domingo, 22 de abril de 2012

"CIUDAD DINÁMICA", DEL ARTISTA SOVIÉTICO GUSTAV KLUCIS



Ciudad dinámica
1919
Fotomontaje con recortes fotográficos, papel de plata, gouache y lápiz sobre papel
37,6 x 25,8 cm
Museo Nacional de Arte de Letonia, Riga

Aunque en el artículo “El fotomontaje como nuevo tipo de arte de propaganda”, publicado en 1931, Klucis se refería a su obra Ciudad dinámica (1919) como el primer fotomontaje realizado en la URSS, ya en julio de 1918, mientras trabajaba en Asalto. Fusileros letones —obra relacionada con la represión del levantamiento de la izquierda durante el V Congreso de Soviets de Rusia—, integró fotografías de edificios recortados de publicaciones de prensa y la fotografía del zar Nicolás II cortada en tiras en una imagen realizada en la tradición del cubofuturismo, con un ritmo expresado en diagonales. Paradójicamente, este temprano ejemplo de fotomontaje, que el artista no consideró digno de mención en su artículo, debe considerarse no sólo como el primer ejemplo de fotomontaje, sino como el primer ejemplo de fotomontaje político en la URSS.

Aunque Klucis mantenía que con Asalto buscaba una manera de transformar una composición temática en una abstracción7, más bien sería al contrario, pues son los elementos fotográficos los que hacen de Asalto una reflexión sobre la actualidad de los eventos políticos de aquel momento, añadiendo a la obra una importante carga ideológica.

No obstante, tanto en la estructura como en la idea de la composición de Ciudad dinámica, Klucis fue mucho más allá, superando el plano bidimensional para ofrecer una imagen de una ciudad liberada del plano gráfico, que rota libremente tanto sobre su eje como hacia la profundidad. Refiriéndose al uso de la fotografía en Ciudad dinámica, el artista reveló el conjunto de las principales formas de expresión, dando mayor forma al lenguaje visual de su fotomontaje: “Por primera vez la fotografía se ha usado como un elemento de textura e imaginería y se ha montado siguiendo el principio de mayor o menor escala, destruyendo los antiguos cánones de representación, perspectiva y proporción”. Para obtener la mayor impresión visual posible en sus composiciones, Klucis cambió la escala de los elementos de la imagen y, en sus fotografías, recurrió con destreza a un punto de vista muy alto —o, al contrario, muy bajo—, cambiando así la perspectiva de la percepción de la imagen.

Fuente: La Caballería Roja


Asalto. Fusileros letones (Asalto. Un golpe a la contrarrevolución)
1918
Boceto para un mural con motivo del V Congreso de los Soviets en Moscú
Fotomontaje con recortes fotográficos, carbón y lápiz sobre papel
40,8 x 51,5 cm
Museo Nacional de Arte de Letonia, Riga



sábado, 21 de abril de 2012

"PERSÉPOLIS", PELÍCULA DE ANIMACIÓN DE LA IRANÍ MARJANE SATRAPI

TÍTULO ORIGINAL Persepolis 
AÑO 2007
DURACIÓN 95 min
PAÍS Francia
DIRECTOR Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
GUIÓN Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud (Cómic: Marjane Satrapi)
MÚSICA Olivier Bernet
PRODUCTORA 2.4.7 Films

SINOPSIS Narra la conmovedora historia de una niña iraní desde la revolución islámica hasta nuestros días. Cuando los fundamentalistas toman el poder, forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, y mientras tiene lugar la guerra entre Irak e Irán, Marjane descubre el punk, ABBA y Iron Maiden. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde conoce otra cultura que nada tiene que ver con la de su país. La protagonista se adapta bien a su nueva vida, pero no soporta la soledad y vuelve con su familia, aunque eso signifique ponerse el velo y someterse a una sociedad tiránica. Voces originales en francés de Catherine Deneuve y Chiara Mastroianni. (FILMAFFINITY)

Persépolis demuestra las modificaciones que sufre la poblacion iraní y el país tras el establecimiento de la republica islamica y las leyes que eso conlleva luego de la revolucion iraní de los 70, mediante la biografia de Marjane Satrapi una joven de familia comunista.

VER PELÍCULA CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO

viernes, 20 de abril de 2012

EXPOSICIÓN "CATALUNYA BOMBARDEJADA" EN EL CASTILLO DE MONTJUÏC


En el 75º aniversario de los bombardeos que tuvieron lugar en Cataluña durante la Guerra Civil, la muestra recuerda aquellos trágicos acontecimientos con fotografías y textos de la época

El material gráfico se expone en el Castillo de Montjuïc hasta el 13 de julio y homenajea a las más de 5.000 personas que murieron en Cataluña durante los bombardeos de las fuerzas aéreas italiana y alemana en el conflicto bélico más reciente del estado español.

“Catalunya bombardejada” nos habla de las consecuencias de aquellos ataques y los daños que provocaron en las personas y los edificios, pero también de sus causas y de la respuesta de la población civil ante aquella agresión.

Son 14 plafones que se dividen en tres ámbitos: por un lado la contextualización histórica con un repaso del nazismo y el fascismo, en auge en Europa durante los años 30 del siglo pasado, pero también de la Segunda República, que acababa de nacer con aquella década.

La segunda parte nos cuenta cómo la retaguardia republicana se transformó en el objetivo de las mencionadas fuerzas aéreas simpatizantes del bando nacional, que bombardearon las cuatro capitales de provincia catalanas además de Granollers, Reus y Figueres.

Finalmente veremos la respuesta ciudadana a todo esto, con la construcción de refugios y las redes de solidaridad y cooperación, a través de documentación recuperada de la época.

La exposición contará también con actividades paralelas como conferencias, visitas guiadas y el pase de un documental.

jueves, 19 de abril de 2012

SE PUBLICA "CHE GUEVARA. LA NOVELA GRÁFICA"


El Che vuelve al cómic a través de su más famoso retrato

Alberto Korda hizo en 1960 el más famoso retrato del Che Guevara, una imagen reproducida hasta la saciedad y convertida en un icono político, pero también, comercial y publicitario. Esa foto es el punto de partida de una nueva novela gráfica sobre el "Comandante", que se publica ahora en español.

"Estábamos convencidos de que si queríamos contar la historia del Che, teníamos que encontrar una nueva perspectiva y algo que ayudara al lector a pensar sobre el poder icónico de las imágenes", afirma Marco Rizzo (Italia, 1982), coautor junto a Lelio Bonaccorso (Italia, 1982) de Che Guevara (Panini Comics).

Esta novela gráfica se publica ahora en España, y nos devuelve a una historia tantas veces llevada al cine, al cómic, a la literatura.... "un reto", según reconoce Rizzo.

Ambos tuvieron claro "desde el principio de esta aventura" que iban a contar la historia partiendo de esta fotografía, tomada el 5 de marzo de 1960, en el Cementerio Colón de La Habana, durante los funerales por más de ochenta cubanos muertos en un atentado.

Korda cedió la fotografía, titulada "Guerrillero Heroico" y que muestra al personaje en una desafiante y orgullosa expresión, al italiano Giangiamo Feltrinelli, quien la utilizó para un póster y para la portada del libro "Diario de Bolivia". Ahí comenzó la leyenda.

El fotógrafo no recibió nunca dinero por esta icónica imagen, tanto por voluntad personal como porque en Cuba no existe el derecho de propiedad intelectual o "copyright". Sólo una vez reclamó una compensación económica (que cedió a la sanidad cubana) a una marca de vodka, explican los autores del cómic.

El trabajo para elaborar esta novela gráfica comenzó en febrero de 2011, y es una forma también de rendir homenaje a dos "obras maestras del cómic": El hombre que mató a Che Guevara, del italiano "Magnus", y Che, de los argentinos Héctor G. Oesterheld, Alberto Breccia y Enrique Breccia.

De hecho, Lelio Bonaccorso dibuja "con trazo sucio" las secuencias del "flash-back", en recuerdo al trabajo de los argentinos, mientras que Mario Terán es retratado con los rasgos que le otorgó "Magnus" en El hombre que mató a Che Guevara.

"Desde adolescente, he leído mucho sobre Che Guevara. He tenido claro que no era un santo, y él reivindicaba que no lo era. Ni santo ni héroe", explica Rizzo, quien cree que el mensaje de este hombre sigue de plena actualidad, como lo atestiguan, por ejemplo, las fotografías de la reciente revolución en Libia, con los guerrilleros opositores portando banderas con el mítico retrato.

Rizzo no oculta su simpatía y afecto por este personaje histórico, pero ¿y Fidel?: "Tuvieron una verdadera amistad al comienzo de su aventura revolucionaria, y se admiraban mutuamente. Lo que escriben el uno del otro durante la guerrilla parece sincero".

