jueves, 30 de abril de 2015

40º ANIVERSARIO DE LA VICTORIA DE VIETNAM SOBRE EE.UU.


LUCHAR HASTA LA VICTORIA TOTAL

Discurso de Ho Chi Minh emitido por Radio Hanoi el 17 de julio de 1966


Compatriotas y combatientes de todo el país:

Los bárbaros imperialistas norteamericanos han desatado una guerra de agresión intentando conquistar nuestro país, pero están sufriendo graves derrotas.

Han mandado un cuerpo expedicionario de cerca de 300.000 hombres al sur de nuestra nación. Han utilizado como instrumentos de su política agresiva una administración títere y un ejército mercenario creado por ellos mismos. Han recurrido a métodos de guerra en extremo salvajes, a productos químicos tóxicos, bombas de napalm y otros. Con estos crímenes piensan someter a nuestros compatriotas en el sur.

Sin embargo, bajo la firme e inteligente dirección del Frente de Liberación Nacional de Vietnam del Sur (Flnsvs), el ejército y el pueblo de Vietnam del Sur, estrechamente unidos en una lucha heroica, han logrado gloriosas victorias y están dispuestos a luchar hasta la victoria total con el propósito de liberar el sur y defender el norte, logrando así la reunificación nacional.

Los agresores norteamericanos han lanzado descarados ataques aéreos en Vietnam del Norte, con el propósito de salir del pantano en el sur e imponernos negociaciones en sus términos.

Pero Vietnam del Norte no flaqueará. Nuestro ejército y nuestro pueblo han demostrado un ímpetu redoblado en la emulación para producir y luchar heroicamente. Hasta ahora, hemos derribado más de 1.200 aviones. Tenemos la decisión de liquidar la guerra de destrucción del enemigo y, al mismo tiempo, ampliar nuestro apoyo a los queridos compatriotas del sur.

Hace poco tiempo, los agresores norteamericanos dieron históricamente un paso adelante muy serio en la escalada de la guerra: lanzar ataques aéreos sobre los suburbios de Hanoi y Haiphong. Este fue un acto desesperado, comparable a las convulsiones de un animal salvaje gravemente herido. Johnson y su camarilla deberían darse cuenta de que podrán mandar 500.000 soldados, un millón o aun más para ampliar la guerra de agresión en Vietnam del Sur. Podrán utilizar miles de aviones para intensificar sus ataques aéreos contra Vietnam del Sur.

Podrán utilizar miles de aviones para intensificar sus ataques contra Vietnam del Norte. Pero nunca serán capaces de quebrar la voluntad de hierro del heroico pueblo vietnamita para luchar contra la agresión norteamericana y para la salvación nacional.

Mientras más feroces sean, más agravarán sus crímenes.

La guerra puede durar diez, veinte años o más. Podrán destruir Hanoi, Haiphong y otras ciudades y empresas, pero el pueblo vietnamita no se dejará intimidar. No existe nada más valioso que la independencia y la libertad. Cuando llegue la victoria, nuestro pueblo reconstruirá el país y lo dotará de construcciones más grandes y más bellas.

Todo el mundo sabe que cada vez que los agresores norteamericanos avanzan en su guerra criminal recurren siempre a sus falsas conversaciones de paz tratando de engañar a la opinión pública, y acusan a Vietnam de no querer entablar negociaciones.

Presidente Johnson, responda públicamente al pueblo norteamericano y a los pueblos del mundo. ¿Quién ha saboteado los acuerdos de Ginebra que garantizan la soberanía, la independencia, la unidad y la integridad territorial de Vietnam? ¿Acaso las tropas vietnamitas han invadido EE.UU. y han asesinado a los norteamericanos? ¿Acaso no es el gobierno de EE.UU. quién ha enviado tropas norteamericanas para invadir Vietnam y asesinar vietnamitas?

Que EE.UU. termine su guerra de agresión en Vietnam, que retire de este país todas las tropas norteamericanas y satélites, y entonces se restaurará la paz aquí. La posición de Vietnam es clara: los cuatro puntos del gobierno de la República Democrática de Vietnam del Norte y los cinco puntos del Flnvs. No existe otra alternativa.

El pueblo vietnamita ama la paz, la verdadera paz, la paz en independencia y libertad, no la paz simulada, la paz norteamericana.

Para la defensa de la independencia de la Patria y por el cumplimiento de nuestra obligación para con los pueblos que luchan contra el imperialismo norteamericano, nuestro pueblo y nuestro ejército, unidos como un solo hombre, lucharán resueltamente hasta la victoria total, cualesquiera que sean los sacrificios y las penurias que puedan haber. En el pasado, derrotamos a los fascistas japoneses y a los colonialistas franceses en coyunturas mucho más difíciles. Ahora, la situación en el país y en el extranjero es más favorable; la lucha de nuestro pueblo contra la agresión norteamericana para la salvación nacional logrará con certeza la victoria total.

Queridos compatriotas y combatientes:

Somos fuertes por nuestra justa causa, por la unidad de todo nuestro pueblo de norte a sur, y por la amplia simpatía y apoyo de los países socialistas hermanos y de los pueblos progresistas de todo el mundo. Ganaremos!

En este trance estamos unidos como si fuéramos un solo hombre en la determinación de soportar todas las penurias y sacrificios y esforzarnos en cumplir la gloriosa tarea heroica de nuestro pueblo: derrotar a los agresores norteamericanos.

En nombre del pueblo vietnamita, aprovecho esta oportunidad para expresar mi agradecimiento más sincero a los pueblos de los países socialistas y a los pueblos progresistas del mundo, incluyendo al pueblo norteamericano, por su apoyo y asistencia ferviente. Frente a los nuevos planes criminales de los imperialistas norteamericanos, tengo la firme convicción de que los pueblos y gobiernos de los países socialistas hermanos y los pueblos amantes de la paz y la justicia en el mundo ayudarán y apoyarán aun con mayor vigor al pueblo vietnamita hasta la victoria total en su lucha contra la agresión norteamericana para la salvación nacional.

El pueblo vietnamita ganará!

Los agresores norteamericanos serán inevitablemente derrotados!

Viva un Vietnam pacífico, reunificado, independiente, democrático y próspero!

Compatriotas y combatientes de todo el país, marchad valientemente hacia adelante!

Fuente: Ediciones Nuestra Propuesta

miércoles, 29 de abril de 2015

SABINA PONE LA MÚSICA AL VÍDEO DE CAMPAÑA DE IZQUIERDA UNIDA MADRID



El cantante también ofreció su apoyo a Luis García Montero en un concierto el pasado domingo junto a Miguel Ríos y otros artistas

"Yo me bajo en Atocha; yo me quedo en Madrid". Los míticos versos de Joaquín Sabina acompañan al vídeo electoral de Izquierda Unida Comunidad de Madrid para las elecciones autonómicas y municipales del próximo 24 de mayo.

El cantante se ha volcado con la campaña del poeta, junto a otras personalidades del mundo de la música y la cultura que en su momento apoyaron al socialista José Luis Rodríguez Zapatero con la famosa campaña de la ceja.

El pasado domingo, Sabina junto a otros destacados artistas como Miguel Ríos o Quique González ofrecieron un concierto para recaudar fondos para la campaña de García Montero, que ha aglutinado en torno a su candidatura a grandes nombres del progresismo español como el juez Baltasar Garzón.

Fuente: Público

Los cantantes Miguel Ríos (i) y Joaquín Sabina (d) acompañan al candidato de IU García Montero (c) durante el concierto ofrecido el domingo en Madrid en apoyo de su candidatura. EFE/Kiko Huesca

martes, 28 de abril de 2015

SE CELEBRA FISAHARA 2015 EN EL CAMPAMENTO DE REFUGIADOS DE DAJLA (ARGELIA)


La justicia universal protagoniza la XII edición del festival, entre el 28 de abril y el 3 de mayo

Miles de saharauis y cientos de visitantes internacionales, entre los que figuran Viggo Mortensen, Ariadna Gil, Oona Chaplin, Pepe Viyuela y la cofundadora y Presidenta de las Madres de Plaza de Mayo Nora de Cortiñas, se darán cita en el corazón del desierto para compartir una semana de cine, cultura saharaui, encuentros sobre derechos humanos y formación audiovisual. Sucederá durante la XII Edición del Festival Internacional de Cine del Sahara (FiSahara), que este año tendrá lugar en el campamento de población refugiada saharaui de Dajla (Argelia) entre el 28 de abril y el 3 de mayo. Mortensen presentará su última película, Loin des Hommes (Lejos de los hombres), basada en un relato de Albert Camus, mientras que Viyuela actuará junto con el grupo Pallasos en Rebeldía.

FiSahara ha elegido como temática la Justicia Universal. Las víctimas de desapariciones y otros crímenes de lesa humanidad serán protagonistas de esta edición. Nora de Cortiñas participará en la mesa redonda sobre Verdad y Justicia junto con cineastas y activistas pro derechos humanos y la organización AFA-PREDESA, que representa a familiares saharauis de víctimas de desapariciones. El festival abordará el papel del cine en la lucha por la justicia y contra la impunidad con películas como la premiada Granito de arena: Cómo atrapar a un dictador (Pamela Yates), sobre la lucha por la justicia tras el genocidio del pueblo Maya en Guatemala; Testigos de la memoria (dir. Eztizen Miranda) sobre la exhumación de fosas comunes en el Sahara Occidental, y VerdadesVerdaderas: La Vida de Estela, que cuenta la vida de Estela de Carlotto, fundadora de Abuelas de la Plaza de Mayo.

