismo estaba aún por llegar.
En el extranjero su éxito es grande entre los reformistas y revolucionarios. El gobierno provisional salido de la Revolución Rusa de febrero de 1917, utilizará una versión de la Marsellesa como himno hasta la revolución de octubre. En España el partido socialista y los republicanos la utilizarán junto al himno de Riego y en la Guerra Civil los anarquistas y los republicanos tendrán sus propias versiones.
En los años 30 y 40 el fascismo y el nazismo provocan la II Guerra Mundial y Francia es derrotada casi sin luchar. La drole de guerre da paso al régimen de Vichy y al colaboracionismo. La Marsellesa es prohibida, transformándose de nuevo gracias a la clandestinidad en un símbolo contra la opresión. Como en Casablanca, donde el apátrida húngaro Viktor Laszlo dirige la ofensiva musical contra el invasor nazi. La resistencia de De Gaule y de los comunistas la cantará unida otra vez.
Fuente: Blog-Francia
domingo, 15 de noviembre de 2015
"STALINGRADO", DEL PINTOR COMUNISTA ASGER JORN
Stalingrado
Asger Jorn
1957-60
Oleo sobre lienzo
296 x 492 cm
Museum Jorn, Silkeborg
Durante la ocupación nazi de Dinamarca, Jorn fue un comunista activo dentro de la resistencia y participó en el grupo artístico Høst. Años después rompió con el Partido comunista danés, aunque siguió siendo comunista toda su vida.
Los horrores de la Segunda Guerra Mundial marcaron profundamente a los artistas plásticos, y Jorn no fue la excepción. Fungió un papel fundamental en el desarrollo de la pintura abstracta de la posguerra incidiendo especialmente en el carácter político del arte.
En 1948, junto con Christian Dotremont y Karel Appel, fundó COBRA: movimiento que reaccionaba a las continuas disputas entre adeptos del arte figurativo y del arte abstracto, y que abogaba el primitivismo y el folclor, y el primitivismo premeditado. Posteriormente abandonaría el movimiento criticando el hecho de que los miembros estuvieran más interesados en el estilo artístico que en el potencial político del arte.
En 1956, Jorn se había establecido en un estudio en la pequeña ciudad italiana de Albisola cerca de Génova, donde comenzó a componer una gran pintura que llamó La ritirata di Rusia (El retrato de Rusia). La pintura había sido inspirada por las historias contadas por su jardinero Umberto Gambetta, que había luchado con los italianos en el terrible batalla de Stalingrado (desde 1942 hasta 1943), antes de pasar años en los campamentos de prisioneros de guerra rusos. El lienzo había detallado estos eventos a tal punto que Gambetta se dirige a él como "mi retrato". Jorn aseguró que todas esas referencias personales fueron cubiertas durante el fin de mejorar la importancia universal de la obra. Luego lo tituló Le fou rire (a veces traducido La Risa Loca) y lo envió fuera a Bruselas, donde un coleccionista había mostrado interés en una gran pintura de Jorn. De hecho, fue adquirida por el dueño del restaurante Albert Niels que permitió a Jorn venir y trabajar en él más. También fue visto por el experto del museo holandés Willem Sandberg que arregló para que pudiera ser enviado a la Feria Mundial de Seattle en 1961. A este respecto, se renombró Stalingrado.
Al igual que el Guernica de Picasso, la obra aborda los horrores de la guerra, en este caso representa la batalla de Stalingrado, uno de los acontecimientos más terribles de la Segunda Guerra Mundial. La impresión de Jorn de la guerra se transmite sobre todo en el proceso detrás de la pintura. De hecho, su gruesa capa de color es más un proceso en sí mismo que una representación, revelando la guerra como un fenómeno más allá de la comprensión del hombre. Stalingrado podría ser visto como un enorme campo de batalla donde todos los rastros de la humanidad y la civilización fueron enterrados bajo capas de nieve. Un esbozo de un cuerpo o la sugerencia de una cara tal vez se puede discernir, pero bajo la superficie, la destrucción y la agitación ya están desapareciendo de la memoria. Jorn ve la guerra como una tragedia de la locura, completamente carente de heroísmo. En el momento en que la humanidad vivía bajo la amenaza de una guerra nuclear, la pintura puede ser vista como la expresión personal del artista de un mundo lamentando su propio fin.
sábado, 14 de noviembre de 2015
"ÉL", PELÍCULA DE LUIS BUÑUEL SOBRE LA VIOLENCIA DE GÉNERO
Título original: Él
Año: 1953
Duración: 92 min.
País: México
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel & Luis Alcoriza (Novela: Mercedes Pinto)
Música: Luis Hernández Bretón
Fotografía: Gabriel Figueroa (B&W)
Reparto: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Aurora Walker, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Rafael Banquells, Fernando Casanova, Luis Beristaín
Sinopsis
Francisco Galván de Montemayor, un hombre adinerado de apariencia tranquila, conservador, religioso y virgen, como cada Jueves Santo asiste a la ceremonia del mandatum, el lavatorio de pies que el sacerdote efectúa con singular delectación. Al ver los sensuales pies de una joven sentada en primera fila se queda prendado de su serena belleza. Francisco logra averiguar que la mujer de sus sueños se llama Gloria y va a contraer matrimonio con un viejo amigo suyo. Tras invitarlos a una fiesta en su mansión, conquista a Gloria y se casa con ella. A partir de la misma noche de bodas, los celos lo transforman en un ser obsesivo y paranoico, que sólo ve el asesinato y la mutilación como una solución a su locura.
VER PELÍCULA:
Año: 1953
Duración: 92 min.
