miércoles, 2 de diciembre de 2015

CINE PALESTINO: CREACIÓN Y RESISTENCIA


La sexta edición de la Muestra de Cine Palestino de Madrid abre sus puertas el 1 de diciembre para volver a generar un espacio que proyecte las voces palestinas habitualmente ignoradas en Occidente.


'The wanted 18', una de las películas de la VI Muestra de Cine Palestino de Madrid.

En diciembre y enero, el Cine Doré acoge la Muestra de Cine Palestino de Madrid por sexto año consecutivo. Pero, ¿qué es el cine palestino? ¿y por qué sigue teniendo sentido pensar en términos de cines nacionales? No existen criterios fijos e inamovibles para delimitar un cine nacional, dado principalmente que dichos criterios no existen tampoco para delimitar una identidad nacional o cualquier otro tipo de identidad.

Pero sí se puede pensar en cine palestino (como en otros cines nacionales) como algo distinto de los cines hegemónicos y normalizadores.

Reel Bad Arabs, cómo Hollywood demoniza a un pueblo, un documental de 2006 de Sut Jhally, explora los estereotipos que construyen la figura de "los árabes" a través de la historia del cine estadounidense: desde el misticismo exótico hasta el terrorista o el machista incivilizado.



A este cine hegemónico, como apunta Pierre Sorlin, no se le añaden etiquetas nacionales, "es Cine a secas". La alternativa a esa visión estereotipada es el borrado sistemático de la población palestina: las primeras películas rodadas en territorio palestino –los hermanos Lumière fueron los primeros en hacerlo– trataban a sus habitantes como parte del paisaje, sin voz ni cultura. Recordemos la célebre frase sionista de principios de siglo XX: "una tierra sin pueblo para un pueblo sin tierra".

El cine palestino negocia entre lo hipervisible (la kufiyya, el terrorismo, el niño que lanza piedras a los tanques) y lo invisible (una tierra sin pueblo)

Así, el cine palestino negocia entre lo hipervisible (la kufiyya, el terrorismo, el niño que lanza piedras a los tanques) y lo invisible (una tierra sin pueblo); y, mediando entre ambos polos, aporta una alternativa visual, una articulación posible de la existencia y experiencia palestinas, una práctica de resistencia, como diría Hamid Dabashi en una de las pocas monografías que existen sobre ello.

El cine palestino, lejos de construir una identidad monolítica o de homogeneizar sus discursos en pos de la lucha contra la ocupación, expresa una multiplicidad de relatos y formatos, reflejo de la heterogeneidad de la comunidad palestina.

Y gran parte de la responsabilidad de esta diversidad la tienen las mujeres cineastas. El debate sobre nación va unido siempre al debate sobre género, y las artistas palestinas, como muchas otras de naciones no occidentales, han sabido agrietar el sujeto monolítico de la revolución, sin por ello caer en las trampas de la narrativa neocolonial, haciendo malabares entre, por un lado, las acusaciones patriarcales y nacionalistas de 'traición a la raza' y, por el otro, la fantasía orientalista de salvación occidental.



La Muestra de Cine Palestino de Madrid intenta recoger esta variedad de discursos y, en su sexta edición, sigue teniendo la misma filosofía que tenía al principio: priorizar el trabajo de mujeres y jóvenes; y no ocupar nunca la posición de "hablar sobre Palestina" o "en nombre de Palestina", sino colaborar en la generación de un espacio donde se proyecten más las voces que ya tienen de por sí los y las palestinas.

Cinco largos, dos mediometrajes, seis cortos, documental, ficción, cine experimental, animación, videoarte… que comienzan a proyectarse el martes 1 de diciembre con el galardonado documental animado The Wanted 18, sobre el secuestro de dieciocho vacas por parte del estado israelí, dado su condición de amenaza contra la seguridad nacional. Su director, Amer Shomali, ironiza: "para la gente, simpatizar con una vaca es más fácil que simpatizar con la población palestina".



Decía Deleuze en una entrevista con Toni Negri: "Pregunta usted si las sociedades de control o de comunicación no suscitarán [otras] formas de resistencia. Yo no sé, quizá. Pero no en la medida en que las minorías puedan tomar la palabra. Tal vez la palabra, la comunicación, están podridas. Crear siempre ha sido una cosa distinta que comunicar".

El cine no sólo abre una ventana a otras intimidades, sino que permite participar de ellas. No se trata sólo de 'decir', de 'comunicar' algo distinto, sino de construir la posibilidad de otras realidades diferentes de las hegemónicas, la posibilidad de crearlas, de habitar las grietas que se abren en los márgenes: cine que es más que cine, que es resistencia y supervivencia.

Fuente: Loreto Ares, Diagonal Periódico

WEB VI MUESTRA DE CINE DE PALESTINO DE MADRID 2015: http://muestracinepalestino.com/mcp-madrid-2015/

martes, 1 de diciembre de 2015

"MI GUERRA DE ESPAÑA", DE MIKA ETCHEBÉHÉRÉ, DESCARGABLE EN INTERNET

Mika Etchebéhère (Mika Feldman), argentina de padres rusos, llegó a Madrid el 12 de julio de 1936 para reunirse con su marido. Seis días después de su llegada se produce el levantamiento del ejército, y la pareja de revolucionarios, de inspiración trotskista, se une a la Columna del POUM. En el frente de Guadalajara, muerto su marido, Hipólito Etchebéhère, al mes de entrar en combate, Mika asume la responsabilidad de la columna donde, con la posterior militarización de las milicias, alcanzará el grado de capitana (única mujer con mando de tropa en la guerra de 1936-39). Pero el relato de ese periodo va mucho más allá de la exposición del horror de la guerra. "Mi guerra de España" es, sobre todo, la narración lúcida y emocionada de una mujer que no sólo tuvo que enfrentar los prejuicios de sus propios camaradas, sino las intrigas y persuciones de los agentes de Stalin contra el proceso revolucionario que se desarrollaba en el bando republicano. Sin embargo, en estas memorias no hay la mínima concesión al heroismo militarista. Al contrario, la prosa directa e intensa de este libro nos pone ante el testimonio de una mujer que no esconde sus vacilaciones, sus decepciones, sus contradicciones; sentimientos todos de una capitana atípica, como no podía ser de otro modo, en una mujer "carente del mandamiento del odio", pero imbuida de un insobornable espíritu revolucionario que mantendría hasta el final de sus días en París, en 1992.