Como en otras ediciones, también se programan películas específicas para el público infantil (Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, de Javier Fesser) y el festival ofrecerá proyecciones de ficción como la aclamada comedia libanesa Ghadi, de Amin Dora; Timbuktu, de Abderrahmane Sissoko (que será presentada por el actor Salem Dendou), Theeb del jordano Naji Abu Nowar, y Paradise Now, del palestino Hany Abu-Assad. La emblemática sección de temática saharaui, que contará con la presencia de la mayoría de sus directores, incluirá una selección de cortometrajes del alumnado de la Escuela de Formación Audiovisual Abidin Kaid Saleh y películas como Carta a Obama, del director saharaui-argelino Mohamed Mhamdi, Coria y el Mar, de la española Diana Nava, La Rosa del Desierto, del español Emilio Alonso, Musawat, del venezolano Darwin Kikó Cañas; La Espera es la Vida, de la brasileña Iara Lee; Soukeina, de la española Laura Sipán y La Güera mi Pueblo Olvidado, del italiano Gilberto Matromatteo.

Coincidiendo con anuncio de las nuevas fechas del festival, Pedro Almodóvar ha manifestado: “Es crucial que el pueblo saharaui pueda ver películas de todo el mundo. Apoyarles no es una cuestión de humanismo. Es cuestión de tener corazón”.

“FiSahara es único en el mundo porque forma parte de un extraordinario movimiento solidario que lucha por una causa justa”, resume Martía Carrión, directora ejecutiva del festival. "Quienes vienen a FiSahara se enamoran de la cultura saharaui, de sus familias de acogida, de la experiencia de ver con ellas cine bajo las estrellas. Saben que su presencia en el festival ayuda a sacar de la invisibilidad y del olvido a un pueblo que lucha pacíficamente por el derecho a volver a su tierra libre”.

FiSahara se celebrará en fechas clave para el futuro del Sahara Occidental, a punto de cumplirse 40 años de la invasión y ocupación marroquí y coincidiendo con una reunión crucial del Consejo de Seguridad de la ONU sobre el futuro del Sahara Occidental a finales de abril.

Web: www.festivalsahara.org
Facebook: www.facebook.com/festivalcinefisahara, Twitter: @FiSahara

Fuente: AISGE

lunes, 27 de abril de 2015

"METAMORPOLIS". EL SURGIMIENTO DE UNA MEGA CIUDAD CHINA, POR TIM FRANCO

Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis es un libro de fotografía de 112 páginas en tapa dura que documenta el surgimiento de la ciudad de más rápido crecimiento en el mundo: Chongqing. Tim Franco pasó los últimos 5 años explorando esta megaciudad que ha crecido sobre las tierras de cultivo y absorbiendo una población rural que está luchando por encontrar un lugar en la ciudad moderna y vertical. 
La ciudad de Chongqing, una de las más grandes de China central, atravesó uno de los procesos de desarrollo más rápido del país. Tim Franco, un fotógrafo francés con sede en Shangai, siguió este desarrollo esquizofrénico desde 2009. Ahora, quiere publicar un libro, resultado de 5 años de trabajo fotográfico sobre la ciudad.
Como resultado de la migración de la población, Chongqing se convirtió de repente en una de las ciudades más grandes del mundo, con hasta 30 millones de habitantes. La primera vez que visitó la ciudad en 2009, Tim Franco afirmó que estaba totalmente perdido: "Las casas antiguas estaban siendo destruidas y  atravesadas por nuevos puentes gigantes y complejos de viviendas sobredimensionadas. Me llevó un tiempo empezar a entender lo que estaba pasando".
Durante los últimos 5 años, Tim viajó en numerosas ocasiones a Chongqing explorando sus diferentes distritos, siendo testigo de los cambios y tratando de entender cómo la masiva población rural  fue adaptándose a su nuevo estilo de vida urbano.
Trabajando con una cámara de formato medio analógico, optó por dar un paso atrás desde el retrato clásico y el enfoque documental, mostrando a la gente en su entorno desproporcionado.
A medida que el año pasaba Tim se dio cuenta de que también estaba documentando la vida en desarrollo de una ciudad china. "Chongqing es tal vez un extremo con sus únicos paisajes y tumultuosa historia pero también es bastante representativo de lo que China está atravesando como país. Este proceso no ha terminado, ya sea para Chongqing como una ciudad, o para mi en mi trabajo documental. Pero siento que con lo que recogí es suficiente para que una gran audiencia descubra la que tal vez es la megaciudad más desconocida en el mundo ".

El proyecto personal en el que ha estado trabajando durante los últimos años finalmente está tomando forma de un libro.


Metamorpolis
Price.- 29 euros
Format.- Size, 25x29 cm
112 pages
Hard cover.

Éste será su primer libro. El diseño está casi terminado. Algunos de las últimas fotos, que Tim tomó a principios de 2015 se están editando en estos momentos. Estas son algunas de las vistas previas del libro (trabajo en proceso)

Fuente: Metalocus

Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions. 
Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.Metamorpolis por Tim Franco. Libro por "Pendant ce temps" éditions.
Tim Franco es un fotógrafo francés que ha estado viviendo y trabajando en Shanghai, China, durante más de 10 años. Es  colaborador habitual de la prensa internacional y ha trabajado para muchas instituciones en China. Algunas de sus imágenes de Chongqing han aparecido en Le Monde, 6 Mois, el Dutch Financial Times y The New York Times.

domingo, 26 de abril de 2015

"LA MADRE PATRIA", DE EVGENI VUCHÉTICH, LA ESTATUA QUE VIGILA VOLGOGRADO


La Madre Patria
Evgeni Vuchétich
1959-1967
85 m de altura
Hormigón y metal
Volgogrado

La monumental estatua de la Madre Patria que domina la ciudad actual de Volgogrado es el vivo recuerdo de la batalla más sanguinaria de la Segunda Guerra Mundial. Situada en la colina Mamáyev Kurgán, la figura descansa sobre un solemne complejo dedicado a los caídos soviéticos y a la resistencia de una ciudad que fue desolada y que en aquel en aquel momento se llamaba Stalingrado.

La resistencia del ejército soviético ante el ataque de las tropas nazis sobre la ciudad de Stalingrado fue diseñada en la “altura 102.0”, palabra en clave que recibió la colina Mamáyev Kurgán –nombre atribuido al militar Mamáy, jefe de las Hordas Azules del imperio mongol– y que dominaba la ciudad en la que se encuentran los ríos Volga y Tsaritsa. El lugar fue elegido por su privilegiada posición, por lo que las fuerzas del Eje intentaron en numerosas ocasiones hacerse con su situación.

Entre el 12 y 13 de septiembre de 1942, apenas un mes del comienzo de la batalla, se produjeron algunos de los primeros éxitos de los soviéticos. Posteriormente, fue el lugar en el que Vasili Záitsev, el mítico francotirador ruso, dio caza a su rival Heinz Thorvald. Finalmente, la colina fue testigo del fin de la batalla más cruel de la historia que se cobró más de dos millones de muertos, en su mayoría soviéticos, alemanes y rumanos. Pero, sobre todo, vecinos de Stalingrado.

El centro de la ciudad no pudo resistir a seis meses de continuos ataques y quedó en ruinas, mientras que las bombardeadas tierras del Mamáyev Kurgán se mezclaban con la sangre de los miles de muertos que dejaron los ataques alemanes. A medida que se aproximaba el final de la guerra fue surgiendo, casi por unanimidad, la idea de levantar en ese heroico promontorio el memorial a los caídos que defendieron Stalingrado.

Un homenaje eterno

Tras la victoria soviética, multitud de voluntarios fueron llegando para ayudar a reconstruir la ciudad. En 1945, el gobierno soviético otorgó a Stalingrado el título de Ciudad Heroica y, poco después, Stalin ordenó la construcción de una estatua de gran tamaño que recordase para siempre lo ocurrido y que simbolizase los valores y resistencia del pueblo ruso. Numerosos escultores entusiasmados con el proyecto presentaron sus ideas, pero el mandatario soviético encargó la tarea final a Evgeni Vuchétich, un destacado escultor del realismo socialista que ya había diseñado el monumento memorial de los soldados soviéticos en Berlín.

La construcción del complejo comenzó en mayo de 1959 y terminó el 15 de octubre de 1967. En el conjunto destacaba, por encima del resto, la inmensa estatua de la Madre Patria –también conocida como ¡La Madre Patria te llama!–, realizada con hormigón y metal. Vuchétich se inspiró en la Niké de Samotracia, la escultura de mármol del siglo II a.C que se exhibe en el Louvre. Además, Vuchétich contó con varias modelos de Stalingrado para tomar las formas de su proyecto.

Los camiones transportaron, durante interminables jornadas laborales, las ocho mil toneladas de hormigón que se necesitaron para su construcción. El encargado de conseguir que todo ese engranaje de pesadas piezas resultara impecable fue el ingeniero Nikolai Nikitin. Una de las características más espectaculares de la Madre Patria es la espada que mantiene amenazante en su mano derecha. El material original del arma era de acero, pero, con el paso del tiempo, ésta se balanceaba con vientos fuertes, por lo que decidieron sustituirla por una de titanio.