Pero el autor del guion reconoce, no obstante, que todavía hay "lagunas" en muchos episodios de la vida del "Comandante", y que la verdad de su relación entre ambos, "no puede ser contada si Fidel, todavía, está escribiendo el guion".

http://www.paninicomics.es/web/guest/preview_panini?id=69747

Fuente: RTVE/EFE

miércoles, 18 de abril de 2012

LUIGI NONO EN LA SELVA

Rodrigo García estrena versión de la ópera del compositor comunista Luigi Nono

El director teatral argentino Rodrigo García estrena su versión de A floresta é jovem y cheja de vida, ópera del compositor veneciano Luigi Nono dedicada al Vietcong que inaugura el ciclo Operadhoy en Madrid

Por Jesús Ruiz Mantilla

Si Luigi Nono levantara la cabeza y viera el panorama, le sería muy difícil resistirse al primer impulso de volver a la tumba y permanecer en el difuso suspenso serial que deben tener para él las notas del sueño eterno. Aunque si por algo podría permanecer despierto este comunista irredento, nacido en 1924 en el seno de una familia veneciana de postín, era por comprobar cómo su pieza musical A floresta é jovem y cheja de vida (La selva es joven y está llena de vida), dedicada ni más ni menos que al Vietcong, abre el festival Operadhoy. Lo hace con un montaje que es estreno mundial, concebido por el no menos radical director de escena argentino Rodrigo García. Cuando Nono murió también en Venecia allá por 1990 había caído el muro de Berlín. Pero entonces a nadie se le ocurría ni por asomo que tras él se desmoronaría el Estado de bienestar, ni la construcción de un sueño europeo por el que él, decididamente comprometido contra los nubarrones del fascismo, luchó y creó desmarcándose del ensimismamiento espiritual en el que cayeron muchos de sus colegas contemporáneos pertenecientes a lo que se fraguó en Darmstadt en los años cincuenta.
Si el espectro de Luigi Nono paseara hoy por el Madrid de 2012 junto a Rodrigo García, observaría otra selva. Pero no tropical y luminosa, sino un gran pozo de pesimismo, un arrabal de brazos caídos y árboles secos, sordos a cualquier aviso de esperanza, una procesión deambulante plagada de derrotados. Pese a que los sonidos inquietantes, espectrales, bruscos, caóticos y a ratos escalofriantes de A floresta... trataban de homenajear una esperanza cálida y húmeda, la senda de su lucha se torció. Habría que preguntarle hoy a Nono si esa pintada que leyó en una pared de Toledo le animaría a algo. Ponía: "No hay caminos, hay que caminar". Según muchos de los que le conocieron, aquello inspiró gran parte de su último periodo hasta llegar a su gran obra culminante, Prometeo, la metáfora de la construcción de un hombre nuevo para un mundo nuevo que seguramente no debía ser este.
A floresta... fue compuesta por Nono en 1966. Es un trabajo firmemente experimental e inacabado a propósito, escrito a medias y concebido para ser improvisado en parte por voz de soprano acompañada por instrumental de percusión y la preponderancia de un clarinete. Eso en lo musical. El fondo ideológico es muy radical. Fue efectivamente dedicada al Vietcong cuando se urdía la catástrofe de Vietnam con su guerra, pero quería inspirar también a los movimientos de liberación en África y América Latina.
Sin embargo, García avisa: "Aquellos que conozcan la obra y se esperen una puesta en escena ilustrativa, con referencias al Vietcong o a las guerrillas en África o Latinoamérica, se llevarán una decepción con la parte teatral". Su visión requiere una puesta al día, según el director de escena. "Para mí, La selva es joven... tiene vigencia como universo sonoro; en cambio, su tema, el contenido, lo veo como parte de la historia y no me voy a ocupar en hablar de eso".
Lo hace, según este argentino emigrado a Asturias, por el bien de la partitura. "Si me centro en el contenido, atento contra la capacidad evocativa de la música. Por eso he introducido la obra sonora en un sandwich: antes y después hay textos que he escrito y que hablan de un momento social estúpido y cruel, como el de la obra, pero actual o futuro, y en tono casi fantástico. No quiero remontarme a los sesenta y setenta, aunque no olvido que aquella fue una época de utopías e intento rescatar algo de ese espíritu. Las posibilidades de equivocarme son grandes, pero no podría entender la pieza de otra manera si no es creando algo paralelo a la misma".
Nono creía en el poder revolucionario de las revueltas que se daban en lo que entonces se conocía como Tercer Mundo. Lo que no imaginaba es que 20 años después de su muerte, aquellas notas desgajadas en un laberinto atonal y como de ultratumba vienen que ni pintadas por su abuelo, artista perteneciente a la antigua escuela veneciana en el siglo XIX y que llevaba su mismo nombre, para inspirar también las ruinas de la vieja Europa.
De selva a selva, los sonidos de A floresta..., como los de su Prometeo o algunas otras obras suyas de referencia como Il canto sospeso, compuesto con cartas de condenados a muerte en la II Guerra Mundial, La fabbríca illuminata o su famoso Epitafio para Federico García Lorca inspiran bien una melancolía de idealismo arrastrado a la catástrofe o una necesidad de conciencia por resucitar.
Eso último es lo que Nono trató de aportar en la música de su tiempo. Vivió la era revolucionaria de Darmstadt intensamente. Por allí pasaron todos los compositores rompedores del momento, españoles incluidos de la generación del cincuenta como Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Antón García Abril o Carmelo Bemaola. Darmstadt, visto con distancia, fue un movimiento tan importante como la Segunda Escuela de Viena, liderada por su suegro Arnold Schoenberg, padre de Nuria, la esposa de Luigi Nono desde 1956.
Pero aquello acabó como el rosario de la aurora. Por motivos no solo estéticos, sino morales. Rabiosamente enfrentado a la cerrazón y el aislamiento que propugnaban John Cage o Karlheinz Stockhausen, Nono quiso oponerse a lo que consideraba un "suicidio espiritual". Su música debía ser consciente de que provenía de un mundo marcado por circunstancias —una concepción decididamente marxista—, para ser devuelta a la sociedad como punto de partida de una reflexión activa y comprometida con su tiempo.
A floresta... es un ejemplo proverbial de esa posición. También una evolución natural de la música vocal. Si la historia de este arte ha tenido dos vértices cruciales en Europa, estos han sido Alemania e Italia. El peso de la tradición ha sido enorme para los músicos del siglo XX. Tanto para destrozarla como para reconducirla. Y Nono, quizá muy consciente de que en su Venecia natal vino al mundo la ópera de manos de Monteverdi hace más de 400 años, se concentró en hacer perdurar este arte para su tiempo. La huella de Nono pisó también Argentina. Fue cuando Rodrigo García era un niño. Dio clases en el Instituto Di Telia y se distinguió por apoyar fervientemente una ópera perseguida por el régimen dictatorial de entonces: se trataba de una adaptación de Bomarzo, la novela de Manuel Mújica Láinez, que compuso Ginastera y que muchos consideraron una pieza pornográfica. Aquellos ecos debieron de ser tan legendarios que llegaron al García adolescente. "Tendría 17 años y, por aquel entonces, lo confundía con Berio...".
Fuera uno u otro, el chaval comenzó a interesarse por aquella música extraña que no tenía nada que ver con los discos de Lola Flores que escuchaba su padre. "La familia se componía de un carnicero (mi padre), una verdulera (mi madre) y yo (aprendiz de carnicero y verdulero). Como no me gustaba dedicarme al oficio cogía un tren desde nuestra casa, en un suburbio de Buenos Aires, hasta lo que llaman 'la capital' y ahí me metía en salas de teatro, cines, y recuerdo especialmente la sala de cámara del teatro Colón y un edificio en la calle Florida que hasta hacía no tantos años se llamaba Instituto Torcuata Di Telia: Luigi Nono había pasado por allí. Y seguían programando música contemporánea".
Hoy a García le ha tocado dar cuerpo a aquel recuerdo de Nono en la apertura del nuevo ciclo Operadhoy. Lo va a hacer acompañado de tres actores: Juan Loriente, Agnes Mateus y Nuria Lloansi, junto a la soprano Jihye Son, al clarinetista Carlos Calvez y un grupo de neopercusionistas. Está convencido de que su efecto será minoritario, pero real. No cree en la grandilocuencia de la provocación a gran escala con este tipo de obras. Más bien la encuentra en otras esferas.
"No hubo tal provocación en la escuela de Darmstadt. Es como decir que el surrealismo o Dada lo fueron. Pregúntele a un campesino lo que ha significado en su vida la obra de Duchamp o la música que hacían allí en los cincuenta. La provocación se llamó Adolf Hitler, y con su muerte se acabó todo eso", cree García. Por tanto, su tarea es otra, no provocar desde un escenario, menos en plan hostil. "Mi trabajo consiste en crear obras que puedan dialogar con cualquiera. Ya sé que al teatro no vendrán un albañil ni un minero, pero trabajo pensando que, por equivocación, tal vez sí. No encuentro esta filosofía alejada de la que tenía Luigi Nono".
La agresión proviene de otros frentes. "De los políticos, de esta democracia que pide a gritos aterradores la eutanasia. Nadie puede sentirse sacudido por ninguna obra en un teatro, los que afirman lo contrario son unos mentirosos o viven en otro mundo". Con La selva es joven... sacarán algo positivo quienes deseen y tengan ganas de vivir un momento infrecuente, piensa García. Pero no lo olvidarán. "La música de Nono interpretada en directo es una experiencia poética innegable. Somos pocos quienes la apreciamos. Pero existimos y nos merecemos disfrutarlo".