DESCARGAR LIBRO COMPLETO EN PDF: http://descargas.localcambalache.org/mi_guerra_de_espana.pdf

lunes, 30 de noviembre de 2015

LA EDITORIAL SEXTO PISO PUBLICA LA NOVELA GRÁFICA "CHE GUEVARA. UNA VIDA REVOLUCIONARIA"

Che Guevara. Una vida revolucionaria
Jon Lee Anderson, José Hernández
Año de publicación: 2015
Autor: Jon Lee Anderson y José Hernández
Formato: 21 x 27 cm.
Páginas: 172
ISBN: 978-607-9436-15-5


El Che Guevara es sin duda uno de los personajes más relevantes e icónicos del siglo XX. De entre las muy numerosas biografías y aproximaciones a una figura tan fascinante y enigmática como la suya, sin duda la biografía escrita por Jon Lee Anderson, Che Guevara. Una vida revolucionaria, es ampliamente considerada como la mejor y la más completa, pues entre muchas virtudes, contó con acceso privilegiado a diarios del Che y a otros materiales que ningún periodista había podido consultar jamás.

En esta adaptación a versión de novela gráfica realizada por el gran monero, novelista gráfico y caricaturista político José Hernández, la vida y obra del Che, así como los acontecimientos que produjeron la Revolución cubana, adquieren una nueva dimensión. A través de un trazo prodigioso y una narrativa que rinde justicia a las virtudes y contradicciones de un personaje a la vez tan heroico y trágico como el Che Guevara, esta primera entrega titulada Libro 2: Cuba, revive con asombrosa precisión, colorido y dramatismo el periodo que abarca desde el embarco con destino incierto, a bordo del legendario Granma, hasta la partida del Che rumbo al Congo, para dar cauce a su inextinguible deseo de trastocar para siempre el orden del mundo.


GALERÍA DE IMÁGENES DE "CHE GUEVARA. UNA VIDA REVOLUCIONARIA": http://elpais.com/elpais/2015/11/28/album/1448751455_750216.html#1448751455_750216_1448752215

domingo, 29 de noviembre de 2015

"BERLIN, DUTSCHKE!", DEL ARTISTA COMUNISTA EMILIO VEDOVA




Berlin, Dutschke!
Emilio Vedova
1968
Offset
81,5 x 60 cm

Este poster pertenece a una serie de seis en los cuales Vedova yuxtapone partes de diversos conflictos del mundo. 

Rudi Dutschke, fue un sociólogo marxista, político e importante representante del 'movimiento del 68', una serie de emblemáticas movilizaciones civiles y estudiantiles en Alemania. El 11 de abril de 1968, Dutschke fue atacado por un joven de ultraderecha que le disparó tres veces a la cabeza. Sobrevivió, pero nunca pudo superar las secuelas. El 24 de diciembre de 1979, mientras tomaba un baño, sufrió un ataque de epilepsia consecuencia de las secuelas del atentado, muriendo ahogado. 

Un año antes también fue tiroteado en Berlín el estudiante Benno Ohnesorg el 2 de junio de 1967.

Estos collages eran sorprendentemente diferentes de las obras abstractas de pintura de Vedova. Sin embargo, el artista ha mantenido su preferencia por el contraste de blanco y negro, que también impregna sus pinturas.


sábado, 28 de noviembre de 2015

"VENEZUELA DESDE ABAJO", DOCUMENTAL DE DARIO AZZELLINI Y OLIVER RESSLER

Venezuela desde abajo
Autores: Dario Azzellini & Oliver Ressler
Duración: 67 Minutos
Año: 2004

En Venezuela, desde que el presidente Hugo Chávez ganó las elecciones presidenciales en 1998 y asumió el gobierno, se da una profunda transformación social denominada "Proceso bolivariano". Se trata de un amplio proceso de auto-organización, desde el cual se desarrollaron una nueva constitución progresista, unas leyes de trabajo, nuevas posibilidades de educación y formación y muchas más reformas a favor de la mayoría pobre de la Venezuela potencialmente rica. La política de gobierno, opuesta abiertamente a muchos paradigmas neoliberales, es fuertemente combatida por los grandes empresarios venezolanos y el gobierno de EEUU, lo cual se manifestó en dos intentos de golpe de estado. Sin embargo, Chávez y su gobierno gozan de la confianza de la mayoría de la población. La sociedad está fuertemente politizada: muchas personas, que anteriormente nunca pensaron en que quisieran cambiar, hoy son parte de la transformación profunda que vive el país.

En el documental "Venezuela desde abajo" hablan los verdaderos actores del proceso social: la base. Después de una introducción del filósofo Carlos Lazo, algunos obreros de PDVSA, en la ciudad de Puerto La Cruz, describen cómo, durante el golpe petrolero del 2002/2003, evitaron que cerrara la refinería y lograron reanudar la producción. Algunas campesinas de una nueva cooperativa en Aragua cuentan de su proceso de auto-organización, la campaña de alfabetización y cómo se orienta esta misión, que muchos desean que continúe.