Dividir el Imperio

En total, la estatua mide 85 metros de alto. Sólo la figura humana cuenta con 52 metros, mientras que la espada tiene 33 metros de altura. En el momento de su inauguración oficial el 15 de octubre de 1967 –a la que asistieron todos los grandes miembros del gobierno soviético, incluido Leonid Brézhnev–, la estatua era la más grande del mundo, ya que la estatua de la Libertad de Nueva York –de 93 metros de altura total– tiene una estructura sobre la que se erige. El símbolo de la libertad y la resistencia, sin duda, residía en Stalingrado.

Pese a que es la gran estatua de la Madre Patria la que ha alcanzado la fama y admiración internacional, el conjunto arquitectónico incluye otras muchas esculturas que representan el horror del asedio nazi. Una de las estatuas más destacadas es la del comandante Vasili Chuikov, que fue el asesor del escultor, y que aparece retratado en la escultura ‘Luchen hasta la muerte’. La ‘Madre dolorida’ sostiene a un soldado fallecido y la Sala de la Gloria militar es el mausoleo que cuenta con la Llama Eterna y los nombres de más de 7.000 soldados fallecidos inscritos en las paredes. El lugar está cargado de simbolismo; 34.505 combatientes soviéticos descansan bajo la estatua, a la que se llega tras ascender 200 escalones, tantos como días duró el asedio de la actual ciudad de Volgogrado.

El conjunto memorial es uno de los iconos del turismo de Volgogrado, ya que consigue atraer, cada año, más de dos millones de turistas. El complejo abre todos los días del año, festivos incluido, y la entrada es gratuita.

El paso del tiempo, único enemigo

Sin embargo, la majestuosidad de la Madre Patria cuenta con algunos factores que amenazan su dominio sobre la ciudad que la vio nacer. En primer lugar, el terreno de Mamáyev Kurgán, bombardeado incesantemente durante la guerra, no es lo suficientemente estable, lo que provoca la lenta, pero continua, desviación de la estatua al sostenerse sobre su propio peso. Actualmente el nivel de inclinación es de 211 mm, que es el 75% de los cálculos permitidos por Vuchétich.

Por otra parte, la estatua en sí comienza a sufrir las consecuencias del inevitable paso del tiempo y algunas partes están comenzando a deteriorarse notablemente. Un equipo de escaladores profesionales se encarga de su costoso mantenimiento y la cubre periódicamente con materiales que favorecen su resistencia al agua. La parte superior de la estatua tiene miles de anotaciones, sólo perceptibles desde las propias extremidades, que reflejan las pequeñas anomalías que necesitan de constantes cuidados.

Un total de once pisos, sin contar la cabeza, constituyen la estatua, que está compuesta en su interior por 118 cables metálicos capaces de aguantar hasta 60 toneladas cada uno. Un ingeniero visita una vez a la semana los equipos electrónicos del corazón de la emblemática mujer de Volgogrado para controlar la temperatura del hormigón o la tensión de los cables, entre otras actividades. Además, hay repartidos 150 sensores que controlan y recogen información de toda la escultura.

Evgeni Vuchétich, diseñó también otra Madre Patria en Kiev, pero no pudo completarla y fue finalizada tras su muerte en 1974. La estatua ucraniana, de acero inoxidable, mide 62 metros y fue inaugurada en 1981. Al igual que su homónima rusa, también domina un conjunto memorial dedicado a los fallecidos soviéticos.

La Madre Patria de Volgogrado forma parte de las vidas de sus ciudadanos y de la libertad por la que lucharon todos sus habitantes. Desde el 31 de agosto de 2000, la estatua está incluida en la bandera del óblast de Volgogrado, pero desde siempre vigila el corazón del pueblo bañado por el Volga.

Fuente: Rusia Hoy


sábado, 25 de abril de 2015

"TODOS NOS LLAMAMOS ALI", PELÍCULA CONTRA EL RACISMO Y LA XENOFOBIA DE FASSBINDER

Título original: Angst essen Seele auf
Año: 1974
Duración: 93 min.
País: Alemania del Oeste (RFA)
Director: Rainer Werner Fassbinder
Guión: Rainer Werner Fassbinder
Música: Peer Raben
Fotografía: Jürgen Jürges
Reparto: Brigitte Mira, El Hedi Ben Salem, Barbara Valentín, Irm Hermann, Elma Kazlova, Anita Bucher, Gusti Kreisal
Sinopsis: En un café al que acuden los trabajadores inmigrantes, Emmi Kurowski, una viuda de unos sesenta años, conoce a Salem, un marroquí treintañero. Inducido por la dueña del bar, Salem invita a Emmi a bailar, hablan, la acompaña a casa y, al día siguiente, se queda a vivir con ella. Esta relación provoca un gran escándalo, y las vecinas visitan al propietario del edificio para denunciar a Emmi.

Todos nos llamamos Alí (título original en alemán: Angst essen Seele auf) es una película de 1974 escrita y dirigida por el alemán Rainer Werner Fassbinder y protagonizada por Brigitte Mira y El Hedi ben Salem. Ganó dos premios en el Festival de Cannes de 1974 y Mira recibió un Deutscher Filmpreis por su interpretación. Está considerada una de las mejores obras de Fassbinder.

El título original es una frase intencionadamente incorrecta desde el punto de vista gramatical que significa "el miedo devorar alma". Esta incorrección es una referencia directa a una de las líneas dichas por el personaje de Alí. La forma correcta (Angst isst die Seele auf) sirvió de título para un cortometraje de 2002 también protagonizado por Mira.

Rainer Werner Fassbinder (31 de mayo de 1945 - 10 de junio de 1982) fue un director de cine, teatro y televisión alemán, además de actor, productor y escritor. Fue un representante de lo que se conoce como nuevo cine alemán. Llegó a encargarse también de la fotografía y, sobre todo, del montaje de muchas de sus obras.

Su prolífica carrera (más de 40 películas en menos de 15 años) le permitió hacer un repaso exhaustivo de Alemania. Su historia, su sociedad, su cultura, su geografía, y el malestar del tiempo en el que él vivió, y por la violencia de relaciones con la que convivió. Fassbinder filmó por todo el país, y retrató a los distintos sectores y clases sociales: la burguesía, el proletariado, la patronal, intelectuales, periodistas, inmigrantes, artistas...Muchos críticos señalan que las películas de Fassbinder son indispensables para entender la Alemania de hoy.

Fuente: La Izquierd Diario

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:


viernes, 24 de abril de 2015

SE CUMPLEN 100 AÑOS DEL GENOCIDIO ARMENIO



Cuando se cumplieron 50 años del genocidio armenio en todo el mundo (1965) se escucharon estrofas de una canción titulada Ellos han caído (Ils sonts tombée), que en parte decia así:

Han caído sin saber por qué
Hombre, mujeres, niños que solo querían vivir
Con gestos pesados como de hombres borrachos
Mutilados, masacrados, los ojos abiertos de pavor.

Han caído para entrar en la noche
Eterna de los tiempos, al borde su coraje
La muerte los ha golpeado sin demandar su edad
Pues eran culpables de haber sido armenios.

Nadie alzó la voz en un mundo eufórico
mientras se pudría un pueblo en su sangre.
Europa descubría el jazz y su música,
los lamentos de trompetas cubrían los gritos de los niños.
Cayeron púdicamente, sin ruido,
por millares, por millones, sin que el mundo se moviera,
convirtiéndose un instante en minúsculas flores rojas,
recubiertas por un viento de arena y después de olvido.

Su intérprete era Charles Aznavour, que nació en París en 1924, hijo de expatriados armenios. Su nombre real es Shahnur Aznavuryan y nunca olvidó sus orígenes ni ignoró los traumas de su pueblo.


jueves, 23 de abril de 2015

LA PELÍCULA "TECHO Y COMIDA" LLEGA AL FESTIVAL DE MÁLAGA



Llega el momento de Techo y Comida. Llega el momento de que el capitán del barco, el jerezano Juan Miguel Castillo, presuma orgulloso en la alfombra roja del Festival de Málaga este jueves de su ópera prima. Lo hará acompañado de todo su equipo, entre el que por supuesto no faltará Natalia de Molina, una de las actrices del momento y protagonista de la cinta que produce Diversa Audiovisual.

Nunca hasta ahora una película había recogido abiertamente la crudeza y el drama del desahucio que azota al país, de ahí el interés que ha despertado la historia de Rocío y su hijo Adrián, que interpreta el jerezano Jaime López. Se narra en La Granja, pero el calvario del que intenta huir a la desesperada podría ser el que ha vivido o está viviendo cualquier madre de este país.

La película ya ha sido visionada en varios pases de prensa en Madrid y Barcelona y las primeras críticas, explica su director, “han sido buenas”. “Estamos en todas partes, en las plataformas antidesahucios... la gente no para de compartir todo lo relacionado con la película y el trailer en las redes sociales...Estamos contentos con el resultado”, apunta un Juan Miguel Castillo “orgulloso” un proyecto al que le preceden tres años de trabajo y cuyo tráiler ha recibido en cuestión de una semana más de 5.500 visualizaciones con una banda sonora que impresiona con la voz de Malena de Mateo . “Lo lanzamos para crear un poco de ambiente y estamos encantados con la acogida”, explica, reconociendo que a falta de días para su presentación en Málaga en su familia “hay algunos más nerviosos que yo”.

Para el director jerezano el estar seleccionada junto con otros 14 títulos entre 133 películas presentadas a concurso en Sección Oficial “ya es un premio y un orgullo”, pero en cualquier caso esto no ha hecho más que empezar. Acude a su gran día “arropado” por familiares, amigos y fans y, sobre todo, con ganas de que todo el mundo vea la película y reflexione. ¿Cuándo estará en los cines?Es la pregunta del millón, pero de momento habrá que esperar. Antes habrá dos estrenos en Barcelona y, como no podría ser de otra manera, en Jerez.