La selva es joven y está llena de vida. Música: Luigi Nono. Texto y dirección escénica: Rodrigo García. Ciclo Operadhoy. Teatros del Canal. Madrid. 18 y 19 de abril, http://www.musicadhoy.com/

Fuente: Babelia (El País)

martes, 17 de abril de 2012

VOINA

Extraido de ART Now
(http://artesigloxxi.wordpress.com/)

What will Voina get- a state prize or a prison sentence?

La traducción al español de la palabra rusa Voina (Война) es guerra, y es que a juzgar por sus radicales y provocativos performances de street art, parece ser que eso es precisamente lo que quiere este joven colectivo artístico ruso, fundado en 2007 a partir del grupo creativo Sokoleg, el cual a su vez surge de otro de nombre Bombily. Sin embargo, a pesar de estar en guerra contra el gobierno ruso, el cual quiere a toda costa acabar con sus prácticas, sus métodos no son en absoluto violentos, y sus armas no son otras que la sátira y la provocación.


Aunque en un comienzo centraron sus actividades alrededor del estudio del reconocido artista de performance Oleg Kulik mientras malvivían en un garaje a las afueras de Moscú, pronto comenzaron a desarrollar un arte callejero de intenso calado social y político. Este arte de guerrillas que rebasa las fronteras del performance art, es común y apreciado en otros países desde los años ’70 donde mayoritariamente adoptó la forma del graffiti (Muelle, Remebe, Dier, Belin, Dr. Hoffman, Larry VS 88 o Glub en España; Banksy en UK; Space Invader, Blek le Rat, Mademoiselle Kat, Fafi o Miss Van en Francia; Jean Michel Basquiat, Keith Haring, FX Crew, IZ the Wiz, T-Kid, IN, Stay High 149, Cope2, Taki 183, Shepard Fairey o Seen en USA, Blu en Italia, Dare en Suiza…) pero no se había desarrollado en Rusia pese al desagrado general con el que la población contempla a las autoridades. Precisamente por este motivo, estos artistas/activistas políticos se “apropian de la realidad que les rodea” y rompen todos los tabúes en sus acciones, con el fin de demostrar que esta realidad preestablecida por el estado se puede cambiar si se supera el miedo y se pasa a la acción a través de una revolución no violenta. Están tan convencidos de ello que llegan a afirmar que al final serán ellos los que pasen a la historia y no sus gobernantes.


Ideológicamente se consideran a sí mismos como un grupúsculo de izquierda radical, ocupando un lugar que se encontraba completamente vacío en el espectro político del arte ruso. Forman parte de un movimiento innovador mucho más amplio, compuesto por grupos de ideología anarquista y anti fascista que son profundamente críticos con un gobierno que bajo amenazas controla la libertad de expresión de muchos de sus periodistas críticos y artistas (Vikentiy Nilin, Irina Valdron, Dmitry Bulnigin, Alina Gutkina, Diana Machulima, PG Group, Blue Noses, Al Fuckyr, Alexander Evangeli…), con el falso pretexto de ”proteger la seguridad del estado”. Los objetivos de ese colectivo artístico, detallados en su propia página web, son los siguientes:

  1. Renacimiento de los ideales de comportamiento del intelectual/artista mediante la construcción de un prototipo de artista como un “héroe del romanticismo” frente al desalmado mercado de arte contemporáneo actual.
  2. Renacimiento de un modelo de arte honesto, sincero y expresivo que produzca una profunda emoción en el espectador.
  3. Creación de un innovador lenguaje artístico que se adecúe al contexto cultural y sociopolítico actual, sin analogías con el pasado. Creación de un arte ruso actual que provoque la admiración de los intelectuales del resto del mundo.
  4. Renacimiento de la cultura rusa del humor, la ironía y el absurdo y creación de un arte callejero político en el país siguiendo la tradición de los skomorokh y de los carnavales de la Edad Media.
  5. Destrucción conceptual del glamour que rodea el conformista mercado de arte ruso actual.
  6. Creación de un frente de izquierdas siguiendo la tradición del futurismo de los años ’20 y renacimiento del arte de protesta por todo el mundo.
  7. Guerra abierta contra el oscurantismo, la ultra derecha y contra los símbolos e ideologías represivos y patriarcales con el fin de lograr la libertad en el arte contemporáneo y la auténtica modernización de Rusia.


Para la consecución de estos objetivos, el grupo encuentra sus influencias en Andrei Monastyrski, considerado como el maestro del arte conceptual ruso, aunque su mayor inspirador es sin duda el artista y escritor Dimitri Prigov, con quien llegaron a realizar una serie de pequeñas acciones poéticas alrededor del campus universitario. Para julio de 2007 Voina había programado una acción en la que el escritor recitaría sus poemas encerrado en un armario, mientras que los miembros del grupo le subirían 22 pisos por las escaleras de la universidad. Sin embargo inesperadamente el rector canceló la acción y prohibió la performance dentro del campus. Desafortunadamente pocos días después, el artista sufrió un ataque al corazón en el metro moscovita y murió tras varios días en coma el 16 de julio ’07. Cuarenta días después, el grupo llevaría a cabo la acción Feast para conmemorar su fallecimiento.


La estructura del grupo es perfectamente democrática, por lo que los activistas deciden en qué acciones participar y en cuales no, pudiendo salir del grupo y volver a entrar cuando lo deseen. El núcleo duro de Voina se compone de un pequeño grupo de cuatro personas, que son quienes organizan, planifican e implementan las acciones que se llevarán a cabo coincidiendo con los aniversarios de eventos relacionados con acciones violentas que llevaron a un cambio en las estructuras de poder. A diferencia de otros muchos activistas políticos, los miembros de Voina no actúan desde el secretismo y el anonimato, lo cual es ya de por sí una muestra de valentía frente a las repercusiones que sus acciones puedan conllevar:

- Oleg Vorotnikov (a.k.a. Vor), graduado en filosofía por la Universidad Estatal de Moscú y miembro fundacional de Voina es considerado como el principal ideólogo del grupo.

- Natalia Sokol (a.k.a. Kozlyenok), esposa de Vor, con quien tiene un hijo llamado Casper, es graduada en física e investigadora contra el cáncer. Tras conocer a su actual marido en las aulas de la facultad de humanidades de la Universidad Estatal de Moscú, ambos crearon Voina el 23 de febrero de 2007. En la actualidad es la coordinadora del grupo.

- Leonid Nikolayev (a.k.a. Crazy Lenya), solía trabajar como supervisor en una empresa de Moscú, y en la actualidad es el presidente del colectivo.

- Alexei Plutser-Sarno filólogo que se unió al grupo en diciembre de 2007 como artista principal y autor de los textos y contenidos audiovisuales de Voina.Voina actualmente consta de 200 miembros repartidos por toda Rusia, quienes llevan a cabo acciones artísticas en el nombre del grupo pero de forma independiente e incluso, en ocasiones, sin informar de ello al resto de miembros. Esta flexibilidad ha ocasionado que recientemente se les atribuyese erróneamente una performance que no es de su autoría. Se trata de la obra Kissing Policemen, la cual está realizada por Pyotr Verzilov, un antiguo miembro de Voina que fue expulsado del grupo en 2009 tras delatar a uno de sus miembros a la policía. El propio Verzilov admitió su acción ya que en su opinión el hecho de tener a uno de sus miembros encarcelados sería una perfecta estrategia de marketing para el grupo, y les daría mayor credibilidad. Cuando fue expulsado robó todo el archivo fotográfico del grupo y desde entonces ha venido desacreditando las acciones de Voina, mediante la publicación en su blog de falsos performances del grupo.

Las auténticas obras de Voina consisten en pequeñas y grandes acciones de desobediencia civil perpetradas sin ningún tipo de apoyo externo por parte de instituciones, plataformas políticas, galeristas o curadores.