Las imágenes describen el proyecto del Banco de la Mujer, en el estado Miranda, y algunas de sus beneficiarias quienes reciben créditos en el sector del 23 de Enero, luego de presentar sus proyectos. Una comunidad indígena del Orinoco, en el estado Bolívar, habla sobre cómo la constitución refleja sus demandas y luchas y qué ha cambiado para ellos. Obreros que tomaron la fábrica nacional de válvulas en el sector de Los Teques, de Miranda, y la fábrica de papel Venepal, en el estado Carabobo -ocupada por 350 obreros que han reasumido una parte de la producción después que el dueño la llevara a la quiebra- relatan sus experiencias con sindicatos corruptos, control obrero y sus luchas.

También tienen espacio en este video el Movimiento Revolucionario Tupamaro, la Fundación Cultural Simón Bolívar, los conductores de la página de internet www.23.net y el círculo bolivariano "Abrebrecha" del 23 de Enero. Describen su trabajo y cómo ha repercutido en ellos la transformación social. Es la gente de la base, desde abajo, que nos habla de lo hecho y de lo que está haciendo, de cómo ve el proceso bolivariano, de cuáles son sus ideas y esperanzas. Ellos se ven como parte del proceso y, sin embargo, hablan sobre problemas. La búsqueda de modelos sociales y económicos más allá del modelo neoliberal no constituye una tarea fácil ya que hasta ahora no hay alternativas desarrolladas exitosamente. Sin embargo, para los protagonistas del proceso bolivariano se ha tomado un rumbo, sin vuelta atrás.

VER DOCUMENTAL:

viernes, 27 de noviembre de 2015

EL REINA SOFÍA CEDE AL CONGRESO "EL ABRAZO", DE JUAN GENOVÉS


El patronato del Museo Reina Sofía ha decidido ceder en depósito al Congreso de los Diputados el cuadro "El abrazo" de Juan Genovés, una obra pintada en 1976 que se conoce también como "Amnistía" y que está considerada un símbolo de la Transición española, han informado a Efe fuentes de la pinacoteca.

El patronato del museo ha decidido en su reunión de esta tarde acceder a la petición y ha establecido que la cesión será por tres años "renovables".

El Congreso de los Diputados inició a mediados del pasado mes de octubre el procedimiento correspondiente para solicitar al Reina Sofía la cesión en depósito del cuadro para ser expuesto de forma "permanente" en las dependencias de la Cámara baja.
Las gestiones se habían iniciado, a propuesta de IU, la anterior legislatura al considerar que la obra era un "símbolo de convivencia democrática" que debe verse en un "lugar destacado" del Congreso.

Existe una réplica del cuadro en escultura en la plaza de Antón Martín, frente al despacho de la calle Atocha, en memoria de los cuatro abogados y un administrativo que fueron asesinados por unos pistoleros de ultraderecha hace tres décadas.

Fuente: EFE

jueves, 26 de noviembre de 2015

"B (LA PELÍCULA DE BÁRCENAS)", DE DAVID ILUNDAIN

Título: B (la película de Bárcenas).
Dirección: David Ilundain.
País: España. Año: 2015.
Duración: 78 min.
Género: Drama.
Intérpretes: Pedro Casablanc, Manolo Solo.
Guion: David Ilundain; adaptación de la obra “Ruz Bárcenas” de Jordi Casanovas.
Distribuidora: Avalon.
Estreno en España: 18 Septiembre 2015.

Luz y taquígrafos sobre la indecencia


597 “mecenas”, cuyos nombres figuran en los créditos finales, ayudaron a que una pequeña obra montada y dirigida por Alberto San Juan en el Teatro del Barrio de Madrid se convirtiera en una pequeña gran película, de las que consiguen abrirse paso en la jungla de las salas con un puñado de copias y sobreviven algún tiempo a los embates de un cine adocenado en poderosa competencia. El dramaturgo Jordi Casanovas había renunciado a cualquier aparato escenográfico y situó a sus dos actores, gigantes en un espacio virtualmente vacío, cara a cara con una transcripción sumarial por único libreto y herramienta dramática. Manolo Solo, como el juez Ruz y Pedro Casablanc personificando al encausado Bárcenas, el extesorero de un partido corrompido hasta la médula, se enfrentaban en un diálogo en el que el lenguaje burocrático y técnico perdía sus contornos oscuros y se tornaba milagrosamente en alegoría de la podredumbre, en reconocimiento límpido de la depravación, en confesión a las claras del envilecimiento político no castigado ni por las urnas ni por el sistema judicial.

Gracias a aquella campaña de micromecenazgo David Ilundain ha trasladado a la pantalla la palabra y el gesto de los actores principales y les ha arropado con algunos otros que estaban ausentes sobre las tablas. Fiscal del Estado, abogados defensores y de la acusación, secretaria, técnico de la grabación… en síntesis aportan sólo –en apariencia- algunas pinceladas con las que decorar una sala reducida a la máxima abstracción en la pieza teatral y algunas líneas de diálogo añadidas que enriquecen la dialéctica de la sociedad contra el acusado, pero sobre todo empañan y atenúan el carácter mítico del enfrentamiento entre el bien y el mal encarnados en el juez y el reo que adquiría la obra teatral.