Fuente: Andalucía Información

miércoles, 22 de abril de 2015

"HISTORIA MARXISTA DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL", DE CHRIS BAMBERY

Título: Historia marxista de la segunda guerra mundial
Autor: CHRIS BAMBERY
Editorial: PASADO Y PRESENTE
ISBN: 9788494212918
Publicación: 16 de Marzo de 2015
448 páginas
PVP: 25 €

¿Es posible hacer un libro original y distinto sobre el conflicto más analizado de nuestra historia reciente? Así es. Chris Bambery lo ha conseguido.

Este libro es a la segunda guerra mundial lo que De los Neandertales a los Neoliberales (de su compañero en Counterfire; Neil Faulkner) es a la historia de occidente. Una manera nueva y atractiva de acercarse a la guerra que más fascina a los lectores. Pero a su vez es un aviso apremiante a rectificar políticas actuales que entonces llevaron a la mayor de las desgracias para toda Europa y que hoy, ante otros peligros no menos crueles, nos amenazan de nuevo.

Con la capacidad narrativa de Beevor pero con el análisis crítico y social de Hobsbawm. "Una historia alternativa, completa y detallada, de los orígenes, causas, desarrollo y consecuencias de la segunda guerra mundial." IAN BIRCHALL

martes, 21 de abril de 2015

"POSIBILIDADES DE LA FOTOGRAFÍA", DE ALEXANDR RODCHENKO


"POSIBILIDADES DE LA FOTOGRAFÍA", DE ALEXANDR RODCHENKO

Es difícil no darse cuenta de que estamos buscando todas las posibilidades abiertas a la fotografía. Como en un vuelo de la fantasía o en un sueño, estamos descubriendo los portentos de la fotografía, que nos revela una realidad asombrosa.

La fotografía se ha liberado de imitar las técnicas del aguafuerte, la pintura o la tapicería. Ahora que ha encontrado su camino, florece, y brisas frescas traen un perfume que es exclusivamente suyo. Por delante hay nuevas posibilidades.

Tiene una multitud de aspectos que son tan complejos como el mejor dibujo, más interesantes que el foto montaje o el primer plano. El contraste de perspectiva. El contraste de luz. El contraste de forma. Puntos de vista que no son posibles ni en el dibujo ni en la pintura. Puntos de vista con escorzos exagerados y brutales.

Momentos inéditos de movimiento, de personas, animales y vehículos. Momentos que antes eran desconocidos o si se conocían no se veían, como la trayectoria de una bala. Composiciones que sobrepasan en audacia a la imaginación de los pintores. Una composición que aventaja a Rubens en su riqueza de formas.

Composiciones de la trama más intrincada, frente a las cuales ni holandeses ni japoneses tienen nada que decir. Les sigue la creación de situaciones fotográficas inexistentes, por ejemplo en el fotomontaje. Un negativo en lugar de un positivo crea una percepción totalmente nueva.
No me refiero, sin embargo, a la impresión de una imagen sobre otra (lo que en el cine se llama "fundido").

Deformaciones ópticas. Fotogramas, tomas de reflejos, etcétera. Los buenos fotógrafos, como todo artista, manifiestan gustos, estilos y maneras individuales. Trabajan con ahínco sobre los temas y motivos fundamentales. Uno toma fotografías desde un aeroplano a ciertas alturas: deporte desde cincuenta metros, Moscú desde doscientos metros, y así sucesivamente. Es un paisaje nuevo, un paisaje de nuestra época.

Otro observa a los animales, un tercero mira el deporte y la tecnología.

La fotografía se está desarrollando con rapidez y triunfa en todos los campos. Crece y demuestra su derecho a progresar lo mismo que la pintura. Pero todavía se le niega.

Técnicamente la fotografía es tan sencilla y rápida, tan útil en sus aplicaciones a la ciencia, la vida y la tecnología, y tan accesible, que no se la considera capaz de expresión. Porque es útil y accesible no se reconoce que tiene sus genios. Hay que estimular el amor a la fotografía para que se coleccionen fotografías, se creen fotobibliotecas y se monten grandes exposiciones fotográficas. Tenemos que crear una exposición fotográfica internacional, y no sólo los llamados "salones".

Tenemos que publicar periódicos y libros fotográficos. La fotografía tiene todos los derechos. Merece atención, respeto y reconocimiento como arte que es del presente.

Texto escrito en 1934 para la revista Sovietskoe Foto, en la que Ródchenko colaboró durante los años treinta con artículos y fotografías animado por el afán de demostrar la necesidad de tratar la fotografía como forma de arte independiente.

Traducido de la versión inglesa de Katya Young publicada en el catálogo The Ródchenko Fami/y Workshop, Glasgow, 1989.

Fuente: Ródchenko. Geometrías (Fundación Juan March)


lunes, 20 de abril de 2015

"LOS SIETE PECADOS CAPITALES", ÓPERA DE KURT WEILL Y BERTOLT BRECHT



Música: Kurt Weill
Textos: Bertolt Brecht

Estrenada en el Teatro de los Campos Elíseos de París el 7 de junio de 1933. Esta obra es la última colaboración entre K.Weill y B.Brecht.

La ópera Los Siete Pecados Capitales aborda el tema de la ambición de lucro, convirtiendo a Ana en "dos hermanas": Ana I, la cantante, la administradora de espíritu práctico que refrena cualquier impulso o deseo de Ana II, la bailarina. Ambas parten a una travesía de siete años por siete ciudades distintas con el fin de acumular suficiente dinero para construir una casa para su familia en Lousiana.

En cada ciudad, su cuenta bancaria se ve amenazada por la frágil personalidad de Ana II, provocada por cada uno de los pecados capitales. Ana I derrota todos los pecados reprimiendo a Ana II, a quien no obstante permite que se prostituya y robe, siempre y cuando se lucre con ello. La obra está centrada en una mujer psicológicamente dividida describiendo la esencia de la femineidad de Ana.

Cada cuadro representa a cada uno de los pecados capitales: pereza, soberbia, ira, gula, lujuria, avaricia y envidia. En la sociedad burguesa los pecados asumen un significado opuesto al que tenían originalmente. Así, la pereza impide el ascenso en la escala social, la soberbia impide a una mujer desnudarse, la ira impulsa a oponerse a la injusticia, la lujuria le mueve a ir con un hombre que le gusta en lugar de otro que puede pagarle todo.

Ana I, que representa el “yo” racional, pide a Ana II, el “yo” instintivo, que se someta a todas las leyes sociales. Vencidos todos los escrúpulos morales y aceptadas las reglas del juego impuestas por la sociedad burguesa, las dos hermanas consiguen el dinero para construir una casa en Lousiana.

La Obra

1. Prólogo: Andante sostenuto (Ana )
2. La Pereza: Allegro vivace. (Familia)
3. La Soberbia: Allegretto. (Ana y Familia)
4. La Ira: Molto agitato. (Ana y Familia)
5. La gula: Largo. (Familia)
6. La Lujuria: Moderato. (Ana y Familia)
7. La Avaricia: Allegro giusto. (Familia)
8. La Envidia: Allegro non tropo. (Ana y Familia)
9. Epílogo: Andante sostenuto. (Ana)

Fuente: Universidad de Murcia

domingo, 19 de abril de 2015

"BARTOLOMEO VANZETTI Y NICOLA SACCO", DE BEN SHAHN


Bartolomeo Vanzetti y Nicola Sacco
Ben Shahn
1931-32
Gouache sobre papel
27.6 x 37.1 cm
Museum of Modern Art, Nueva York

Es uno de los grandes realistas críticos de la pintura norteamericana de la década de 1930. Benjamín Shahn emigró en 1906 con su familia a Nueva York. Tras estudiar litografía, realizar estudios de pintura y diplomarse en la Natural Academy of Design, en 1929-1930 compartió un taller con su amigo Walker Evans, que le alentó a la práctica de la fotografía. Muchas de sus fotografías le sirvieron como material para sus cuadros pintados sobre madera y socialmente comprometidos.

No obstante, en su serie de 25 partes La pasión de Sacco y Vanzetti (The Passion of Sacco and Vanzetti) de 1931-1932, utilizó material periodístico para llamar la atención sobre un viejo escándalo judicial. Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti eran dos obreros americanos de origen italiano y activos militantes del sindicalismo de izquierdas y habían organizado huelgas y manifestaciones. Procesados en 1920 por un asesinato en el que probablemente no estaban implicados, fueron condenados a muerte tras un juicio extremadamente discutible. Las campañas de protesta y de solidaridad tanto nacionales como internacionales no tuvieron ningún éxito , aunque ciento de miles de personas se manifestaron en contra de la injusta sentencia y exigieron su liberación. Sacco y Vanzetti fueron ejecutados el 22 de agosto de 1927.