País: México
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel & Luis Alcoriza (Novela: Mercedes Pinto)
Música: Luis Hernández Bretón
Fotografía: Gabriel Figueroa (B&W)
Reparto: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Aurora Walker, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Rafael Banquells, Fernando Casanova, Luis Beristaín
Sinopsis
Francisco Galván de Montemayor, un hombre adinerado de apariencia tranquila, conservador, religioso y virgen, como cada Jueves Santo asiste a la ceremonia del mandatum, el lavatorio de pies que el sacerdote efectúa con singular delectación. Al ver los sensuales pies de una joven sentada en primera fila se queda prendado de su serena belleza. Francisco logra averiguar que la mujer de sus sueños se llama Gloria y va a contraer matrimonio con un viejo amigo suyo. Tras invitarlos a una fiesta en su mansión, conquista a Gloria y se casa con ella. A partir de la misma noche de bodas, los celos lo transforman en un ser obsesivo y paranoico, que sólo ve el asesinato y la mutilación como una solución a su locura.
VER PELÍCULA:
viernes, 13 de noviembre de 2015
EL EXDIRIGENTE DEL PCE GERARDO IGLESIAS PUBLICA "LA AMNESIA DE LOS CÓMPLICES"
Gerardo Iglesias
La amnesia de los cómplices
KRK Ediciones
ISBN: 978-84-8367-504-5
Medidas: 165x235
Páginas: 820 tapa dura
Fecha de publicación: 25 de septiembre de 2015
PVP: 39,95 euros
La amnesia de los cómplices recoge 150 biografías de resistentes que se enfrentaron al régimen franquista en los años posteriores a la Guerra Civil. Biografías elaboradas en cierta medida desde el recuerdo y el testimonio de familiares y amigos que todavía hoy, pasados 37 años de la aprobación de la Constitución democrática, se preguntan hasta cuándo van a permanecer impunes los crímenes de la Dictadura y el olvido de las víctimas, al punto de que miles de estas permanecen abandonadas por las cunetas de España.
Los difíciles equilibrios en los que se sustentó la Transición vinieron a determinar que se cubrieran con un tupido velo tanto los crímenes de la Dictadura como la memoria de quienes más sacrificaron en defensa de la democracia. Ello, desatendiendo todos los Tratados Internacionales basados en los Derechos humanos. De ahí que Naciones Unidas y numerosas asociaciones de Derechos Humanos, nacionales e internacionales, vengan reiterando al Estado Español la imperiosa necesidad de poner fin a la impunidad del franquismo, dotando de reconocimiento jurídico a las víctimas; y que la justicia de un país extranjero, la República Argentina, sea la única que ha abierto una causa para investigar sus crímenes.
Para comprender la dimensión de la barbarie franquista que permanece impune, basta citar el siguiente ejemplo: España ocupa el segundo lugar en número de desapariciones forzadas después de Camboya. ¿Puede seguir ignorando, un país que se llama democrático, tan terrible realidad?.
Este libro pretende contribuir a recuperar y honrar la memoria de esos primeros luchadores contra la Dictadura, en el marco de la lucha que llevan a cabo numerosas asociaciones de la sociedad civil en toda España para poner término a la impunidad de los crímenes del franquismo, reconociendo y reparando a las víctimas.
"LA TRANSICIÓN SE HIZO BAJO LA AMENAZA Y EL CHANTAJE PERMANENTE": Entrevista a Gerardo Iglesias en eldiario: http://www.eldiario.es/cultura/gerardo_iglesias-IU-alberto_garzon-memoria_historica_0_447955960.html
La amnesia de los cómplices
KRK Ediciones
ISBN: 978-84-8367-504-5
Medidas: 165x235
Páginas: 820 tapa dura
Fecha de publicación: 25 de septiembre de 2015
PVP: 39,95 euros
La amnesia de los cómplices recoge 150 biografías de resistentes que se enfrentaron al régimen franquista en los años posteriores a la Guerra Civil. Biografías elaboradas en cierta medida desde el recuerdo y el testimonio de familiares y amigos que todavía hoy, pasados 37 años de la aprobación de la Constitución democrática, se preguntan hasta cuándo van a permanecer impunes los crímenes de la Dictadura y el olvido de las víctimas, al punto de que miles de estas permanecen abandonadas por las cunetas de España.
Los difíciles equilibrios en los que se sustentó la Transición vinieron a determinar que se cubrieran con un tupido velo tanto los crímenes de la Dictadura como la memoria de quienes más sacrificaron en defensa de la democracia. Ello, desatendiendo todos los Tratados Internacionales basados en los Derechos humanos. De ahí que Naciones Unidas y numerosas asociaciones de Derechos Humanos, nacionales e internacionales, vengan reiterando al Estado Español la imperiosa necesidad de poner fin a la impunidad del franquismo, dotando de reconocimiento jurídico a las víctimas; y que la justicia de un país extranjero, la República Argentina, sea la única que ha abierto una causa para investigar sus crímenes.
Para comprender la dimensión de la barbarie franquista que permanece impune, basta citar el siguiente ejemplo: España ocupa el segundo lugar en número de desapariciones forzadas después de Camboya. ¿Puede seguir ignorando, un país que se llama democrático, tan terrible realidad?.
Este libro pretende contribuir a recuperar y honrar la memoria de esos primeros luchadores contra la Dictadura, en el marco de la lucha que llevan a cabo numerosas asociaciones de la sociedad civil en toda España para poner término a la impunidad de los crímenes del franquismo, reconociendo y reparando a las víctimas.
"LA TRANSICIÓN SE HIZO BAJO LA AMENAZA Y EL CHANTAJE PERMANENTE": Entrevista a Gerardo Iglesias en eldiario: http://www.eldiario.es/cultura/gerardo_iglesias-IU-alberto_garzon-memoria_historica_0_447955960.html
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