Con estas mínimas diferencias visuales y argumentales el personaje de Bárcenas agranda sus dimensiones y el ímprobo trabajo de Pedro Casablanc brilla aún con más fuerza. Bárcenas es un villano arrogante que adoptando la pose de quien hasta hace nada era poderoso y se sentía intocable admite con descaro haber mentido en su primera declaración (estamos en julio de 2013 y su salida del juzgado le devuelve a la prisión de donde ha llegado) y se desdice sin ningún pudor de afirmaciones que ahora reconoce como falsas; es el hombre frío de memoria paquidérmica que va desgranando desmanes y tropelías cometidas por las máximas autoridades de su partido y de la nación, se siente herido por las amenazas sutilmente mafiosas proferidas por los abogados del PP, mensajeros de su camada política, y se muestra colérico al evocar el trato recibido de María Dolores Cospedal. Casablanc convierte a Bárcenas en un ángel del mal caído en desgracia y abandonado por su pérfido dios, una figura fascinante y odiosa, un lujo de personaje. Un lujo de interpretación. ¿Lo recordarán los académicos el próximo mes de febrero en la gala de los Goya?

Y David Ilundain proporciona al cine español algo de lo que anda tan escaso, un género tan infértil como imprescindible para la salud de una sociedad controlada y manipulada, el cine político. Un cine que no sólo habla de cuestiones de la máxima gravedad sino que se atreve a ponerle nombre y apellidos, arrebatando la máscara de la impostura a una clase política gobernante agazapada tras el control de los medios de comunicación públicos y el control de los mecanismos judiciales.

David Rivas Fraile

Fuente: Mundo Obrero


B (la película) from b la pelicula on Vimeo.

martes, 24 de noviembre de 2015

PRESENTACIÓN EN SEVILLA DEL LIBRO "THE PCI ARTISTS: ANTIFASCISM AND COMMUNISM IN ITALIAN ART", DE JUAN JOSÉ GÓMEZ

The PCI Artists: Antifascism and Communism in Italian Art, 1944-1951
Autor: Juan José Gómez Gutiérrez
Tapa dura: 255 páginas
Editor: Cambridge Scholars Pub; Edición: 1st(15 de septiembre de 2015)
Idioma: Inglés
ISBN-10: 1443880035
ISBN-13: 978-1443880039

El miércoles 25 de noviembre, a las 21h, se presenta en la librería sevillana La Fuga el libro The PCI Artist. Antifascism and Communism in Italian Art, de Juan José Gómez. El autor estará acompañado por José Luis Moreno Pestaña, profesor de filosofía en la Universidad de Cádiz


Este libro propone un marco histórico para reflexionar sobre las relaciones entre arte y política. Tras la derrota del fascismo y el inicio de la Guerra Fría, el Partido Comunista Italiano se había convertido en la mayor organización marxista de Occidente. Aunque el escenario posbélico, con el mundo dividido en dos bloques antagónicos y sus correspondientes zonas de influencia, hacían imposible un gobierno comunista en el país. Así, el objetivo inmediato del PCI no era la revolución, sino la derrota definitiva del fascismo y el establecimiento de un marco democrático desde el cual pudiese superarse la política de bloques hacia una genuina vía nacional al socialismo. Tomando como base la filosofía de Gramsci y en particular su concepto de hegemonía, el PCI pretendía alcanzar un amplio consenso en la sociedad civil como paso previo a la toma del poder y, para ello, necesitaban la colaboración de los intelectuales.

Las políticas artísticas del PCI se diseñaron según estos objetivos, incorporando representantes de todas las tendencias del momento en frentes amplios por la cultura y la democracia. En particular, las jóvenes generaciones que, en los años treinta, habían abandonado el clasicismo imperialista y autárquico característico de gran parte del arte fascista. Por entonces el modernismo internacional había servido a muchos como vía de escape de la opresiva atmósfera cultural italiana, dando lugar a una constelación de grupos locales con orientaciones variadas y distintos grados de implicación política. A finales de la década, Picasso y el Guernica marcan el camino de la confluencia de estos grupos sobre la base del compromiso político explícito y la renovación formal. Tras la II Guerra Mundial estos artistas se integraron en el aparato cultural del PCI donde entraron en relación con la cultura comunista internacional y el realismo socialista en particular. Ello no solo implicaba cambios respecto al contenido de sus obras. También supuso una transformación radical de sus recursos expresivos y su propia autoimagen como artistas.

La originalidad del arte italiano de posguerra se encuentra en los esfuerzos por integrar este complejo de influencias y debates. En tiempos donde el mundo tendía a dividirse en campos opuestos apoyados por poderosos aparatos de propaganda, los artistas comunistas italianos fueron protagonistas de un original proyecto político-cultural, a la búsqueda de la superación crítica de la cultura de bloques.

Miércoles 25 de noviembre, 21:00 h.
Librería La Fuga,
C/ Conde de Torrejón, 4, Acc.
41003 Sevilla
Tfno.: 954 38 23 40
lafuga@nodo50.org

lunes, 23 de noviembre de 2015

FONDO FOTOGRÁFICO DEL ARCHIVO HISTÓRICO DEL PCE

El fondo fotográfico relativo a la Guerra Civil del Archivo Histórico del PCE está constituido por aproximadamente 3.200 fotografías y unos 2.000 negativos. Presentan un gran interés, no solo por la calidad de las mismas, si no también por la importancia de los autores de algunas de ellas: Mayo, Centellés, Alfonso, Torrents, Albero y Segovia, Gerda Taro, "Chim" (Seymour) y Robert Capa.

De la colección de negativos, destaca un conjunto formado por casi 1.300 imágenes, de las que la Universidad Complutense de Madrid presenta 800 en su colección digital. Este grupo de negativos sobresale por dos razones. Primero, debido al concepto mismo de fotografía que el autor o los autores introducen: la imagen como testimonio de hechos y como vehículo de implicación con la causa republicana. La mayoría son de una enorme contundencia, fuerza y proximidad, consiguiendo, en muchos casos, convertir al espectador en protagonista de los hechos que recogen. Segundo, por la originalidad del conjunto, al estar constituido exclusivamente por negativos originales consiguiendo que la credibilidad del documento sea total.