La sentencia y ejecución fueron considerados una acción de Estado que pretendía la eliminación de los extremistas y la intimidación del movimiento sindical. En Bartolomeo Venzetti y Nicola Sacco los dos acusados aparecen esposados entre sí y con las cabezas en idéntico ángulo de inclinación , aunque Sacco parece mirar directamente al espectador. Vestidos rigurosamente para el proceso con trajes formales, lazos y corbata, Sacco y Vanzetti se sientan en una silla acolchada roja frente a la pared artesonada de la sala . La semejanza con las fisonomías reconocible de la fotografía es evidente, pero la transformación es casi caricaturesca y predominan los elementos gráficos. La inmediatez simplificadora pretenden interesar directamente al espectador, en cierto sentido al modo de un cartel , a lo que contribuyen la intensidad de los colores y la nitidez de los perfiles.  Cierta crítica los tachó de " populares como una postal con una caracterización de los personajes más suave que un insulto y unos colores tan frescos como una pieza familiar de arte folk , una guarnición pìntada o un rótulo de taberna". Los cuadros en cuestión consagraron a Shahn, como pintor; en 1932 el Whitney Museum of American Art eligió uno de ellos para su primera bienal y el mismo año fue invitado a participar en una exposición de pintura mural en el Museum of Modern Art. Colaboró con Diego Rivera en un fresco del Rockefeller Center, destruído en 1933 antes de su conclusión , a causa del retrato de Lenin en él incluído.

El título de la serie, La pasión de Sacco y Vanzetti, pretendía asociar la persecución y muerte de los dos obreros con el martirio y la pasión de Jesucristo. La representación de Stalin, confirmada por el material fotográfico, adquiere un carácter abierto en virtud de la estructura simplificadora y gracias a la elección del tema que perpetúa el recuerdo de algo que, de no ser así, hubiera caído en el olvido hace mucho tiempo.

Fuente: Pinturas de vanguardia

OTRAS PINTURAS DE LA SERIE "LA PASIÓN DE SACCO Y VANZETTI", de BEN SHAHN:




sábado, 18 de abril de 2015

"CUANDO PASAN LAS CIGÜEÑAS", PELÍCULA DEL DIRECTOR SOVIÉTICO MIKHAIL KALATOZOV

TÍTULO ORIGINAL: Letyat zhuravli
AÑO: 1957
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Unión Soviética
DIRECTOR: Mikhail Kalatozov
GUIÓN: Viktor Rozov (Basado en la obra de Viktor Rozov)
MÚSICA: Moisej Vajnberg
FOTOGRAFÍA: Sergei Urusevsky
REPARTO: Tatyana Samojlova, Aleksei Batalov, Vasili Merkuryev, Aleksandr Shvorin, Svetlana Kharitonova, Konstantin Nikitin, Valentin Zubkov, Antonina Bogdanova, Boris Kokovkin


Sinopsis: Esta es la historia de un amor que no pudo ser destruido incluso por la guerra. Borís perece en el frente: cayó abatido por una bala del enemigo. Verónica esta desolada: ella perdió a su amado, sus padres, su casa. Desesperada, ella trata de formar una nueva familia, pero sólo pierde su autoestima. Finalmente, recupera la fe en sí misma, cuando salva a un niño de debajo de las ruedas de un auto. Ella encuentra fuerzas para continuar viviendo, y se niega a creer que Borís esta muerto. Verónica sigue esperándolo. Para ella la vida es amor, y su pérdida equivale a morir.

CRÍTICA

En esto del cine hay películas de todo tipo: buenas, malas, regulares y otras, como esta, que pueden calificarse de precursoras o innovadoras, que crean estilo y que vistas muchos años después, parecen no haber envejecido ni un ápice con el paso del tiempo.

Y es que “Cuando pasan las cigüeñas” sólo parece encajar con el año 1957 en cuanto al tema de fondo que trata, la II Guerra Mundial, con cierto tono propagandístico, pero que aún en este tema da un paso más respecto al cine de la época, al humanizar al ejército soviético y optar por un mensaje triunfalista comedido, que sólo en el discurso final, necesario para un “happy end” que aliviara el intenso drama mostrado, parece tener cabida.

Pero, si no fuera por los acontecimientos históricos en los que se inserta la trama, y el sospechoso blanco y negro con el que está rodada, ningún espectador de hoy en día ubicaría esta película a finales de los años 50. Formal y estilísticamente, resulta extremadamente audaz, con imposibles movimientos de cámara, que se eleva en zigzag por las escaleras de un edificio, que persigue a la enamorada al hombro entre la multitud, que se desliza en diversos travellings unos pausados y otros frenéticos, que roba planos detalle del rostro de la protagonista, que ensambla diversos planos superpuestos, que se eleva sobre un paisaje metálico.

Mikhail Kalatozov, hace un trabajo impecable, orquestando la cámara y los personajes en una compleja coreografía, que puede apreciarse bien en las escenas corales, tanto la de la despedida del amado que es enviado a la guerra, como en la del regreso de los soldados en la estación de tren. Todo está medido al detalle, para pasar de unas parejas a otras, que lloran, se besan, sonríen o se buscan y todo ello imprimiendo tensión al drama, pues Verónica, la protagonista, no consigue encontrar a su querido Boris entre los que van a partir a la guerra para darle su último adiós.

La película es un dramón en toda regla y para ello ha de contar con buenos actores que empaticen con el espectador. Aquí los tenemos, Aleksey Batalov (Boris), Vasili Merkuryev (el padre) y muy especialmente Tatyana Samojlova (Veronica), que se convierte en el eje central de la película, tanto temáticamente como en lo visual. Con una faz pálida y unos expresivos ojos negros, enmarcados por el eyeliner, la cámara la busca constantemente a ella, porque queremos adivinar lo que piensa y sobre todo lo que siente en todo momento, abandonada a los brazos del espectador mientras su amado lucha en el campo de batalla con su foto bajo la chaqueta.

“Cuando pasan las cigüeñas” está repleta de secuencias remarcables: la de Boris subiendo las escaleras a toda prisa, la de la despedida entre la muchedumbre, la de Verónica corriendo para buscar a sus padres tras un bombardeo, la del piano bajo las bombas y otras que es mejor no revelar al ser parte fundamental de la trama. En todas ellas destaca, además de la labor de dirección, la de montaje y la de fotografía, con un excelente trabajo de Sergei Urusevsky.

Esta es una de esas películas que quizás no son muy conocidas, pero que merecen ser recomendadas a voces, pues espectáculos como este pocas veces se encuentran. Ya decían los comentarios del año de su estreno: “había un silencio profundo en la sala, la pared que separaba el arte de la realidad había sido derribado…. y las lágrimas abrían las puertas”.

Si las cigüeñas dejan de volar es porque algo terrible e importante está pasando.

Fuente: El Séptimo Arte

VER PELICULA CON SUBTITULOS EN CASTELLANO:


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viernes, 17 de abril de 2015

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA "RUSIA. SIGLO XX EN FOTOGRAFÍAS. 1946-1964"

El Museo de Arte Multimedia de Moscú acoge la exposición “Rusia. Siglo XX en fotografías. 1946-1964”. La exposición recorre el período desde el inicio de la Segunda Guerra Mundial y los últimos años de las purgas estalinistas hasta la era de Jruschov, también conocida como el Deshielo.

Festival de deportes, estadio de Dinamo, Moscú, 1946

 La Carrera de natación del Día de las Fuerzas Navales. Sebastopol, junio de 1949

El jefe de taller de ZIL(fabricante de automóviles) con su familia, 1954

 Moscú en obras, distrito de Cheriomushki, 1954
 
 Plaza de Arbat, 1958. Las primeras fuentes de bebidas carbonatadas aparecieron en la URSS en 1932. Un vaso de agua con gas costaba 1 kopék (una centésima parte de un rublo), y uno de agua con jarabe – 3 kopéks.

Seleccionando el lugar apropiado para el monumento de Mayakovski. El monumento fue inaugurado el 28 de julio del 1958. Más tarde este lugar se convirtió en el lugar favorito para el encuentro de los poetas.

 Los políticos Nikita Jruschov, Leonid Brezhnev y Mijaíl Suslov se reúnen con cosmonautas German Titov y Yuri Gagarin en el aeropuerto de Vnúkovo el 9 de agosto del 1961.


Amanecer. 1964


 El sexto Festival Internacional de la Juventud y los Estudiantes, Moscú, 1957

Fuente: Rusia Hoy

jueves, 16 de abril de 2015

"EL ARTE Y LA REVOLUCIÓN", DE CÉSAR VALLEJO, EN CONMEMORACIÓN DEL 77 ANIVERSARIO DE LA MUERTE DEL POETA COMUNISTA


El arte y la revolución es un libro de ensayos del escritor peruano César Vallejo, donde reflexiona sobre el papel del arte dentro del marco de la revolución marxista. Fue escrito a fines de la década de 1920 y comienzos de la de 1930, pero el autor no logró en vida que alguna editorial lo publicara. Fue editado décadas después, junto con otro volumen de ensayos y escritos diversos titulado "Contra el secreto profesional" (Lima, Editorial Mosca Azul, 1973, prologada por Georgette Vallejo, viuda del escritor).

El arte y la revolución no sólo es un aporte valioso a la estética marxista (en la Hispanoamérica de su época únicamente le gana la contribución formidable de Mariátegui, de otro lado compaginable con el marxismo creador de Vallejo); sino un texto con meditaciones de interés sobre el papel del arte, para cualquier lector, marxista o no, que quiera reflexionar sobre la dimensión socio-política del arte y el artista.