Más información de sus obras: http://artesigloxxi.wordpress.com/2011/09/30/voina/

lunes, 16 de abril de 2012

"ALBERT CAMUS. SOLITARIO Y SOLIDARIO"

Título: Albert Camus. Solitario y solidario
Autora: Catherine Camus
Traducción: Elisenda Julibert
Plataforma Editorial
208 páginas

ISBN: 978-84-15115-73-1
Precio: € 45.00

Al pie de un árbol el mundo enmudeció. Fue en la noche del 4 de enero de 1960. Las fotos recogen los despojos de un coche; de súbito las noticias lloraban que en su interior viajara el gran Camus, Albert, premio Nobel de Literatura. Los gendarmes rescataron su cuerpo ya sin vida. Tenía 46 años y en ese tiempo, tan breve, aquel hombre de orejas pequeñas, caídas, mirada y frente intensas y espíritu al servicio de la dignidad humana, había edificado una considerable obra de compromiso, fuerza y belleza excepcionales.

Albert Camus, solitario y solidario nos lo acerca de la mano de su hija Catherine sirviéndose de una selección de fragmentos de algunos de sus libros y de un buen puñado de fotografías y documentos clave. A él, el gran Camus, seguro le hubiera gustado el enfoque delicado y sencillo de este libro de amplio formato y entrañable talante.

Recorrido completo

Fotos y textos. Le vemos desde sus años primeros hasta los días previos al fin. Ahí está, apenas un niño y pobre, sonriéndonos desde Argelia al lado de una madre española, "a la que desesperadamente siempre he amado". O mozo ya, tras los amores adolescentes y haber leído a Nietzsche, a Gide, a Dostoyevski…fraguándose como escritor, como intelectual, como director de teatro y más. Está ahí, en inéditas imágenes viajando a Estocolmo camino del premio literario de los premios.

Ahí, al pie de las manifestaciones o de las mesas de redacción, reclamando derechos, alzando la voz para prestársela a los que no la tenían, él que se habían declarado sobre todo solidario con el hombre corriente.

Vida intensa y difícil

Y serio, muy serio también. Lo delata su gesto adusto ante una vida que, para él, no fue fácil. Las controversias provocadas por su apoyo público a causas poco populares, el haberse convertido en referente de las conciencias de posguerra, su apelación directa a la responsabilidad personal y su rechazo frontal a las ideologías que matan en nombre de la justicia, le acarrearon no pocos ataques desde los sectores más intransigentes de la derecha y de la izquierda e, incluso, desde ámbitos intelectuales con los discrepaba. A esto habría que añadir sus problemas sentimentales y de salud.

En fin… asistimos al gran Camus, Albert, entre sus mujeres, entre sus luces, sus sombras y escenarios. El hombre que escribiese El extranjero y La peste, el que una noche amarga de enero se levanta el cuello del abrigo, se introduce en un coche y parte en busca de su destino final, al pie de un árbol.

Mirada honesta

Rodeado de hierros retorcidos dijo adiós. Hasta sus detractores tuvieron que reconocer que en aquella carretera se apagaba el autor de una obra grande, comprometida, fraguada en tiempos de crisis y en la que late ya para siempre la integridad de un escritor decisivo y el rigor de una mirada honesta.

Albert Camus, solidario y solitario, un recorrido imprescindible en forma de libro. Inédito, humanísimo… tan próximo.

Fuente: hoyesarte

domingo, 15 de abril de 2012

"ESTUDIANTE MUERTO (VELORIO)", DEL ARTISTA HISPANOCOLOMBIANO ALEJANDRO OBREGÓN


Estudiante muerto (Velorio)
Alejandro Obregón
Oleo sobre lienzo
1956
100 x 200 cm
Art Museum of the Americas (Washington DC)

Obregón se ocupa, de manera explícita; de los eventos trágicos que protagonizó la dictadura del general Rojas Pinilla, acontecida entre 1953y 1957. En el óleo Estudiante muerto [Velorio] refiere la matanza de estudiantes entre el 8 y 9 de junio de 1956, cuando los jóvenes marchaban conmemorando la muerte de un estudiante, sucedida varios lustros atrás. Con esta obra Obregón proyecta una imagen conmovedora y cargada de significado que se distancia del lenguaje de la pancarta. La pintura está planteada como un bodegón, con botellas, frutas, copas y flores. Los elementos que rodean el cuerpo del estudiante adquieren un carácter ritual dada la solemnidad de la ocasión; en este contexto la mesa aparece como objeto de una celebración litúrgica.

En las obras con señalamiento político, Obregón prefiere dar al tema un tratamiento sutil que evite la obviedad propia del "arte comprometido" y que a la vez sea compatible con una reflexión sobre la historia de la pintura. Así pues, en Estudiante muerto alude de manera velada e la Lección de anatomía del doctor Tulp de Rembrandt, uno de los artistas más admirados por Obregón. En un interés constructivo, el colombiano señala la estructura del cuerpo fragmentado del joven muerto dibuja la disección completa del antebrazo y de la mano, que se torna oscura, como en la Lección de anatomía del artista holandés.

Fuente: OEA

sábado, 14 de abril de 2012

14 DE ABRIL, DIA DE LA REPÚBLICA, EN SU 81 ANIVERSARIO


"ESPAÑA EN EL CORAZÓN", DE PABLO NERUDA

Son muchos los poemas dedicados a honrar la II República, pero este año queremos destacar y rescatar el poemario del chileno Pablo Neruda "España en el corazón".

Cabe destacar que el poeta y impresor español Manuel Altolaguirre, quien fuera amigo de Neruda fue quien se dio la tarea de publicar la primera edición española que se ha logrado recuperar en facsímil, la de noviembre de 1938, en los meses, en que de acuerdo a palabras del propio Neruda "la guerra comenzaba a perderse" .

James Valender, especialista en la Generación del 27, da a conocer que "las especiales circunstancias en que se imprimió la primera edición española hicieron no solo que Pablo Neruda, en sus memorias, se refiriera a ella con especial afecto, sino incluso que, por el número muy reducido de ejemplares que se salvaron de la guerra, se formara como una leyenda tan imprecisa como sugerente".

España en el corazón es un "canto de explosiones" a favor de la República, una épica de los trabajadores que la defendieron a sangre y fuego, de manera que el compromiso político del poeta tan explícito siempre, raras veces volvería a adquirir ni la misma transparencia ni la misma convicción emocional" afirma Valender.

Juan Agustín Figueroa, de la Fundación Neruda, con respecto a España en el corazón, expresa que "Neruda asume su deber de poeta que el mismo llama de utilidad pública. Es decir, -y de ahí la paradoja- de poeta puro, "porque la poesía tuvo siempre la pureza del agua o del fuego que lavan o queman". El poeta tiene ahora una visión diferente del mundo al entregar su memorable himno a las glorias de un pueblo en guerra. Así, el mundo ha cambiado y su poesía también ha cambiado. Entonces también nos dirá en su conmovedor "Viaje al corazón de Quevedo"(1947) "Cuando la tierra florece, el pueblo respira libertad, los poetas cantan y muestran el camino".

Mientras que Julio Cortazar señala en "Neruda entre nosotros" que "cuando la guerra civil española lo lleva a escribir España en el corazón, el poeta ha dado el paso final que lo desplaza del escenario a los actores, de la tierra a los hombres; su definición política, que tanto malentendido innoble haría surgir (y pudrir) en América Latina, tiene la necesidad y la llaneza del cumplimiento amoroso de la posesión en la entrega última; y es fácil advertir que el signo ha cambiado, que a la lenta, apasionada enumeración de los frutos terrestres por boca de un hombre solitario y melancólico, sucede ahora la insistente llamada a recobrar esos frutos jamás gozados o injustamente perdidos, la proposición de una poesía de combate lentamente forjada desde las palabras y desde la acción"

De aquella extraordinaria edición, con papel fabricado con trapos, vendas y la camisa de un prisionero moro, aún se conserva un ejemplar en la Biblioteca del Congreso de Washington, y su portada es la única reproducida en el catálogo de donaciones correspondiente a 1938 de esa Biblioteca. El título original del libro es España en el corazón. Himno a las Glorias del Pueblo en la Guerra. Un texto que el poeta comenzó en la ciudad de Madrid en 1936, luego continuó en París y posteriormente en alta mar en su viaje de regreso a Chile. La obra poética fue publicada en 1937 en el país alcanzó una trascendencia notable, pues en tan solo dos meses se vendieron dos mil ejemplares de la edición.