Están agrupados en diferentes series, como: Madrid, Valencia, bombardeos, propaganda, Frente de Aragón, la Batalla del Ebro, la Brigada Motorizada, las Brigadas Internacionales, manifestaciones, ...

Se pueden consultar y bajar libremente en este enlace: http://biblioteca.ucm.es/atencion/17952.php. A continuación, una muestra de lo que hay:







 
















domingo, 22 de noviembre de 2015

"SUEÑO Y MENTIRA DE FRANCO", DE PABLO PICASSO

SUEÑO Y MENTIRA DE FRANCO, EL CÓMIC POLÍTICO MÁS SATÍRICO

«La guerra de España es la batalla presentada por la reacción contra el pueblo, contra la libertad. Toda mi vida como artista no ha sido otra cosa más que una lucha continua contra la reacción y la muerte del arte. ¿Cómo podría pensar nadie ni siquiera por un momento que yo pudiera estar de acuerdo con la reacción y la muerte?... En el mural en el que estoy trabajando y al que llamaré Guernica, y en todas mis obras recientes, expreso con claridad mi aborrecimiento hacia la casta militar que ha sumido a España en un océano de dolor y de muerte». Palabras de Picasso expresadas con motivo de una exposición de carteles sobre la guerra civil española, celebrada en mayo y junio de 1937 en Nueva York.
Con estas palabras el artista manifiesta su controvertido compromiso político que reflejó en obras como Sueño y mentira de Franco, sátira contra el Golpe de Estado de julio del 36 y caricatura irónica del “Generalísimo”.

Entre el 8 y el 9 de mayo Pablo Picasso emprenderá así esta obra, realizando 12 de las 18 viñetas que conformarán dos planchas o estampas, en un primer momento pensadas como tarjetas postales individuales para el beneficio del Fondo de Ayuda a España Republicana, y cuya realización será retomada posteriormente por el artista.


Las evocaciones que sugieren los grabados son numerosas, desde el espíritu de Goya, siempre presente. esta vez en el El sueño de la razón produce monstruos, hasta su título original, Songe et Mensonge de Franco, perdiendo el juego de palabras al castellano, que nos remite a Calderón de la Barca y sus La vida es sueño o En esta vida todo es verdad y todo es mentira. Mas lo que destaca sobremanera en esta obra, y se aleja así de El Guernica, es el realismo figurativo y la claridad del mensaje en un formato muy revelador y cercano al del cómic: el general insurrecto debe ser ridiculizado y su acción caracterizada como inhumana y cruel.

La primera plancha, mucho más caricaturesca, presenta a un bufo Caudillo caracterizado por el servilismo a la Iglesia, al capitalismo y a la España más conservadora y trasnochada, realizando asimismo una denuncia de la destrucción del patrimonio artístico nacional.


Pablo Picasso, Sueno y mentira de Franco, 1937. Aguafuerte y aguatinta al azucar con raspado, 38,9 x 57.1 cm.
Las imágenes, al ser estampadas, aparecen invertidas en visión espejo.
Si realizamos un breve recorrido por las viñetas nos encontramos con una primera escena en la que aparece el Caudillo como un caballero cristiano, en una parodia de los héroes legendarios españoles El Cid o Don Quijote, dando estocadas a su propio caballo. En la segunda escena, el general con un enorme falo erecto hace pruebas en la cuerda floja, caracterizando su machismo y sus alardes de combatiente, mientras que en la tercera, Franco trata de destruir con un pico un busto de mujer, caracterizando al insurrecto de amenaza para la cultura. La cuarta muestra a Franco vestido de mujer, simbolizando la cobardía. mientras que en el quinto cuadro es atacado por un toro, símbolo quizás de la derrota del fascismo. En el sexto cuadro, el Caudillo ora ante el tabernáculo del Capital, rodeado de una alambrada de púas. La séptima escena, una parodia de la Creación bíblica del mundo, muestra al general rodeado de insectos, descansando después de acabada su obra, mientras que en la octava escena galopa hacia el sol montado en un Pegaso. Franco atraviesa con el asta de su bandera a la encarnación del arte poético, al Arte, recordando quizá el doloroso bombardeo de Madrid y del Museo del Prado. En la novena escena, el Caudillo cabalga montado en cerdo hacia el sol,simbolizando su ocaso y la salvación de España. 

Pablo Picasso, Sueno y mentira de Franco, 1937. Aguafuerte y aguatinta al azucar con raspado, 38,9 x 57.1 cm.
Las imágenes, al ser estampadas, aparecen invertidas en visión espejo
La segunda plancha, terminada en junio del mismo, muestra una gran influencia de las dramáticas figuras del gran mural que Picasso estaba realizando, marcadas por el bombardeo y la tragedia de la guerra. En la décima escena, el Pegaso es aniquilado por Franco. Las representaciones número once y doce muestran las consecuencias de sus fechorías: el cadáver de una mujer y un caballo muerto, que cobija al jinete caído en la curva de su pescuezo. En la décima tercera escena, el toro se presenta como adversario del Caudillo, a quien derrota en el cuadro siguiente, relacionado frecuentemente con el pueblo español. Las últimas cuatro escenas, aportadas posteriormente, transcriben figuras del repertorio de Guernica y representan los sufrimientos padecidos por las víctimas.