El presente texto de “El arte y la revolución” ha sido tomado de: “César Vallejo. Obras completas”, Tomo 11, con prólogo de Ricardo González Vigil. (Lima, Editora Perú S.A., Julio de 1992. Edición popular distribuidagratuitamente por el diario ''La Tercera'' de Lima)

ACCESO A "EL ARTE Y LA REVOLUCIÓN", DE CÉSAR VALLEJO: http://es.scribd.com/doc/15789118/Cesar-Vallejo-El-Arte-y-La-Revolucion

miércoles, 15 de abril de 2015

ASTIBERRI PUBLICA "LA BALADA DEL NORTE", LA REVOLUCIÓN DE ASTURIAS DE 1934 EN CÓMIC

EL CÓMIC BAJA A LA MINA

Alfonso Zapico rescata los acontecimientos que derivaron en la Revolución de 1934 en Asturias en ‘La balada del norte’, una ambiciosa novela gráfica de 500 páginas


Puede que una revolución no traiga el futuro, pero seguro que regalará algunos clichés. La que vivió Asturias en 1934 dejó muchos muertos y no menos heridas en la memoria. Ocho décadas después de aquellos días, que anticiparon el salvajismo de la guerra que se agazapaba a la vuelta de la esquina, el historietista Alfonso Zapico ha decidido abordarlos en La balada del norte (Astiberri), una novela gráfica de 500 páginas, evocadores grises de carbón y bruma y textura de viejo papel de periódico.

Dividida en dos tomos —se acaba de publicar el primero—, es un proyecto hercúleo, que entronca con la ambición de Dublinés, la primera biografía gráfica de James Joyce, que convirtió al dibujante en el más joven ganador del Premio Nacional de Cómic (2012).

Zapico armó Dublinés a partir de entrevistas con especialistas y de viajes a las ciudades del escritor (que luego darían un segundo álbum delicado y personal: La ruta Joyce).

El método empleado en La balada del norte no difiere: documentación y conversaciones con testigos o sus descendientes. El autor sortea la saturación histórica con un recurso sencillo y eficaz, que va salpicando los capítulos: la reproducción a doble página de una hipotético periódico donde se resumen los hitos políticos y sindicales de aquellos días.

Para recrear la atmósfera no tuvo que desplazarse. Aunque ahora reside en la ciudad soñada por numerosos creadores de tebeos, Angulema (Francia), Zapico nació en 1981 en Blimea, en plena cuenca asturiana. En ese lugar similar al que dibuja en tres tonos básicos (blanco, gris y negro), en la ficción persisten las cicatrices del 34 y sus mitos. “En el valle minero siempre se recuerda mucho, pero creo que con clichés. En verdad la gente no sabe nada. Al estar fuera pensé que podría contarla sin prejuicios”, explica por teléfono el autor.

Apartarse para entender. “Para mí habría sido muy difícil hacerla en Asturias. Todo el mundo quería que yo dibujara su versión de la historia cuando empecé a hablar con gente”. En los personajes de Apolonio, su hija Isolina, el marqués y su hijo Tristán se condensan vilezas, grandezas, dudas y fatalidades, que debieron circular por el aire aquellos meses.

El marqués multipropietario, patrón de la mina Santa Aurelia, explota a sus obreros sin renunciar a un código de conducta que hoy haría reir a cualquier inversor financiero: “Nunca hago negocios con gente que vive entre dos lugares. La gente sin hogar es gente sin honor”.

Apolonio es un minero con autoridad moral, sin especial compromiso político hasta que su sentido de la justicia le coloca al frente de las protestas de quienes bregan a diario con la soga al cuello. “Listo, otro día que libramos”, comentan con naturalidad los mineros mientras un ascensor les iza de nuevo al mundo exterior al concluir su jornada. Otro día vivos.

En este primer tomo, Zapico expone el contexto previo al estallido de la Revolución: la proclamación de la República, la represión política seguida por los gobiernos derechistas, la ebullición obrera y la brutalidad laboral. No había límites. A la mina bajaban menores de 16 años. El alcoholismo acababa de enterrar lo que no mataba el carbón. “La gente tenía una vida miserable”, subraya el autor, que comenzó el proyecto hace más de tres años. “Los sueldos eran cada vez más bajos y cada vez pasaban más hambre. Además los mineros tenían pánico a las noticias que llegaban de Europa, con el auge de los fascismos”.

En Asturias triunfó lo que no prosperó en otro lado. Los sindicatos hicieron una tregua en sus hostilidades recíprocas y convocaron una huelga revolucionaria. Algunas páginas de La balada del norte evocan al Novecento de Bertolucci, con sus marchas de explotados, conscientes de que su poder reside únicamente en la suma, en la intimidación que ejerce la masa cuando se dispone a todo. “Creo que he peleado bien. Quizá porque no tenía gran cosa que ganar”, escribió Albert Camus después de la fracasada revolución asturiana. Puede que los mineros no tuvieran gran cosa que ganar, pero desde luego no tenían nada que perder.

FOTOGALERÍA: http://elpais.com/elpais/2015/03/21/album/1426973941_134294.html#1426973941_134294_1426974218

Fuente: El País


martes, 14 de abril de 2015

FALLECE EL ESCRITOR URUGUAYO EDUARDO GALEANO


El escritor y periodista uruguayo, Eduardo Galeano, falleció este lunes a los 74 años en Montevideo.

A través de teleSur, te ofrecemos las obras completas de Eduardo Galeano para descargar en formato PDF:

Días y noches de amor y de guerra: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/multimedia/2015/04/13/diasdenochedeamoryguerra.pdf

El libro de los abrazos: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/news/2015/04/13/el_libro_de_los_abrazos.pdf

Las palabras andantes: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/news/2015/04/13/laspalabrasandantes.pdf

Las venas abiertas de América Latina: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/news/2015/04/13/las_venas_abiertas_de_amxrica_latina.pdf

Memoria del fuego I – Los nacimientos: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/news/2015/04/13/memoria_del_fuego_i_los_nacimientos.pdf

Memoria del fuego II - Las caras y las máscaras: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/news/2015/04/13/memoriasdelfuegoii-lascaras_y_las_mascaras.pdf

Patas arriba, la escuela del mundo al revés: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/multimedia/2015/04/13/patasarriba.pdf

Bocas del tiempo: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/news/2015/04/13/bocasdeltiempo.pdf

Espejos, una historia casi universal: http://static.telesurtv.net/filesOnRFS/multimedia/2015/04/13/espejos.pdf


Fuente: teleSur (http://www.telesurtv.net/news/10-Libros-para-descargar-de-Eduardo-Galeano-20150413-0018.html)
 
Extraño "dictador" este Hugo Chávez

Por: Eduardo Galeano

Extraño dictador este Hugo Chávez. Masoquista y suicida: creó una Constitución que permite que el
pueblo lo eche, y se arriesgó a que eso ocurriera en un referéndum revocatorio que Venezuela ha
realizado por primera vez en la historia universal.

No hubo castigo. Y esta resultó ser la octava elección que Chávez ha ganado en cinco años, con una
transparencia que ya hubiera querido Bush para un día de fiesta.

Obediente a su propia Constitución, Chávez aceptó el referéndum, promovido por la oposición, y puso su cargo a disposición de la gente: “Decidan ustedes”.

Hasta ahora, los presidentes interrumpían su gestión solamente por defunción, cuartelazo, pueblada o
decisión parlamentaria. El referéndum ha inaugurado una forma inédita de democracia directa. Un
acontecimiento extraordinario: ¿Cuántos presidentes, de cualquier país del mundo, se animarían a
hacerlo?. Y ¿cuántos seguirían siendo presidentes después de hacerlo?.

Este tirano inventado por los grandes medios de comunicación, este temible demonio, acaba de dar una tremenda inyección de vitaminas a la democracia, que en América Latina, y no sólo en América Latina, anda enclenque y precisada de energía.

Un mes antes, Carlos Andrés Pérez, angelito de Dios, demócrata adorado por los grandes medios de
comunicación, anunció un golpe de Estado a los cuatro vientos. Lisa y llanamente afirmó que “la vía
violenta” era la única posible en Venezuela, y despreció el referéndum “porque no forma parte de la
idiosincrasia latinoamericana”. La idiosincrasia latinoamericana, o sea, nuestra preciosa herencia: el
pueblo sordomudo.

Hasta hace pocos años, los venezolanos se iban a la playa cuando había elecciones. El voto no era, ni
es, obligatorio. Pero el país ha pasado de la apatía total al total entusiasmo. El torrente de electores,
colas enormes esperando al sol, a pie firme, durante horas y horas, desbordó todas las estructuras
previstas para la votación. El aluvión democrático hizo también dificultosa la aplicación de la prevista

tecnología último modelo para evitar los fraudes, en este país donde los muertos tienen la mala
costumbre de votar y donde algunos vivos votan varias veces en cada elección, quizá por culpa del mal de Parkinson.

“¡Aquí no hay libertad de expresión!”, claman con absoluta libertad de expresión las pantallas de
televisión, las ondas de las radios y las páginas de los diarios.

Chávez no ha cerrado ni una sola de las bocas que cotidianamente escupen insultos y mentiras.
Impunemente ocurre la guerra química destinada a envenenar a la opinión pública. El único canal de
televisión clausurado en Venezuela, el canal 8, no fue víctima de Chávez sino de quienes usurparon su presidencia, por un par de días, en el fugaz golpe de Estado de abril del año 2002.

Y cuando Chávez volvió de la prisión, y recuperó la presidencia en andas de una inmensa multitud, los grandes medios venezolanos no se enteraron de la novedad. La televisión privada estuvo todo el día pasando películas de Tom y Jerry.

Esa televisión ejemplar mereció el premio que el rey de España otorga al mejor periodismo. El rey
recompensó una filmación de esos días turbulentos de abril. La filmación era una estafa. Mostraba a lossalvajes chavistas disparando contra una inocente manifestación de opositores desarmados. La
manifestación no existía, según se ha demostrado con pruebas irrefutables, pero se ve que este detalle
no tenía importancia, porque el premio no fue retirado.