"Aquel contacto con España, con su alma laceranda, lo había fortificado y madurado. Se entregará a su trabajo literario con más devoción y fuerza. El subjetivismo melancólico, de sus poemas de amor o el patetismo doloroso de su "Residencias", tocaba a su fin. Neruda se preguntará, entonces: ¿ "Puede la poesía servir a nuestros semejantes ? ¿ Puede acompañar las luchas de los hombres ?". Y se responderá a si mismo: "Me pareció encontrar una veta enterrada, no bajo las rocas subterráneas, sino bajo las hojas de los libros". Ya había caminado bastante por el terreno de lo irracional y de lo negativo. Debía detenerme y buscar el camino del humanismo, desterrado de la literatura contemporánea, pero enraizado profundamente a las aspiraciones del ser humano. Comencé a trabajar en mi Canto General", agrega finalmente en su comentario Figueroa.

Fuente: Rebelión

ACCESO A "ESPAÑA EN EL CORAZÓN" ON LINE: http://bib.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/01383852011660729866913/index.htm

DESCARGAR "ESPAÑA EN EL CORAZÓN" EN PDF: http://www.archivochile.com/Homenajes/neruda/de_neruda/homenajepneruda0010.pdf

viernes, 13 de abril de 2012

SE CUMPLEN 82 AÑOS DE LA MUERTE DEL POETA SOVIÉTICO VLADIMIR MAYAKOVSKI


MONUMENTO A VLADIMIR MAYAKOVSKI EN MOSCÚ

Salió bien Mayakovski: enérgico, independiente, desafiante, innovador y tribuno. Muchos de quienes lo conocieron en vida reconocieron el parecido. Y la hermana del poeta, Liudmila Vladímirovna Mayakóvskaya, y Lilia Brik, quienes visitaron el taller del escultor una vez terminado el trabajo. Liudmila Mayakóvskaya lo miró y expresó: este es Volodia. No se puede imaginar otro, pues ese es como fue.

Vladimir Mayakovski (19-julio-1893 – 14-abril-1930) era un liceísta cuando su familia se trasladó a Moscú. Son numerosos los lugares de la capital que guardan un recuerdo del poeta. El joven ingresó en el Partido Social Demócrata Obrero de Rusia, y comenzó a escribir versos en la búsqueda de la expresividad para sus fogosos discursos revolucionarios. Mayakovski se sitúa entre las figuras titánicas del arte ruso, por la fuerza del talento y la amplitud de su actividad literaria. Su poesía es la crónica artística de nuestro país en la época de la Gran revolución de Octubre y de la edificación del socialismo. Mayakovski fue un verdadero cantor a Octubre, fue como la encarnación viva del nuevo tipo de poeta, del luchador activo por el futuro radiante del pueblo. Sus versos y poemas entraron «ponderable, hosca y patentemente» en la historia del siglo XX.

El monumento al poeta fue esculpido por Aleksandr Kibalnikov (1912 - 1987). El creador, al igual que sus héroes, era un ser resuelto, perseverante y tenaz. Aleksandr nació en una aldea y, según la tradición tendría que haberse dedicado al campo, pero siendo un adolescente de 15 años partió sorpresivamente a la ciudad, donde ingresó en el Colegio de Arte Industrial. Un concurso no menos serio tuvo que resistir el escultor por el derecho a esculpir a Mayakovski. Luego de presentar al público su boceto expresó: «Yo esculpí al poeta de conformidad con mi estado espiritual y la noción de la imagen».

Del escultor monumentalista Kibalnikov era también propio el arrebato revolucionario, la rebeldía, el apasionamiento, personificados en la potente figura del pedestal.

«¡Y yo
Como la primavera de la humanidad
Nacido
En los trabajos y el combate
Canto
A mi patria
A mi república!».


Son líneas de Mayakovski esculpidas en el pedestal, que el escultor podía plenamente suscribir como suyas. Estos sentimientos unían ambas generaciones: la juventud que venció en la revolución, y los vencedores de la II Guerra Mundial.

28 de julio de 1958. La ex Plaza del Triunfo, que desde el año 1935 hasta 1992 llevó el nombre de Mayakovski estaba colmada por los participantes en el mitin con motivo de la inauguración allí del monumento al poeta. El escultor perpetuó a Mayakovski en la pose típica de orador. La figura de bronce de 6 metros sobre una mole de pedestal de 85 toneladas de peso. Con la chaqueta abierta, el gesto desafiante, la mano tensa que aprieta una libreta de apuntes, el rostro volitivo y la mirada firme: da la impresión que en cualquier momento va a saltar para fundirse con la multitud.

El proceso de creación del monumento tomó cerca de una década. Aleksandr Pávlovich reconoció que quería prescindir del pedestal. Pero la imagen del poeta que camina por la plaza, que arrastra tras de sí al pueblo no fue aprobada. Por lo demás, el espíritu enérgico del heraldo de la revolución y el apasionamiento del luchador activista contagiaba de todas maneras. Eso se sintió también en el día de la inauguración del monumento.

...Fueron pronunciados discursos de autoridades oficiales del gobierno, delegaciones de trabajadores depositaron ofrendas florales al pie del monumento, los escolares hicieron un saludo de pionero a Vladimir Mayakovski, y comenzó la parte oficiosa. En aquel día los admiradores del poeta recitaron largo tiempo sus versos. Así fue como nació la tradición de las recitaciones de los años sesenta, y la plaza que rodea el monumento se convirtió en una suerte de Hyde Park. En las veladas poéticas ante el monumento se reunieron conocidos literatos, estudiantes, la juventud en general. Allí se armaban disputas políticas y filosóficas, se formaban círculos de intereses.

Yuri Olesha afirmaba: «En Moscú hay dos monumentos a Mayakovski: uno, la estatua, con respecto a la que él, es muy probable que reaccionaría con severidad. Y el otro, es la estación del Metro que lleva su nombre, ante la que él, un amante de lo industrial, sin duda que caería en el éxtasis».

*Yuri Olesha (1899 - 1960), conocido escritor, poeta, dramaturgo, satírico ruso soviético, contemporáneo de Vladimir Mayakovski.

Fuente: Portal Internacional de Moscú


jueves, 12 de abril de 2012

"FIRST ORBIT", EN EL 51 ANIVERSARIO DEL PRIMER VUELO AL ESPACIO DEL SOVIÉTICO YURI GAGARIN

Título original: First Orbit
Dirección: Christopher Riley
Año: 2011
Duración: 105 min.

País: Reino Unido

Sinopsis

First Orbit (primera órbita) es un largometraje documental sobre el vuelo de Vostok 1 que llevó a Yuri Gagarin a ser el primer ser humano en llegar al espacio exterior, haciendo una órbita alrededor de la Tierra un 12 de abril de 1961.

Haciendo coincidir la órbita de la Estación Espacial Internacional (ISS) a la de Vostok 1 dentro de lo posible, en términos de ruta de tierra y la hora del día, el realizador de documentales Christopher Riley y astronauta de la ESA Paolo Nespoli fueron capaces de recrear las imagénes que vió Gagarin en este hito histórico. Además de estas nuevas imágenes, se añadieron grabaciones originales de audio de la misión Vostok 1 procedente del Archivo Estatal de la Federación Rusa. La película cuenta con una banda sonora original del compositor Philip Sheppard.

Hoy se cumplen 51 años del primer viaje del hombre al espacio, y qué mejor manera de recordarlo que viendo un documental al respecto. Es así como YouTube nos invitó a celebrar la histórica gesta del cosmonauta ruso Yuri Gagarin cuando estrenó hace justo un año, “First Orbit“, un documental de 108 minutos que cuenta la historia del hombre a bordo de la Vostok 1.

“First Orbit” es un documental realizado a partir de grabaciones históricas de audio del primer cosmonauta, Yuri Gagarin, producido por The Attic Room en colaboración con YouTube.

Subtitulado en inglés, “First Orbit” intenta reproducir parte de la ruta original que siguió Gagarin, brindando a los espectadores unas vistas increíbles de la Tierra. Para lograrlo se incluyeron imágenes tomadas desde la Estación Espacial Internacional, en combinación con algunas tomadas en el viaje del 12 de abril de 1961.

El documental cuenta, aparte del canal en Youtube que incluye su “Making off” y un par de trailers, con una web propia http://www.firstorbit.org/, perfiles en las redes sociales Facebook y Twitter, así como aplicaciones iOS y Android.

Fuente: FayerWayer

miércoles, 11 de abril de 2012

"80 POEMAS Y CANCIONES", DE BERTOLT BRECHT

Título: 80 Poemas y Canciones
Autor: Bertolt Brecht
Editorial: AH - Adriana Hidalgo Editora

Edición bilingüe
Selección y traducción de Jorge Hacker
I.S.B.N : 9879396146

Páginas: 200
Año: 2011
Precio: 14 €

Sinopsis: Posiblemente la verdad desnuda de lo que Brecht pensaba y sentía se encuentre en sus poemas. Muchos de ellos suenan como confesiones, otros son denuncias y alegatos claramente ideológicos o didácticos, y otros ¿más personales¿ participan de esa mezcla de pasión y reflexión con la que observaba y expresaba el amor. Todos son cantos a su oficio, la dramaturgia, y a la única amante a la que fue fiel toda su vida: el teatro.