Cabe destacar asimismo que las planchas iban acompañadas de un poema manuscrito probablemente redactado entre el 15 y el 18 de junio, de aparente escritura automática, y en el que se dan cita prácticamente todas las características habituales de la primera poesía picassiana: el dinamismo, provocado por los gerundios o la ausencia de signos de puntuación (aparecen sólo de vez en cuando algunos guiones); la gastronomía, con el uso de prolijos términos culinarios, el españolismo, algunos elementos relacionados con el oficio de artista y, sobre todo, los chispazos de lujuria y de crueldad. A esto se podría sumar la exis- tencia en el texto de un particular y abundante bestiario, alguna referencia ridiculizante a la Iglesia y la Curia y alusiones a elementos gráficos propios de la obra: a las figuras yacentes, al caballo destripado, y referencias directas al sol o a las banderas, y una particular colección de gritos que entronca perfectamente con las últimas imágenes de la serie.

Reproducción facsímil del poema Fandangode lechuzas incluido en la carpeta con los grabados Sueño y Mentira de Franco ,1937,
 56,6 x 76,8 cm Colección Fundación Picasso-Museo Casa natal, Ayuntamiento de Málaga
De acuerdo con Christian Zervoz, en Songe et Mensonge de Franco Picasso ha descrito la crueldad, la estupidez y la incongruencia de un ser que su ridiculez nadie podrá olvidar nunca. Ninguna fórmula será capaz jamás de liberar a ese general-fantasma del círculo mágico en el que el artista español lo ha encerrado.

Fuente: El Guernica: mito e icono

sábado, 21 de noviembre de 2015

"RED ARMY", DOCUMENTAL SOBRE LA SELECCIÓN SOVIÉTICA DE HOCKEY SOBRE HIELO

Título original: Red Army
Año: 2014
Duración: 85 min.
País: Rusia
Director: Gabe Polsky
Guión: Gabe Polsky
Música: Christophe Beck, Leo Birenberg
Fotografía: Peter Zeitlinger, Svetlana Cvetko
Sinopsis: Documental que narra los destinos cruzados de la Unión Soviética y del equipo de hockey sobre hielo conocido como "El ejército rojo": una dinastía única en la historia del deporte. El ex-capitán del equipo, Slava Fetisov, evoca su trayectoria fuera de lo común: primero adulado como un héroe nacional y luego condenado como enemigo político. Ese "Ejército rojo" es uno de los protagonistas de la historia social, cultural y política de su país: al igual que la URSS, pasa por una época de grandeza y luego llega la decadencia, y finalmente los cambios que trae la Rusia contemporánea. "Red Army", presentado por Werner Herzog y el productor Jerry Weintraub, cuenta la extraordinaria historia de la Guerra fría sobre el hielo y la vida de un hombre que se atrevió a enfrentarse al sistema soviético.


EJÉRCITO ROJO, LA PELÍCULA

Posiblemente muchos ya habríais oído hablar de ella, pero por si alguno se despista no está de más recordar el reciente estreno de Sony Pictures Classic, “Red Army”, la película. Como podéis apreciar en el cartel, no se trata de una película de cine bélico, sino de un documental deportivo, si bien, es necesario matizar que todos sus protagonistas, o la gran mayoría, son leales soldados del ejército soviético.

Jugadores de la selección nacional de hockey con su uniforme de gala.

Como todos sabéis en los países del bloque socialista el servicio militar era obligatorio, y allá en la URSS lo más granado de sus soldados formaba parte del club deportivo CSKA. La traducción de CSKA es “Club Deportivo Central del Ejército”, es decir el club del ejército rojo. No me voy a detener en traducir las siglas y el origen de los clubs deportivos rusos, porque seguramente muchos de vosotros acabaríais comprando la elástica del Spartak o del Torpedo de Moscú por el simbolismo soviético que las mismas pueden contener.

Fetisov con la elástica del CSKA antes de desertar.

Al caso, la película a pesar de ser un documental 100% americano en todos los sentidos, muestra con bastante detalle la que posiblemente fue la mejor selección nacional de Hockey de todos los tiempos. Con Fetisov, un jugador elevado a la categoría de leyenda, la selección soviética apenas conocería la derrota, 7 campeonatos del mundo y 2 oros olímpicos, en 12 años. Las imágenes no tienen precio, a lo largo del documental se pueden apreciar los entrenamientos de los jugadores, las escenas más emblemáticas de muchos de los partidos y nos guste o no, los testimonios aunque segados y seguramente manipulados de los propios protagonistas de la historia.

Componentes de la mejor selección de Hockey de la historia.

En los momentos finales del reportaje resulta interesante apreciar como la Perestroika empezó abriendo una puerta para que algunos jugadores jugaran en el extranjero y como esa puerta se acabó convirtiendo en un agujero negro que provocó la extinción de la élite deportiva del hockey soviético, deporte al que las autoridades soviéticas habían destinado tantos esfuerzos. Con la Perestroika de Gorbachov Fetisov y otros jugadores de aquella gloriosa selección de los años ochenta acabarían traicionando su patria por dinero, pero en ningún momento dejarían de demostrar que eran la élite mundial del Hockey consiguiendo también los más altos títulos en la famosa liga de hockey americano-canadiense, la NHL.

Muerta la URSS y finalizado el sueño americano Fetisov volvería a la Rusia de Putin para convertirse en político, llegando a desempeñar el cargo de Ministro de Deporte durante varios años y a presidir el CSKA. También sería capaz de ponerse la elástica del CSKA con 51 años para cubrir las bajas de los jugadores en los momentos más difíciles del club moscovita.

En resumidas cuentas, a pesar de ser una americanada merece la pena ver aquellos tiempos cada vez más lejanos en los que el deporte soviético no tenía rival.