Hasta ayercito nomás, en la Venezuela saudí, paraíso petrolero, el censo reconocía oficialmente un
millón y medio de analfabetos, y había cinco millones de venezolanos indocumentados y sin derechos
cívicos.

Esos y otros muchos invisibles no están dispuestos a regresar a Nadalandia, que es el país donde
habitan los nadies. Ellos han conquistado su país, que tan ajeno era: este referéndum ha probado, una
vez más, que allí se quedan.

lunes, 13 de abril de 2015

EL GRAN ALBUM DE LOS EMIGRANTES ESPAÑOLES EN EE.UU.

Ángel Alonso, con sus hijos nacidos en Nueva York, Joseph (izquierda) y Manuel. Alonso vivió en varios Estados hasta asentarse en el pueblo de Wallkill (Nueva York), cultivando frutales y segando hierba, como hacía en la aldea asturiana de Nevares antes de emigrar.

Un libro reúne 327 fotos de la vida de los que se marcharon a hacer las Américas

"Dentro de pocos años, […] aquellos españoles que están en Hawai trabajando por su salvación serán buenos ciudadanos estadounidenses". Este recorte en The Washington Post del 14 de diciembre de 1907 ilustra la llegada de decenas de miles de emigrantes de Galicia, Asturias, Cantabria, País Vasco, Andalucía, Valencia… entre el último tercio del siglo XIX y comienzos del XX a una tierra que les prometía oportunidades. Campesinos y obreros que no sabían ni una palabra de inglés y con apenas unas monedas en los bolsillos, reunieron el valor de embarcarse a Estados Unidos para huir de la miseria o de un servicio militar obligatorio cuyo probable destino era morir en las guerras norteafricanas.

Las fotos —con la pátina sepia o en blanco y negro— de aquellas vidas han permanecido desperdigadas en álbumes familiares, cajones, cajas o baúles como los que tenía Elena Barquilla en su casa de Trujillo (Cáceres), forrados con periódicos de 1913 y repletos de imágenes de sus bisabuelos en California.

Ahora, un precioso libro, Invisible Immigrants Spaniards in the US (1868-1945), de James D. Fernández y Luis Argeo, ha reunido 327 fotos y documentos que cuentan la aventura de aquellos españoles que hicieron las Américas. "Mi abuelo paterno, en la cubierta del SS Aquitania. Llegó en 1926 y trabajó de fogonero en Newark", detalla el pie de una de esas instantáneas, en la que se ve a un grupo en el que sobresale la boina negra de Adolfo Losada.

Este gran álbum —en edición bilingüe, inglés y español— de lo que Fernández (Nueva York, 1961) denomina "el heroísmo de lo cotidiano" forma parte de un proyecto que incluye un archivo digitalizado y dos películas ya exhibidas, para alumbrar un capítulo de la historia de España "sobre el que hay mucho desconocimiento", señala el periodista Luis Argeo (Piedras Blancas, Asturias, 1975). “Se ha hablado sobre todo de los que se fueron a Latinoamérica. En EE UU, los españoles fueron invisibles, en comparación con la cantidad de italianos o irlandeses que emigraron”.

Con la ayuda de hemerotecas, la literatura y documentos oficiales de los consulados, empezaron en 2010 a reunir fotos. "Cuando llegamos a las 7.000 escaneadas, pensamos que era el momento de hacer un libro", añade Argeo. Lograron autoeditar su obra con una campaña de micromecenazgo que reunió en septiembre de 2014 45.000 dólares (41.500 euros). 1.500 ejemplares llegaron a librerías en febrero.

Ambos con antepasados que hicieron el petate a América, Argeo y Fernández compartían el hartazgo por el tópico que constriñe la huella española en EE UU a frailes o conquistadores. "Hice una película en 2006 llamada AsturianUS, porque de mi municipio se fueron muchos a fábricas de la América profunda". Fernández, catedrático de Literatura y Cultura Española en la Universidad de Nueva York, se enteró del filme y contactó con Argeo.

En sus viajes por tierras estadounidenses, contactaron con descendientes de emigrantes, gente mayor que les abrió sus casas y álbumes. De entre estas historias, Argeo subraya la del vasco Valentín Aguirre, que montó en Nueva York un restaurante y un hotel al que iban la mayoría de españoles tras el reconocimiento médico y legal en la isla de Ellis. Aguirre mandaba a su hijo al puerto para, a gritos o con carteles, reunir a los vascos que llegaban desde la Península y que en muchos casos ni hablaban castellano. Como tituló The New York Times el 21 de marzo de 1911: "Agentes de inmigración son incapaces de descifrar ni una palabra de la arcaica lengua. Se produce un atasco de horas". Y si estos vascos seguían en tren camino al Oeste, "Aguirre les daba comida y les colgaba un cartel del cuello con el nombre del lugar donde debían bajarse, para que lo supiera el revisor". Otro triunfador fue el valenciano Vicente Martínez Ybor, que en Tampa llegó a levantar su propia ciudad, Ybor City, "capital del tabaco".

Peor suerte corrieron los 8.000 andaluces que entre 1907 y 1913 fueron a Hawái para cortar caña de azúcar, a 12.000 kilómetros de su casa, atraídos por los afiches que en sus pueblos les prometían "una magnífica casa, agua, lumbre y escuela gratuita para los hijos menores". Al llegar comprobaron que las condiciones de trabajo eran terribles, así que se marcharon… a la costa californiana. "Mis abuelos, nacidos en España y recién casados, vendimiando en el norte de California", cuenta una estampa que parece sacada de Las uvas de la ira.

Invisible Immigrants está dividido en capítulos en orden cronológico: Goodbye! muestra las fotos de antes de la partida y las que se llevaban de recuerdo los emigrantes. También están los primeros retratos de estudio en suelo americano, en los que se ponían un traje para decir a su familia "aquí estoy, y no me va mal". Living la vida recuerda los momentos de diversión, los bailes y comidas en centros regionales... "Estuve en una de las playas que tiene Nueva York, y es cuatro o cinco veces la de San Lorenzo", escribió en una carta a su hermana el asturiano Sixto Fernández en 1919. También había gusto por el deporte, como el Chorizo Bowl, el partido de fútbol que se jugaba cada 1 de enero entre equipos del este de San Luis y de Misuri, con presencia hispana, y que acababa en comilona.

Distinto es el tono del apartado Solidaridad y discordia, con fotos de españoles con el puño en alto, en apoyo a la República. "Tenían la esperanza de que si perdían los insurrectos, el país sería más igualitario y podrían volver", indica Argeo. El libro se cierra con Made in USA: los emigrantes saben que no van a regresar y se diluyen en el modo de vida americano. "España se convierte en algo ajeno", sobre todo para sus hijos, nacidos ya en EE UU, que se toman fotos vestidos con trajes regionales. Es como un juego en el que se disfrazan de españoles.

FOTOGALERIA: http://elpais.com/elpais/2015/03/31/album/1427806116_123322.html#1427806116_123322_1427819835

Fuente: El País

En la Guerra Civil la mayoría de españoles en EE UU apoyaron la República. El puño en alto fue una constante en las fotos de entonces, como esta del Coro Juvenil del Comité Antifascista Español de Canton (Ohio). 

Esta fotografía de 1945 es de un banquete organizado por el Club Obrero Español de Spanish Harlem para honrar a los veteranos de la Brigada Lincoln que habían luchado en la Guerra Civil. 

Margaret Dambley cuenta de esta foto en San Leandro (California) que "en cada Día de Acción de Gracias, comíamos en el sótano de la casa de la abuela Castro. Mi tío Manuel siempre llevaba su acordeón, y mi padre, sus castañuelas". 


El teatro del Centro Asturiano de Tampa, en una reunión conmemorativa del sexto mes de la huelga de los tabaqueros en 1920.

domingo, 12 de abril de 2015

"LENIN DE PASEO CON LOS NIÑOS", DE ALEKSANDR DEINEKA


Lenin de paseo con los niños
Aleksandr Deineka
1938
Óleo sobre lienzo
136 x 190 cm
Museo de las Fuerzas Armadas, Moscú

Apenas hay en la producción de Deineka representaciones directas o retratos de las figuras por antonomasia de la iconografía del realismo socialista (Marx, Lenin, Stalin y el círculo de mandatarios soviéticos de Stalin). Por supuesto, Lenin –tanto vivo como muerto–, era el centro de la vida soviética y de su imaginario, un puesto indisputado incluso por Stalin, que se presentaba a todos los efectos como una especie de reedición del líder muerto.

Lenin es la excepción a la ausencia de las representaciones de las figuras del poder en Deineka: en la radiante escena que pinta en 1938, Deineka coloca a Lenin en un automóvil, acompañado de niños –el futuro, los potenciales ciudadanos de la utopía– y en dirección a un futuro tan soleado y luminoso como la climatología del cuadro, que deja detrás un pasado de nubes negras.