Brecht es un fenómeno difícil. Rechaza utilizar “libremente” su talento de escritor. Y quizá no haya un solo reproche contra su actuación literaria -plagiario, perturbador, saboteador- que no reclame títulos de gloria para su eficacia no literaria como educador, pensador, organizador, político, director de escena. En cualquier caso resulta indiscutible que entre todos los que escriben en Alemania él es el único que se pregunta dónde debe investir su talento, y que sólo lo inviste cuando está convencido de la necesidad de hacerlo. Walter Benjamin

En el fondo, la grandeza de Brecht, y también su soledad, consiste en que inventa sin cesar el marxismo. El tema ideológico, en Brecht, podría definirse con gran exactitud como una dinámica de hechos que mezcla la constatación y la explicación, la ética y la política: de acuerdo con la enseñanza profunda del marxismo, cada tema es a un tiempo expresión y deseo de los hombres y de las cosas, es a un tiempo cuestionador (porque desenmascara) y reconciliador (porque explica). Roland Barthes

Brecht se proponía, a la manera de los clásicos, abarcar la mayor cantidad posible de géneros y ámbitos literarios: el drama, la novela, los cuentos de almanaque, el ensayo, la lírica a mayor o menor escala, la épica. No hay duda de que por esto mismo, al reemprender el estudio del clasicismo alemán salteándose el siglo XIX, Brecht aparece ante la posteridad a la luz de un nuevo clasicismo. Y lo cierto es que en la totalidad de su obra no había hecho sino reconsiderar continuamente, conforme a las circunstancias tan cambiantes de su país, los problemas de la gran Ilustración a los que tan decisivamente estaba ligado el clasicismo. Hans Mayer

"PALABRAS DE UN OBRERO A UN MÉDICO"

¡Nosotros sabemos lo que nos enferma!
Cuando nos sentimos mal nos enteramos
que eres tú el que nos va a curar.

Durante diez años, nos dicen,
en hermosas escuelas
construidas con dinero del pueblo,
aprendiste a curar, y tu ciencia
te ha costado una fortuna.
Tienes que saber curar.

¿Sabes curar?
En tu consultorio
nos arrancan los harapos
y tú aplicas el oído a nuestros cuerpos desnudos.
Una mirada a los harapos te informaría mejor
sobre la causa de nuestra enfermedad. La misma causa
desgasta nuestros cuerpos y nuestras ropas.

Dices que el dolor en el hombro
proviene de la humedad, de la que
también proviene la mancha que hay en la pared de nuestra casa.
Dinos entonces:
¿de dónde proviene la humedad?

Exceso de trabajo y falta de comida
nos hacen flacos y débiles.
Tu receta dice:
“Tiene que aumentar de peso.”
Es como decirle al junco
que no debe mojarse

¿Cuánto tiempo nos dedicas?
Es evidente: la alfombra de tu casa
cuesta tanto como cinco mil consultas.

Probablemente dirás que eres inocente.
La mancha de humedad en la pared de nuestra casa
dice lo mismo.


(En "80 Poemas y Canciones")

martes, 10 de abril de 2012

"LOS HIJOS DE LOS DÍAS"



Primicia del nuevo libro de Eduardo Galeano

Con autorización de la editorial Siglo XXI, La Jornada ofrece un avance, a manera de primicia, del nuevo nuevo libro de Eduardo Galeano. El lanzamiento oficial ocurrirá el 17 de abril, de manera simultánea en España, Argentina y México.


Y los días se echaron a caminar.
Y ellos, los días, nos hicieron.
Y así fuimos nacidos nosotros,
los hijos de los días,
los averiguadores,
los buscadores de la vida.
(El Génesis, según los mayas)

Enero 7
La nieta
Soledad, la nieta de Rafael Barrett, solía recordar una frase del abuelo:
–Si el Bien no existe, hay que inventarlo.
Rafael, paraguayo por elección, revolucionario por vocación, pasó más tiempo en la cárcel que en la casa, y murió en el exilio.
La nieta fue acribillada a balazos en Brasil, en el día de hoy de 1973.
El cabo Anselmo, marinero insurgente, jefe revolucionario, fue quien la entregó.
Harto de ser un perdedor, arrepentido de todo lo que creía y quería, él delató, uno por uno, a sus compañeros de lucha contra la dictadura militar brasileña, y los envió al suplicio o al matadero.
A Soledad, que era su mujer, la dejó para el final. El cabo Anselmo señaló el lugar donde ella se escondía, y se alejó.
Ya estaba en el aeropuerto cuando sonaron los primeros tiros.



Enero 9
Elogio de la brevedad
Hoy se publicó, en Filadelfia, en 1776, la primera edición de Sentido común.
Thomas Paine, el autor, sostenía que la independencia era un asunto de sentido común contra la humillación colonial y la ridícula monarquía hereditaria, que tanto podía coronar a un león como a un burro.
Este libro de cuarenta y ocho páginas se difundió más que el agua y el aire, y fue uno de los papás de la independencia de los Estados Unidos.
En 1848, Karl Marx y Friedrich Engels escribieron las veintitrés páginas del Manifiesto comunista, que empezaba advirtiendo: Un fantasma recorre Europa… Y ésta resultó ser la obra que más influyó sobre las revoluciones del siglo veinte.
Y veintiséis páginas sumaba la exhortación a la indignación que Stéphane Hessel difundió en el año 2011.
Esas pocas palabras ayudaron a desatar terremotos de protesta en varias ciudades. Miles de indignados invadieron las calles y las plazas, durante muchos días y noches, contra la dictadura universal de los banqueros y los guerreros.



Enero 10
Distancias
Tosiendo marchaba el coche. Y a los tumbos, apilados dentro del coche, viajaban unos músicos. Ellos iban a alegrar una reunión de campesinos, pero ya llevaban un largo rato perdidos en los hirvientes caminos de Santiago del Estero.
Los despistados no tenían a quién preguntar. Nadie había, nadie quedaba, en aquellos desiertos que habían sido bosques.
Y de pronto apareció, en una nube de polvo, una niña en bicicleta.
–¿Cuánto falta? –preguntaron.
Y ella dijo:
–Falta menos.
Y en el polvo se fue.



Enero 11
El placer de ir
En 1887 nació, en Salta, el hombre que fue Salta:
Juan Carlos Dávalos, fundador de una dinastía de músicos y poetas.
Según dicen los decires, él fue el primer tripulante de un Ford T, el Ford a bigote, en aquellas comarcas del norte argentino.
Por los caminos venía su Ford T, roncando y humeando. Lento, venía. Las tortugas se sentaban a esperarlo.
Algún vecino se acercó. Preocupado saludó, comentó:
–Pero don Dávalos... A este paso, no va a llegar nunca.
Y él aclaró:
–Yo no viajo por llegar. Viajo por ir.



Enero 12
La urgencia de llegar
En esta mañana del año 2007, un violinista ofreció un concierto en una estación de metro de la ciudad de Washington.
Apoyado contra la pared, junto a un tacho de basura, el músico, que más parecía un muchacho de barrio, tocó obras de Schubert y otros clásicos, durante tres cuartos de hora.
Mil cien personas pasaron sin detener su apurado camino. Siete se detuvieron durante algo más que un instante. Nadie aplaudió. Hubo niños que quisieron quedarse, pero fueron arrastrados por sus madres.
Nadie sabía que él era Joshua Bell, uno de los virtuosos más cotizados y admirados del mundo.
El diario The Washington Post había organizado este concierto. Fue su manera de preguntar:
—¿Tiene usted tiempo para la belleza?



Enero 17
El hombre que fusiló a Dios
En 1918, en Moscú, en plena efervescencia revolucionaria, Anatoli Lunacharski encabezó el tribunal que juzgó a Dios.
Una Biblia fue sentada en el banquillo de los acusados. Según el fiscal, Dios había cometido, a lo largo de la historia, numerosos crímenes contra la humanidad.El abogado de oficio alegó que Dios era inimputable, porque padecía demencia grave; pero el tribunal lo condenó a muerte.
Al amanecer del día de hoy, cinco ráfagas de ametralladora fueron disparadas al cielo.



Enero 27
Para que escuches el mundo
Hoy nació, en 1756, Wolfgang Amadeus Mozart.
Siglos después, hasta los bebés aman la música que nos dejó.
Está comprobado, muchas veces y en muchos lugares, que el recién nacido llora menos y duerme mejor cuando escucha la música de Mozart.
Es la mejor bienvenida al mundo, la manera mejor de decirle:
–Ésta es tu nueva casa. Y así suena.