Extraído de Vientos del Este (http://videosdeleste.blogspot.com.es/2015/10/ejercito-rojo-la-pelicula.html)

VER DOCUMENTAL CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:

http://gnula.nu/documental/ver-red-army-2014-online/


viernes, 20 de noviembre de 2015

PIER PAOLO PASOLINI: "PROFECÍA" (1965). SOBRE EL FUTURO DE LA MIGRACIÓN AFRICANA A EUROPA



El 2 de Noviembre se cumplieron 40 años del asesinato de Pier Paolo Pasolini. Esta semana lo seguimos recordando con la traducción castellana de otro poema no menos lúcido, profundo e incómodo. Un poema de rabiosa y triste actualidad: su “Profecía” de 1965 sobre las migraciones africanas a Europa. Como apéndice a la versión castellana del poema va un soberbio vídeo que incluye un recitado del poema en lengua original por parte del actor Toni Servilio. SP.

Alí de los Ojos Azules
uno de tantos hijos de los hijos,
llegará de Argelia, en nave
a vela y remos. Vendrán
con él millares de hombres,
cuerpecillos y ojos
de pobres perros de los padres
sobre barcas varadas en los Reinos del Hambre. Traerán consigo los niños,
y el pan y el queso, en papeles amarillentos del Lunes de Pascua.
Vendrán con las abuelas y los asnos, sobre trirremes robadas en puertos coloniales.
Desembarcarán en Crotone y en Palmi,
por millones, vestidos con harapos
asiáticos y camisas americanas.
De pronto, los calabreses dirán,
como de malandrín a malandrín:
“¡Ahí vienen los viejos hermanos,
con hijos y pan y queso!”
De Crotone o de Palmi partirán
para Nápoles, y de allí a Barcelona,
a Salónica y a Marsella,
a las ciudades de la Mala Vida.
Almas y ángeles, ratones y piojos,
con el germen de la Historia Antigua
volarán ante los valiatos.
¡Siempre humildes!
¡Siempre débiles!
¡Siempre tímidos!
¡Siempre ínfimos!
¡Siempre culpables!
¡Siempre súbditos!
¡Siempre parvos!
Ellos, que nunca quisieron saber, ellos, que sólo tenían ojos para implorar,
ellos,  que vivieron como asesinos bajo tierra, ellos, que vivieron como bandidos
en el fondo el mar, ellos, que vivieron como locos en mitad del cielo,
ellos, que se construyeron
leyes fuera de la ley,
ellos, que se adaptaron a un mundo por debajo del mundo,
ellos, que creyeron en un Dios siervo de Dios,
ellos, que cantaban
las masacres de los reyes,
ellos, que bailaban
las guerras de los burgueses,
ellos, que oraban
a las luchas proletarias…
… deponiendo la honradez
de las religiones campesinas,
olvidando el honor
de la mala vida,
traicionando el candor
de los pueblos bárbaros,
tras su Alí
de los Ojos Azules – saldrán de debajo de la tierra para matar –
saldrán del fondo del mar para agredir – bajarán
desde lo alto del cielo para robar – y antes de llegar a París
para enseñarles el goce de vivir,
antes de llegar a Londres
para enseñarles a ser libres,
antes de llegar a Nueva York
para enseñarles a ser hermanos
– destruirán Roma
y sobre sus ruinas
depositarán el germen
de la Historia Antigua.
Luego, con el Papa y todos los sacramentos,
se las tendrán como gitanos
en dirección noreste,
banderas rojas
de Trotsky al viento…

El vídeo con el poema original recitado en italiano por Toni Servillo:



Traducción para www.sinpermiso.info: Antoni Domènech
 

Pier Paolo Pasolini (1922-1975). Resistente antifascista, comunista, escritor, poeta y cineasta italiano cuya multifacética obra le sitúa entre los intelectuales más importantes de su generación.

Fuente: www.sinpermiso.info, 15 de noviembre de 2015

jueves, 19 de noviembre de 2015

WRÓBLEWSKI O LAS DOS CARAS DE LA REALIDAD


'VERSO / REVERSO' SE PUEDE VISITAR HASTA EL 28 DE FEBRERO DE 2016 EN EL PALACIO VELÁZQUEZ DEL RETIRO.

Andrzej Wróblewski (1927-1957) es, a pesar de su corta vida, uno de los artistas polacos más importantes del siglo XX. Esta muestra, la primera retrospectiva fuera de su país, permite contemplar su obra más allá de los tópicos reduccionistas del realismo socialista o del arte periférico, a través de los cuales se ha estudiado hasta época reciente el arte de los países en la órbita soviética. 

Wróblewski fue un creador de experimentos formales a caballo entre la abstracción y la figuración. “Cambió nuestro mundo o por lo menos nuestra percepción del mundo”, explica Paweł Potoroczyn, director del Instituto Adam Mickiewicz, quien destaca como manifestó una visión excepcionalmente sugerente de la guerra, la posguerra y de la degradación humana, basada en su profundo compromiso político.

Su trabajo es muy amplio a pesar de su temprana muerte. En sus 200 pinturas y 800 trabajos sobre papel se reflejan los traumas y las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, pero también los sueños de un mundo nuevo y mejor. Sus obras indagan en los sentimientos más íntimos y representan la realidad más cruda, oscilando entre un lenguaje pictórico inventado, a veces totalmente abstracto o metafórico, y un punzante realismo, en ocasiones voluntariamente plegado a exigencias políticas.

“Se suele enfatizar el lado oscuro de este artista pero no hay que olvidar que también tuvo un lado humorístico”, destaca Éric de Chassey, comisario de la muestra. “Wróblewski es un artista de su tiempo que está en diálogo con Picasso y otros contemporáneos, como Calder, Klein o Constant. Además fue historiador de Arte por lo que conoció la obra de diferentes artistas como Goya”.