Fuente: Alexander Deineka (1899-1969). Una vanguardia para el proletariado (Fundación Juan March)

sábado, 11 de abril de 2015

"GUÍA IDEOLÓGICA PARA PERVERTIDOS", PELÍCULA DE SLAVOJ ZIZEK

Título original: The Pervert's Guide to Ideology (Guía ideológica para pervertidos)
Dirección: Sophie Fiennes
Guión: Slavoj Zizek
Música: Magnus Fiennes
Fotografía: Remko Schnorr
Intervienen: Slavoj Zizek
Productoras: Coproducción Reino Unido-Irlanda; P Guide LTD / Blinder Films / Bord Scannán Na Héireann / The Irish Film Board / Film4 / British Film Institute Film Fund / Rooks Nest Entertainment
País de producción: Reino Unido
Año: 2012
Duración: 136 min.
Web Oficial: http://www.thepervertsguide.com/

Consenso sobre Tiburón (Steven Spielberg, 1975): el joven director Steven Spielberg demostró su maestría a la hora de dosificar la intriga en un filme que inauguró la era del blockbuster veraniego. Todos de acuerdo. Ahora bien, si preguntamos ¿qué representaba el tiburón?, comenzarán las discrepancias. Resumen de la guerra ideológica sobre el significado profundo de Tiburón: Fidel Castro, uno de los mayores fans del primer taquillazo de Spielberg, cree que Tiburón era una película marxista sobre la voracidad capitalista que devora al estadounidense medio. Lo que oyen. Por el contrario, según algunos críticos, el tiburón reflejaría la amenaza exterior que acecha EEUU, llámese inmigración o desastre natural.

Dos respuestas "mutuamente excluyentes", según cuenta Slavoj Zizek en Guía ideológica para pervertidos, documental en el que el célebre filósofo esloveno une fuerzas con la directora Sophie Fiennes, con la que ya rodó Manual de cine para pervertidos (2006), para explicar la ideología de taquillazos emblemáticos de Hollywood como Sonrisas y lágrimas (Robert Wise, 1965), Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), Titanic (James Cameron, 1997) o El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008).

Y si uno tiene que disfrazarse para que la gente entienda la relación entre Marx, Lacan y el Titanic de James Cameron, se disfraza

Guía ideológica para pervertidos es una nueva vuelta de rosca al rol de Slavoj Zizek como el Lionel Messi de la filosofía mundial, el hombre de los regates dialécticos imposibles, el maestro del uso de artefactos pop para explicar conceptos políticos, filosóficos y psicoanalíticos enrevesados. Otra muestra explosiva, en definitiva, de lo que Zizek mejor sabe hacer: convertir la divulgación filosófica y la agitación política en espectáculo. Y si uno tiene que disfrazarse para que la gente entienda la relación entre Marx, Lacan y el Titanic de James Cameron, se disfraza. En efecto, Zizek aparece en el filme caracterizado como los personajes de los que habla. Disertando sobre las complejidades de la ideología en una barca a la deriva o postrado en el camastro donde dormía Robert Niro en Taxi Driver.  Erudición, humor y comentarios políticos afilados. ¿Quién da más?Pero volvamos a Tiburón. ¿Quién tiene razón? ¿Fidel Castro o un sector de la crítica? Pues todos y ninguno, según Zizek. "¿Cuál es la respuesta correcta? Yo creo que ninguna de las dos pero, al mismo tiempo, ambas. Los estadounidenses corrientes, o las gentes de cualquier país, tienen gran cantidad de miedos. Tal vez tememos que los inmigrantes, o las personas que percibimos como inferiores, nos ataquen o nos roben. Tememos que alguien viole a nuestros hijos. Tememos los desastres naturales; tornados, terremotos y tsunamis. Tememos a los políticos corruptos. Tememos a las grandes compañías, que básicamente hacen con nosotros lo que les da la gana... Pues bien, la función del tiburón sería unir todos esos miedos para que, en cierto modo, cambiemos todos los miedos por uno solo. De esta forma nuestra experiencia de la realidad es mucho más sencilla", resume Zizek.  Y ahora viene la analogía: ¿Qué mejor ejemplo de sociedad que une todos sus miedos en uno que la Alemania de Hitler? O el nazismo y su capacidad para echarle la culpa de todos los problemas de Alemania a los judíos. Tiburón como metáfora involuntaria del ascenso del nazismo. Ahí queda eso.

Zizek utiliza el ejemplo de Tiburón para ir más allá del trasfondo ideológico del filme. Porque Guía ideológica para pervertidos es también una reflexión sobre los efectos de la ideología en la vida cotidiana y los retos a los que se debe enfrentarse uno para superar la estructura ideológica que sostiene la sociedad. Como si fuéramos capaces de desvelar algunas distorsiones políticas que rodean nuestras vidas, pero no todas, como muestra Zizek recurriendo a uno de los clásicos ocultos del Hollywood moderno: Están vivos (1988), de John Carpenter, que sirve como arranque del documental.

Están vivos cuenta la historia de un hombre que encuentra unas gafas que le permiten ver la ideología que se esconde detrás de cada persona y cada objeto. La tramoya de la realidad puesta al descubierto; justo lo que Zizek intenta hacer en Guía ideológica para pervertidos. "Las gafas funcionan como unas gafas de crítica de la ideología. Permiten, por ejemplo, ver el mensaje real que se esconde tras los carteles publicitarios. Ves un gran cartel que te promete las vacaciones de tu vida y cuando te pones las gafas sólo lees: cásate y reprodúcete", resume el filósofo.

El filme de Carpenter le sirve, por tanto, para describir las sutilezas de la ideología en la era de la democracia satisfecha. Nadie nos impone que consumamos; de hecho, nos encanta. Lo que no quita para que dicho proceso esté tan cubierto de ideología como cualquier otro. Y que dicha ideología sea mucho más complicada de quitarse de encima dada su invisibilidad. "Vivimos, dicen, en una sociedad posideológica. La autoridad social no nos dirige como sujetos que deben cumplir sus deberes y sacrificarse, sino como sujetos de los placeres. 'Conoce tu verdadero potencial. Sé tú mismo. Encabeza una vida satisfactoria'. Pero al ponerse las gafas, el protagonista del filme ve la dictadura oculta bajo la democracia. El orden invisible que alimenta su apariencia de libertad... El pesimismo de Ellos viven está justificado. Se trata de la ilusión definitiva. La ideología no sólo no se nos impone. La ideología es una relación espontánea con el mundo social, cómo percibimos cada significado, etc. De algún modo, disfrutamos de nuestra ideología... Y como muestra Carpenter en el filme, salirse de la ideología es una experiencia dolorosa".

Pero Zizek no sólo utiliza películas para desplegar sus tesis. El ejemplo más delirante del filme tiene que ver con la Novena sinfonía de Beethoven, cuyo último movimiento conocemos como la Oda a la alegría. Zizek lo ve como el paradigma de la flexibilidad ideológica de ciertos productos culturales.  El no va más del éxito de la ideología tanto por su descomunal aceptación popular como por su aparente ausencia de... ideología. "¿Qué representa la famosa Oda a la alegría?", se pregunta el filósofo. "Suele percibirse como una oda a la humanidad como tal.  A la fraternidad y a la libertad de todo el mundo. Lo que llama la atención es la adaptabilidad universal de esta conocida melodía. La pueden utilizar movimientos políticos completamente opuestos", asegura Zizek antes de proceder a enumerar la lista de amigos entrañables de la melodía de Beethoven. Atentos:
"En la Alemania nazi la Oda a la alegría se utilizaba para celebrar grandes acontecimientos públicos. En la Unión Soviética se idolatraba a Beethoven y se tomaba la Oda a la alegría casi como una canción comunista. En China, durante la gran revolución cultural, cuando se prohibió casi toda la música occidental, la Novena sinfonía sí se aceptaba: se permitía tocarla como música burguesa progresiva. La extrema derecha de Rodesia del Sur, antes de convertirse en Zimbabue, la utilizó para celebrar la demora del fin del apartheid. En el extremo contrario, Abimael Guzmán, líder de Sendero Luminoso, la guerrilla peruana de extrema izquierda, contestó lo siguiente cuando un periodista le preguntó cuál era su obra musical favorita: la Novena sinfonía de Beethoven... Incluso hoy en día la Oda a la alegría es el himno no oficial de la Unión Europea", resume Zizek. Máximo consenso, pues.

Esta pasmosa unanimidad permite a Zizek recurrir a uno de sus puntos fuertes como filósofo: el humor. "Podemos por tanto imaginarnos una escena perversa de fraternidad universal en la que Osama Bin Laden abraza al presidente Bush, Saddam abraza a Fidel Castro, y todos juntos cantan la Oda a la alegría. Funciona. Y así es precisamente como tiene que funcionar toda ideología. Nunca es sólo el significado. Toda ideología tiene que funcionar como un contenedor vacío abierto a todos los significados posibles... Aunque, por supuesto, hay un truco: que la neutralidad del marco nunca es tan neutral como parece", concluye.  Lo mejor de todo es que Zizek dice esto vestido de esta guisa: con casaca militar de cuello Mao y en un escenario que replica el bar de La naranja mecánica (1971) donde, como es sabido, Stanley Kubrick dinamitó de un modo extremadamente perverso el significado clásico de la obra de Beethoven.

El filósofo esloveno remata la función revisando dos de las películas más taquilleras de Hollywood en las últimas décadas: Titanic y El caballero oscuro. Un análisis sin desperdicio que resumimos con dos fogonazos para acabar: 1) "Titanic es el mayor ejemplo de ideología de la historia reciente de Hollywood". 2) "Lo verdaderamente inquietante de El caballero oscuro es que eleva la mentira a elemento principal de nuestra organización político/social. La sociedad sólo permanecerá estable, sólo sobrevivirá, si se basa en una mentira. Contar la verdad equivaldría a desintegrar el orden social".

Fuente: El Confidencial

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