Marzo 6
La florista
Georgia O’Keeffe vivió pintando, durante casi un siglo, y pintando murió.
Sus cuadros alzaron un jardín en la soledad del desierto. Las flores de Georgia, clítoris, vulvas, vaginas, pezones, ombligos, eran los cálices de una misa de acción de gracias por la alegría de haber nacido mujer.


Abril 3
Buenos muchachos
En 1882, una bala entró en la nuca de Jesse James. La disparó su mejor amigo, para cobrar la recompensa. Antes de convertirse en el más famoso bandolero, Jesse había combatido contra el presidente Lincoln, en las filas del ejército esclavista del sur. Cuando los suyos perdieron la guerra, no tuvo más remedio que cambiar de trabajo. Así nació la banda de Jesse James.
La banda, que usaba máscaras del Ku Klux Klan, inició sus actividades asaltando un tren por primera vez en la historia de los Estados Unidos; y tras desplumar a todos los pasajeros, se dedicó a desvalijar bancos y diligencias.
La leyenda cuenta que Jesse fue algo así como un Robin Hood del Salvaje Oeste, que robaba a los ricos para ayudar a los pobres, pero nunca nadie conoció a un pobre que hubiera recibido una moneda de sus manos.
En cambio, sí está probado que él ayudó mucho a Hollywood. La industria del cine le debe cuarenta películas, casi todas exitosas, donde los más famosos astros, desde Tyrone Power hasta Brad Pitt, han empuñado su revólver humeante.

lunes, 9 de abril de 2012

ISRAEL DECLARA AL ESCRITOR GÜNTER GRASS PERSONA NON GRATA POR SU POEMA "LO QUE HAY QUE DECIR"


POEMA DE UN ALEMÁN

Günter Grass no ha escrito un poema, sino que ha disfrazado de poema un artículo sobre el programa nuclear iraní. Como poema, Lo que hay que decir no aporta gran cosa a la obra del premio Nobel. Como artículo disfrazado de poema, marca un punto de inflexión en su mirada hacia la realidad internacional. Hasta ahora, el país que perpetró contra los judíos uno de los crímenes más monstruosos de la historia ha evitado cualquier protagonismo en el conflicto de Oriente Próximo, limitándose a respaldar a Israel como forma de expiar el pasado. La posibilidad de que Israel lance un ataque contra Irán y el hecho de que Alemania le haya entregado un submarino capaz de hacerlo llevan a que Grass se interrogue, rodeándose de cautelas, si esa forma de expiar el pasado no podría engendrar nuevas culpas.

La primera cautela de la que se rodea Grass es la elección del género literario para exponer sus argumentos, en los que toma distancia de Israel como alemán que llegó a militar en las SS ya próximo el final de la guerra, según relató en Pelando la cebolla. Al desarrollar sus argumentos como poema y no como artículo, Grass intenta situarlos en el terreno acotado de la creación, invitando implícitamente a compartir una emoción antes que a polemizar con unas opiniones. El premio Nobel se declara, además, “envejecido” y confiesa escribir el poema con “su última tinta”, un recordatorio apenas velado de que se encuentra en el último tramo de su vida. Lo que hay que decir lo dice mediante un género literario y desde una circunstancia personal que anticipa una posible censura, y ahí la segunda cautela. “Antisemitismo”, escribe Grass, “se llama la condena”.

Aunque rodeado de cautelas, lo que Grass está poniendo en cuestión en su poema son los fundamentos de la política alemana y, por extensión, occidental, hacia Oriente Próximo. Alemania, viene a decir Grass, ha entendido que asumir la culpa por el Holocausto le exigía guardar silencio ante cualquier política de Israel. Pero asumir esa culpa y la inquebrantable disposición a seguir asumiéndola estaría favoreciendo que Israel —“ese otro país” que, escribe Grass, se ha prohibido a sí mismo nombrar— mantenga un arsenal nuclear sobre el que no se habla y amenace con un ataque al “pueblo iraní, subyugado y conducido al júbilo organizado por un fanfarrón”. La descripción de Irán recuerda en algún punto la de la Alemania nazi, en la que los alemanes, como podría suceder a los iraníes de perpetrarse el ataque, “solo acabamos”, escribe Grass, “como notas a pie de página”.

La última cautela de la que se rodea Grass es la de que “hay que decir lo que mañana podría ser demasiado tarde”, colocando sus argumentos bajo el signo de la perentoriedad. Pero no solo porque, según se desprende del poema, se podría sacrificar a los iraníes en razón de una “sospecha”, la de que, en su país, se persigue “la fabricación de una bomba atómica”; también “hay que decirlo” porque, de mantenerse Alemania en silencio, y de colaborar con la entrega de un submarino, los alemanes, ya “suficientemente incriminados”, según Grass, “podríamos ser cómplices de un crimen que es previsible”, incurriendo en una nueva culpa vinculada a la antigua, y que “no podría extinguirse con ninguna de las excusas habituales”.

Después de invitar a compartir una emoción y no a polemizar con unas opiniones, Grass apunta una salida. Solo sometiendo a inspección simultánea el arsenal nuclear israelí y el programa que desarrolla Irán cabría esperar que se conjurasen los negros presagios. Para decir esto, un alemán como Grass no podía escribir un artículo, sino que tenía que disfrazarlo de poema. No aportará gran cosa a la obra literaria del premio Nobel, pero supone un punto de inflexión en su mirada hacia la realidad internacional. Hablando desde el estigma, Grass confía en abrir un espacio para que otros lo hagan en libertad.

Fuente: El País

LO QUE HAY QUE DECIR

Por qué guardo silencio, demasiado tiempo,

sobre lo que es manifiesto y se utilizaba

en juegos de guerra a cuyo final, supervivientes,

solo acabamos como notas a pie de página.

Es el supuesto derecho a un ataque preventivo

el que podría exterminar al pueblo iraní,

subyugado y conducido al júbilo organizado

por un fanfarrón,

porque en su jurisdicción se sospecha

la fabricación de una bomba atómica.

Pero ¿por qué me prohíbo nombrar

a ese otro país en el que

desde hace años —aunque mantenido en secreto—

se dispone de un creciente potencial nuclear,

fuera de control, ya que

es inaccesible a toda inspección?

El silencio general sobre ese hecho,

al que se ha sometido mi propio silencio,

lo siento como gravosa mentira

y coacción que amenaza castigar

en cuanto no se respeta;

“antisemitismo” se llama la condena.

Ahora, sin embargo, porque mi país,

alcanzado y llamado a capítulo una y otra vez

por crímenes muy propios

sin parangón alguno,

de nuevo y de forma rutinaria, aunque

enseguida calificada de reparación,

va a entregar a Israel otro submarino cuya especialidad

es dirigir ojivas aniquiladoras

hacia donde no se ha probado

la existencia de una sola bomba,

aunque se quiera aportar como prueba el temor...

digo lo que hay que decir.

¿Por qué he callado hasta ahora?

Porque creía que mi origen,

marcado por un estigma imborrable,

me prohibía atribuir ese hecho, como evidente,

al país de Israel, al que estoy unido

y quiero seguir estándolo.

¿Por qué solo ahora lo digo,

envejecido y con mi última tinta:

Israel, potencia nuclear, pone en peligro

una paz mundial ya de por sí quebradiza?

Porque hay que decir

lo que mañana podría ser demasiado tarde,

y porque —suficientemente incriminados como alemanes—

podríamos ser cómplices de un crimen

que es previsible, por lo que nuestra parte de culpa

no podría extinguirse

con ninguna de las excusas habituales.

Lo admito: no sigo callando

porque estoy harto

de la hipocresía de Occidente; cabe esperar además

que muchos se liberen del silencio, exijan

al causante de ese peligro visible que renuncie

al uso de la fuerza e insistan también

en que los gobiernos de ambos países permitan

el control permanente y sin trabas

por una instancia internacional

del potencial nuclear israelí

y de las instalaciones nucleares iraníes.

Solo así podremos ayudar a todos, israelíes y palestinos,

más aún, a todos los seres humanos que en esa región

ocupada por la demencia

viven enemistados codo con codo,

odiándose mutuamente,

y en definitiva también ayudarnos.


Traducción de Miguel Sáenz.

domingo, 8 de abril de 2012

SE CUMPLEN 35 AÑOS DE LA LEGALIZACIÓN DEL PCE

Título: Fuera de las catacumbas
Autor: Emanuele Treglia
Editorial: Eneida
ISBN: 9788415458036
Año: 2012
Nº Páginas: 408
Dimensiones: 15 x 23
Precio: 18,90
€

Fuera de las catacumbas. La política del PCE y el movimiento obrero analiza la historia del PCE desde el final de la Guerra Civil hasta su legalización, el «Sábado Santo rojo» de 1977. La actividad de las fuerzas de oposición, y en particular del PCE, el «partido del antifranquismo» por antonomasia, fue erosionando las bases sociales, económicas y políticas del Régimen, y a partir de los años 50 abrió nuevos espacios de libertad que contribuyeron de manera decisiva a la evolución de las actitudes de los españoles hasta hacerlas incompatibles con un estado autoritario. El PCE y CCOO, desde su constitución en la década de los 60, representaron las dos vertientes fundamentales –política y sindical– de la lucha contra la dictadura, una lucha que permitió al Partido Comunista salir de las catacumbas y configurarse como un actor clave de la Transición a la democracia en España.