Dos miradas al mundo

Este pintor realizó experimentos en los que abordó las contradicciones del periodo moderno y que hacen que su trabajo sea particularmente relevante en la actualidad. Esto se refleja en la exposición, que se basa fundamentalmente en los trabajos a doble cara de Wróblewski. “El trabajo a doble cara no es exclusivo del artista, pero él lo dotó de un significado especial”, explica De Chassey.

La doble cara es una especie de sistema y un símbolo que define todo su trabajo: quiso que los dos lados se completaran el uno al otro pero también que se cuestionaran o complicaran mutuamente. “Esta fue su forma de expresar el mundo. Intentó no tomar partido sino mostrar las dos caras de un mismo tema. Por una parte presentaba la idea utópica del cambio y por otra mostraba toda la dureza de la realidad”, afirma Marta Dziewańska, comisaria de la exposición.

Este tipo de coexistencia dual, que alberga en la mayoría de las ocasiones diferentes discursos formales y de contenido, es también una forma de dirigir al espectador que, literalmente, debe tomar partido pero aceptar al mismo tiempo la existencia de las dos imágenes como dos complejos problemas y, a la vez, como dos soluciones. Se trata de una expresión de su convicción de que un artista participa activamente en la realidad, teniendo como objetivo que su arte sea una propuesta de soluciones temporales.

Recorrido cronológico

Verso / Reverso está compuesta por alrededor de 150 obras y abarca las dos fases del trabajo del artista. Por un lado sus inicios, cuando trataba de establecer su propio lenguaje pictórico (1948-1949), y por otro, su última época, que transcurre después de un período de fe en el realismo estalinista socialista y una voluntaria sumisión a sus imperativas directrices tras el que intentó redefinirse, como si comenzara de nuevo desde cero (1956-1957).

Estas dos fases se conectan entre sí, tanto en la temática como en la forma, mediante una aproximación muy personal a la modernidad y a la vanguardia. Sus numerosas pinturas a doble cara y los trabajos en papel creados en ambos períodos constituyen la expresión material de su vida, entre el compromiso político y el experimento artístico. La muestra, que tienen un recorrido cronológico, se abre al visitante con algunos ejemplos de la serie Ejecuciones, que alude a los traumas de la guerra.

Wróblewski se interesó por los conductores de tranvías, en una interpretación personal de la imagen socialista del trabajador que lidera a la humanidad hacia un futuro mejor; pero también pintó, con el fin de mostrar la paulatina desaparición de las características humanas, filas de personas, retratos de figuras sentadas, a menudo con los ojos entrecerrados, figuras ocupadas en las tareas cotidianas que son a la vez un instrumento y un medio para privarlas de su identidad.

Durante toda su vida concibió lo íntimo como el lugar desde el que abordar los problemas colectivos. Sus escenas familiares de 1948-1949 (madre e hijo, parejas de amantes) examinan la omnipresencia que tras la guerra tenía la muerte, que queda simbolizada por el recurso al color azul, que se asigna indistintamente a una mujer, a un niño o a un hombre.

Realismo socialista

Con el advenimiento de lo que se conoce como el periodo de “deshielo” de 1956-1957, que siguió al periodo estalinista y a la muerte del líder polaco Bolesław Bierut, Wróblewski retomó esos temas, combinando una cáustica representación de situaciones cotidianas con invenciones formales y multiplicando su experimentación en varios tipos de formatos que incluyen pinturas sobre lienzo y obras sobre papel.

La exposición también dedica una sala al tema político y más concretamente al realismo socialista. Entre el final de 1949 y el año 1955, en pleno apogeo del estalinismo, Wróblewski interrumpió la creación de obras en las que intentaba construir un nuevo lenguaje personal y creativo. Convencido de que el artista debe implicarse en la creación de un mundo nuevo, Wróblewski solicitó entrar en el Partido Obrero Unificado Polaco y adoptó el realismo socialista tal y como lo definiera la Conferencia de Artistas Plásticos organizada en febrero de 1949 por el Ministerio de Cultura polaco. Sin embargo, sus cuadros de aquel periodo no contaron con la aceptación plena de la autoridad.

Otros apartados de la muestra ofrecen al visitante los autorretratos pintados y fotografiados por el artista de 1949, 1954 y 1957, en los que se observa cómo Wróblewski corta artificialmente con el marco la figura, juega con los reflejos o contamina la imagen con unas inexplicables áreas de color, estrategias, todas ellas, con las que trata de mostrar que cualquier representación es capaz de aprehender un todo coherente.

También se recogen los nuevos temas que inventó durante el último año de su vida (las lápidas, los hombres desgarrados y de piedra, y las sombras de Hiroshima), cuando entró en un período de profunda renovación.
La retrospectiva se completa con documentación personal del artista así como dos vídeos realizados por Andrzej Wajda y Konrad Nałęcki, quienes mantuvieron una estrecha amistad con Wróblewski y participaron en el Grupo autoeducativo, una iniciativa estudiantil fundada en 1948 con el fin de combatir el conservadurismo de la Academia de Bellas Artes de Cracovia.



Actividades paralelas

Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía ha programado para el 18 de noviembre, a las 19.00 h, un encuentro entre los comisarios de la muestra, Éric de Chassey y Marta Dziewańska, que hablarán sobre el artista y su trayectoria. La exposición se completa con un catálogo que incluye ensayos de Éric de Chassey, Marta Dziewańska, Rachel Haidu, Tom McDonough y Ulrich Loock, así como textos del propio artista.

Fuente: hoyesarte

Chófer (Chófer azul), 1948



La liquidación del gueto, 1949

Ejecución contra un muro, 1949