De la lucha armada al entrismo (1948-1961)
El PCE en los años cuarenta
Caminando, Barcelona indica el camino
La Política de Reconciliación Nacional
Probando instrumentos
Balance de una larga década

El salto cualitativo (1962-1966)
La luz de Asturias
La afirmación de CCOO
El movimiento sociopolítico organizado
Los «amigos católicos»
Conclusión de una etapa

Acciones, reacciones, relaciones (1967-1972)
La divisoria de 1967
Represión y crisis Resistencia y nuevos equilibrios
La salida del ostracismo
Hacia la libertad

Tiempos de transición (1973-1977)
La pretransición
Buscando la ruptura
Hacia el pacto
El principio de una nueva época
Conclusiones

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sábado, 7 de abril de 2012

"LA BATALLA DE CHILE III. EL PODER POPULAR"

Título: La Batalla de Chile
Dirección, producción, guión: Patricio Guzmán.
Director de fotografía y cámara: Jorge Müller Silva.
Montaje: Pedro Chaskel.
Sonido directo: Bernardo Menz.
Casa de producción: Equipo Tercer Año (Patricio Guzmán).
Soporte de rodaje: 16 MM. Blanco y negro. Soporte definitivo: 35 MM (1.85), DVD y Beta Pal
272 minutos
1972-1979

PREMIOS: GRAND PRIX, Festival de Grenoble, Francia 1975. PREMIO DEL JURADO, Festival de Leipzig, Alemania 1976. GRAND PRIX, Festival de Grenoble, Francia 1976. GRAND PRIX, Festival de Bruselas, Bélgica 1977. GRAND PRIX, Festival de Benalmádena, España 1977. GRAND PRIX, Festival de La Habana, Cuba 1979.

“La Batalla de Chile” es un documental histórico que en las décadas de los 70 y 80 fue distribuido en 35 países del mundo. No es un filme de archivo: es un documento filmado en el momento mismo de producirse los hechos. Su autor y director trabajó con un equipo en medio de los acontecimientos. El material virgen (película de l6 MM en blanco y negro) fue una contribución del documentalista francés Chris Marker y el montaje se realizó gracias a la colaboración del Instituto de Cinematografía Cubano (ICAIC). Jorge Müller Silva (el cámara del filme) fue secuestrado por la policía militar de Pinochet en noviembre de 1974. Hasta hoy se desconoce su paradero. Es uno de los 3.000 desaparecidos que todavía hay en Chile. “La Batalla de Chile” ha sido objeto de la censura en Chile y nunca ha sido emitida por la televisión pública.

SINOPSIS DE LA TERCERA PARTE (“El Poder Popular”, 82’):

Al margen de los grandes acontecimientos que narran los filmes precedentes ocurren también otros fenómenos originales, a veces efímeros, incompletos, que recoge la tercera parte. Numerosos sectores de la población y en particular las capas populares que apoyan a Allende organizan y ponen en marcha una serie de acciones colectivas: almacenes comunitarios, cordones industriales, comités campesinos, etc., con la intención de neutralizar el caos y superar la crisis. Estas instituciones, en su mayoría espontáneas, representan un “estado” adentro del Estado.

Fuente: http://www.patricioguzman.com

viernes, 6 de abril de 2012

"LA BATALLA DE CHILE II. EL GOLPE DE ESTADO"

Título: La Batalla de Chile
Dirección, producción, guión: Patricio Guzmán.
Director de fotografía y cámara: Jorge Müller Silva.
Montaje: Pedro Chaskel.
Sonido directo: Bernardo Menz.
Casa de producción: Equipo Tercer Año (Patricio Guzmán).
Soporte de rodaje: 16 MM. Blanco y negro. Soporte definitivo: 35 MM (1.85), DVD y Beta Pal
272 minutos
1972-1979

PREMIOS: GRAND PRIX, Festival de Grenoble, Francia 1975. PREMIO DEL JURADO, Festival de Leipzig, Alemania 1976. GRAND PRIX, Festival de Grenoble, Francia 1976. GRAND PRIX, Festival de Bruselas, Bélgica 1977. GRAND PRIX, Festival de Benalmádena, España 1977. GRAND PRIX, Festival de La Habana, Cuba 1979.

“La Batalla de Chile” es un documental histórico que en las décadas de los 70 y 80 fue distribuido en 35 países del mundo. No es un filme de archivo: es un documento filmado en el momento mismo de producirse los hechos. Su autor y director trabajó con un equipo en medio de los acontecimientos. El material virgen (película de l6 MM en blanco y negro) fue una contribución del documentalista francés Chris Marker y el montaje se realizó gracias a la colaboración del Instituto de Cinematografía Cubano (ICAIC). Jorge Müller Silva (el cámara del filme) fue secuestrado por la policía militar de Pinochet en noviembre de 1974. Hasta hoy se desconoce su paradero. Es uno de los 3.000 desaparecidos que todavía hay en Chile. “La Batalla de Chile” ha sido objeto de la censura en Chile y nunca ha sido emitida por la televisión pública.

SINOPSIS DE LA SEGUNDA PARTE (“El golpe de Estado”, 90’):

Entre marzo y septiembre de 1973 la izquierda y derecha se enfrentan en la calle, en las fábricas, en los tribunales, en las universidades, en el parlamento y en los medios de comunicación. La situación se vuelve insostenible. Estados Unidos financia la huelga de los camioneros y fomenta el caos social. Allende trata de llegar a un acuerdo con las fuerzas de la Democracia Cristiana, sin conseguirlo. Las propias contradicciones de la izquierda aumentan la crisis. Los militares empiezan a conspirar en Valparaíso. Un amplio sector de la clase media apoya el boicot y la guerra civil. El ll de septiembre Pinochet bombardea el palacio de gobierno.

Fuente: http://www.patricioguzman.com

jueves, 5 de abril de 2012

"LA BATALLA DE CHILE I. LA INSURRECCIÓN DE LA BURGUESÍA"

Título: La Batalla de Chile
Dirección, producción, guión: Patricio Guzmán.
Director de fotografía y cámara: Jorge Müller Silva.
Montaje: Pedro Chaskel.
Sonido directo: Bernardo Menz.
Casa de producción: Equipo Tercer Año (Patricio Guzmán).
Soporte de rodaje: 16 MM. Blanco y negro. Soporte definitivo: 35 MM (1.85), DVD y Beta Pal
272 minutos
1972-1979

PREMIOS: GRAND PRIX, Festival de Grenoble, Francia 1975. PREMIO DEL JURADO, Festival de Leipzig, Alemania 1976. GRAND PRIX, Festival de Grenoble, Francia 1976. GRAND PRIX, Festival de Bruselas, Bélgica 1977. GRAND PRIX, Festival de Benalmádena, España 1977. GRAND PRIX, Festival de La Habana, Cuba 1979.

“La Batalla de Chile” es un documental histórico que en las décadas de los 70 y 80 fue distribuido en 35 países del mundo. No es un filme de archivo: es un documento filmado en el momento mismo de producirse los hechos. Su autor y director trabajó con un equipo en medio de los acontecimientos. El material virgen (película de l6 MM en blanco y negro) fue una contribución del documentalista francés Chris Marker y el montaje se realizó gracias a la colaboración del Instituto de Cinematografía Cubano (ICAIC). Jorge Müller Silva (el cámara del filme) fue secuestrado por la policía militar de Pinochet en noviembre de 1974. Hasta hoy se desconoce su paradero. Es uno de los 3.000 desaparecidos que todavía hay en Chile. “La Batalla de Chile” ha sido objeto de la censura en Chile y nunca ha sido emitida por la televisión pública.

SINOPSIS DE LA PRIMERA PARTE (“La Insurrección de la Burguesía”, 100’) :

Salvador Allende pone en marcha un programa de profundas transformaciones sociales y políticas. Desde el primer día la derecha organiza contra él una serie de huelgas salvajes mientras la Casa Blanca le asfixia económicamente. A pesar del boicot --en marzo de 1973-- los partidos que apoyan a Allende obtienen el 43,4 por ciento de los votos. La derecha comprende que los mecanismos legales ya no les sirven. De ahora en adelante su estrategia será la estrategia del golpe de estado. “La Batalla de Chile” es un fresco que muestra paso a paso estos hechos que conmovieron al mundo.

Fuente: http://www.patricioguzman.com